Crítica: Scary Movie 6

Por Jorge Marchisio

Si había una película que por alguna extraña razón, estaba generando un excesivo hype, era la nueva entrega de Scary Movie. Sí, ya se, volvían los Wayans, creadores de la saga; pero tampoco es que estemos hablando de joyas de la comedia. De hecho, a modo personal, la tercera entrega me parece superior a la primera. Pero volviendo a la peli de estaño, veamos con que nos encontramos en el cine.

La trama digamos que se cuelga bastante de lo que fue Scream 5, la primera de la duología protagonizada por Melissa Barrera y Jenna Ortega. Usando eso como base, vamos a ver parodias y referencias no solo a películas de terror, sino a momentos de la cultura popular de los últimos años.

Como dije, creo que el hype por esta película era un poco desmesurado. Porque, al fin y al cabo, tenemos una seguidilla de escenas paródicas, unidas por la trama de una película famosa; que, en este caso, vuelve a ser una Scream, saga que ya de por si parodiaba al género de terror, y que, creo que, por eso, hacía funcionar a la propia Scary Movie, algo que en la segunda de los Wayans no pasaba.

Pero creo que el mayor miedo que teníamos todos, era el del paso del tiempo. Y es que los que vimos la primera película, ya tenemos veinte años más, y nuestro sentido del humor, así como el de la sociedad, fue mutando, y quizás lo que causaba gracia cuando éramos jóvenes, ahora nos da un poco de vergüenza ajena; algo que lamentablemente, si pasa con esta Scary Movie: terroríficamente incorrecta.

Otro problema que creo que tienen entre manos, es que algunos personajes ya no funcionan. En especial, el de Shorty. Y es que ver a Marlon Wayans a sus 53 años, que sigue haciendo chistes sobre ser un fumón y comportándose como un adolescente, da un poco de cringe, hay que ser honestos.

Eso sí, cuando el guion empieza a auto referenciarse, tirándole palos a las otras Scary Movies, e incluso, al elenco que decidió seguir adelante pese a que sus creadores ya no estaban, es cuando más brilla esta película. De hecho, esos fueron los gags que me hicieron reír, junto con una referencia que creo que nadie vio venir.

Y creo que con eso se podría resumir lo que es Scary Movie: terroríficamente incorrecta; porque tampoco queremos sobreanalizar cuando el propio material original no se presta. Eso sí, hay una escena post crédito. No sabemos si es un chiste, o si de verdad tendremos ese proyecto en las salas dentro de poco. Pero ya están avisados.

 

Calificación 5/10

Crítica: Amos del universo

Por @cronicadeunavidacualquiera

 

El fan service tiene el poder.

La historia:

Adam es el joven príncipe de Eternia que se ve obligado a abandonar su planeta por una invasión de villanos liderada por Skeletor a través de un portal que lo llevara a la tierra, de donde es su madre. 

Pasan los años, pero el  príncipe no puede olvidar su origen y continua buscando la espada que lo llevará de vuelta a casa, pese a que todos le dicen que abandone estos sueños. Finalmente alguien responde a sus pedidos y encuentra la espada del poder, pero al empuñarla no se activa el portal automáticamente sino que activará una señal que se esuchará en Eternia. ¿Podrá Adam volver a su tierra natal?  ¿El fandom clásico de esta franquicia pensará que esta versión está a la altura? Habrá que verla para enterarse, lo demás lo analizamos debajo.

 

¿Qué me gustó?

El diseño de los personajes es genial, tomando los diseños de varios de los juguetes originales y llevándolo a la vida. 

El humor sorprende, está bastante bien aplicado y en general es efectivo.

El elenco está muy bien, mención especial para Man-at-arms, interpretado por Idris Elba y Skeletor, en la voz deJared Leto.

La música de Brian May (Queen) es genial y va muy bien con estos diseños y este mundo.

