Reseña: El amor es una mierda

Historia de un divorcio

Hace un par de años pudimos ver la genial película de Noah Bambauch ”Historia de un matrimonio” protagonizada por Scarlet Johansson Adam Driver, como antecedente tenemos a Kramer vs Kramer de Robert Breton (1980) y en otra muestra pero de otra cultura está A separation de Asghar Farhadi (Irán). Todas hablan de lo mismo: El divorcio, cada uno desde un enfoque distinto, pero en El amor es una mierda vemos una mirada muy porteña y realista,
El amor es una mierda es un monólogo escrito y dirigido por Cecilia Mejilde y protagonizado por Vanesa Maja, cuya sinopsis nos dice: ”Una mujer se prepara para encontrarse con su reciente ex pareja. Ensaya una y mil veces formas para aparentar estar bien y práctica modos para que nada de su dolor salga a la superficie”.


Un escenario que se asimila a un estudio jurídico o sala de espera del mismo, una mujer y muchos sentimientos. Vanesa Maja nos da una interpretación plausible dentro del carisma, lo sincero, lo excéntrico y el desamor.


”Pensé que al casarnos sería una forma de estar juntos para siempre”, señala una de líneas de Cecilia Mejilde, y es que se tiene un concepto del amor legalizado muy definido, dónde no se piensa en el divorcio ya que este se asocia con el fracaso de la unión conyugal, sin embargo son situaciones que no son imposibles y en algún momento hay que aceptarlas.


El amor es una mierda es un deleite cargado de humor, neurosis y sentimientos dentro de lo que se planea decir durante un momento tan difícil, pues ¿Quien no tiene líneas y escenarios predeterminados ante trámites tan determinantes para la vida?


El amor es una mierda está disponible los viernes a las 20 horas en el teatro El extranjero (Valentín Gómez 3378). Les escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

Crítica: La Purga Por Siempre

La primera vez que salió una película llamada The Purge, nunca habíamos pensado que se convertiría en una saga que lleva cuatro películas y una serie de televisión. Este primer film, sin ser algo espectacular, nos traía una premisa novedosa y bien interesante, que fue la idea de que por un día (o unas horas) el crimen sea totalmente legal. Todo empezó con actores de la talla de Ethan Hawke y Lena Headey, en una película de bajo presupuesto que funcionó tan bien que llegó a tener secuelas que jugaron con la cultura popular, mediante el uso de máscaras y vestuarios propio de halloween. En esta cuarta película se nota que las ideas se agotaron, y quisieron ir más allá de la noche de la purga, el film es correcto, pero se nota que pierde la escencia de lo que este producto era.

En el film vemos que se viene un nuevo día de purga, todo normal, pero resulta que un grupo de personas decidió que esto debe durar más allá de ese día, dejando una purga eterna. Nos da un poco de trama sobre el anarquismo, sobre el racismo, pero todo tratado de una forma superficial un poco estereotipada. Si, hay mucho estereotipo en el tema del racismo entre gringos y mexicanos, llevado a un ambiente dónde existe el asesinato legal. El film lleva un ritmo correcto, con escenas que entretiene, pero con personajes que son poco entrañables. Por un lado tenemos a los extranjeros latinos , que trabajan para sobrevivir con los americanos ricos, que en un principio no hay mucha empatía, pero hacen amistad cuando viene el peligro. Extrañamente parece que da el mensaje de que “Hazte amigo de un mexicano porque quizá algún día te salve la vida”. Bueno, quitando eso, hay buenas escenas de acción que arrastra esta nueva anarquía , aunque juega desde lo predecible.

Si hay algo que se extraña es aquello que hacía especial a The Purge, que eran sus vestuarios. Si bien nunca fue galardón de una gran trama, al menos nos traía una forma interesante de ver los asesinatos desde lo visual, cómo el uso de máscaras , vestuarios y formas en las que se llevaba a cabo las muertes. Aquí hay poco de eso, predominan el uso de armas tradicionales, por lo que se vuelve más en un film de acción.

