Crítica: Wicked por siempre

Por Jorge Marchisio



Si hubo una película que no solo rompió el internet, sino que fue un furor entre la audiencia, fue Wicked. Y como no podía ser de otra forma, la secuela era inevitable, convirtiéndose de inmediato, una de las cintas más esperadas del año. Y ahora, acercándonos a El Mago de Oz, nos llega Wicked por siempre. Veamos que tal está.



Luego de los eventos ocurridos en la anterior película, Elphaba se encuentra en plena cruzada contra Oz, tratando de mostrar sus mentiras. Glelinda, mientras, es usada como pantalla para tener al pueblo contento, y, por último, una niña aparece en el lugar, traída con macabras intenciones para nuestra verde protagonista.

Antes de continuar, tengo que aclarar que la primera entrega de Wicked me pareció bastante aburrida. Y con esto en mente, no le tenía mucha fe a Wicked por siempre. Y no porque no me gusten los musicales, sino que esperaba que esta no adolezca del irregular ritmo que presentaba su predecesora. Y por suerte, si piensan como yo, esta no adolece de lo mismo.

Ahora ya conocemos el mundo y a los personajes, entonces no se van a tomar ¾ de película para presentarnos la situación y sus protagonistas. Eso sí, tengo que decir que la mayoría de las canciones de Ariana Grande me resultaron cancinas y repetitivas, en especial, porque justamente, repite los temas de amistad y popularidad/superficialidad que ya entendimos desde la primera entrega.

Pero, en cambio, las de Cynthia Erivo son oro puro. La chica podrá caer bien o mal, pero que este fue el papel de su vida, y se lució cantando, nadie lo puede dudar. De hecho, hasta podríamos habernos centrados casi en completo en su personaje, y creo que nadie se hubiera enojado. Elphaba se establece como de los mejores personajes femeninos de los últimos años.

En cuanto, a la parte artística, nada que agregar. la película sigue la línea de la primera, así que visualmente, todo se ve impecable y dudo que alguien tenga alguna queja sobre este apartado. De lo que, si nos podemos quejar, es que de nuevo hay una trama importante que pareciera estar metida en el tramo final porque alguien se acordó que estaba, y decidieron apretar el acelerador quince minutos. Nada nuevo en esta duología.

Seguramente veremos a Wicked por siempre con bastantes nominaciones en la próxima temporada de premios, y como suele ser recurrente, algunos van a ser merecidos y otros no. Lo que no se puede negar es que la película es buena, y es un paso adelante en comparación con su predecesora. Ahora queda ver qué tanto apoyo le da el público en las salas, y ver si esta nueva saga se establece como una de las más queridas de los últimos años.



Lo mejor: Cynthia Erivo, la puesta en escena.

Lo peor: lo irregular del guion, lo repetitiva que es la trama de Ariana Grande



Calificación 7.5/10

Crítica: Nada es lo que parece 3


Critica por PablinTeve
Tercera entrega de la franquicia «Ahora me ves». Los Cuatro Jinetes regresan junto a una nueva generación de ilusionistas en una extraordinaria aventura que contiene giros asombrosos, sorpresas alucinantes y trucos de magia nunca vistos en la gran pantalla. AHORA ME VES 3 vuelve a reunir el elenco original de la saga mientras incorpora nuevos rostros jóvenes y una villana de altos vuelos, Veronika Vanderberg, interpretada por la nominada al Oscar® Rosamund Pike.



Lo que me gustó
Hablando de magia, esta entrega, naturalmente, está repleta de ella. Y, aunque algunas de las ilusiones son claramente efectos especiales, muchas otras son de tipo práctico, lo que convierte a la película en un festín para los fanáticos del género. El punto culminante es una secuencia espectacular, ambientada en la antigua sede de The Eye, la sociedad secreta para la que los Cuatro Jinetes trabajaron anteriormente. Ahí, los personajes luchan a través de una serie de salas ingeniosamente diseñadas con ilusiones espaciales, que bien podrían despertar la envidia de Christopher Nolan.


