Reseña: CEPO

Por Agustín Arosa

La extrañeza puede tomar forma, en ocasiones, de una nitidez en medio del tedio cotidiano. La extrañeza, develada, hace de lo nítido un evento que por discontinuo nos convoca. CEPO es un doble experimento en su argumento y en su enunciación, y esto es sin duda importante en la escena del musical.

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Es cierto que la idea de un centro de experimentación autobiográfica es un recurso argumentativo proveedor, y asi nos lo demuestra Ángel Hernández con su ya conocida y rigurosa performance, aquella que lo mantiene como referencia insoslayable del teatro musical. Sumado a esto, la musica de Soldera contribuye al caracter de la obra de manera eficaz. No obstante, es la producción de la pieza misma la que no debe omitirse, pues constituye la oportunidad de mantener vivo el experimento en el musical; en esto Coran Oria tiene un camino y su mirada inquieta sostiene  la necesaria demanda de lenguajes en este género.

CEPO es una de esas ocasiones de las que hablabamos al principio: es un producto nítido, interesante, que hace correr otros aires en la asfixiante exigencia de glamour musical: sin pretensiones, con decisiones, siempre con pericia.

 

FUNCIONES

Jueves 21 y 28 de marzo

Jueves 4 y 25 de abril

Jueves 2, 9, 16, 23 y 30 de mayo

a las 21 horas

FICHA TÉCNICA

Actúa: Ángel Hernández Prensa: María Lapadula Community Manager: Cindy Yu Diseño Gráfico: Emiliano Páez Fotografía: Nacho Lunadei  Escenografía: Tato Fernández Realización y Montaje: Wally Valli Diseño de luces: Diego Corán Oria Asistentes de Dirección: Sofia Spasaro y Gabriela González Ferrari Asistente de Producción: Juliana Bistacco Asistente Punta Orilla: Felu Politi Producción ejecutiva: Matías Taverna Coreografía: Agustina Seku Faillace Letras: Diego Corán Oria & Jorge Soldera Música Original: Jorge Soldera Libro y Dirección: Diego Corán Oria Producción: Punta Orilla Contenidos

 

LOCALIDADES  $250 PESOS.-

EL CULTURAL SAN MARTÍN

Sarmiento 1551

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Reseña: Hamlet

Por José Rossi

La tragedia Hamlet, del emblemático y reconocido poeta universal William Shakespeare, es una de las historias más nombradas, caricaturizada y parodiadas a lo largo de la historia. Pareciera ser que de esta obra se supiera todo, pero la realidad es que no se sabe nada. Como bien dice en el prólogo oficial de la puesta en escena en cuestión: “las ideas (que las personas tienen sobre Hamlet) están basadas en un mal entendido”.

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En esta representación, llevada a cabo por el director Ruben Szuchmacher y protagonizada por el reconocido actor Joaquín Furriel, todas las dudas y falsas creencias sobre la obra quedan atrás. Con un elenco de más de 20 personas, esta dramaturgia es llevada a la escena de forma magistral, retomando todos los elementos narrativos del texto original, pero dándole un giro a su estética. No nos encontraremos con un vestuario renacentista y un lenguaje utilizado hace más de cuatro siglos. Sino que nos ubicaremos en lo que podría ser un vestuario de la clase alta de los años 30 (siglo XX) y un lenguaje que no pierde la poética ni la fuerza del texto original ni del teatro clásico, pero se adapta de alguna manera a un lenguaje que nos resulta más familiar.  

La obra tiene una duración total de 180 minutos y cuenta con dos breves intervalos.

Duración (aproximada): 180 minutos. Incluye dos breves intervalos.
Platea: $280. Pullman: $210.
Día popular (miércoles y jueves): $140.
Teatro San Martín

Análisis: Assassin’s Creed 3 Remastered para PS4

Por Daniel Alvarez

Ubisoft nos ha traído una nueva remasterización de una de sus sagas más famosas, completando la posibilidad de jugar a todos sus capítulos en las consolas de la nueva generación. De este modo llega Assassin’s Creed 3, el capítulo que ha sido la transición entre el final de la historia de Ezio y la introducción a las mecánicas de juego que se fueron introduciendo en la saga. Si bien no está en la lista de los mejores Assassin’s, pero es una buena oportunidad para probar a aquellos que no lo han jugado aún

Esta no debería ser una crítica del juego en sí, ya que lo importante radica en cómo se ha realizado el trabajo de remasterización del mismo. Su ambientación en la revolución americana, y con su protagonista Connor, son motivos suficientes para acercarse al juego los que no han tenido la oportunidad. En relación a su versión anterior, que la he jugado en una Xbox 360, llega a notarse la mejoría en su apartado gráfico y en el rendimiento del mismo juego, aunque también es necesario decir que el juego tampoco está envejecido para requerir un gran trabajo de remasterización, sino más bien es una cuestión de compatibilidad con las consolas de nueva generación, hablando más precisamente en el caso de Playstation. Cómo complementos interesantes, este episodio cuenta con los DLC incluidos, además del juego Assassin’s Creed Liberation, que hay sido el juego de la saga lanzado para Playstation Vita.