La purga por siempre es una película que trató de ir más allá mostrando el descontrol que un día podía llegar a aparecer con esta premisa, pero la realidad es que pierde su escencia de lo que alguna vez fue. El film es entretenido, aunque resulte bastante olvidable, tanto por sus personajes como por lo predecible de la trama.

Calificación 5.5/10

Reseña: A Chorus Line

Salir feliz luego de un musical

Si hay algo que caracteriza a los musicales son las canciones entrañables y sus historias, si bien hablamos de producciones de Hollywood que adaptaron grandes obras de Broadway o viceversa (sin contar las producciones fuera de Estados Unidos), hemos visto al menos cinco documentales en nuestra vida, también hemos soltado lágrimas o risas en alguno de ellos.

A Chorus in Line es un musical de Broadway estrenado en 1975 por James Kirkwood, Jr. y Nicholas Dante, con música de Marvin Hamlisch y letras de Edward Kleban, recibió múltiples galardones en los premios Tony y adaptaciones en otros teatros a nivel mundial, también una película en 1985 dirigida por Richard Attenborough.

En 2019 se estrena la adaptación argentina en el Teatro Astral, dirigida por el gran Ricky Pashkus y adaptada por Fernando Masllorens y Federico Gonzalez Del Pino. Por razones de común conocimiento la obra estuvo suspendida casi todo el 2020 hasta que este año volvió siendo el jueves antepasado su reestreno.

La historia de A chorus in line es la misma a la del musical de Broadway: Un grupo de 12 bailarines audiciona para entrar a un prestigioso musical, pero solo se podrá elegir a la mitad, por lo que cada uno compite, cuenta su historia y da las razones de por la cual bailan.

Jessica Abouchain, Mariana Barcia, Evelyn Basile, Menelik Cambiaso, Juan Martin Delgado, Nicolás Di Pace, Fede Fedele, Mariu Fernandez, Alejandro Ibarra, Martina Loyato, Matias Prieto Peccia, Roberto Peloni, Georgina Tirotta y Sofía Val, son las jóvenes promesas que demuestran su grandiosa habilidad actoral, potentes voces y gran coreografía hecha por Gustavo Wons.

Durante la proyección de A Chorus in Line el público no dejaba de aplaudir durante los números musicales, escuché risas, llanto y sobre todo mucha alegría transmitida por este elenco coral y su desenvolvimiento en escena.
A chorus in Line es una excelente decisión para un jueves a la noche.
Disponible los Jueves 20 horas en el Teatro Astral (Corrientes 1639)

Les escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

Análisis: Super Magbot para Nintendo Switch

Por Luciano Macchioli

Dentro de la escena indie, si el título comienza, cualquiera sea, con el logo de Team 17, nuestras expectativas respecto al mismo se incrementarán. Es que el estudio suele tener buenos ojos respecto a las novedades dentro de la industria. Esta vez su discípulo es Astral Pixel, una pequeña desarrolladora barcelonesa que cuenta con una única entrega, la que hoy nos cita. Veamos qué tal está.

La historia comienza en una galaxia, donde emerge la estrella Magnetia, desparramando miles de imanes por todos los planetas. Lamentablemente, este enorme poder llego a oídos de Magsteroid, un asteroide malvado. Sediento de poder, buscará absorber el poder de esta gran estrella y así conquistar el universo. Para evitarlo, nuestro héroe Super Magbot deberá reunir todos los fragmentos estelares y recuperar la paz. ¿Alguien entendió algo? Yo tampoco. Pero la historia es sólo una excusa y en lo que debemos centrarnos es en la jugabilidad.

Nuestro entorno de juego va a ser niveles de una sola pantalla que, debo destacar, están excelentemente diseñados. Pero lo que más destaca dentro del gameplay es que no podemos saltar, algo rarísimo en un título plataformero. Para suplir con esta función, contamos con un arma magnética que, al relacionarse con diferentes superficies, nos permite “algo así” como saltar. Los niveles pueden superarse en entre 5 y 20 segundos, mostrando un marcador con nuestro récord y con algunos fragmentos a modo de coleccionables. Éstos comienzan siendo fáciles, pero a medida que avanzamos pueden volverse un desafío. Vamos a necesitar de la prueba y error, porque es un juego que se presta mucho a la memoria y a los reflejos, más que a la habilidad.