La interacción verbal y física entre los Cuatro Jinetes originales sigue siendo tan divertida como siempre, con los intérpretes ya plenamente asentados en sus personajes después de doce años. No sorprende que los recién llegados aún no muestren el mismo carisma, aunque está claro que tienen espacio para desarrollarse, especialmente con una cuarta película de la saga ya anunciada. Dado que Michael Caine ha declarado que saldrá de su retiro para The Last Witch Hunter 2, esperemos que también pueda ser tentador regresar para esta próxima entrega.


Lo que no me gustó
Exceso de personajes, La inclusión de nuevos ilusionistas, si bien busca un conflicto generacional, resta tiempo de pantalla y desarrollo a los personajes originales y a los nuevos, sintiéndose en algunos casos «por hacer número».


El guion se esfuerza por sorprender pero a veces resulta  confuso. El giro final, que pretende ser un clímax melodramático y familiar, no termina de funcionar y diluye la celebración de la magia que enganchó al público.


Calificación : 7/10

EN SU ÚLTIMA SEMANA EN BUENOS AIRES, LAS ESTRELLAS DE BROADWAY PASARON POR LA GALA DE VALERIA MAZZA A BENEFICIO DEL ÁREA DE PEDIATRÍA DEL HOSPITAL AUSTRAL








El elenco encabezado por Alice Ripley y J. Robert Spencer estuvieron presentes para apoyar la causa y despedirse de Buenos Aires luego de una exitosa temporada de NEXT TO NORMAL IMMERSIVE que finaliza este fin de semana.




Valeria Mazza y Alejandro Gravier fueron, una vez más, los perfectos anfitriones de la Gala a beneficio del área de Pediatría del Hospital Universitario Austral, del cual la top model es madrina. Y los asistentes a esta exclusiva gala en el Palacio Duhau Park Hyatt Buenos Aires tuvieron la oportunidad de disfrutar de estrellas de Broadway en Buenos Aires.



El elenco de NEXT TO NORMAL IMMERSIVE  dijo presente y fue la oportunidad ideal para despedirse de una exitosa temporada que culmina este fin de semana con funciones viernes 14, sábado 15 y domingo 16 de noviembre en el CAI (Centro Audiovisual Inmersivo) de Colegiales.




La ganadora del Tony Alice Ripley (protagonista de grandes éxitos como Les Miserables, Sunset Boulevard, Side Show, Little Shop of Horrors, Tell me on a Sunday, Gentlemen Prefer Blondes, Show Boat, Sweeney Todd, Into the Woods, entre otras) y el nominado al Tony J. Robert Spencer (protagonista del musical Jersey Boys), brillaron interpretando temas de los musicales Les Miserables y Jersey Boys, respectivamente.




Luego se sumaron al escenario los tres jóvenes actores argentinos que se destacan en Next to Normal Immersive (Ema Giménez Zapiola, Axel Munton y Valentín Zaninelli) y todos juntos emocionaron a los presentes con el emblemático tema «Light».



«Next To Normal Immersive», la propuesta innovadora y disruptiva que transformó el aclamado musical de Broadway (revolucionario por su valiente y original abordaje sobre salud mental) en una experiencia inmersiva sin precedentes, adaptada especialmente por sus autores Brian Yorkey y Tom Kitt.

Desde su estreno, este espectáculo ha revolucionado la forma en que el público vive el teatro, desdibujando las fronteras entre actores y espectadores y se ha convertido en un verdadero éxito de críticas y ventas, agotando localidades en todas las funciones.

Queda sólo este fin de semana (viernes 14, sábado 15 y domingo 16 de noviembre) para disfrutar de esta experiencia en el CAI (Centro Audiovisual Inmersivo) en Jorge Newbery 3039 del barrio de Colegiales, un lugar diseñado para potenciar esta vivencia única.

Las entradas se pueden adquirir en Plateanet.




viernes 14 de noviembre a las 20:00 y 22:00 h

sábado 15 de noviembre a las 20:00 y 22:00 h

domingo 16 de noviembre a las 18.00 y 20:00 h en el CAI (Centro Audiovisual Inmersivo)

Jorge Newbery 3039, Colegiales

Análisis: Possessor(s) para PS5

Por Jorge Marchisio



Seguimos con los juegos hack´n slash de scroll lateral, y esta vez nos llega Possessor(s), de los amigos de Heart Machine (Hyper Light Drifter). Y contrario a lo que podría parecer, no estamos ante un juego más de este subgénero. Así que veamos de qué trata y que nos ofrece Possessor(s).



