Archivo del Autor: Daniel Alvarez

THE GODFATHER LIVE SE PRESENTARÁ EL 25 DE SEPTIEMBRE EN EL TEATRO GRAN REX

¡VIVÍ EL PADRINO COMO NUNCA ANTES!
EL CLÁSICO DE COPPOLA SE PRESENTA CON ORQUESTA SINFÓNICA EN VIVO EN BUENOS AIRES

Entradas por Tu Entrada


El 25 de septiembre, el Teatro Gran Rex revivirá la icónica banda sonora de Nino Rota con una proyección única de The Godfather acompañada de una interpretación sinfónica en tiempo real.


The Godfather LIVE lleva por primera vez la obra maestra de Francis Ford Coppola a los escenarios con música en vivo, haciendo su debut en el Teatro Gran Rex en Buenos Aires el 25 de septiembre. Ganadora de tres Premios Oscar® y otros numerosos reconocimientos, The Godfather sigue siendo una de las películas más grandes en la historia del cine. La icónica banda sonora de Nino Rota, acompañada de la música tradicional italiana y jazz, cobrará vida en el escenario, interpretada EN VIVO por la Orquesta B.A. Pops bajo la dirección de Damián Mahler, mientras la película se proyecta simultáneamente en alta definición en la pantalla gigante.


“Estamos muy emocionados de poder llevar esta magistral banda sonora y película a Buenos Aires,” dijo Justin Freer, director y productor de The Godfather LIVE. “El poder preservar y presentar la música de una de las películas más queridas de la historia, es algo verdaderamente emocionante. No hay música de cine tan instantáneamente reconocible como la melodía de apertura de Nino Rota tocada en trompeta, y pocas películas tan magistralmente hechas como The Godfather. La combinación de estos dos clásicos en el escenario en vivo en el Teatro Gran Rex será una experiencia visual y sonora como ninguna otra.”


The Godfather, lanzada por Paramount Pictures en 1972 con gran éxito tanto de público como de crítica, cuenta la historia de los Corleones y su rivalidad con otras familias criminales de Nueva York entre 1945 y 1955, mientras el personaje principal (Marlon Brando) transfiere el poder a su hijo menor (Al Pacino). También protagonizada por James Caan, John Cazale, Robert Duvall y Diane Keaton, la película ganó tres Premios Oscar®, incluyendo Mejor Película y Mejor Actor (Marlon Brando), y consolidó la reputación de Coppola como uno de los nuevos directores que revolucionaron Hollywood desde finales de los años 60. En 2008, una encuesta de la revista Empire nombró a The Godfather como la mejor película de todos los tiempos, distinción que también le otorgaron Entertainment Weekly y Metacritic. Actualmente ocupa el segundo lugar en la lista de películas de todos los tiempos de IMDb.


El compositor Nino Rota alcanzó reconocimiento internacional en los años 50 y 60 por su trabajo con los directores italianos Federico Fellini y Luchino Visconti, componiendo para películas como Noches Blancas, El Leopardo, La Dolce Vita y 8 ½. Su música para The Godfather, que incluye el inmortal “Love Theme from The Godfather”, fue clasificada en el puesto 5 en la lista de las mejores bandas sonoras de todos los tiempos por el American Film Institute.


“Estamos orgullosos de abrazar la evolución de la experiencia en vivo, y esperamos que este concierto rinda homenaje a los muchos músicos talentosos que dan vida a la música de las películas, mientras brindamos a todos la oportunidad de revivir una de las grandes obras maestras del cine.”