El píxel art no es uno más del montón, sino que cuida cada detalle del entorno y de nuestro protagonista. Le guardo cierto cariño porque me recuerda a Celeste, uno de mis videojuegos favoritos. La banda sonora acompaña de manera correcta, pero no está ni cerca de ser memorable.

Los problemas con Super Magbot comienzan a la hora de juego. Es que… no tiene mucho sentido seguir jugando. A medida que avanzamos en los niveles, los cambios en las mecánicas son pocos o nulos, volviéndose rápidamente repetitivo. Y en un juego que de milagro rasca las 4 horas de duración, eso es un inconveniente digno de mencionar.

Por lo demás, el trabajo hecho por Astral Pixel es correcto. No reinventa la rueda, pero nos ameniza la tardecita o dos que nos llevará completar su título. Lo tenemos disponible en la eShop de Nintendo Switch por 18 dólares.

Calificación: 7/10

Análisis: Song Of Horror para PS4

Por Castor Troy

Miedo a lo desconocido. Es una de las sensaciones más primigenias que tiene el ser humano. Es una mezcla de acongoje y atracción hacia algo que no comprendemos o que se nos escapa de nuestro control. Es por ello que muchos de nosotros (entre los cuales me incluyo) sentimos una pasión (casi enfermiza) por las películas y videojuegos de terror. En este caso he podido disfrutar como un enano del juego desarrollado por Protocol Games (estudio español fundado en 2014) cuya primer título tengo el placer de analizar ha sabido dar con la tecla en muchos aspectos que ahora pasaré a detallar. La historia nos sitúa en en el papel de Daniel (un antiguo ex-alcohólico) que trabaja en una editorial y cuyo jefe le encarga investigar la desaparición del escritor de referencia de la misma (y su familia) en extrañas circunstancias. Esta breve introducción nos permite familiarizarnos con los controles básicos y poder introducirnos en este mundo de pesadillas que nos esperan. Se trata de una aventura que nos permite jugar con una gran variedad de personajes (hasta 16 con diferentes habilidades) a lo largo de cinco capítulos con una longitud muy bien ajustada.

Antes de nada comentaros que existe la opción de muerte permanente (creo que es la mejor opción) que permite que la experiencia sea más inmersiva puesto que si tomamos alguna decisión errónea o si avanzamos sin cautela nos penalizará en el avance aunque también nos obligará a ser más cuidadosos y observadores mejorando la experiencia jugable en su conjunto. Esto se verá incrementado con una excelente IA adaptativa en función del tipo de jugador (si permanecemos quietos mucho tiempo en un determinado punto empezaremos a escuchar ruidos o ver que determinados objetos empiezan a moverse sin razón aparente y en el caso que seamos más impulsivos veremos como nos encontraremos con situaciones que nos exigirán rapidez para salvar nuestra vida). Os comento que en el supuesto que elijamos muerte permanente y todos los personajes jugables corran la misma suerte de fallecer en un mismo capítulo nos tocará repetirlo desde el principio. Dos detalles muy positivos son que no perdemos los ítems que ya teníamos así como el salvado en cualquier punto. Aunque debemos tener en cuenta que disponemos de un número limitado de personajes jugables por fase por lo que debemos tener bien claro la manera de afrontar cada uno de los diferentes retos que se nos plantean.

La mezcla de rutinas de investigación con puzles de dificultad intermedia hacen que nos atrape poco a poco la historia y se nos pase el tiempo volando. Los gráficos son buenos con un nivel de detalle razonable (aunque peca de exceso de grano en algunos puntos) y el apartado sonoro está bien integrado con melodías efectistas que destacan en algunos momentos donde el miedo psicológico nos hará pensar si debemos avanzar o retroceder en busca de más pistas u objetos que nos permitan abrir puertas o combinar objetos. Respecto a los aspectos menos pulidos de este juego destacan el manejo del personaje cuyos movimientos son algo robotizados y en planteamiento de aventura sobre raíles que penaliza a los jugadores más experimentados en esta clase de juego puesto que no permite avanzar siguiendo un árbol de decisiones diferente al planteado por los desarrolladores.