Esta vez encarnamos a Luca, luego de que su ciudad explote y una ola de demonios queden sueltos, es salvada por uno de ellos, Rhem. Ahora dotada de poderes y habilidades demoníacos, tendrá que salvar a los suyos mientras ayuda a su benefactor a volver a su hogar.

Una de las cosas que me llamó la atención desde un inicio en Possessor(s), es lo mundano que puede ser nuestro arsenal. Cuchillos de cocina, sartenes, mouse de pc con sus cables, látigos, casi cualquier utensilio de una casa, puede ser empuñado como objeto de ataque o asistencia para Luca. En este sentido, y aparte, por su nivel gráfico tradicional, el juego cuenta con bastante personalidad.



Lo que, si no tiene mucha personalidad, es lo poco precisos que son los controles. A la hora de esquivar los ataques (ya sea evitando o saltando) o la parte de plataformas, el juego es muy impreciso, al grado que al inicio me costó bastante avanzar, porque sumado a esto, a los dos o tres guamazos que nos comemos, ya perderemos y hay que volver al checkpoint. Si no tienen paciencia, vamos mal encaminados.

Si, se que son las reglas del metroidvania clásico, lo de ir, volver, aprender de los errores y que no nos den el juego en modo fácil pese a estar jugando en normal. Pero en este caso se siente más como un fallo de la productora, con una dificultad que no fue planeada; más que como un verdadero desafío.



Pero pasemos a lo positivo, y es el nivel artístico del videojuego. El apartado visual podría recordar bastante al visto en el anime/manga de Chainsaw Man, y es que la historia del pibe motosierra, es bastante similar, resumiéndose a un demonio dándole poderes a un ser humano. Y eso dota a los gráficos de un carisma que se agradece.

También vale destacar el carisma de Luca y Rhem. Ambos caen bien desde el inicio, y muchas veces nos dan ganas de seguir jugando, solo para saber en que termina su aventura, mientras cruzamos los dedos de que nada malo le pase al tándem humano/demonio.



Possessor(s) es un juego con personalidad, eso no se puede negar. Pero los controles tan poco pulidos pueden alejar a los jugadores casuales, debido, sobre todo, porque al mismo tiempo, la experiencia es exigente. Como dije, si tienen paciencia, adelante; si no, mejor esperen alguna rebaja.

Lo bueno: la estética, la personalidad que desprende el juego.

Lo peor: los controles.





Calificación 6/10

MARCO ANTONIO SOLÍS regresa a BUENOS AIRES con su tour MÁS CERCA DE TI

20, 21 Y 24 DE NOVIEMBRE – MOVISTAR ARENA

El ícono de la música latina, Marco Antonio Solís, vuelve a la Argentina para presentarse en el Movistar Arena con tres funciones imperdibles los días 20, 21 y 24 de noviembre, en el marco de su gira mundial Más Cerca de Ti World Tour 2025.



El artista comenta “Mi conexión con Argentina y su público es muy profunda. La forma de ser de mis seguidoras es sumamente amorosa; son maravillosas y viven con pasión el romanticismo de mis canciones.”

Marco Antionio Solís regresa para celebrar junto a su público argentino una verdadera fiesta musical. El sold out del 24 de noviembre reafirma el vínculo inquebrantable entre El Buki y su público.

Con más de 50 años de trayectoria, 80 millones de discos vendidos y un repertorio que ha trascendido generaciones, Marco Antonio Solís se ha consolidado como una de las voces más emblemáticas de la música romántica en español.

El artista mexicano promete tres noches únicas en Buenos Aires, “Aprecio cada oportunidad que Dios me da de estar en Argentina. Los conciertos me permiten conectar con los sentimientos de las seguidoras y la energía del lugar; para mí, lo más importante es abrirles mi corazón y dejarme llevar por la emoción.”