Acerca de CineConcerts
CineConcerts es uno de los principales productores de experiencias musicales en vivo y digitales realizadas con medios visuales, y sigue redefiniendo el entretenimiento. Fundada por el productor/director Justin Freer y el productor/escritor Brady Beaubien, CineConcerts llegará a más de 4,8 millones de personas en todo el mundo a través de conciertos en más de 3,000 presentaciones en 48 países hasta 2025, y recientemente lanzó CineConcerts +PLUS, una red digital global con cientos de episodios exclusivos de podcasts y contenido producido. CineConcerts continúa trabajando con algunas de las orquestas y lugares más prestigiosos del mundo, incluyendo la Orquesta Sinfónica de Chicago, la Orquesta de Cleveland, la Filarmónica de Londres, la Filarmónica de Los Ángeles, la Filarmónica de Nueva York, la Orquesta de Filadelfia, la Orquesta Filarmónica de Londres, y más.
Acerca de Paramount Pictures Corporation
Paramount Pictures Corporation (PPC) es una productora y distribuidora global de entretenimiento cinematográfico y una unidad de Viacom (NASDAQ: VIAB, VIA), una compañía líder en contenido con marcas de cine, televisión y entretenimiento digital de gran prestigio.


Acerca de Justin Freer (Productor / Director)
Justin Freer se ha consolidado como una de las voces musicales más emocionantes de la Costa Oeste y es un director y productor muy solicitado de conciertos de música cinematográfica en todo el mundo. Como director, ha trabajado con algunas de las orquestas más conocidas del mundo, como la Orquesta Sinfónica de Chicago, la Orquesta de Cleveland, la Filarmónica de Londres y más. Es el fundador y presidente de CineConcerts, una empresa dedicada a la preservación y presentación en concierto de películas, curando y dirigiendo cientos de conciertos con bandas sonoras completas en vivo con películas.

por Deja un comentario

Análisis: Metal Eden para PS5



Metal Eden es un juego de disparos en primera persona que te sumerge en un mundo futurista de ciencia ficción. Con una jugabilidad rápida y emocionante, similar a la serie Doom, este juego te desafía a eliminar enemigos y explorar un entorno de neón.
Controlamos a Aska, una androide con habilidades especiales con una ilimitada capacidad de regeneración.


Su consciencia puede ser trasladada a otros cuerpos y de este modo seguir con su misión si caemos en combate. Seguimos las órdenes de Nexus, una inteligencia artificial que nos implora liberar a los ciudadanos de Moebius. Debemos recuperar los núcleos de los ingenieros, unos robots gigantescos que nos proporcionarán la clave para liberar las conciencias de los ciudadanos de Moebius.
Es una historia sin demasiadas aspiraciones, que además flojea en su último tercio. Cuando llegas a su final puede resultar todo muy confuso. La trama es un poco genérica. Y, de hecho, la historia se queda a medias. Añadir que durante todos los niveles vas a tener a un personaje hablándote de forma constante, lo cual puede llegar a ser cansado.
A medida que avanzan en el juego, los jugadores pueden ampliar su arsenal y mejorar su cuerpo inmortal para enfrentarse a desafíos cada vez más difíciles.
El movimiento del personaje nos hace sentir rápidos y ágiles. Existe la posibilidad de balancearnos con un gancho por puntos concretos del mapa, un dash. Esto también se da por las paredes y muros específicos. Igualmente, hay diferentes secciones donde estaremos enganchados a una especie de raíles aéreos para avanzar hacia adelante, apareciendo enemigos para frenarnos.
La sensación de estar rodeado de enemigos, disparar y moverte al mismo tiempo está muy conseguida. Lo mejor es el gameplay que no presenta síntomas de agotamiento en toda la aventura. Podrás tener enemigos más o menos interesantes en sus diseños y patrones, pero vas a estar tan entretenido jugando con su sistema de combate que se equilibran las limitaciones y carencias.


El juego se desarrolla en un mundo artificial llamado Moebius, donde los jugadores deben explorar un mundo cibernético y descubrir los misterios del mundo subterráneo donde deberán enfrentarse a una variedad de enemigos y extraer núcleos de energía para ganar ventaja en la batalla.
Si eres fan de la serie Doom, Metal Eden es un juego que debes probar. Su jugabilidad rápida y emocionante te hará sentir como si estuvieras en una batalla épica.
Los gráficos del juego son impresionantes, con detalles y texturas que te harán sentir como si estuvieras en un mundo real.
El sonido del juego es también destacable, con efectos de sonido y música que te sumergirán en la acción.
El juego funciona sin problemas en la PlayStation 5, con una tasa de frames estable y sin caídas de rendimiento.


