Análisis: Conarium para Nintendo Switch

Por Castor Troy

Miedo a innovar. Así me siento después de analizar este juego del estudio Zoetrope Interactive (estudio independiente turco creado en el año 2005). Este título fue lanzado en el año 2017 en Pc, Ps4 y Xbox One. Se trata de un juego de ambientación “lovecraftiana” pero pecando de algunos defectos vistos en otros títulos de la misma temática. El protagonista de la historia (Frank Gilman) es uno de los científicos que trata de continuar los pasos de la expedición Upuaut descrita por H.P. Lovecraft en su novela corta “En las montañas de la locura”. Podemos apreciar dos partes claramente diferenciadas. Tenemos una primera parte donde se nos introduce en la historia con un buen nivel de exploración y unos puzzles bien resueltos. Vamos a poder hacer uso de un inventario para almacenar objetos, interactuar en algunas partes del escenario así como realizar anotaciones en un cuaderno sobre diferentes inscripciones que vamos viendo según avanzamos. La segunda parte peca de un tono bastante irregular con altibajos existiendo repetición de escenarios lúgubres, tramos de pasillos insustanciales y enemigos genéricos que hacen que la experiencia de juego vaya perdiendo interés según vayamos avanzando.

El juego destaca por utilizar un motor gráfico bastante habitual (Unreal Engine 4) con unas texturas bastante definidas y escenarios interiores vistosos mientras que en cambio en exteriores se nota que las texturas flojean (el nivel de detalle en los escenarios nevados es flojo). Los controles son sólidos sin abusar de muchas teclas para utilizar y los tiempos de carga entre niveles son razonables. Respecto al sonido es bueno destacando las voces (en inglés) y algún efecto sonoro que nos sumerguen en ese ambiente angustioso.

En resumen nos encontramos con un juego aceptable con unos algunos puntos notables (trama atractiva en la primera mitad del juego y jugabilidad aceptable) pero que no se quedará en la retina de los gamers tradicionales.

Para terminar os recomiendo la lectura del libro “En las montañas de la locura” y os cito una frase del maravilloso escritor en el que se basa este videojuego: “La emoción más antigua y más intensa de la humanidad es el miedo, y el más antiguo y más intenso de los miedos es el miedo a lo desconocido”. Es por ello que mi consejo es que disfrutemos lo máximo posible de esta maravillosa locura que es jugar a videojuegos hasta que este dichoso virus llamado Covid 19 nos permita volver a juntarnos con los nuestros.

Espero que os haya gustado este análisis y nos vemos pronto en La Butaca Web.

Os quiero 3000:)

Calificación: 6/10

Análisis: Werewolf: The Apocalypse-Earthblood para PS4

Por Jorge Marchisio

Werewolf: The Apocalypse-Earthblood es un juego de rol con tintes de acción, muy al estilo Vampyr, pero centrado en el mundo de los hombres lobos.

La historia es bastante simple, haciendo foco en el personaje de Cahal, un eco terrorista licántropo, que, junto con un grupo de exiliados de su misma especie, emprende una guerra contra una multinacional, que esta afectando a la Madre Tierra.

Como mencionamos en el primer párrafo, el gameplay que se nos presenta en Werewolf: The Apocalypse-Earthblood hace acordar bastante a Vampyr, con secciones bien diferenciadas en las que tendremos que hablar con todos los personajes que nos vamos cruzando, con la finalidad de obtener información de cada uno de ellos, no solo para saber la historia del juego, sino para que nos vayan dando misiones principales o secundarias. En estas conversaciones, tendremos las clásicas opciones de preguntar diferentes cosas, pero que, en sí, es obligación usar todos los interrogatorios que nos dan.

En cuanto a las de acción, podremos ir alternando en nuestro modo humano, y la forma de lobo. En este ultimo estado, podremos infiltrarnos por lugares muy pequeños y seria nuestro modo sigilo, ya que los humanos al vernos así, se nos vendrán encima. Ahí es cuando actuar como una persona común entra en juego, siendo que podremos derribar enemigos desde sus espaldas, o atacarlos de frente con distintas armas. Amén de que podremos usar nuestros instintos animales, al mas puro estilo Wolverine, para detectar cámaras o seguir rastros.