Si hay algo de lo que puedo quejarme, y que me ha pasado con esta nueva experiencia con este juego, ha sido la cantidad de Bugs con los que lamentablemente me he encontrado. Si bien en la mayoría de los caso no ha afectado a la jugabilidad, pero si en dos casos puntuales lo ha sido, teniendo la obligación de reiniciar la misión en uno de ellos, porque el objetivo al que debía asesinar había quedado trabajo y no se podía cumplir la misión. Y esto no quiere decir que el juego sea un desastre, porque no lo es, tanto su historia como su jugabilidad son muy entretenidas pero si resulta necesario hablar sobre estas cuestiones, más si se trata de un juego al que se le está dando un lavado de cara, dónde es mejor estar atento a ciertas correcciones.

Su jugabilidad es tal cual la conocemos en la saga, la exploración y las misiones siempre están presentes. Esta entrega se ha caracterizado por introducir las misiones al estilo batalla naval, empezando con el control de los viajes como capitán del mismo, algo que después fue mayormente explotado en Black Flag. También existe la posibilidad de contabilizar el progreso que se tiene dentro del juego , y volver a realizar las misiones para aquellos que están interesados en completar el juego al 100%

La realidad es que Assassin’s Creed 3 corre de forma muy fluida en PS4, quizá donde falla un poco es a la hora de cabalgar. Aún así se puede hacer halago del trabajo de remasterización, que sirve como algo simbólico para tener la saga completa es la nueva generación de consolas. Assassin’s Creed Liberation también es un juego efectivo en su propuesta, que si es verdad que cuenta con una mayor limitación gráfica, motivo también es que el juego fue lanzado para Playstation Vita, pero sirve como un entretenido complemento para aquellos que quieran continuar con el juego, que también es más corto en su duración.

Assassin’s Creed 3 Remastered nos da la oportunidad de revivir esta entrega de la famosa saga de Ubisoft, además de completar el catálogo de la serie en las consolas de esta generación. Hay que destacar el buen trabajo de remasterización, debido a que podemos notar su notable apartado visual combinado con el rendimiento de su jugabilidad. Como parte negativa, el título sufre de sus numerosos Bugs, con los que algunos han afectado a la jugabilidad. En términos generales, es una buena opción para aquellos que no llegaron a probar este capítulo o los fans más acérrimos de la saga. El juego es completo en contenido, haciendo valer la pena el precio de su adquisición.

Lo mejor:

-El juego en sí mismo, es una entrega con una historia y ambientación más que interesante

-Los complementos del juego : DLC y Assassin’s Creed Liberation

-El trabajo de remasterización

Lo peor:

– Los numerosos Bugs, que pueden afectar a la jugabilidad

-No es uno de los mejores capítulos de la saga, pero sigue siendo un buen Assassin’s

Calificación 7.5/10

Análisis: The red Strings club para Nintendo Switch

Por Matías Dinardo @matidinardo

“The Red Strings Club” es un juego de la empresa española Deconstructeam que plantea una muy interesante narrativa. Es un gran relato de ciencia ficción futurista, dentro del subgénero cyber-punk y por momentos funciona como un mega revival de los juegos gráficos que basaban su fuerte en los diálogos para hacer avanzar la historia.

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Como el título lo indica, este es el “club de los hilos rojos”, es decir que la historia se bifurca hacia distintos lares según nuestras decisiones. Además, es el nombre del bar donde la gente va a ahogar sus penas y sacarlas a la luz. La trama gira alrededor de tres personajes (a los que usaremos a lo largo del juego) una androide con emociones llamada Akara, un camarero taciturno sin implantes y que además es broker de información llamado Donovan y un hacker neuronal llamado Brandeis. Estos dos últimos son pareja y la verdad no es común ver parejas de hombres en videojuegos y que además, no son para nada estereotipados. Incluso en un momento hay que averiguar el antiguo nombre de un personaje que se cambió de género. El juego marca tendencia a correrse de lugares comunes y esto se agradece, ya que funciona como para abrir cabezas (¿hackear cabezas?). Entonces, como decía, Brandeis es hacker neuronal, muchas personas en esta sociedad tienen implantes que ordenan sus organismos cual computadoras y así pueden controlar sus emociones y pensamientos. Y acá es donde aparece la trama conspirativa con una corporación llamada Supercontinent Ltd, que quiere implantar el Bienestar Psíquico Social a toda la humanidad, incluso a los que no llevan implantes.