KAPANGA Y BÁNDALOS CHINOS PRESENTAN “DESEARÍA” UNA NUEVA REVERSIÓN DEL CLÁSICO DEL GRUPO

Kapanga continúa revelando colaboraciones que formarán parte de su próximo álbum que saldrá en 2026, un proyecto que celebra sus 3 décadas de trayectoria junto a grandes artistas de la música latinoamericana.





Ya se conocen los dos primeros adelantos: la explosiva reversión de su clásico “El Mono Relojero” con Damas Gratis y el estreno de “La Crudita” junto a Los Caligaris y Los Estrambóticos. Ahora, llega el turno de “Desearía”, una reinterpretación junto a Bandalos Chinos.



Originalmente incluida en el disco “¡Esta! (2004)»,»Desearía » es una de las canciones más queridas del repertorio de Kapanga . En esta nueva versión, la banda de Quilmes se une a uno de los grupos más representativos del pop argentino actual para tender un puente entre generaciones: una fusión donde la energía rockera y festiva de Kapanga se encuentra con la elegancia pop y el pulso moderno de Bandalos Chinos.

Crítica: Nada es lo que parece 3


Por @cronicadeunavidacualquiera

Todo lo que desaparece vuelve a aparecer.



La historia:
En las calles aparecen anuncios clandestino del regreso de los jinetes pero después de su presentación descubrimos no se trata de ellos, sino de otro grupo de jóvenes que tomó sus identidades para continuar con su causa.
Esto rápidamente llamó la atención de Daniel Atlas, Jesse Eisenberg, que ya no está en contacto con los otros jinetes y adopta a este nuevo grupo para la ilusión más ambiciosa de su vida.  Engañar a una megaempresaria de los diamantes, interpretada por Rosamund Pike, para que devuelva la fortuna que hizo su familia a los pueblos oprimidos de donde extrajeron los diamantes. ¿Podrán lograr este truco o correrán la misma suerte que la paloma en la galera aplastada? Habrá que verla para enterarse, si vale la pena o no lo vemos debajo.


¿Qué me gustó?
El regreso de todo el elenco original es un acierto y le da otro peso a esta saga. Aclaro que no es spoiler porque está en el poster de la peli.
Los giros y “trucos argumentales” a los que esta saga nos tiene acostumbrados se hacen presentes y algunos de ellos están bastante bien.

¿Qué no me gustó?
La película tiene un exceso de exposición y diálogo, casi todo el tiempo los personajes están explicando algo, solo se detienen para hacer sus trucos. Para ser justos este problema es habitual en esta saga pero en estos 10 años de impass lo podrían haber corregido un poco
La historia en si es bastante floja, especialmente le cuesta justificar por qué van contra el enemigo qué tienen. Hubiese sido más creíble que se enfrenten a algún antagonista que los haya afectado de manera personal,  quizás alguno relacionado a las películas anteriores.

¿A quién recomiendo esta peli?
A los que disfrutan de esta saga, quizás no sea la mejor entrega pero cumple con lo que buscamos de estas películas

Calificación: 7/10
Duración: 112 minutos
Estrena el 13 de noviembre en cines



Crítica: El sobreviviente

Por Jorge Marchisio




Si había una película que quería ver este año, era El sobreviviente. Pese a su cuestionable nombre en castellano, el saber que la persona detrás de este proyecto es mi querido Edgar Wright, y que se basaban en un libro de mi también querido Stephen King, hacia que esperara esta adaptación. Y pese a que el material original no es la gran cosa, y su primer paso por el cine fue cualquier cosa; había hype. Veamos que salió.



Nos vamos a un futuro distópico donde la humanidad sufre una tremenda desigualdad social. En este contexto, Ben Richards toma la difícil decisión de anotarse en El sobreviviente, un concurso que consiste en una cacería humana, con el único motivo de juntar dinero para sostener a su hija enferma y a su esposa.