Conclusión
En resumen, Metal Eden es un juego de disparos en primera persona que ofrece una experiencia de juego rápida y emocionante en un mundo futurista de ciencia ficción. Con su jugabilidad adictiva y su entorno inmersivo, este juego es ideal para fans de la serie Doom y otros juegos de disparos en primera persona.


El juego ofrece un desafío adecuado para jugadores de todos los niveles, lo que lo hace divertido y emocionante para jugar.
En general, Metal Eden es un juego de disparos en primera persona que vale la pena jugar si eres fan de la ciencia ficción y la acción rápida. Con su jugabilidad adictiva, su entorno inmersivo y su excelente rendimiento técnico, este juego es una excelente opción para aquellos que buscan una experiencia de juego emocionante y desafiante. ¡Así que no esperes más y sumérgete en este mundo futurista!

Calificación 8/10

por Deja un comentario

Katy Perry: Tan cerca de sus fans en un show imponente en el Movistar Arena


Se podría hablar mucho del camino reciente de Katy Perry, del tropiezo quizás injusto de su disco 143 y de un revival que muchos sentían pendiente. Pero tras el lanzamiento de su Lifetimes Tour, la conversación dio un giro. La gira, conocida por su espectacular producción —con efectos visuales deslumbrantes, una escenografía de primer nivel y la propia artista surcando el aire del estadio—, puso de manifiesto que su poder en el escenario seguía intacto.


Cuando se anunció la etapa latinoamericana del tour, la noticia vino con una advertencia: el show no tendría el escenario completo ni toda la parafernalia original. La polémica no se hizo esperar, pero las dos fechas en el Movistar Arena de Buenos Aires se mantuvieron firmes. Es un recinto excelente para conciertos, aunque con una capacidad menor a la de otros estadios, lo que justificaba el recorte de producción para su llegada a nuestro país.


Sin embargo, para los afortunados que asistieron a la primera fecha, el 9 de septiembre, la experiencia fue más que satisfactoria. A pesar de la reducción del show, la producción brilló por sí sola. Si bien no pudimos ver a la artista volando sobre el público, el trabajo en las visuales, los cambios de vestuario y la sincronía entre músicos y bailarines demostraron un nivel de detalle impecable. Pero más allá de lo técnico, hubo un elemento que lo llenó todo: el inmenso carisma que Katy Perry irradia en cada momento.


El concierto comenzó con la cantante elevándose en un círculo para interpretar Artificial, dando la bienvenida al público de Buenos Aires. El show se estructuró en episodios, un concepto futurista y ciberpunk que va explorando las «vidas» de la artista. Le siguieron éxitos como Tear Eyes y Dark Horse, y luego un bloque de puros clásicos que levantaron al público: Woman’s World, California Gurls, Hot n Cold, Last Friday Night y I Kissed a Girl. La ovación fue ensordecedora, reviviendo algunos de los momentos más icónicos de su carrera.


La noche continuó con excelentes interpretaciones de temas como Nirvana, Crush y Wide Awake. Uno de los puntos más especiales fue la sección interactiva, donde el público tuvo la oportunidad de votar por una canción. Una ruleta virtual elegía un álbum y, a través de un código QR, los fans votaban por su tema favorito. Con mucho humor, Katy bromeó sobre la falta de conexión a internet en el recinto: «Aquí no dan wifi en los conciertos, ¿verdad?». Finalmente, el tema elegido fue Never Really Over.


El clímax de esta sección llegó cuando Katy subió a dos fans al escenario. Al darle el micrófono a una de ellas, llamada Guadalupe, la artista se sorprendió por su voz y la invitó a cantar juntas una canción que la fan se supiera. La elegida, The One That Got Away, no estaba en la lista original del show, pero es un himno para los fans. La versión improvisada a dúo fue uno de los momentos más conmovedores y aclamados de la noche.
En los tramos finales, sonaron canciones como Part of Me y Rise. Antes del bis, Katy Perry envió un mensaje directo y lleno de ironía, haciendo referencia a quienes le dijeron que no podría llevar su show a Latinoamérica por ser demasiado costoso. «No me importa, los fans de aquí son muy importantes y necesitaba venir», expresó, demostrando su dedicación.