Lo de intercalar ambos modos cuando no estamos en las conversaciones es interesante, pero por desgracia acá entramos en el apartado de las cosas malas. Los movimientos de nuestro personaje a la hora de interactuar con objetos del escenario, deja bastante que desear, tornándose casi robóticos. A eso debemos sumarle una inteligencia artificial bastante penosa, ya que es muy fácil rodear a nuestros enemigos y pasar grandes segmentos sin ser detectado.

En conclusión, Werewolf: The Apocalypse-Earthblood es un buen juego, que aborda la temática de la licantropía pocas veces explotada en el mundo de las consolas, pero que se queda a medias en muchos sentidos. Las buenas intensiones de mezclar el rpg con la acción, no terminan de tapar unos gráficos que se sienten añejos o una inteligencia artificial bastante defectuosa.

Calificación: 7/10

Lo mejor: el toque rpg, las habilidades del lobo.

Lo peor: los gráficos, la inteligencia artificial

Reseña: Othelo (Termina Mal)

Teatro presencial con protocolos

Por Daniel Alvarez

El viernes pasado tuvimos el placer de asistir a la sala Caras y Caretas 2037, que ha abierto las puertas para regresar en esta apertura teatral con protocolos, presentando una atractiva cartelera, en la que se incluye la obra Othelo (Termina Mal) los días viernes a las 20 hs. Este espectáculo es una adaptación de la obra del mismísimo Shakespeare, que nos presenta una versión que resulta fiel al relato de aquel personaje dominado por los cellos y que nos lleva a la tragedia. Está representación dirigida por Gabriel Chamé Buendía, nos muestra la historia a través de un lenguaje actual, que se apoya sobre la performance de los actores, tomándose ciertas libertades a la hora de mostrar el humor y la sátira de los acontecimientos, pero que aún así mantiene en todo momento la escencia del clásico de William Shakespeare.

Es difícil poder relatar mediante las palabras sobre las libertades que la obra puede llegar a tomarse , porque en vez de tratarse de una nueva versión del clásico de Othelo, es más una representación en la que nos muestra una mirada más actual para disfrutar la obra de Shakespeare. Cuando digo sobre la mirada actual, no quiero decir que el escenario y el tiempo donde transcurren los hechos se transforman, sino más bien, que en algún momento el lenguaje nos lo muestran más cercano, en función del humor y el entendimiento de referencias de la época de la historia. Si, en muchos momentos notamos que la obra resulta una sátira de la misma historia de Othelo, pero aún así funciona muy bien en lo escénico y lo narrativo gracias a la performance que llevan a cabo los actores, utilizando elementos escenográficos minimalistas, y el múltiple cambios de personajes que lo realizan tan solo cuatro actores. Othelo (Termina mal) es una experiencia que resulta difícil de imaginar si no lo estás viendo con tus propios ojos, y la realidad es que se trata de una propuesta que no deja indiferente a nadie. Creo que aquellos que no son muy cercanos al dramaturgo inglés, se van a encontrar con algo que si bien mantiene su impronta, resulta atractivo y con un lenguaje cercano para que los que no son muy conocedores de su obra. Y para aquellos que si tienen mayor cercanía , pueden llegar a ver una propuesta fresca y bien estructurada, que tal vez podría llegar a gustar a los más reacios a las versiones libres de un clásico.

La labor de los actores es uno de los pilares fundamentales que permite que está obra, así como está formada, llegue a funcionar bien. Si bien el director ha realizado un excelente trabajo desde lo escenográfico y performático, en este párrafo quiero felicitar a los actores que han dejado todo en el escenario a la hora de representar múltiples personajes ,y ser ellos mismos los que guían la imaginación del espectador al ser ellos los que controlan el espacio y la escenografía en todo momento. Existen pequeños momentos en los que se rompen la cuarta pared, en la que hay incluso chistes sobre los cambios que se hicieron en la puesta a raíz de los protocolos de distanciamiento, como por ejemplo, el hecho de que los personajes estén besándose con una radiografía en el medio para evitar el contacto. No digo que la obra apela a la improvisación, sino al contrario, porque está todo perfectamente medido, pero si hay una labor de los actores a ser reaccionarios en momentos para mantener la dinámica del espectáculo.