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Es muy interesante el planteo moral y ético llevado a cabo por el juego y como nuestra opinión y decisiones importan, ya que el juego nos devolverá planteos que nos harán generar muchas preguntas. De hecho los hilos rojos son una excusa para hacernos dudar de nuestras propias decisiones.

¿Es ético controlar la ira, la depresión o el miedo? ¿Sirve la tristeza? ¿Qué pasa si con un botón pudiéramos evitar todos los asesinatos y suicidios del mundo? Porque una cosa es control mental y otro el social, ¿no? ¿O van de la mano? No sé las respuestas tan fácilmente, aunque la cuestión es que este juego/historia nos hará filosofar de lo lindo sobre nuestra humanidad y las sociedades que conformamos.

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Las dinámicas de juego son más o menos simples y son tres: haremos implantes con un torno, prepararemos bebidas especiales y llamaremos por teléfono de línea (sí, en el futuro). Son interesantes y a veces algo complicadas, pero no son el fuerte de la obra.

Este juego es muy recomendable para todo el que le agrade las historias bien planteadas de ciencia ficción y las elucubraciones sobre el futuro con muchas y muy buenas aristas.

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Lo mejor:

– Definitivamente la historia. Tené en cuenta que pasás más tiempo leyendo que cualquier otra acción.

– Pixel-art muy bien logrado.

– La mecánica “Elige tu propia aventura realista” le sienta bien.

 

Lo peor:

  • A veces se torna algo aburrido por el “trabajo” que implica resolver el juego
  • Cuesta delinear fácilmente ciertos personajes a simple vista.
  • Los controles de la Nintendo Switch no son ideales.

 

Calificación 8/10

Análisis: Mythgard para PC

Hemos analizado el juego Mythgard para PC, un juego de cartas del tipo free to play desarrollado por Rhyno Games inc. El juego nos introduce a un mundo donde coexiste los dioses de distintas mitologías y los humanos mezclado con el género de cartas en su jugabilidad.

El manejo de este título es a través de los carriles, donde uno utiliza a los personajes elegidos que te describen a que enemigos pueden atacar y que encantamientos ellos pueden hacer. Si estilo de combate es muy sencillo, y a su vez bastante entretenido, donde la competitividad es uno de sus puntos más fuertes. Tus secuaces solo podrán atacar los espacios que se encuentra enfrente de ellos y sus dos espacios adyacentes. El título permite la libertad de hacer tus mazos y combinar con cualquier tipo de carta. El tiempo de aprendizaje del juego es relativamente corto, manteniendo una dificultad moderada basada en la estrategia. Todos sus recursos funcionan bastante bien, brindando una experiencia entretenida, aunque quizá algo limitada para aquellos que no están amigados con este género en particular.

El juego cuenta con una variedad de modalidades para su uso, que van desde su modo historia hasta distintas formas de juego en línea. Si bien se trata de un juego free to play, donde existen las micro transacciones, el contenido gratuito es bastante completo para disfrutarlo sin la necesidad del pago inmediato. Las transacciones funcionan para obtener paquetes de tarjetas, que también son de utilidad para aquellos que se pasan varias horas con el.

Si hay algo que se destaca mucho en su apartado técnico, es toda la banda sonora con la cual está construido el juego. La música acompaña de forma muy eficaz a la ambientación del juego, cargado de mitologías , dioses y monstruos. Existe una total armonía entre lo sonoro y su jugabilidad. El apartado visual es correcto, con un ocurrente diseño de personajes y una pantalla de juego que si bien es simple, cumple con su cometido.

Mythgard es un juego free to play, que nos introduce a una historia llena de mitologías dentro del género de cartas. Un título bastante completo en modalidades para su sistema gratuito. Para aquellos que les interese meterse en este tipo de juegos, es una opción simple y que se puede volver un poco adictiva.

Calificación 7/10

Crítica: Una chica invisible

Por Rodrigo F. Ruíz

Sobre las dificultades de volverse invisible
En estos tiempos en que nuestras vidas cada vez más son pantallas, tiempos de red como telaraña, de soledades conectadas, de distancias, el filme “Una chica invisible” de Francisco Bendomir, estrenada esta semana en el BAFICI, llega como una de esas obras que al tocar temas tan actuales son interesantes a priori.