Me Resultó interesante como adaptaron a los tiempos que corren a un héroe fuerte que resuelve los problemas a golpes, haciéndolo más dialoguista y cultor del trabajo en equipo pero a la vez dándole una vuelta de tuerca (en tu cara Superman).

 

¿Qué no me gustó?

La peli tiene problemas con las urgencias, en situaciones que deben resolverse rápido los personajes se toman demasiado tiempo.

Hay que dejar de robar con el chiste de lo ridículo de los nombres de los personajes de estas franquicias al menos por dos años, esto ya quedó viejo en la primer etapa de las películas de Marvel. 

También hay algunas incoherencias con las acciones de los personajes que parecen actuar más en función de la trama que de la lógica.

El soundtrack (las canciones que utilizan) de la primer mitad es excesivo y llega a distraer de lo que está pasando en pantalla.

 

¿A quién recomiendo esta peli?

Si creciste en los noventas con la caricatura y los muñequitos esta peli es para vos, está llena de guiños a eso y la película con personas del 87. Por supuesto que losmás chicos también se pueden enganchar con este mundocolorido lleno de acción y quizás hasta los fanáticos de Queen podrían encontrarla interesante. 

 

Dato: Hay varias escenas post créditos, una ni bien termina la peli, otra después de los primeros créditos y otra al final del total de los créditos.  

 

Calificación: 8/10

Duración: 140 minutos

Estrena el 4 de junio en cines

Reseña: Un paso atrás

Desde el momento en que uno ingresa a la sala del Teatro Azul, Un paso atrás ya comenzó. Los actores ocupan el escenario con máscaras, moviéndose en una especie de danza silenciosa que desconcierta y despierta curiosidad. Es una apertura tan extraña como atractiva, que prepara el terreno para una obra que apuesta constantemente por sorprender.

Escrita y dirigida por Matías Vitali, la pieza cuenta la historia de un maestro de escuela primaria que, tras la filtración de un video íntimo, toma una decisiónque piede cambiar el rumbo de su vida. La acción transcurre durante la noche de su cumpleaños, justo antes de que familiares y seres queridos lleguen para festejarlo por sorpresa. Sin embargo, el gran acierto de la obra no reside solamente en lo que cuenta, sino en cómo lo cuenta.

A través de un recurso narrativo tan arriesgado como efectivo, la historia avanza en dos líneas temporales. Un personaje de tono casi onírico interrumpe la acción para retroceder en el tiempo y revelar fragmentos clave de lo ocurrido horas antes. Estos “pasos atrás” enriquecen el relato, construyen tensión y permiten que el espectador complete el rompecabezas de manera gradual.

Con momentos desopilantes y otros profundamente humanos, la obra logra un equilibrio poco frecuente. El numeroso elenco, por momentos caótico en el mejor sentido, recuerda esa energía coral que hizo inolvidable a Esperando la carroza. El resultado es una propuesta original, emotiva y muy bien interpretada, que invita a reflexionar sin perder nunca el vínculo con el entretenimiento.

Una obra recomendable, de esas que consiguen algo cada vez más valioso: sacarnos de nuestro tiempo por un rato y sumergirnos por completo en el suyo.

Elenco:

Agustín Friedt, Alejandro Souto, Araceli Napoli, Clarisa Portaluppi, Diego Nardomarino, Flora Aylen, Florencia Weiss, Gabriel Nicolás Ahumada, Laura Laiguera, 

Leandro Patané, Mara González, Maru Boggio, Matias Vitali, Nicolas Cogo, Silvina Galas, Silvina Jontef, Sol Castiello

Ficha Técnica

Fotografía:

Laura Laiguera y Matías Vitali

Diseño gráfico:

