Reseña: Asamblea de los espíritus

Sindicatos astrales


La revolución será de los trabajadores vivos o muertos…

¿Qué puede pasar mal en una asamblea? Pues mucho, las peleas por el control del poder y la razón serán motivos para caldear al colectivo. Quien tiene la presidencia no es precisamente la persona más justa para el cargo, sin embargo podríamos hacer una sesión astral para convocar  a quienes no están, a fin de cuentas, también tienen voz, ¿No?




»Cuenta las peripecias de un elenco de teatro universitario que es tomado, inesperadamente, por fuerzas oscuras. Algunas que parecen habitar el recinto académico; y otras, acaso más complejas, que surgen del corazón del grupo. Todas sumiendo al equipo en las contradicciones propias de la tarea artística, los deseos, la política y el poder» Esta es la sinopsis de la comedia creada por Fernando Ferrer, la misma fue parte del proyecto final de grado para la carrera de artes dramáticas de la UNA.


Con un elenco coral, conformado por jóvenes y actores con trayectoria, encabezados por Analía Ayala, Juan Uriel Dujo, Guadalupe Durante, Camila Ferro, Arturo Andrés Galacho, Lula Gonzalez, Mara Guerra, Geronimo Gutierrez, Martín JAUREGUILORDA, Alexia Martinovich y Macarena Rodriguez llega  Cuello, llega esta histriónica y divertida comedia.


La escenografía representa un teatro abandonado en reforma, los detalles están presentes y es gracias a María Guadalupe Gonzalez y su trabajo. Estos 11 actores se van a desplazar por el escenario con un ritmo acelerado y también transitando entre materia espiritual. Hay una enorme carga de comedia absurda y ocurrente, esto la vuelve simpática y es gracias al compromiso de los actores y la química entre ellos.


La Asamblea de los espíritus es un sindicato jugando a la Ouija, la rebelión del proletariado, el abuso de poder o el efecto de alucinógenos, o lo que sea. Lo que si está asegurado es la diversión plena.


Disponible los jueves a las 20:30 en el Teatro El Extranjero (Valentin Gomez, 3378) Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

Reseña: Las dos reinas

Lucha por el trono


Dentro del gran abanico de la historia universal, hay sucesos que llaman la atención por el grado de juego de poder que se genera, más en la Europa medieval marcada por la ambición, traición, sangre y familia.



¿Pueden dos personas odiarse sin conocerse? La respuesta es sí. Cuando hay grandes intereses de por medio, en este caso un trono, la sangre que ha de correrse será la necesaria. Solo hay un lugar pero el resentimiento y las presiones sociales siempre tendrán espacio. Este es el caso de la historia de «Las dos reinas», adaptación de  la obra María Estuardo de Friedrich von Schiller, la cual se resume de la siguiente manera. »Cuenta la historia de  laturbulenta vida de la carismática María Estuardo, reina de Escocia y la persuasiva Isabel I, reina de Inglaterra. Rivales en el poder y en el amor, reinas en un
mundo gobernado por hombres. Isabel inclinada al protestantismo se proclamaba como la única soberana. Por derecho de nacimiento, María Estuardo, ferviente católica, podía reclamar el trono inglés. Ambas mujeres sienten una fascinación recíproca, y solo ellas saben realmente lo que significa reinar en una tierra de hombres»


Marcelo Silgueiro es el encargado de dirigir este clásico que data del año 1800, para ello elige a las grandes actrices Victoria Aragón y Paula Cantone para interpretar  a estas primas enfrentadas por el trono.

Cantone interpreta a la cautiva pero legítima María Estuardo y Aragón a la decidida Isabel I. El primer atractivo técnico- estético de la obra es sin duda el diseño de vestuario de Claudia Abalos.  Abalos establece con suma delicadeza y detalle cómo estará vestido cada personaje, enfocando los cambios de Aragón y Cantone, aportando peso y realismo a estas figuras reales. Carla Pereyra es la encargada del prolijo diseño de maquillaje y peluquería.


Las dos reinas, cuenta con dos grandes actrices en sus hombros, ambas con personalidades opuestas e intereses en común.  Aragón y  Cantone están increíbles en sus roles, caracterizándolos de una manera prolija y dedicada y con un acto final que causará escalofríos en el público.   Las dos reinas puede ser la historia de dos mujeres enfrentadas no solo en la edad media sino en la actualidad, es un ejemplo de cómo el poder logra romper con los lazos familiares y el género.


Disponible los sábados a las 20:30 en el Teatro Multiescena. Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

Crítica: Un Crimen Argentino

Crimenes con sello argentino

En estos últimos años se ha vuelto tendencia el cine criminal inspirado en casos reales. Una impronta muy nacional, casos que dejaron atónitos a la opinión pública por su grado de complejidad y también porque hoy en día muchos siguen impunes.
Los antecedentes que preceden al siguiente filme son por ejemplo, El robo del siglo (Ariel Winogard, 2020) o la más reciente serie de HBO max sobre el caso de María Marta Belsunce.