Othelo (Termina Mal) es una obra que realmente vale la pena ver, primero porque mantiene la escencia de uno de los grandes clásicos de William Shakespeare, y segundo porque le otorga una mirada moderna tanto en lo escénico como en su lenguaje. Los actores dan todo en el escenario, en la interpretación de múltiples personajes, como en la utilización de numerosos elementos escenográficos y audiovisuales, para que sea una experiencia que abra la imaginación del espectador. Excelente propuesta y grandes actuaciones, así que les recuerdo, viernes 20hs en el Teatro Caras y Caretas 2037.

Reseña: Conejo Blanco, Conejo Rojo

Por Daniel Alvarez

Esta semana tuvimos la oportunidad de disfrutar en el teatro Metropolitan Sura, una propuesta teatral llamada Conejo Blanco, Conejo Rojo. Se trata de una obra teatral en el que cada semana se sube al escenario un actor distinto, y que cuenta con la particularidad de que dicho intérprete no sabe nada del libreto hasta que se encuentra con el público. Este espectáculo ha tenido su exitosa temporada en timbre 4 y ahora pisa la calle corrientes para sumarse a las propuestas teatrales que se exhiben con los protocolos de sanidad establecidos.

Lamentablemente en esta reseña no voy a contar sobre el argumento de la obra, porque así como el actor invitado se encuentra con una sorpresa al subir al escenario, también lo debe hacer el público. Recuerdo que antes de ir a ver la obra, le había comentado a gente cercana más o menos de que se trataba la propuesta, y todos han hecho la misma pregunta. “¿Cómo se hace la obra si el actor no sabe el guión hasta que subió al escenario”? Bueno, eso sí les puedo contar. El actor invitado en esta ocasión fue Agustín Aristaran, más conocido como Radagast. La obra tiene mucho de lectura, de interacción con el público y la representación de ciertas escenas. El libreto también funciona como una guía, siendo consciente de que el actor llega sin saber nada de lo que debe hacer, pero que aún así guarda una historia para interpretar, pensar y reflexionar. Es una realidad que cada invitado va a hacer suya la obra, que le va a dar su estilo y su reacción particular ante lo que sucede. En este caso, el invitado apuntó a la comedia en un inicio, aunque más adelante se ha tomado un tono más serio al darse cuenta de la profundidad que llevaba esta seguida de instrucciones para llegar a un objetivo final.

En cuanto a los protocolos en el teatro, ese día me he encontrado con algo particular y que me parece necesario comentarlo. Justamente había mencionado en anteriores reseñas, que el aforo era del 30 porciento, que se dejaba libre una fila por cada ocupada, y que a su vez dos asientos por cada grupo de asistentes ocupados. Justamente detrás de mi una espectadora hizo un comentario sobre que había gente en la próxima fila, por lo que un empleado del teatro comento que por una nueva disposición del gobierno se aumentó la capacidad, dejando los espacios libres entre espectadores, aunque aumentando la ocupación de filas. La verdad estuvo todo muy bien organizado, a su vez la gente ha respetado el ingreso con distanciamiento, el uso de tapabocas y demás cuidados. Si es una información que es interesante que lo sepan a la hora de querer ir al teatro, y que siempre es necesario mantenerse actualizado.

Conejo Blanco, Conejo Rojo es una obra muy interesante y distinta, que nos presenta una propuesta sólida capaz de brillar por si misma más allá de quien sea el actor que suba al escenario. Igual como recomendación, deberían aprovechar a asistir cuando encuentren un actor que les llamé la atención y que crean que le van a dar una mirada propia a la obra. En esta ocasión Agustín Aristaran le ha dado un toque humorístico, centrado en la participación con el público. En las próximas semanas habrán personalidades como Jorgelina Aruzzi, Mercedes Morán, Peto Menahem. Así que piensen muy bien, que la propuesta les va a resultar muy llamativa.

Las funciones de CONEJO BLANCO CONEJO ROJO se realizarán los viernes a las 20 horas en el Metropolitan Sura, Av. Corrientes 1343.