El cierre fue una escalada de emoción. La imponente Roar hizo vibrar el estadio, seguida de Lifetimes y un final a lo grande con el himno Firework, un broche de oro para una noche en la que Katy Perry reafirmó que su carisma y conexión con el público son una fuerza imparable.

Gracias Move Concerts por la invitación al show

por Deja un comentario

Crítica: Demon Slayer: Kimetsu no yaiba Castillo Infinito

Si hay un anime que es un total éxito en la actualidad, es Demon Slayer. Y si encima de ser un éxito, le sumamos la acertada decisión de que el final del anime consistía en una saga de películas y no algo que se ve en streaming, las expectativas estaban a la orden de todos. Y ahora, tras una buena espera, llega a nuestros cines Demon Slayer: Castillo Infinito.



Como bien saben los que siguen el anime, esta película se centra en la batalla dentro del Castillo Infinito, con los Pilares, los cazademonios normales y los aprendices, matando a todo lo que se le cruza (Lunas Crecientes incluidas) mientras buscan a Muzan. Mientras, conoceremos el pasado de algunos personajes de ambos bandos.

Antes de ir a ver esta joyita, tienen que saber un par de cosas. La primera de ellas, es que si o si tienen que haber visto el anime. Nunca vamos a tener la secuencia de “anteriormente en Demon Slayer”, así que, si planean llevar a algún pariente pequeño al cine para quedar bien, yo diría que se lo vayan replanteando. Y lo otro, y pasando a quizás lo peor de toda la cinta, es que dura demasiado.

Si, Demon Slayer: Castillo Infinito dura unas casi dos horas y cuarenta, que, por desgracia, se notan demasiado en el tramo final. Esto se da, en especial, porque se abre todo un arco nuevo, que parece sacado de la galera, en vez de algo natural. Se entiende que le quieran dar contexto y origen a algunos personajes, pero no creo que flashbacks de veinte minutos fuera la mejor solución. 

Y ahora, empecemos con lo bueno, que es casi todo lo demás. Lo primero a destacar es la animación. La película se ve brutal, y no solo me refiero a las escenas de pelea (lo más sabroso de todo), sino a la estética en general. El diseño del dichoso Castillo rinde bastante, siendo una mezcla de laberinto y a la vez, arena móvil de videojuego; un deleite para los que son de dicho nicho. Aparte que, por momentos, la animación pareciera ser imágenes reales, más que otra cosa.

Quizás pueda sonar un poco fanboy, pero esta película es lo que todo seguidor de la saga quería ver. No solo porque amplía la historia y no es un “hagamos una peli que no sabemos si es canon, solo para robar”. En ese sentido, Demon Slayer hace lo correcto, y aparte dando de las mejores peleas que vamos a ver en el 2025.

Demon Slayer: Castillo Infinito va directo a lo mejor del año. Con las dos grandes pegas de estirarse en su tramo final, y dejar afuera al público nuevo, nada de eso puede opacar todo lo bueno que ofrece.



Calificación 8/10

por Deja un comentario

Reseña: La pelea de la carne


Las voces y la tentación del encierro

¿Que estaban pensando los polacos antes de las invasiones alemanes?
Una  pregunta que genera horror, pero, durante ese encierro, ¿Qué hacían ante el tedio y la monotonía?



»Las casas se desmayan porque el odio ha entrado; el país está ocupado y yo tengo miedo al futuro. Esta espera tensa rebota como un eco asesino en las habitaciones; no tengo a dónde ir, no hay a dónde ir. Mientras afuera el lujurioso plomo baila sensual, adentro todos estamos abrumados, pero de golpe, una idea me perforó como una bala, como una sigilosa misión». Alejandro Radawski reflexiona para definir lo que es la Pelea de la carne.

El autor rosarino/polaco trae un drama que se adapta muy bien a la comedia oscura; el contexto histórico lo permite. Navega en las mentes de la sociedad aterrorizada ante el peligro inminente de la invasión, la monotonía del encierro y la pérdida de la cordura.