En resumen nos encontramos con un gran juego con muchos detalles positivos que hará las delicias de los amantes del suspense (y de los juegos de terror) obligándonos a meternos de lleno en la boca del lobo para averiguar por qué ha sucedido esos acontecimientos tan misteriosos. Si no tenéis miedo a lo desconocido os recomiendo encarecidamente que juguéis a esta suerte de aventura gráfica con tintes de suspense.

P.D. Os recomiendo jugar por la noche para disfrutar al máximo de este título…

Espero que os haya gustado este análisis y nos vemos pronto en La Butaca Web.

Os quiero 3000:)

Calificación: 8/10

Castor Troy

Análisis: Operation Tango para PS4

Los juegos cooperativos , aquellos que apuestan por usar esta modalidad como la única posibilidad jugar un videojuego, han tomado relevancia luego de títulos como A Way Out. Este título nos presenta una premisa interesante en la que un jugador debe ser un hacker y el otro un agente de campo en el que juntos deben cumplir misiones de espionaje. Se trata de una aventura que además de ser exclusivamente cooperativa, también lo es en el cooperativo en línea, ya que es la única forma de jugarlo, es una propuesta entretenida, aunque arriesgada.

La premisa es sencilla, un jugador es un agente de campo y el otro un hacker. Mientras uno debe estar detrás de una computadora, el otro debe explorar el campo para ponerle el cuerpo a las misiones, aunque la realidad que ninguno puede avanzar sin el otro. Acá juegas sin ojos sobre lo que pasa al otro lado de la conexión, ya que no hay posibilidad de ver lo que ve tu amigo, tienes que comunicarte permanentemente con el para obtener las pistas para seguir adelante. En ese sentido el juego usa mucho de la comunicación en línea, haciéndola parte del juego, a la hora de dar la mitad de las pistas en cada lado, aunque la realidad algunas no están muy bien medidas. Existen minijuegos como los que debes armar un camino en una cuadrícula, dónde pasan máquinas que borran tu paso, y necesitas de tu amigo para que te diga por dónde ir. Ese es uno de los juegos más difíciles , ya que al no contar con una pantalla partida debes guiarte por lo que dice tu compañero en el chat de voz, y si bien es algo interesante en lo jugable, algunos tramos la dificultad no está bien medida. En líneas generales el título tiene mucha variedad de exploración y misiones, y permite la cooperación real y la posibilidad de invertir los roles al iniciar una nueva sesión de la misma partida.

El juego salió en un principio como parte de los juegos de Playstation Plus exclusivamente en Playstation 5. Nosotros lo hemos probado en una PS4, y si bien en líneas generales el juego se ve muy bien, en algunos tramos podemos notar algunas fallas en el rendimiento, aunque tampoco nada grave, más que algunas pantallas que se relentizan y tiempos de cargas largos. Luego de eso creería que el título tiene una mejor optimización en las consolas de nueva generación, recientemente también salido en Xbox, pero que realmente lo podemos disfrutar en cualquier plataforma. En opinión personal, me gusta más el desarrollo, tanto en jugabilidad como en gráficos, del jugador que encarna al agente de campo, aunque el hacker tiene muchas opciones de juego, en su mayoría va siguiendo el camino de aquel espía que le pone el cuerpo al peligro.

Operation Tango es un juego muy partícular pero también muy entretenido. Primero debes tener a alguien con quién jugar en línea, en el caso de Playstation necesitas una suscripción de PS Plus, eso sí, solo uno debe comprar el juego ya que cuenta con un friend pass . Luego de eso tienes que encontrar a alguien con quién te entiendas muy bien, ya que en ambos roles dependes de la cooperación del otro para poder tener éxito. Yo he tenido un buen compañero de juego, por lo que me la he pasado muy bien con sus ingeniosas misiones y minijuegos, algunos requieren un poco más de pistas y una dificultad más moderada, pero la realidad es que el título es bueno si tienes con quien disfrutarlo.