Los primeros artistas confirmados y sus fechas respectivas son:

·         Viernes 8 de enero: Fede Bal

·         Viernes 15 de enero: Jorge Marrale

·         Viernes 22 de enero: Carola Reyna

·         Viernes 29 de enero: Agustin Aristarain (“Soy Rada”)

·         Viernes 5 de febrero: Jorgelina Aruzzi

·         Viernes 12 de febrero: Mercedes Moran

·         Viernes 19 de febrero: Peto Menahem

·         Viernes 26 de febrero: Louta

Progresivamente se irán informando las siguientes fechas de marzo y en adelante

ENTRADAS EN VENTA EN LA BOLETERIA DEL TEATRO METROPOLITAN SURA Y A TRAVES DE PLATEANET: www.plateanet.com

Análisis: Scott Pilgrim vs. The World: The Videogame para Nintendo Switch

Por Ever Herrera

Scott Pilgrim vs. The World: The Videogame, el conocido juego proveniente de los comics del mismo nombre, es un Beat ‘em up o juego de “yo contra el barrio” igual que los que podíamos disfrutar en los arcades y en las primeras plataformas para el hogar de Nintendo. Tuvo un primer lanzamiento el 10 de agosto del 2010 en la anterior generación, pero 4 años después (2014) había sido retirado de todas las plataformas digitales y era imposible de encontrar. 

Tuvieron que pasar unos 7 años luego de ese suceso, pues, el reciente Ubisoft Forward ha servido para confirmar lo que muchos esperábamos tras aquel mensaje, que finalmente Scott Pilgrim vs The World: The Game está de vuelta para toda esa gente que no pudo disfrutar de este juego de culto en PS3 y Xbox 360. Y lo mejor de todo es que llega con todo su contenido. 

En el juego encarnaremos a Scott, un joven muchacho quien está enamorado de una chica de nombre Ramona. El conflicto empieza cuando nos enteramos que, para salir con ella, tendremos que derrotar a siete malvados exnovios y lidiar con su oscura personalidad. Por lo que tendremos que ir peleando con los secuaces de cada exnovio malvado de Ramona, para finalmente poder salir con ella, sin dudas, toda una prueba de amor al mas puro estilo retro dentro del mundo de los videojuegos.

Cabe mencionar que tenemos a nuestra disposición un total de siete personajes jugables. Aunque cada uno tiene los mismos fundamentos, contamos con un sistema de progresión estilo RPG, en donde subimos de nivel de manera constante, para así ir desbloqueando nuevos movimientos. De igual forma, contamos con cuatro atributos que podemos mejorar al adquirir diferentes ítems a lo largo del juego. 

Teniendo en cuenta que en teoría el juego dura unas 5hs, esto es muy relativo, ya que nos ofrece una gran rejugabilidad y dependería mucho de la dificultad en la que lo juguemos. Yo lo probé en la dificultad intermedia y si pude notar un par de anomalías y cosas a destacar a nivel general, como por ejemplo que los jefes del primer, tercer y último nivel tienen mecánicas bastante interesantes y el resto se sienten como enemigos con una barra de vida más grande y ya, por lo que, luego de esforzarte matando y juntando monedas durante el camino para pelear contra los mismos, te puedes llevar una ligera decepción en ciertos momentos de la historia. Y la siguiente queja que tengo radica en la dificultad del juego, la cual me parece está un poco desbalanceada, pudiendo en algunas ocasiones complicarnos muchísimo la vida, y en otras simplemente dejarnos avanzar con suma facilidad. Fuera de todo lo ya mencionado, el juego es espectacular de principio a fin y amerita múltiples partidas.

Me tocó jugarlo en mi Nintendo Switch y sinceramente se ve muy bien en el modo portátil. Con un frame rate perfecto y la posibilidad de disfrutar este título en cualquier sitio, me parece que esta versión es la más llamativa y conveniente. 

Conclusión

¿Vale o no la pena la compra de este título? Pues la respuesta es SÍ. Definitivamente Scott Pilgrim vs The World: The Game tiene la receta justa para remontarnos a nuestra infancia a través de su música, arte visual y gameplay. Si bien al ser un Beat’ em up no se arriesga a aportar nada nuevo, me parece que tampoco es necesario, ya que al estar en una época donde los juegos son tan fotorrealistas, marca la diferencia y logra destacar con su arte basado en los estilos retro de 8-16 y 32bits. Así que, con eso y unas cuantas referencias a otros juegos, ya es suficiente para ganarse el corazón de cualquier gamer retro y trasladarnos a nuestras épocas jugando en la SNES.

Calificación 10/10

Reseña: A Chorus Line

Teatro presencial con protocolos.