Laura Laiguera

Diseño sonoro:
Matías Vitali

Escenografía e iluminación:
Lucas Pardeau

Producción ejecutiva:
Alejandro Souto y Matías Vitali

Asistente de dirección:
Ana Laura Castañiza y Martina Amadeo Paz

Dramaturgia y dirección:
Matías Vitali

Género:
Comedia dramática

Duración:
120 minutos

Instagram:
@jauriateatro

Sábados 22 h.
Teatro Border, Godoy Cruz 1838, CABA

Entradas en http://www.border.com.ar o en Alternativa Teatral

Se viene FIC.UBA 2026 en su cuarta edición del 30 de septiembre al 7 de octubre

 La Universidad de Buenos Aires y la Facultad de Arquitectura, Diseño y Urbanismo (FADU), a través de la Secretaría de Políticas de Diseño e Innovación Tecnológica, la Secretaría de Relaciones Institucionales, Cultura y Comunicación, y la Carrera de Diseño de Imagen y Sonido, anuncian la realización de la cuarta edición del Festival Internacional de Cine de la UBA

(FIC.UBA), que se llevará a cabo del 30 de septiembre al 7 de octubre de 2026.El FIC.UBA 2026 reafirma su compromiso con el cine y se consolida como un espacio de exhibición, formación e intercambio que conecta a la comunidad universitaria con el panorama audiovisual contemporáneo, tanto local como internacional. Con entrada libre y gratuita, el festival presentará una programación diversa que incluirá sus distintas competencias, retrospectivas, homenajes y ciclos especiales.

Convocatorias a competencias

La inscripción de películas para el Festival Internacional de Cine de la UBA ya está abierta. Desde el 28 de mayo hasta el 30 de junio de 2026, realizadores y realizadoras podrán registrar sus obras -nacionales e internacionales- a través de la web oficial del festival o también a través de festhome.com. La inscripción es gratuita y está abierta a películas de ficción, documental y animación, tanto de largometraje como de cortometraje. El festival cuenta con cinco competencias y otorgará premios en efectivo en cada una de ellas: Para conocer las condiciones de participación y el reglamento completo, se puede consultar la web oficial del festival fic.uba.ar

-Competencia Internacional de Largometrajes.

-Competencia Iberoamericana de Cortometrajes.

-Competencia de Cortometrajes U.B.A.

-Competencia de Largos Graduados DIS

-Competencia de Cortos Graduados DIS

Estos reconocimientos refuerzan el compromiso del FIC.UBA con la formación, el intercambio internacional y el acompañamiento de nuevas voces del cine. En la cuarta edición, FIC.UBA volverá a entregar premios económicos, viajes internacionales y becas de participación en festivales y programas de formación en instituciones públicas y privadas.

En ese marco, se volverá a premiar al mejor cortometraje argentino de la Competencia Iberoamericana de Cortometrajes con el Premio Distribución Festhome, que consiste en un año de distribución internacional a cargo de Festhome.com con tasas de inscripción incluidas. Con una mirada puesta en el futuro de los y las jóvenes cineastas, el FIC.UBA distinguirá los proyectos ganadores de la Competencia Cortos UBA con:

-Un viaje a España para participar del Málaga Talent, en el Festival de Málaga.

-Un viaje a Colombia para asistir a BIFF Bang, el área de formación de talentos del Festival de Cine de Bogotá.

Web: fic.uba.ar

Instagram: @fic.uba

Twitter/X: @fic_uba

Facebook: Fic Uba

Reseña: Nido de lagarto

En el teatro El Extranjero, todos los lunes a las 20:30 sucede “Nido de Lagarto”, de Franco Verdoia. 

Esos dos se aman en secreto desde hace cuarenta años. El tiempo pasa, la vida se arma a espaldas del deseo. El cuarto de un hotel de ruta, su nido y refugio;  un lagarto escondido, el único testigo de ese amor prohibido. ¿Habremos errado en la vida? La pregunta sin respuesta. Si el final llega, que sea juntos. 

La actuación de Silvina Sabater y Horacio Acosta logra encarnar la desesperación por poder ser. La urgencia de verse, pero siempre a escondidas, habita esos cuerpos en los que el tiempo va dejando huella. Hay momentos de gran intensidad emocional. El estar de ambos instala un tiempo en la sala que mantiene la atención de quienes observan. 