Calificación 8/10
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Análisis: Legend Of Mana para PS4

Por Maximiliano Daniel Perez

Pasaron más de 20 años y por fin le llegó el turno de una remasterización al Legend of Mana, que para los que no lo conocieron fue un título para la Playstation 1, en donde se mezclaba la acción en tiempo real combinado con aspectos de JRPG clásicos. Como bien indica su nombre, este título está ligado a la saga Mana, y quizás lo más particular que nos podemos encontrar en él, para diversión de varios y desencanto de muchos, es como se nos presenta la historia del juego. Vayamos juntos a descubrir en este review que es lo más interesante de este remaster.

Como bien ya sabemos a esta altura, hay remasterizaciones que se concentran en ofrecernos mayor resolución en la pantalla y poca cosa más, y otras como en este caso en que vemos un tremendo trabajo. Originalmente tuve la suerte de conocer Legend of Mana en su versión original para la Playstation 1, y tener la oportunidad de jugarlo en una pantalla de alta resolución, adaptada a widescreen y con todos sus escenarios, los cuales fueron dibujados a mano, en un nuevo esplendor de definición, colores y detalles fue como volverlo a jugar por primera vez. Tanto los personajes como todos los enemigos, equipamiento y jefes fueron retrabajados, manteniendo ese distintivo pixel art que hace un contraste genial entre los escenarios y sus movimientos pero con ese aire de frescura visual. La música y los sonidos también fueron remasterizados, con lo cual vamos a estar escuchando unas armonías de alta calidad en el transcurso de nuestras aventuras por el mundo de Fa’Diel. Otras novedades que nos brinda esta versión, son las opciones de guardado rápido de la partida, algo que en el titulo original solo estaba reservado en los Save Points que son unas estatuas, opción para continuar en el último punto de la partida en donde te encontrabas, algo así como un autoguardado pero en esteroides, y también la opción de deshabilitar los combates contra enemigos de zona, una opción un tanto tramposa contra la esencia original del juego pero que se entiende después de 20 años cuando ya enfrentarte contra hordas de enemigos te resulta un poco tedioso si necesitas explorar una zona para continuar el progreso de la historia. Otra novedad que fue incluida de la versión japonesa, es el “minijuego” Ring Ring Land, en donde podremos enviar a nuestros monstruos para obtener ítems especiales y hacer que estos se vuelvan más fuertes. Este minijuego solo estaba en la versión japonesa de la mano de la PocketStation.

Habiendo hablado un poco de lo que este remaster nos trae como novedad, nos toca ahora centrarnos en el juego en sí. Legend of Mana nos sitúa en el mundo de Fa’Diel, en donde tendremos que devolver a la vida el Árbol de Mana, cual fuera reducido a cenizas nueve siglos atrás y todo el Mana esparcido en artefactos los cuales fueron olvidados. Como héroes, en este caso totalmente anónimos, deberemos restaurar el equilibrio del mundo y su mana. Algo notablemente remarcable es la forma totalmente desarticulada en contarnos la historia del juego. La realidad es que si comparamos a otros juegos del genero RPG, donde nos encontramos con historias más lineales, Legend of Mana se desentiende por completo de esto, ya que, la forma en que avanzaremos es progresiva a medida que vayamos terminando con los escenarios que desbloqueemos. Esto puede no gustar a la mayoría de los fanáticos del género, pero no deja de ser una forma interesante, en especial en la época en que salió originalmente. No todos los juegos deben arrojarnos libros de textos para meternos en una historia y que este sea bueno. El progreso en el juego, la evolución de nuestro personaje y las mejoras de sus habilidades y nuevos poderes también van de la mano en la progresión de los nuevos escenarios. El sistema de magias en el juego es particularmente interesante, ya que para conseguir estos poderes vamos a tener que tocar melodías a entidades mágicas, y dependiendo de los gustos musicales de las mismas, podremos obtener o no sus artefactos mágicos. 