Por Daniel Alvarez

Esta semana tuvimos el placer de asistir a una función especial de la obra musical A Chorus Line, una adaptación de un famoso musical de Broadway de los años 70′, en la que presenciamos un arduo casting en el que una serie de bailarines luchan por ganarse un lugar en la primera línea de un coro y que su recorrido funciona para relatar la personalidad de cada uno de los personajes a medida que van contando sus experiencias de vida. La obra se ha llevado a cabo en el teatro astral cumpliendo los protocolos establecidos ante la situación sanitaria actual.

Buenos Aires es un lugar donde el musical tiene un espacio muy importante, tanto en el teatro comercial como en el circuito independiente. La realidad es que con esta nueva apertura teatral, no podía faltar un espectáculo que represente ese pedacito de Broadway que nos suele ofrecer la ciudad, aunque siempre hay que estar consciente que una obra musical es costosa de hacer y difícil de llevar a cabo en estos tiempos. A Chorus Line logra transmitirnos la magia que el musical tiene en nuestro país, con una adaptación teatral de una obra que si bien estrenó en el año 1975 y que también cuenta con algunos guiños de la época, resulta atemporal siguiendo la problemática que tienen muchos artistas a la hora de conseguir trabajo y seguir sus sueños. La propuesta en si es muy simple, hay un casting en el que han quedado preseleccionadas trece personas, pero que en el espectáculo solo serán contratados tres hombres y tres mujeres. La cosa se pone más picante cuando su director comienza a indagar en la vida personal de los participantes, siendo este un ejercicio dentro de la audición, en el que cada bailarín debe ser uno mismo si quiere lograr su cometido. Lo último mencionado es lo que hace muy interesante a la propuesta, partiendo de una propuesta muy sencilla y fácil de poner en escena, logra denotar una profundidad a la hora de convertir en persona al artista. Podemos decir que es una historia de personajes, sin olvidarnos del componente musical, en el que contamos con números solitarios acompañados por un ensamble muy bien acoplado a las necesidades de la obra, que se lleva a cabo de manera dinámica.

Si bien se puede decir que algunos actores han logrado destacarse un poco más que otros, es solo por el hecho que algunos personajes tienen más presencia o su historia tiene mayor impacto en la trama. La realidad es que existe un gran equilibrio en la selección de artistas que conforman este musical, y como lo dice en un momento el personaje de director en la obra, para que esto funcione bien , los artistas tienen que apoyar a sus compañeros para que todos destaquen, ya que así debe ser el show. Los artistas en escenario son Jessica Abouchain, Nico Arosa, Mariana Barcia, Evelyn Basile, Menelik Cambiaso, Juan Martin Delgado, Nicolás Di Pace, Fede Fedele, Mariu Fernandez, Clara Lanzani, Martina Loyato, Matias Prieto Peccia, Roberto Peloni, Georgina Tirotta, Sofia Val, Gustavo Wons, Alejandro Zaga y Sofia Zaga Masri. Si me gustaría hacer una mención especial a Gustavo Wons, que ha tenido la oportunidad de entrar en escena como el coreógrafo de la audición, pero que también es quien le ha dado coreografias a la obra en si, siendo una de las figuras más idóneas para llevar a cabo este desafío. Otro actor que destaca es Roberto Peloni, ya que encarna al único personaje diferenciado en la obra , siendo el director del espectáculo y quién ha decidido llevar el casting hacia lo personal y lo humano. Se destaca porque en este caso el personaje se reluce en el plano de lo interpretativo desde el texteo, ya que no cuenta con una participación musical salvo por el conocido número final con la canción One.

Ricky Pashkus ha sabido como encaminar la puesta en escena desde su rol de director, mostrando a los personajes como el plato principal en lo escénico. La escenografía es simple, basta con unos espejos en representación de las típicas salas de baile dónde de llevan a cabo los castings, aunque toca decir que cuenta con un interesante diseño de luces que en ocasiones hace la experiencia inmersiva.

En cuanto a la sala y los protocolos, el teatro astral es un espacio que cuenta con una gran cantidad de butacas y espacio escenográfico, siendo últimamente uno de los teatros que ha albergado musicales como Drácula, Casi normales, e Incluso Kinky Boots, uno de los éxitos con Martín Bossi y Fernando Dente , que se vio afectada con su cancelación en el inicio del aislamiento obligatorio. Al inicio de la entrada toman la temperatura y colocan sanitizante, los acomodadores llevan al público a sus asientos designados de manera bastante ordenada. Es una realidad que antes de esta nueva normalidad, este tipo de espectáculos se vivía más como una fiesta, dónde se festejaba una sala llena y eso hacia cambiar el ánimo de una función. Si bien puede que se sienta extraño todo este distanciamiento, pero hay que decir una realidad, el espíritu festivo aún se mantiene, y disfrutar de un espectáculo de esta talla, sea como sea, termina valiendo la pena.