Mención especial a la escenografía. Los años también pasan a los objetos. El cuarto de hotel va despedazándose. El nido se vacía, sólo quedan ellos dos. 

“Nido de lagarto” sobre el amor, el tiempo y la vida.  Un tono melancólico atraviesa los momentos de mayor humor y fantasía, ahí está lo que se puede y lo que no. Las reflexiones trascienden la escena y flotan hacia la platea en la que, a su modo, cada quien resuena. 

“Nido de Lagarto”- Lunes 20:30hs – Teatro El Extranjero (Valentín Gómez 3378).

FICHA TÉCNICO ARTÍSTICA

Dramaturgia y Dirección: Franco VerdoiaActúanHoracio AcostaSilvina SabaterVestuario y diseño de escenografía: Cecilia ZuvialdePeluquería TeatralSoraya CeccherelliDiseño sonoro y música original: Ian ShifresDiseño De IluminaciónMatías López StordeurFranco VerdoiaAsistencia de direcciónMatías López StordeurDebora TorresProducción ejecutivaMatías López StordeurDebora Torres

 

Escribió: Micaela Steinbach

Crítica: Dollhouse

Esta vez vamos a hablar de algo diferente, y es que nos vamos casi a la otra punta del mundo, para hablarles de una película que mezcla drama y terror y que nos llega desde Japón. Veamos por qué vale la pena darle una oportunidad a este proyecto llamado Dollhouse.

La trama se centra en la pareja de Yoshie y Tadashiko, quienes, tras perder a su pequeña hija, buscan un poco de paz con una muñeca de cerámica de tamaño real. Pero pronto la muñeca es dejada de lado cuando Yoshie queda embarazada. Los años pasan, y situaciones extrañas se empiezan a dar en torno a Aya, la despechada muñeca, que oculta varios secretos.

A verdad que no esperaba demasiado de esta película, sobre todo, porque no conocía a nadie de los involucrados; y, por ende, no tenía referencia de si eran buenos artistas o no. Y si, al menos en este caso, se nota talento en varios de los apartados. Empezando y destacando por sobre los demás, el del guión.

Si, la historia a priori parece media cliché, con una familia perdiendo a un ser querido, y en su desesperación por llenar ese vacío, termina atrayendo a un ente maligno. El tema es que la parte dramática está tan bien mezclada con la terrorífica, que ni nos damos cuenta cuando pasamos del miedo al nudo en la garganta, y viceversa.

En esto ayuda bastante las actuaciones de la pareja principal, Masami Nagasawa y Koji Seto, pero solo de ellos, porque si bien el estilo de actuación oriental dista bastante del nuestro, el resto de los personajes se sienten muy sobreactuados. En especial, el de la abuela, algo irónico, porque se supone que la actriz es la que más experiencia tiene.

Otro problema que le veo a Dollhouse, es que se alarga demasiado. Creo que la parte dramática del inicio, se extiende sin necesidad, siendo bastante redundante en lo respectivo a la pérdida de la hija. Si, sabemos que es un evento muy dramático, pero como espectadores esta historia la vimos cientos de veces, no hacía falta que nos cuenten lo mismo de siempre, con tanto detalle.

Quitando eso, Dollhouse es una película se sostiene bastante bien. Aunque se estira en su presentación, y algunas actuaciones sacan de clima, en general si es un proyecto que merece no solo ser aprobado, sino también recomendado. Para ver, pasarla bien y no mucho más.

 

Calificación 7/10

Crítica: Margo tiene problemas de dinero

Por Jorge Marchisio

Una serie que llamó la atención por razones equivocadas en el momento de su anuncio, fue Margo´s Got Money Problems. Y es que la protagonizaba la siempre angelical Elle Fanning, pero en un rol que hasta ahora nunca la vimos, mostrando bastante piel y con una temática centrada en onlyfans. Pero ¿De qué habla en realidad esta producción de Apple TV? Sigan leyendo y veamos que hay mucho más.