Radawski y  el harén de actrices que lo acompañan, junto a Marcos Diaz se meten en las cabezas de estos personajes trastornados por la religión, el deseo, la guerra  y la perversión. Es una pelea por la carne si, también una pelea por el control.

Valentina Cutuli, Marcos Díaz, Malena Lopez, Giselle Scarcella, Tatiana Schreiner y Mariana Turiaci protagonizan la obra. Los actores son frenéticos ante la dirección y el libreto de Radawski.  Van  a perseguir  a una cámara broadcast todo el tiempo hablándole directamente para llevar el relato a primera persona, sus soliloquios son televisados.

Mientras mueven las sillas y una tabla para adaptar el escenario austero  a su antojo, se  apoyaran de lámparas para enfocar sus expresiones de terror en la oscuridad. El vestuario es otro personaje más, permite que se rompa el género de los personajes pero además, Emilse Benítez es digna de un aplauso ante la elegancia y sotisficación de sus telas, maneja muy bien su monocromático del negro.

Cualquiera puede participar en la obra y con esto me refiero al público, este forma parte del mismo al pisar el escenario, no sientan pudor ante las tablas porque los actores, sin salirse del personaje. harán que completen la narrativa de la historia. Contará como parte del CV esta aparición de extra en la pelea de la carne.

Radawski escribe, dirige, produce, monta el escenario y el sonido de su obra. La pelea de la carne es una mezcla entre la comedia, el terror y el lenguaje meta teatral que no es fácil de mantener pero el rosarino sabe como hacerlo y ofrece un producto original.

La pelea de la carne está disponible los jueves a las 20:30 en el Teatro Beckett.

Escribió Sebastián Arismendi para La butaca web.

por Deja un comentario

Werther: La última gran ópera romántica del siglo XIX



El pasado tres de septiembre se presentó en el Teatro Colón ‘Werther’, el clásico francés de Jules Massenet, la última gran ópera del siglo XIX.



La última vez que la casa lírica de Buenos Aires presentó esta ópera fue en 1991, anteriormente era un estreno de cada diez años. La puesta en escena de Rubén Szuchmacher nos lleva a la década de los veinte, época donde el estilo era sutil, delicado y de colores pastel.

»Pourquoi tu me reveiller?» es el aria más famosa de esta ópera, su nivel de complejidad  se asemeja a las  notas que realizó Wagner en Tristán und Isolda y el tenor francés invitado para representarla Jean-François Borras que  logró cautivar al público porteño, las lágrimas se quedaron en las cuencas de aquellos que tuvieron la dicha de escucharlo.

Werther es una ópera extensa (cuatro actos, tres horas de duración), los entreactos del show fueron tres ya que, cada uno llevaba a un clímax diferente y aunque es cierto que el dramatismo exagerado del libreto de Édouard Blau logra chocar (hablamos de que Werther sigue cantando luego de haberse provocado la muerte), es una obra que nos lleva a los inicios donde el sentimiento pesaba más que la lógica.

En 2023, el teatro Colón había estrenado Fausto, otra ópera francesa pero esta vez más temprana que la de Bassinet, una obra que dividió al público en dos.  Ambas adaptaciones de Goethe, la primera con un tono sombrío y la segunda es romántica.

En 1893  fue el estreno de Werther y la razón por la cual ha durado su presencia en el mundo, ha sido por las arias del tenor, así como Nabucco de Verdi el protagonista y el mayor apoyo era el coro, acá es el principal carácter masculino, un hombre atormentado y muerto por su obsesión.
Las obsesiones amorosas son un tema frecuente en la literatura y cine francés.

Rubén Szuchmacher nos regala una escenografía impoluta donde el espacio es clave, no es recargada ni barroca, más bien se acopla en la época en que se decidió adaptar (años veinte). El tono naranja está muy presente en la obra junto al amarillo, verde, violeta y azul. Son colores opacos pero con fuerza que complementan la falta de mobiliario y decoraciones de la obra, la iluminación de Gonzalo Cordova es la clave, una simbiosis parte del escenario.