A Chorus Line es una obra musical muy encantadora, ideal para estos tiempos en donde los artistas han sido uno de los más afectados por los tiempos que corren, y en cierta medida, todos podemos llegar a empatizar mucho más con ellos sobre la difícil tarea de conseguir un lugar en este medio tan bello pero competitivo. La obra denota un excelente trabajo en todos sus aspectos, pero es en los actores dónde radica el brillo del espectáculo. Si están interesados en ir al teatro, vayan, tomen todos los recaudos necesarios y disfruten…

Reseña: Smile

Por Sebastián Sabio

Un viaje al inicio del cine.


La obra “Smile” de “Jazmin Bitran” cuenta la vida de un Charles Chaplin (interpretado por Daniel Groppo) ya consagrado como actor y director que debe lidiar con su inolvidable personaje “Charlotte” (interpretado por Alejandro Canuch), del cual no logra despegarse mientras convive con su hija (Victoria Arrabaca), la cual desea seguir los pasos de su padre en el cine.Hace casi 85 años se estrenaba “tiempos modernos”, la extraordinaria película dirigida y protagonizada por Charles Chaplin y hasta el dia de hoy todo el mundo del cine lo recuerda y en esta nueva obra podemos ver a este entrañable personaje del mundo del cine volver a la vida y recordarnos una importante lección de vida: Un día sin reír es un día perdido.El personaje de “Charlotte” no emite palabra alguna (logicamente), sin embargo se destaca por sobre los demás y nos demuestra el poder del cine mudo y del lenguaje clownesco. Un interesante complemento para explotar este recurso es el uso de un Pianista (Martin Pomerantz), el cual pone un sonido que se amolda perfectamente a la obra y ayuda a adentrarnos en este mundo del cine en blanco y negro. Más allá del esfuerzo hecho por interpretes, directores y demás cabe destacar que la sala Ana Frank realiza un excelente labor protocolar para evitar contagios durante las funciones abriendo la sala para que se una con el jardin, separando los asientos y brindando todo lo necesario para que podamos disfrutar de la función sin miedo de contagiarnos de COVID.

Estreno: Sábado 9 de enero – 20h.

Días y horarios: sábados a las 20hs.

Valor de las entradas: $400.-

Duración del espectáculo: 60 minutos

Análisis: Dragon Quest XI S: Echoes of an Elusive Age – Definitive Edition para PS4

Por Maximiliano Pérez

Pocos son los títulos de RPG que mantuvieron su fórmula a través de muchos años y se volvieron mas exitosos que cuando salieron, un ejemplo de ello es la franquicia de Dragon Quest, que luego de 30 años de mantener su temática de combates por turnos sigue sorprendiendo y dando una enorme cantidad de horas de juegos, vamos a ver un poco mas a fondo que nos trae la versión (y esperemos que sea la definitiva) mas completa de Dragon Quest XI.

Dragon Quest XI se desarrolla en el mundo de Erdrea, y la historia tiene inicio cuando el reino de Dundrasil es invadido y reducido a un montón de escombros por una legión de monstruos. Nuestro querido protagonista de escasos meses de edad logra escaparse casi por milagro durante el ataque y gracias a un golpe de suerte del destino es acogido por un simpático viejito en el lejano pueblo de Cobblestone, donde crece y descubre sus poderes en un combate contra un grupo de monstruos, para que luego le cuenten la verdad sobre su nacimiento y adopción. ¿Les suena un poco la historia? Bueno, la verdad es que después de 30 años de la franquicia podrían tratar de hacer al menos el principio de la historia un poco distinta a lo que el genero JRPG nos viene dando de hace muchos años. A pesar de eso, y sin dar muchos detalles ya que NO SPOILERS, a medida que vayamos recorriendo el basto mundo de Erdrea, la historia tiene unos giros totalmente inesperados y realmente muy atrapantes, y algo que claramente se logro en este juego es darle profundidad en la trama e historia de cada personaje importante del título, algo que en este género es siempre más que bienvenido.