La menor de las Fanning interpreta a Margo, una estudiante universitaria de literatura, que tras pedir unas asesorías, termina acostándose con su profesor (que tiene familia), quedando embarazada en el proceso. Ahora siendo madre soltera, y con unos padres separados bastante particulares y sin conseguir un trabajo estable, la única solución que encuentra para mantener a su bebe es una: abrirse un onlyfans.

Como dije, esta serie habla de bastante más que el concepto de onlyfans, y es sobre las pocas posibilidades que tienen algunas madres solteras, de conseguir trabajo y rehacer su vida, cuando el padre más que un apoyo, parece un enemigo. Y no, no es que se tome partidismo, por un lado, es una situación que si pasa.

Lo interesante acá es lo pintoresca de la situación, porque no solo tenemos a Margo lidiando con sus problemas económicos, sus padres, son una bizarreada completa. Por un lado, tenemos a Trish, interpretada por Michelle Pfeifer, una ex trabajadora de Hooties que toda su vida fue una mujer liberal y despampanante, que está próxima a casarse con un sacerdote. Mientras que Jynx (Nick Offerman) es un ex wrestler con adicción a las drogas duras, en proceso de sanación y que aparece después de varios años a la puerta de Margo.

En cuanto a la dichosa aplicación mal asociada al nopor, se usa como lo que es, otro medio de trabajo. Margo´s Got Money Problems no sataniza ni endiosa a las mujeres que recurren a dicha plataforma como medio de trabajo. De hecho, la página no aparece hasta bien entrada la serie, mostrando que fue algo usado como último recurso. 

Eso sí, no esperen un completo dramón; porque no estamos frente a uno. La serie está escrita en tono de comedia, algo que se, podría molestarles a muchos, pero que creo fue la decisión correcta. Sobre todo, para sacarle un poco de tensión a momentos de verdad dramáticos, y a la vez, tomarse las cosas con un poco más de relax. Aunque cuando se pone seria, sobre todo en el final, lo hace y puede llegar a conmover bastante. 

Margo´s Got Money Problems es una serie bastante buena, que, al parecer, ya tiene su segunda temporada confirmada. En lo personal creo que esto último no es necesario, porque ya todo cierra bien; pero si van a estirar la historia, ojalá sea con este mismo nivel. Recomendable para todo el público. 

 

Calificación 7.5/10

Reseña: Inés

Testigo y heredera del amor

Por Constanza Scioletti

A través de un dispositivo metateatral, la protagonista nos invita a acompañarla en la pregunta que motoriza toda la obra: ¿Quién es ella? A partir de este interrogante disparador que despliega múltiples reflexiones, Inés decide construir la respuesta reconstruyendo los recuerdos del vínculo de sus padres. Así, colocándose en el rol de testigo, nos relata los últimos años de vida de esa pareja y el modo en que el amor y la memoria fueron mutando con el tiempo.

La obra habla del acompañarse, de toda una vida compartida, pero también de cómo la historia en común no siempre es garantía para seguir juntos hasta el final. Expone la separación, pero una separación habitada por la distancia donde se siguen recordando, amando y queriendo. Inés nos ofrece, a través de sus propios ojos, el mapa del amor que aprendió de ellos.

La puesta en escena se apoya en una escenografía sutil y justa. Es un diseño que invita a habitar los distintos espacios del recuerdo y de aquella casa evocada. En ese marco, la dramaturgia también echa luz sobre una zona tan compleja como humana: el acompañamiento a nuestros padres en su última etapa vital, ese momento donde los roles se invierten y nos toca preguntarnos quién cuida a quién, y desde qué lugar de amor y ternura se sostiene ese cuidado.

Desde la dirección de actores, se destaca la acertada composición de los padres de Inés, interpretados por Luis Canduci y Elena Petraglia. A través de un ritmo pausado, orgánico y sin apuros, sumado a una economía gestual que acompaña de manera increíble al relato, los actores logran transmitir toda la verdad e historia de esta pareja.