Lo más destacable de Legend of Mana, además de sus pintorescos escenarios y una banda sonora compuesta por la gran Yoko Shimomura (Street Fighter II, Kingdom Hearts, Final Fantasy XV entre otros) es la jugabilidad y los combates. Los combates son en tiempo real, como buen juego de acción, en los cuales nos vamos a enfrentar a una muy diversa cantidad de enemigos, cada uno con sus propios ataques singulares que nos pueden dejar fuera de combate si no somos del todo cuidadosos. Los movimientos y ataques son relativamente pocos al principio, contando además de nuestros ataques con evasión y el más importante de todos el contrataque, movimientos que nos va a tomar un tiempo dominarlos pero una vez que nos acostumbremos a los patrones de los enemigos y nos desenvolvamos de manera fluida en el campo de batalla van a sentirse muy reconfortantes cuando ejecutemos a nuestros enemigos con éxito, algo que vamos a querer tener muy ensayado contra los jefes, los cuales no solamente cuentan con diseños únicos e increíbles visualmente, sino que además tienen una amplia variedad de ataques y patrones de combate muy singulares. Otro punto destacable del gameplay son los nuestros compañeros de aventura, los cuales iremos desbloqueando a medida que avancemos en el juego pero que pueden ir y venir según les dé la gana, un factor algo azaroso y que puede resultar un poco chocante cuando nos encariñemos con algún simpático personaje y este nos abandone de un momento a otro. Algo que si nos consta completamente a nosotros es la captura, crianza y entrenamiento de monstruos compañeros. La primera vez que jugué Legend of Mana estaba muy atado con Pokemon, y que un juego de Squaresoft tuviera esta posibilidad fue como comer helado por primera vez. El sistema si bien simple, es muy entretenido, ya que tendremos que capturar a nuestro monstruo de manera sigilosa y con cierta habilidad, luego lo trasladaremos a nuestro rancho y de ahí deberemos criarlo. Como complemento se suma el ya mencionado Ring Ring Land, en donde usaremos a nuestros capturados compañeros para hacerlos más poderosos y que nos consigan objetos extras. 

Además de todo lo mencionado anteriormente, el juego nos ofrece un libro de arte donde podremos visualizar los diseños conceptuales del juego y esta traducido en un total de 8 idiomas. Legend of Mana es una de las propuestas de RPG mas particulares hasta el día de la fecha dentro del género, que puede resultarle algo chocante a los más puristas, pero que realmente vale la pena jugarlo y disfrutar de todas las bondades que nos ofrece. El trabajo de remasterización de M2 en este título es simplemente excelente, y se agradece enormemente el esfuerzo que Square Enix está realizando para traernos estos tremendos títulos a nuestras consolas modernas con una calidad realmente única y que mejora con cada entrega. Se hace un especial agradecimiento a Square Enix por brindarnos este código de revisión y otro por haber tenido la posibilidad de traerme tan gratos recuerdos de la infancia al volver a jugar esta joya que no puede pasar desapercibida. 

Calificación: 9/10

Análisis: Ender Lilies: Quietus Of The Knights

Por Angel Sevilla

“Fue entonces cuando empezó a llover. Los llantos resonaban por doquier. Nuestra líder le puso un nombre; el Diluvio Mortal. Refugié a Lily en la Iglesia y me armé para lo que se avecinaba…”

“El Diluvio nunca cesó”.

Un metroidvania comienza siempre con muchas preguntas y ninguna respuesta. Y es nuestro deber, nuestro cometido a lo largo de este reino, encontrar esas respuestas mediante el mundo que se nos plantea, mediante ese mapa en blanco que tendremos que colorear. Y en ese aspecto, Ender Lilies es un sobresaliente. Desde el primer momento.