Durante la presentación de la obra vemos el sofisticado  vestuario que acompaña el diseño de luces y la puesta en escena. Jorge Ferrari compone las telas que usarán los intérpretes y podemos ver que se acopla a la cinematografía que intenta proyectar Szuchmacher.

¿Fue Werther una ópera cinematográfica?  

Punto especial para resaltar la labor del coro infantil estable del Teatro Colón, niños que van desde los siete hasta los catorce años y que aportan dulzura a la obra. Helena Cánepa es su directora y carga con la responsabilidad de que estos niños hayan dado la apertura con su canción de navidad. Un encanto.

Werther se presentó este invierno de 2025 en el Teatro Colón y seguro volverá con más fuerza y con más drama dentro de unos años.

Escribió Sebastián Arismendi para La butaca web.

por Deja un comentario

Análisis: Jotunslayer Hordes Of Hel para PS5


Tras 8 meses en acceso anticipado en PC, Jotunnslayer: Hordes of Hel finalmente llega en su versión 1.0 para deleite de los jugadores de consolas. Este roguelike de disparos en arena con perspectiva vertical se inspira en la mitología nórdica, sumergiéndonos en una experiencia donde la progresión constante es la clave.


Al principio eres débil, pero a medida que eliminas enemigos y subes de nivel, te transformas en una máquina de matar. El juego acelera este proceso con mejoras aleatorias que desbloqueas rápidamente, lo que te hace sentir cada vez más fuerte. Incluso si pierdes, no todo está perdido: la progresión permanente te permite mejorar tus estadísticas para que la próxima partida sea más fácil.



Jotunnslayer: Hordes of Hel cuenta con 6 clases de personajes y cinco niveles únicos. Al principio solo dos estarán disponibles, pero rápidamente desbloquearás más. Cada personaje tiene su propia habilidad inicial y un árbol de atributos que puedes mejorar con el oro que obtienes. Además, puedes acumular hasta cinco habilidades de autoataque, lo que te permite experimentar con diferentes estilos de juego.


Aunque los gráficos no son de última generación, superan las expectativas para un título independiente, especialmente por su diseño. Cada reino está diseñado de forma única, con enemigos exclusivos que se adaptan al entorno. Esto demuestra el gran esfuerzo de los desarrolladores por priorizar la autenticidad en lugar de reutilizar recursos.


La dificultad está bien equilibrada, con un progreso satisfactorio que te hace sentir que has pasado de ser un superviviente a un campeón de Hel. El juego también evita el tedio de otros títulos del género gracias a objetivos sutiles que mantienen la acción constante. En cuanto al rendimiento, la versión para PS5 funciona de maravilla, con tiempos de carga rápidos y una respuesta háptica en el DualSense que te sumerge aún más en la acción.


En resumen, Jotunnslayer: Hordes of Hel es una excelente opción para los fans del género roguelike que buscan una experiencia con contenido, mecánicas sólidas y una gran rejugabilidad.

Calificación 8/10

por Deja un comentario

Into the spiderverse Live! : La gran película del arácnido junto a la orquesta B.A Pops


El 30 de agosto, el cine se encontró con la música en una experiencia sin igual en el teatro Gran Rex. La función de «Spider-Man: Into the Spider-Verse» en su versión live no fue una simple proyección de película, sino una inmersión total en la historia de Miles Morales, acompañada en vivo por una orquesta.


La sala se llenó hasta el tope para ser testigo de esta propuesta innovadora. En la pantalla gigante se proyectaba el film animado que ganó un Óscar en 2019, mientras que, justo debajo, la B.A. Pops Orquesta, bajo la dirección de Damián Mahler, hacía magia.
Una Fusión Revolucionaria de Cine y Música
Esta experiencia es una verdadera joya. Va más allá de lo que conocemos como cine o un concierto, fusionando lo mejor de ambos mundos. Mientras la película avanzaba, la orquesta se encargaba de tocar en vivo la aclamada banda sonora de Daniel Pemberton, logrando una potencia emocional que eleva cada escena. La combinación de instrumentos sinfónicos con la energía del hip-hop, la electrónica y los beats de un DJ en vivo es algo que, sin dudas, realza la experiencia cinematográfica y te sumerge por completo en el multiverso.