Ficha Técnica:

Elenco:

Camila Mansilla

Elena Petraglia

Luis Canduci

Dirección:

Julio Chávez

Asistente Dirección:

Javier Roldan

Daniela Polieri

Producción:

Francisco Martínez Jones

Música:

Diego Vainer

Escenografía:

Ariel Vaccaro

Vestuario:

Barbara Marcilese

Luces:

Gonzalo Calcagno

Prensa:

Tommy Pashkus

  • Teatro: El Tinglado Teatro
  • Dirección del teatro: Mario Bravo 948, Palermo / Almagro, Ciudad Autónoma de Buenos Aires
  • Días y horarios: Sábados a las 19:00 hs
  • Entradas: Se pueden adquirir de forma online a través de la plataforma Alternativa Teatral 

Análisis: Invincible Vs para PS5

Los juegos de pelea y las series animadas de acción parecen llevarse muy bien. No son pocos los casos que tenemos donde se enfrentan a nuestros personajes favoritos, pero pudiéndolos controlar y decidir quién le puede partir la madre a quien. Y si había una serie que se prestaba para eso, era la de Invencible. Así que hoy veamos que nos trajeron los amigos de Double Helix Games para las consolas de última generación.

Como suele pasar con los videojuegos de lucha actuales, poseen un modo historia. Que en realidad es una excusa para ir probando a todos los personajes que tendremos en la plantilla inicial, con un arco de dificultad bastante marcado desde el inicio. Y es que estamos ante una de esas ocasiones donde si no hacemos el tutorial, nos va a costar demasiado avanzar de la primera pelea.

Y esto es irónico, porque la mayoría de los combos pueden hacerse apretando el mismo botón. El tema es que tenemos algunas mecánicas para evitar combos interminables, al más puro estilo Killer Instinct (ser nota que es de los mismos desarrolladores). Y para esto tenemos el intercambio de personajes, que es más complejo de lo que pareciera.

Y es que podemos hacer diferentes combinaciones para que nuestros dos compañeros nos asistan, o entren a interrumpir un combo, o alarguen nuestro ataque, o incluso metan un especial mientras nosotros también lo hacemos. Si bien todo se soluciona combinando botones, para los que no están muy duchos con los sistemas de los juegos de pelea, esto, de nuevo, va a costar.

En cuanto al apartado visual, estamos ante otra adaptación hecha con sell sheading. Esto no lo digo como algo malo, si visualmente funciona, no hay que ponerse a innovar y pifiarla. De hecho, dicha técnica ayuda bastante a plasmar la violencia explícita que maneja la serie. Y el detalle de que los personajes se vayan cansando a medida que van recibiendo daño, o la pelea se extienda, es un detallazo.

Pero cómo pueden ir intuyendo, el gran problema de este juego es su dificultad y poca accesibilidad al jugador novato. Si bien los combos son fáciles de ejecutar, necesitan mucha precisión, y tiempo, algo que al menos la I.A rival no nos va a dar; terminando la serie por ser un machacabotones salvo para aquellos que ya son expertos en el tema.

Invencible vs es un juego recomendable, pero con ciertas precauciones. Como pueden ver, el mayor pero que tiene es que de entrada se plantea bastante difícil a menos que se tenga mucha experiencia en juegos de peleas tag. Quitando eso, rescata bastante bien la esencia de la serie/cómic. Va a depender de su paciencia.

Lo mejor: visualmente da la pega con el material original. Es muy dinámico.

Lo peor: poco amigable con los jugadores nuevos.

 

Calificación 7/10

Martin Garrix desató una marea de euforia y nostalgia en el Movistar Arena.