Si bien Dragon Quest XI salió hace un par de años, se lanzo por primera vez para Playstation 4 y la Nintendo 3DS el 29 de julio de 2017 en Japón, esta versión definitiva complementa la narrativa con el agregado de nuevas historias, las cuales profundizan el trasfondo de nuestros compañeros. Además, contamos con la opción de poder jugarlo en modo Retro, con una visual de los juegos RPG de la época de la Super Nintendo, misiones secundarias en 16 bits, banda sonora orquestada (sinceramente es un lujo), modo foto y la opción de las voces en japones que siempre son un plus para los más acérrimos fanáticos nipones. Lo que si creo que fue un desacierto enorme por parte de Square Enix, es que basaron esta versión definitiva en el port de la Nintendo Switch y no en el juego original y con esto se perdió bastante de calidad grafica. A no equivocarnos, visualmente DQXIS: DE es un juego que visualmente es hermoso, pero ya que esta es la versión DEFINITIVA, ¿era mucho pedir que tengamos al menos el nivel grafico y con detalles de la entrega original en la consola donde salió por primera vez? Ni que hablar de que tampoco aprovecharon la situación para agregar nuevo contenido.

Ojo y a no desanimarnos, que, a pesar de esos factores negativos, DQXIS es un JUEGAZO. Como mínimo estén dispuestos a invertirle al menos 70 horas de juego, y si son de los que quieren dejarlo al 100% van a estar pegados con el joystick mas de 100 horas con todo el contenido extra que trae esta versión. Claro, cantidad no significa calidad, pero acá van juntos de la mano, y es que la simple opción de poder pasar la visual moderna a la de 16 bits es realmente INCREIBLE, y espero que todos los que hagan JRPGs se copien de esa mecánica, porque a los veteranos del genero como yo sinceramente es un viaje de ida, ese cambio visual es tan impactante como increíble y cautivador, llevándonos de a ratos a esas tardes largas en las que poníamos esos Final Fantasy en la SNES y podíamos estar horas frente a la pantalla de tubo, verdaderamente son estos plus que hacen que un buen juego se convierta en un juego invaluable y ampliamente recomendable. En el apartado gráfico, como ya comente mas arriba, es una verdadera lástima y hasta increíble que utilizaran un port en lugar del juego original, dejando en el camino esos detalles que quizás para la mayoría a fin de cuentas le resulte algo poco importante, pero que el simple hecho de saber que en la misma consola exista una versión anterior que se ve mejor es suficiente como para resaltar ese aspecto como algo negativo. 

Para ir resumiendo, Dragon Quest XI S: Definitive Edition puede que no haya aprovechado del todo la oportunidad para transformarse en la versión definitiva que los jugadores veteranos esperaban, pero es innegable que contenido sobra y más aún muchísimas horas de aventura y entretenimiento, particularmente para aquellos jugadores que van a jugar por primera vez un Dragon Quest o algunos que estaban expectantes a jugar por primera vez a la decimoprimera entrega de la franquicia. 

Calificación: 9/10

Reseña: Canciones con gracia

En esta ocasión les presentamos una reseña sobre “CANCIONES CON GRACIA, El humor en el teatro musical” dirigida por Pablo Gorlero y dirección musical de Santiago Rosso con Gustavo Monje, Roberto Peloni, Flavia Pereda, Sacha Bercovich, Tatiana Luna en  los jardines del Auditorio de Belgrano.

Con canciones de Anything Goes, The Rocky Horror Show, Avenida Q, Company, Barnum, Hamilton, El rey león, 9 to 5, y Annie Get Your Gun, entre otras (incluye un homenaje a Hugo Midón).

Sin dudas, Pablo Gorlero es un gran referente de nuestro teatro musical argentino y mundial, sus apuestas buscan aggiornar materiales diversos bajo el signo de nuestra tierra. Las canciones y propuestas se adaptan a nuestro idioma e idiosincrasia. Incluso hay una trasposición de una de las canciones al contexto pandémico y reírnos un poco de nuestra dramática situación, ayuda a relajarnos un poco.

Los intérpretes musicales se destacan con su maravilloso arte desplegado, cada uno y una con su marca personal que los caracteriza, desde el humor, el encanto, la simpatía. La fuerza que tienen es impresionante y fue una maravilla poder volver a disfrutar de su magia en el escenario, al aire libre y con muchos espectadores eufóricos que probablemente disfrutaban de su primer show luego de muchos y largos meses de cuarentena.