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Existe una inquietud compartida socialmente y a esta inquietud, a esta molestia, a este choque en las formas de relacionarse, la película responde con el humor. Comedia dramática, ya que en tono ligero se pone en juego la vida de los protagonistas, el voyeurismo ( pasión de la contemporaneidad) se pone en cuestión, es que lo que vemos ( y ve el protagonista ) al otro lado de la pantalla son un conjunto de tragedias individuales.
Los minutos iniciales del film son ilustrativos en cuál será el tono y el ritmo del audiovisual. Vemos un intento de suicidio pero la suicida para lograrlo mira un tutorial en you tube. Vemos a una niña que juega con un cuchillo, el accidente será festejado, ya que al estar grabandose, el numero de visitas a su canal se incrementa. Este es el terreno del film, entre la tensión, la puesta en riesgo de los personajes y la banalidad, la liviandad de lo actual.
“La chica invisible”; como no podía ser de otra forma, se desarrolla en espacios cerrados, donde cada uno de los protagonistas tiene su lugar diferenciado, característico. Hay un trabajo importante de la dirección de arte en este aspecto. Al cada personaje tener su propio lugar se elabora un tratamiento particular de la soledad en que habitan. Pensandolo es un film que prácticamente carece de planos conjuntos, cada personaje tiene su encuadre, su arte, y permanece aislado del resto. Esto se esclarece por contraste, cuando vemos el desayuno entre padre e hija, y este si, se nos muestra con ambos personajes en cuadro, lo que se marca, lo que notamos es la distancia entre ellos, un desayuno sin mirarse, un desayuno frente a pantallas. Este énfasis en la desconexión, en la mediación en las relaciones abunda en la película siempre tratado desde el humor.
En síntesis, el film cuenta con grandes actuaciones, un buen ritmo y logra despertar risas. En épocas de transparencia obligatoria, de completa visibilidad, la chica invisible logra entretener reflexionando sobre las dificultades del volverse invisible.

Calificación: 8/ 10

FICHA TÉCNICA
Guion y Dirección: Francisco Bendomir
Producción: Vanesa Weimer, Francisco Bendomir
Director de Fotografía: Mariano de Rosa
Dirección de Arte: Luis Montoya
Sonido: Fernando Ribero
Música Original: Pablo Crespo
Duración: 80 minutos
Género: Comedia/Drama
Año: 2019
Idioma/s: Español | Japonés
País de Origen: Argentina

ELENCO
Andrea: Andrea Carballo
Daniel: Javier de Pietro
Mauro: Pablo Greco
Juana: Lola Ahumada
Diógenes: Leandro Martín López
José: Claudio Torres
Andrea Niña: Rory Widd
Daniel Niño: Lennon Acero
Cacariana: Amancay Kazgudenian
Arcel: María Rosa Fugazot

Especial BAFICI: Crítica del film “El diablo blanco”

ESPECIAL BAFICI – La Butaca WEB es Prensa Invitada del 21º BAFICI (3 al 14/4/2019).

EL DIABLO BLANCO (@eldiabloblancofilms) País: Argentina – Distribuidora: Magma Cine (@magmacine) / Director: Ignacio Rogers / Intérpretes: Ezequiel Díaz, Violeta Urtizberea, Julián Tello, Nicola Siri, Martina Juncadella.

Sección: COMPETENCIA OFICIAL VANGUARDIA Y GÉNERO (Premiere Mundial).

Funciones: Sábado 6 Abril 20.35h. Multiplex Belgrano / Domingo 7 Abril 14.35h. Multiplex Belgrano / Miércoles 10 Abril 22.55h. Cine Gaumont.

Crítica: CJ COLANTONIO.

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Una película que se queda a medio camino para quien tiene conocimientos sobre los clásicos films de clase B norteamericanos de los ochenta ó noventa como Pesadilla o Cementerio de animales, de los cuales -según las palabras del director en su última proyección en el BAFICI- él se basó.

Esta sin embargo tiene esa marca donde los personajes son adolescentes en plena tormenta hormonal que se van de campamento y los ataca un ser diabólico.  Como digo, está a medio camino, porque el campamento –aquí la cabaña- y el bosque están, y el ser diabólico también, casi obvio como reza su título. También circundan los diálogos vacíos que tanto bien le hacían a este género de culto, porque lo importante era la irrupción de una escena altamente erótica para que el ser diabólico atacara.

Lamentablemente para quienes respetamos éste tipo de marca de género -como lo ha demostrado Tarantino también- carece de escena erótica, hay poca sangre a excepción de prometedor inicio- y hay diálogos que comienzan a erigir una trama donde se habla de un posible embarazo; la que es completamente innecesaria.

Calificación: 3/10.