Como dije al principio, The Running Man (título original de la novela) ya tuvo un paso por el cine, con su película homónima protagonizada por Arnold Schwarzenegger que solo tomaba la premisa del mundo distópico y una cacería humana. En cambio, esta versión de Edgar Wright, si trata sobre la manipulación de los medios y como cualquiera puede tener la posibilidad de plantarle cara a un sistema opresivo. Solo falta un catalizador.

¿Entonces estamos ante una de las mejores pelis del año? Y la verdad es que no. Y con esto no digo que El sobreviviente sea mala, pero el potencial que tenía detrás suyo, creo que no es del todo aprovechado. Empecemos por su director, quien ya mostró en reiteradas ocasiones, que si sabe dirigir acción y mezclarla de forma solvente con la comedia. Acá esto último si funciona (con mucha ironía), pero los tiroteos y cosa golda, no. De hecho, en esos tramos es cuando la película decae un poco.

Aparte, El sobreviviente tampoco destaca demasiado a nivel actuación. Por alguna extraña razón muchos odian a Glen Powell, pese a que el tipo no es mal actor, pero acá tanto él, como Josh Brolin, Emilia Jones o Michael Cera, dan performance bastante normal, siendo el único que merece ser destacado el gran Coleman Domingo en el rol del presentador del peligroso reality.

Otra cosa que no me gustó fue el final. Aquellos que hayan leído la novela de King, sabrán que jamás veremos una adaptación fiel de esa parte. Pero creo que se podría haber resuelto mucho mejor, si se confiaba un poco más en el espectador, en lugar de darnos todo masticado y explicado.

El sobreviviente es buena, y hasta podría haber sido la mejor película de acción del año. Pero el no haber aprovechado todo lo que se tenía al alcance de la mano, la deja como eso, como un casi. Véanla, pero bajen un poco las expectativas.



Calificación 7.5/10

Perfect blue: El largometraje anime de culto vuelve a Argentina, remasterizada en 4K para cautivar a las nuevas generaciones



En 1998, Satoshi Kon estrenó Perfect Blue, un thriller psicológico que revolucionó el cine animado japonés y dejó una huella imborrable en la cultura audiovisual. La película cautivó incluso a Darren Aronofsky, quien llegó a intentar comprar los derechos para realizar un remake. No lo logró, pero su admiración quedó reflejada en Requiem for a Dream (2000), donde reproduce con exactitud la famosa escena del grito en la bañera. Años más tarde, algunos elementos temáticos resonaron también en Black Swan (2011), aunque ese film toma su propio rumbo.



Satoshi Kon, quien falleció en 2006, dejó con Perfect Blue una obra maestra que hasta hoy sigue siendo estudiada por su audacia narrativa, su complejidad psicológica y su capacidad para difuminar la línea entre realidad e ilusión.

La película sigue a Mima, una “teen idol” japonesa que, tras un concierto, decide abandonar su grupo musical para perseguir su sueño de convertirse en actriz. Su transición no es fácil: Mima pasa de una imagen inocente y controlada por el marketing a un mundo televisivo oscuro y adulto, en el que la explotación mediática, el morbo y la presión de la industria la arrastran a un abismo emocional. Este cambio de identidad se convierte en el núcleo de la trama.

Kon construye su narrativa desde la perspectiva de Mima, y a medida que ella se enfrenta a acosadores, amenazas y a un misterioso blog que parece conocer cada detalle de su vida, nosotros comenzamos a perder el control de la línea temporal y a cuestionar qué es real y qué es producto de su mente. La película juega deliberadamente con la confusión: escenas que parecen suceder en el mundo “real” se mezclan con rodajes, sueños, recuerdos y alucinaciones, generando un laberinto psicológico que se intensifica minuto a minuto.

Lo más brillante es que Kon no utiliza estos recursos de forma gratuita. La fragmentación narrativa refleja la ruptura interna de Mima, una protagonista que tiene que lidiar no solo con la mirada pública, sino con la presión de redefinir quién es. En esa lucha, su identidad se fractura y su “yo” idolatrado empieza a perseguirla, encarnado en una figura luminosa, perfecta e imposible que simboliza cómo la industria la había reducido a un producto.