La expectativa se sentía en el aire porteño desde temprano. El regreso en solitario de Martin Garrix a la Argentina, en el marco de su ambicioso “Martin Garrix Americas Tour”, no era una fecha más: era la confirmación de un romance idilio que el DJ y productor neerlandés ha sabido cosechar con el público local a lo largo de los años. Con entradas completamente agotadas, el Movistar Arena se preparó para recibir una noche que prometía ser histórica.


El viaje sonoro comenzó puntual a las 19:00 hs con el DJ Cocho, encargado de encender las primeras luces de la noche. Poco después, el formato B2B (back-to-back) de Mar Monzón y Lulu Matheou terminó de moldear el clima ideal, transformando el estadio en una verdadera pista de baile electrónica de dimensiones colosales.


A las 20:35 hs, la energía dio un salto cuántico con la aparición de Julián Jordan. El compatriota y amigo íntimo de Garrix no se guardó nada: desplegó un set cargado de beats demoledores . La respuesta del público fue inmediata: saltos, coros unísonos y miles de pantallas apuntando al escenario. “Argentina is my house”, sentenció Jordan desde las bandejas, una frase que terminó de sellar su complicidad absoluta con la audiencia y dejó el terreno perfectamente pavimentado.


Cerca de las 21:50 hs, las luces se apagaron por completo para dar paso al plato fuerte. Bajo una imponente puesta en escena que fusionó pantallas de última generación, luces láser y efectos visuales que hablaban el mismo idioma que la música, Martin Garrix tomó el control.


Lo primero que llamó la atención al mirar alrededor fue la diversidad del mar de gente: un amplio rango etario que iba desde jóvenes descubriendo la potencia del EDM en vivo, hasta adultos que revivieron con nostalgia y euforia el auge del género en la década de 2010.


Garrix demostró de inmediato por qué sigue en la cima global de la escena. Abriendo el set con producciones propias, el neerlandés hilvanó una noche perfecta de casi dos horas y media de música continua. Sonaron hits como «Sleepless nights» y «Breakaway», mechados con samples y mezclas precisas que hicieron delirar a los presentes, como el remix de  «Cocoon» (su colaboración con 070 Shake) y la nostálgica versión de «Somebody That I Used to Know» de Gotye. Tampoco faltó «In the Name of Love», uno de sus mayores éxitos en plataformas digitales, coreado hasta el desgarro por el estadio entero.

El setlist avanzó sin dar respiro: «Burn out», «Ocean», «Follow» (su potente cruce con Zedd), «Oxygen» y «Gold Skies», momento exacto en que las linternas de miles de teléfonos celulares transformaron el Movistar Arena en un cielo estrellado artificial.
Sin embargo, el pico de emotividad de la noche llegó con un tributo. Al sonar los primeros acordes de «Waiting For Love», el estadio entendió el mensaje: era el homenaje de Garrix a su colega y amigo Avicii. Las pantallas se inundaron de mística, los celulares volvieron a encenderse y una ovación generalizada e hiper-sensible hizo temblar el cemento del recinto, rindiendo honor al legado del sueco.

La lista de bombas sonoras continuó con clásicos del género y pistas de alto voltaje como «Tremor», «Mistaken», «Told you so», «Quantum», «Smile», «MAD», «Dragon», «Byte», «Proxy» y «Poison». Hacia el final del show, una inesperada y enérgica versión de «A Sky Full of Stars» de Coldplay terminó de coronar una noche donde la música electrónica y el pop de estadio se abrazaron de manera perfecta.

Martin Garrix se mostró humano, cercano y genuinamente feliz. Sonrió durante todo el show, arengó constantemente desde lo alto de la cabina y buscó con la mirada a una marea humana que jamás dejó de responderle.
Minutos antes de la medianoche, el neerlandés cerró su presentación tal como la empezó: con su propio sello sonoro y con la bandera argentina en lo alto. La fecha de Buenos Aires no solo fue un hito dentro de la gira más ambiciosa de su carrera; fue la reconfirmación de que la intensidad del público argentino y la magia de Garrix son una combinación imbatible.