Lucas Combina Un crimen argentino, su primer largometraje cómo director:

«Basado en un hecho real ocurrido en los años 80: la intrigante desaparición de un hombre de negocios en la ciudad de Rosario, en el marco de la dictadura militar argentina. El caso es asignado a dos secretarios de un juzgado de instrucción pocas semanas antes de que uno de ellos emigre a España. En una carrera contra el tiempo ambos juristas intentarán resolver el caso enfrentando las interferencias de una policía subordinada al poder represor»

La joven promesa de la actuación Nicolás Francella (hijo de Guillermo Francella) es el protagonista de esta historia junto a Luis Luque. Ambos son detectives encargados de este caso. Rita Cortese y Darío Grandinetti forman parte del elenco.

Tanto Luque cómo Francella poseen una buena química actoral en una película de narrativa clásica. Los elementos del cine negro son aplicados: La historia de un policía que persigue un caso complicado y sus posibles sospechosos, cae en las trampas del asesino y termina (o no) con la resolución del crimen.

El resultado es decente sin sobresaltos, pues es una formula ya vista, sin embargo posee una buena ambientación de época de la ciudad de Rosario, así como también la caracterización de los personajes.

Un crimen argentino se pasea por todas las convenciones del nuevo cine negro argentino, otorgando un producto que oscila entre el thriller y la comedia. Sin embargo posee revelaciones interesantes que no son predecibles, se encarga de mostrar la oscuridad de este suceso, concluyendo en un episodio similar a CSI pero con sello argentino. Dario Grandinetti está impecable en este rol lleno de matices y laberintos actorales.


Calificación: 7/10

Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

Harlem Festival Anunció su Lineup con artistas como Chano, Nicki Nicole, Dillom, Airbag entre otros grandes artistas para el 29 y 30 de octubre en la ciudad de Santa Fe

HARLEM FESTIVAL SORPRENDIÓ Y GENERÓ MUCHA EXPECTATIVA CON SU NUEVO LINE UP PARA ESTE AÑO, TRAS 8 AÑOS CHANO VUELVE A PRESENTARSE EN SANTA FE, NICKI NICOLE, AIRBAG, EMILIA Y DILLOM COMPLETAN EL EXPLOSIVO LINE UP DEL FESTIVAL MÁS GRANDE E IMPORTANTE DEL LITORAL




Hoy terminamos de conocer el mega line up que propone Harlem Festival en esta edición, una grilla pensada y creada para reunir a todas las edades de la última generación, Nicki Nicole una de las artistas Argentinas con mayor proyección internacional, Chano, el ex líder de Tan Bionica regresa a la ciudad tras 8 años de su última visita, el trío de los hermanos Sardelli aportando su cuota de rock pop debutan en el festival al igual que El Mato un Policia Motorizado. El creador del exitosísimo Post Mortem, uno de los mejores discos del último tiempo, Dillom debutará en el escenario principal al igual que Emilia Mernes.


Además Seven Kayne, Clara Cava, Silvestre y la Naranja se suman al festival por primera vez, como los DJs que inaugurarán el nuevo escenario de electrónica Soundexile, Paula Os, Londongound y más que proponen una nueva experiencia dentro del festival.


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MIRÁ EL AFTERMOVIE DE HARLEM 2021


SOBRE HARLEM FESTIVAL


Tuvo su primera edición en 2018 para instalarse como uno de los más destacados festivales conceptuales de Argentina, donde convivan en armonía todo tipo de público, artistas y experiencias. Ubicado en el corazón del país, también busca el desarrollo artístico, cultural y turístico en la región de Santa Fe, Entre Ríos y el Noreste argentino. El festival se llevó a cabo en la ex estación de trenes Manuel Belgrano.


En las ediciones de 2018 y 2019 pasaron diversos artistas como Wos, Usted Señalemelo, Emmanuel Horvilleur, Indios, Salvapantallas, Louta, Juan Ingaramo, Marilina Bertoldi, El Kuelgue, Ainda, Conociendo Rusia, Ca7riel y Paco Amoroso, entre muchos otros.


Desde su tercera edición en diciembre de 2021, Harlem Festival terminó de consolidarse como uno de los festivales más importantes del país. 


Con más de 32 horas de música, dos escenarios uno dentro de la ex estación de trenes y otro al aire libre, fiesta, mucha expectativa y emociones Harlem Festival convocó a más de 15 mil personas y el actualmente el público ya está expectante por vivir esta nueva edición del 29 y 30 de Octubre.


Critica: Nop

Nope (Jordan Peele, 2022)

Luego del rotundo éxito de Get Out, su primer filme, y de la interesante pero regular Us llega Jordan Peele apuntando la vara más alto con su película de mayor presupuesto: Nope!



Nope o nop en español puede parecer a una negación poco seria ante algo que es obvio, esta palabra estará en gran parte del guión de la película pues, el tema a tratar son OVNIS y raptos, lo que está arriba es de no creer así que podemos decir: Nop, no está pasando.