Perfect Blue es un estudio sobre la violencia de la fama, el desdoblamiento psicológico y la manipulación mediática. Su influencia sigue vigente porque entiende que el horror más profundo no está en criaturas fantásticas, sino en la mente humana cuando se ve atrapada entre expectativas imposibles, miedo, soledad y autodestrucción.

A 25 años de su estreno, las nuevas generaciones podrán conocer esta película, que continúa siendo una de las obras más inquietantes y visionarias del cine japonés. Satoshi Kon no solo creó un thriller psicológico impecable, sino una reflexión brutal sobre la identidad en un mundo previo a la masificación del internet.

Disponibles en salas selectas de Argentina  desde el 13 de noviembre

Muchas gracias Cinetopia por invitarnos a la Avant Premiere

Análisis: A Pizza Delivery


A Pizza Delivery es un título que, aunque corto y bastante lineal, se las ingenia para dejar una impresión visual y narrativa memorable, a pesar de sus evidentes fallos jugables. Encarnas a B, un repartidor de pizzas cuya misión comienza de forma rutinaria al recibir una llamada de su jefe en una cabina telefónica, pero que rápidamente se convierte en un viaje inesperado, transportándote a un mundo que ya no es Kansas.



El juego te sitúa en tercera persona y se enfoca más en la narrativa que en la complejidad mecánica. Casi todos los elementos del escenario sirven a la historia o se entrelazan con ella. B lleva consigo su fiel ciclomotor y, por supuesto, la pizza.
El viaje está lleno de instrucciones crípticas del jefe («Sigue las luces de colores», «No te sientes en los bancos»), lo que añade un aire de misterio al desarrollo. Aunque se te anima a compartir un trozo de pizza con los vagabundos y desconocidos que encuentras, esto no es obligatorio, sino un medio para «romper el hielo y conectar» con la gente.

La mecánica más distintiva gira en torno a la pizza: no se puede girar ni mojar. Esto introduce el «desafío de la humedad», obligándote a correr bajo cubierta cuando llueve (ya que un indicador de humedad se llena rápidamente) o arriesgarte a reiniciar el juego. Para avanzar, a veces tendrás que ingeniártelas, colocando la pizza sobre repisas o cintas transportadoras, manteniendo el objetivo de llevarla seca del punto A al B.


Si bien esta idea es novedosa e interesante, la reseña señala que solo se utiliza en tres ocasiones. El resto del contenido jugable se completa con puzles visuales, una persecución, un minijuego de lanzar piedras planas sobre el agua, y un inusual desafío de destreza basado en pulsar botones del mando. En general, se siente que las mecánicas innovadoras son escasas y el contenido jugable es limitado.

Donde A Pizza Delivery realmente brilla es en su apartado audiovisual. Los gráficos son bellos, con una hermosa cualidad onírica que se ve reforzada por una animación preciosa, destacando la hierba alta ondulante y unas auroras boreales brillantes. Los personajes, aunque de aspecto caricaturesco, están maravillosamente animados y son muy expresivos. La música también se menciona como un punto positivo.
La narrativa, a pesar de ser a veces vaga logra su objetivo de ayudar a B a conectar con los demás y sentirse de nuevo en el centro. Los objetos coleccionables actúan como recuerdos que revelan el pasado de B o de otros personajes. Sin embargo, la historia abusa del recurso «ya sabrás cuál es tu propósito cuando llegue el momento» para un cierre algo superficial, aunque la esencia de la historia es inspiradora.
Lamentablemente, la experiencia se ve entorpecida por problemas técnicos. El juego se describe como un poco caótico y algo tosco. Aunque el ciclomotor es el principal medio de transporte, se siente brusco y poco cómodo de conducir.




A Pizza Delivery es un juego con una premisa interesante y una excelente ejecución narrativa y visual que lo convierten en una experiencia artística notable. Sin embargo, los fallos jugables y la falta de control de calidad entorpecen significativamente el disfrute.
Es un título corto y económico, lo que permite que sus puntos fuertes (gráficos, música, y una historia conmovedora) destaquen por encima de sus errores. Al final, es un juego que te invita a juzgar por ti mismo si el viaje, a pesar de los baches, vale la pena.

Calificación 6.5/10