En Ender Lilies: Quietus of the Knights controlamos a una joven sin voz a la que pronto nombraremos como Lily, una Doncella Blanca, uno de los últimos seres capaz de limpiar la Impureza que asola el reino de Finisterra. La historia se nos desvelará a lo largo de los muchos textos, localizaciones emblemáticas y emocionantes cinemáticas. En general, todo el relato de este reino, del Rey y su pasado y de la Doncella Blanca se vuelve redondo una vez completas el juego, pudiendo comprender al detalle todos los matices de este triste cuento de sacrificio. No es una historia rompedora que renueve la narrativa, y de hecho, recuerda muchísimo a la de otros títulos, pero consigue con sencillas frases y amargas imágenes transmitir la horripilante decadencia de un mundo que no puede enfrentarse a la impureza… salvo con un sacrificio.

Como Metroidvania, en Ender Lilies avanzaremos por un mapa plagado de secretos. Hay muchísimos secretos escondidos, desde reliquias con las que podremos mejorar nuestras habilidades, textos para entender las historias, impureza para adquirir más fuerza de ataque y nuevas habilidades con las que volver a zonas ya exploradas en un nuevo enfoque. Nada más despertar nos acompañará un caballero, un espíritu protector cuya misión será la de protegernos… y esto es importante, porque en Ender Lilies nunca atacaremos nosotros; los espíritus de aquellos que purifiquemos serán aquellos que ataquen cuando nosotros lo decidamos. Hay más de cuarenta espíritus distintos, todos con ataques muy variados y movimientos versátiles que tendremos que combinar para optimizar el combate.

Mecánicamente, es fluido, fácil de jugar. El combate es frenético y de constante necesidad de reflejos; no nos podremos apenas detener mientras buscamos una de las muchísimas estrategias posibles para acabar con nuestro enemigo. La combinación de armas y amuletos abre un abanico para todas las diferentes formas de acabar con nuestros enemigos, y desde luego, el juego lo tiene en cuenta. En ocasiones chocaremos contra enemigos con ataques bastante difíciles de prever, y muchos de los jefes finales son grandes esponjas que no permiten ni un error. Entre eso y los brutales caminos llenos de enemigos que habrá que repetir una y otra vez hasta llegar al siguiente banco, encuentro ciertas impurezas en el sistema. Además, el “nivel” del personaje no es un atributo que parezca influir. Parece un número puesto casi por obligación, que aumenta conforme matas enemigos y nunca disminuye, pero apenas si le prestas atención y no se ve su impacto en el juego.

Artísticamente el resultado es impresionante. Al principio uno podría pensar que en la oscuridad de estos sprites animados quedan poco claros los elementos y cuesta definir todos los elementos en pantalla, pero entre luces y sombras genera una armonía específica difícil de equiparar, con brillos en lo importante y un personaje al que nunca perderemos de vista, pues el contraste entre la pureza de Lily frente a la oscuridad y podredumbre de este mundo hace muy localizable a la pequeña y nos sitúa muy bien. Las animaciones son sencillas imágenes con muchísimo detalle y grandes cosas que contar. Cada una es un cuadro precioso y se acompaña con una realización de la historia que nunca deja indiferente.

En resumen, las influencias en este juego de títulos como Salt and Sanctuary y sobre todo Hollow Knight son palpables y evidentes, pero aun así, aunque en seguida las cosas recordarán a otras, hay un mimo en aquello que hace a Ender Lilies muy propio que enamora casi al instante, con cada situación trágica, cada muerte, cada sala completada o cada jefe. Un metroidvania prácticamente perfecto al que yo consideraría indispensable, exigente y difícil en algunos momentos, pero que no lleva más de diez horas de completar y las vale todas.

Calificación: 9,5 / 10

Crítica: Black Widow

Por Fernando Benítez

Esta película, aunque no lo creas, trata mucho sobre la familia.
Casi toda la película ocurre después de Capitán América: Civil War y antes de Los Vengadores: Infinity War. 
Nos cuenta todo lo que nos perdimos entre esas entregas. También, nos revela el pasado de Natasha que no conocimos y que solo sabemos mediante flashbacks o diálogos de la protagonista. 