Es importante destacar que, para quienes aún no han visto «Spider-Man: Into the Spider-Verse», esta es una película muy recomendable. Si bien esta experiencia de orquesta en vivo es para fans, el film por sí solo es una obra de arte. Si te perdiste esta función, ¡no te preocupes! Siempre hay una oportunidad de que la repitan o incluso, que hagan lo mismo con su aclamada secuela.


Fue un verdadero placer haber disfrutado de esta función. La banda sonora, con colaboraciones de artistas como Post Malone, Lil Wayne y Nicki Minaj, resonó con una fuerza impresionante en todo el teatro.
Y para quienes se quedaron con ganas de más, la próxima cita de esta serie de eventos será el 25 de septiembre con la proyección de «El Padrino», otra película icónica con una banda sonora exquisita.

por Deja un comentario

ESTE 22 DE SEPTIEMBREEL PUMA Y LOS PALMERASEN EL MOVISTAR ARENA

El esperado espectáculo “Una noche de oro”, protagonizado por Los Palmeras y José Luis “El Puma” Rodríguez, se llevará a cabo el próximo 22 de septiembre en el Movistar Arena con la participación estelar de Mateiko.





Dos íconos de la música popular latinoamericana en un mismo escenario, promete ser una experiencia inolvidable cargada de emoción, ritmo y grandes clásicos.


Una noche, dos leyendas, miles de corazones latiendo al ritmo de los grandes clásicos que siguen haciendo historia

Entradas por el sitio web de Movistar Arena

por Deja un comentario

Crítica: Together: Juntos hasta la muerte

Por Jorge Marchisio



El cine de terror está gozando de un buen momento en la actualidad. Películas como La hora de la desaparición o Haz que regrese, son muestras de que se pueden hacer cosas buenas, y originales, sin tener que hacer la secuela mil de alguna cita exitosa. Bajo esa misma premisa nos llega Together. Veamos si seguimos con la buena racha.



Dirigida y escrita por Michael Shanks, Dave Franco interpreta a Tim, quien junto a Millie (Alison Brie) se mudan a una casa que linda con un bosque. Un día sufren un accidente y terminan cayendo a un pozo en el que deben pasar la noche. Todo se va a ir complicando cuando tras beber un agua extraña, empezaran a pegarse físicamente.

Primero partamos de la base que hay un gran Efecto Mandela con respecto a esta película, y es que muchos piensan que el responsable de este proyecto es el ya nombrado Dave Franco, cuando en realidad solo lo tenemos como parte de la dupla principal. Así que una vez aclarado esto, continuemos con el análisis de Together.

Si debido a los posters bastante spoileadores, el trailer (que no se como es porque no lo vi) piensan que estamos ante una película de body horror, están en lo cierto. Y si bien las escenas grotescas no abundan en la hora y cuarenta que dura la película, si son lo bastante gráficas como para incomodar a aquellos de estómago más sensible.

Para alejarnos un poco de la trama, vamos a hablar de las actuaciones. Como cabría de esperarse de una película de terror que, si bien no es independiente, tampoco es mainstream, los dos inicios personajes importantes son los protagonistas, que también, son interpretados por los más conocidos. De hecho, podría decir que salvo por cierto personaje que sobra (bajo mi punto de vista), no aparece nadie más en la película.

Lo bueno de Together, que no es una película que busca causar terror o desagrado y ya, sino que trata de ser un poco más profunda. En este caso, haciendo un análisis al miedo que sufren las parejas a la hora de dar un paso adelante, ya sea yéndose a vivir juntos, o pensando en el casamiento. Así que, si están pasando por la misma situación, después nos cuentan qué les pareció la película.

Together termina siendo de esas películas que pareciera de otro género, camufladas como una de terror. Con alguna que otra escena medio desagradable, es una buena recomendación por el tema que plantea. Aunque, de todas formas, no se acerca al nivel mostrado por las pelis citadas arriba de todo.



Lo mejor: entretiene, los momentos grotescos.

Lo malo: quizás no sea tanto de terror.

Calificación 6/10

por Deja un comentario