Dentro del complicadísimo panorama del teatro actual, esta es una propuesta con aire fresco que nos da esperanza para lo que se viene.

Algunas canciones nos sonaron desactualizadas en cuanto a las letras medio patriarcales, pero entendemos que respetan el material original que proviene de otro contexto y época. Y el humor ayuda, como dijimos, a alivianar.

Pronto esta propuesta volverá a estar en cartelera, recomendamos disfrutar de este show divertido, ameno y con mucho talento a disposición del teatro musical.


Idea  y dirección: Pablo Gorlero

Dirección musical: Santiago Rosso

Con: Gustavo Monje, Roberto Peloni, Flavia Pereda,

Sacha Bercovich, Tatiana Luna

Intérpretes (por orden alfabético): Sacha Bercovich, Tatiana Luna, Gustavo Monje, Roberto Peloni, Flavia Pereda

Reemplazo: Agustín Iannone

Participación especial: Rita

 Peinados: Miguel Ángel González y Claudia Zucchi

Fotografías: Marcela Russarabian

Difusión y prensa: Carolina Alfonso.

Asistencia de dirección y diseño de luces: Sebastián Armella

Producción ejecutiva: Ezequiel Paredes

Asistencia en producción: Mariela Schvartz

Dirección musical: Santiago Rosso

Idea y dirección: Pablo Gorlero

Análisis: Worms Rumble para PC

por Gabriel Farisello

Desarrollador y Editor: Team 17 Digital Ltd
Plataformas: PC (steam), PS4 y PS5.
Estilo de juego: Battle royale Shooter de Acción en tercera perosona.

Vuelven los gusanitos más famosos y destructivos de la industria de los videojuegos a dar batalla en el formato Battle Royale.

Análisis del juego

Worms Rumble es la lograda adaptación del clásico de acción estratégica a un shooter dinámico y moderno (en 3D pero con perspectiva en 2D) que tiene un mix de lo que los nostálgicos de la franquicia quieren y lo que las nuevas generaciones piden.

En esta ocasión (y con lógica) manejaremos a un solo gusanito y tendremos que vencer a otros 31 oponentes en (hasta el momento) modos de encuentros a muerte (Deathmatchs) con respawneos infinitos (el que más bajas consigue) o muerte permanente (el último que queda en pie gana). También se puede jugar en equipos de hasta 3 gusanitos.

El juego cuenta con todos los elementos de los multiplayer online en desarrollo constante, tales como “eventos diarios, semanales, estacionales y festivos” y amplia customización de nuestro personaje y armas con diseños atractivos que se desbloquean aumentando de nivel y canjeando monedas internas. 

Para fin del 2020 el juego contará con 4 mapas que, si bien son pocos, son de gran tamaño y cumplen la función de albergar a 32 contendientes que no pararan de atacarse (en pocos momentos me encontré solo y en paz). El único punto flojo de los mismos es que no todas las estructuras se pueden destruir como es característico de los anteriores juegos y podría haber sido interesante y diferencial que lo agregaran.

El juego ha presentado algunos problemas de Lag y Crasheos pero que el equipo de desarrolladores ha ido corrigiendo velozmente con parches efectivos; en mi experiencia sólo se me “congelo” una sola partida, el resto sin mayores inconvenientes más que algunas muertes dudosas, pero en general es un juego que funciona fluido.

Las mecánicas de siempre con la intensidad que las caracterizan

El juego se centra en los comandos clásicos de cualquier shooter para desplazamiento, disparo, cambios y recolección de ítems y armas; y le agrega que podremos rodar en forma de pelota nuestro personaje para movernos con velocidad por el mapa (con una barra de resistencia regenerativa). El uso de las armas (9) es simple y práctico, apuntar y click (a esto se le suma el uso del bate como arma de base a melee); podremos portar hasta 2 armas, 1 granada explosiva (banana, holy, común), 1 gancho o jet pack y un consumible para recuperar vida (también recuperaremos vida pasado unos segundos que no nos estén disparando).

Conclusión

Worms Rumble es un juego muy entretenido y dinámico que logra capturar la esencia de sus predecesores acoplándose a las nuevas tendencias y que, de continuar en este camino de desarrollo, mejorando los servidores y escuchando a su comunidad puede ubicarse con un buen nicho.

Calificación 7/10