La película arranca con una Viuda Negra versión niña en donde debe escapar con su familia del país y al hacerlo, las niñas son separadas de sus padres (un tanto peculiares) para llevarlas y ser entrenadas como armas letales “Viudas Negras” (Cabe destacar que quien protagoniza esta pequeña Natasha, es Ever Anderson, hija de la actriz y el director de Resident Evil Milla Jovovich y Paul Anderson) 

Como toda película de héroes, tiene su villano. Taskmaster aparece por primera vez en la adaptación cinematográfica, recibiendo ordenes de el “Cuarto Rojo” (Programa de entrenamiento para crear a las mujeres asesinas mas letales de la Unión Soviética, las Viudas Negras) 

Después de ver esta nueva entrega de Disney y Marvel, es una clara despedida de nuestra querida personaje, Natasha Romanoff (Interpretada por Scarlet Johasson) y dando como bienvenida a Yelena Belova (Florence Pugh), hermana de Natasha y también Viuda Negra. 

Acción, acción y más acción vamos a ver en esta película. Puede que con menos ficción como venimos viendo con las otras entregas (me refiero a peleas en el espacio, criaturas de otros planetas) pero mucha peleas acrobáticas, disparos y stunts que transcurre en varias regiones del globo. Toda una nueva historia y aventura con buen contenido perdida entre películas. 

Como siempre Marvel nos deja una escena postcréditos, así que leete todos los créditos y esperá para el final. Nos prepara para lo que viene, las próximas películas y sobre todo la próxima serie de Hawkeye.

Calificación 8/10

Reseña: Lo que quieren las guachas

ATR cumbia perro gato

La cumbia no es de mis géneros musicales favoritos, con el tiempo de vivir acá en Argentina me di cuenta que hay una clara división de clases con respecto a este género. Cómo en cada país, la música urbana es la que forma un muro fácil de atravesar, se rompe la diferencia de clases cuando se agarra gusto a una canción.Lo que quieren las guachas es una canción de  ”cumbia villera”, un subgénero que surge en los barrios populares del Gran Buenos Aires, también es el nombre de esta obra que abre a un subtítulo pregunta: ¿“Lo que quieren las guachas” es siempre lo que quieren?

Mariana Cumbi Bustinza es la encargada de dirigir y escribir esta obra under, junto a las actuaciones de Ornella Fazio (Yani), Luciano Crispi (Mariela), Iti el hermoso (Valentino), Malena Ratner (Mica),Ignacio  Pelaez (Owen) y Martina Bajour (Sol), un elenco coral y juvenil, esta tragicomedia abre las puertas a problemáticas actuales dentro de los adolescentes: el sexo, drogas, prejuicios y consentimiento.Con una escenografía simple pero contundente donde una pared bien pintada con señales de vigilancia y del otro lado una pared de bloques que parece a una villa, estos personajes no tendrán un muro que los separe ya que la división de clases es solo una cortina.Mediante perfomances urbanos con una coreografía encargada  por Catalina Jure y la propia directora, los personajes estarán en constante lucha y contacto entre sí mediante sus pasos, desde un boliche dentro de la sala hasta interpretaciones musicales compuesta por Facundo Salas y Diego Domizi, los actores también aportan sus dotes artísticos con el canto.Unos adolescentes que viven en una villa con una madre trans, un vendemedias y una chica rebelde, tienen encuentros y amoríos con unos estudiantes de un colegio privado en una zona de clase alta de Buenos Aires.

Prejuicios, violencia, abusos y cumbia pondrán en jaque a la estabilidad de los mismos.Lo que quieren las guachas es una tragicomedia que conmueve, impacta por su crudeza y la manera directa que muestran situaciones que enfrentan los adolescentes, así como también saca unas carcajadas que ayudan a equilibrar la tensión. Si bien hay momentos muy melosos que hacen ruido, todo es compensado con el increíble trabajo actoral de estas jóvenes promesas del under.

Lo que quieren las guachas está disponible en El teatro extranjero (Valentin Gómez 3378) los sábados a las 20:30. Le escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.