Nop en parte refleja un homenaje al cine de sus inicios al recordar las primeras cámaras grabadoras, la primera secuencia en movimiento y los escenarios western. Hay mucha sátira y crítica al mundo del cine, lo cual la hace ligera con sus comentarios y momentos chistosos. Al momento de ponerse tensa lo hace muy bien y logra meternos en la atmósfera que Peele sabe recrear. Es una mezcla de géneros no compatibles entre sí: terror, ciencia ficción, western y comedia. Se vuelve una película que atrapa desde el primer minuto con un par de plots interesantes, sin embargo queda vacía y sin respuestas.

Es un filme de mayor presupuesto con un diseño de sonido espeluznante, una fotografía en luz natural delicada. Daniel Kaluuya monótono y aburrido, una Keke Palmer eléctrica y divertida que se vuelve el personaje que hace efecto gancho.
Queda muy corta a pesar de su duración, entonces preferimos las tramas más simples de sus primeras películas.

Sin embargo merece ser vista en el cine pues toda una experiencia pero Nop, no es mala pero si olvidable.

Calificación: 7/10

Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

Festival Verte: Llega el 17 de septiembre a San Nicolas el festival que trae a Nicki Nicole, Rusherking, Taichu y fiesta Bresh

El sábado 17 de septiembre, el Festival VERTE invita a una jornada para disfrutar en familia, al aire libre con música en vivo, DJS, un paseo gastronómico con amplia variedad de foodtrucks, activaciones y más, en un estadio con tecnología de punta, estacionamiento para los asistentes y capacidad para 20.000 personas que vibrarán con los temas de Nicki Nicole, Rusherking, Taichu y Fiesta Bresh.




El Estadio San Nicolás se encuentra en el km 234 de la Autopista Bs. As. – Rosario. Su ubicación estratégica facilita el acceso, ingreso y evacuación del predio. El mismo fue construido de acuerdo a las reglamentaciones de la Asociación Argentina de Fútbol (AFA) y a partir de 2020 fue designado sede de la Copa Argentina de Fútbol.


“En un contexto de reactivación de la industria del entretenimiento, nos entusiasma anunciar la promoción de un evento cultural de calidad para la región, estamos trabajando en una apuesta grande desde la producción para que sea una experiencia memorable para todos los asistentes, la primera de esperamos varias ediciones del festival”, expresan desde la organización.


Nicki Nicole + Rusherking + Taichu + Fiesta Bresh 

Sábado 17 de septiembre

18hs.

Estadio San Nicolás 

 /vertefestival link imágenes prensa 

Entradas a la venta por www.vertefestival.com 

Arte Jovial: Entrevista a Lourdes Varela



                                                                

Hablamos con Lourdes Varela, joven actriz de apenas 20 años, quien nos contó pormenores en las obras que participa: “Como piensan el Tiempo las Tortugas” y “Cosa Hecha”. Actualidad y sucesos de vida que tienen que ver del entrelazo de la ficción con la realidad.


         



“El teatro under es juego”, con simpleza y convencimiento, Lourdes nos resume la esencia del teatro independiente que, casi desde que tiene memoria, atraviesa no solo como pasatiempo, sino como modo de vida. El disparador fue tanto la convivencia con sus padres, donde floreaban historias y, además, el rol que el scout cumplió y lo hace en su vida, que ejerce hace ya una década. 

  Luego de pasar por escuelas como Timbre 4, hoy se forma en la UNA para cumplir a rajatabla con la denominación: actriz.

  Con apenas dos años por encima de la mayoría de edad, la joven encaja en la definición clásica, tan a veces contraproducente, donde se pronuncia, “en unos años va a estar en.…”, y la frase se completa en paralelo a alguna intuición con la mejor fe del mundo. 



–  ¿Cómo observas desde tu lugar a lo que es la estructura comercial de la actuación?


–  Cada cosa tiene lo suyo, aprendí que en todos lugares hay gente buena y mala. Creo que no hay que etiquetar en algo en que es «comercial o no», en todo hay mucho para valorar.


En “Como Piensan el Tiempo las Tortugas”, obra de Pilar Boyle (escrita por Ricardo Ryser), cumple con la labor de ser asistente de dirección, tarea dinámica que conlleva prestar responsabilidad y atención a todo un elenco, a lo que bien en el fútbol se podría denominar en el presente como «técnico alterno»; mientras que, en «Cosa Hecha», de Ignacio Torres hace de Ailín, alguien quien tiene una efervescencia particular, y que está en el medio de situaciones afectivas muy relevantes, con quien comparte empatía, como a su vez diferencias circunstanciales y viscerales.


– Sin caer en cuál te parece mejor, desde las semejanzas, ¿qué sentís que ambas tienen?


– Las dos tienen mucho desde lo vincular, cada obra tiene lo importante del recorrido de una historia que se cuenta a partir de las emociones que hay, y en el paso del tiempo… 



A lo largo de la nota, Lourdes nos hace mención al convencimiento y al entusiasmo, nos deja en claro, “no podría hacer algo que no me guste”, desde esa definición nos hace replantear sobre un sinfín de sucesos que posee a veces los trabajos, donde hay diversas correlaciones de poder que fuerzan, por distintos motivos, a dar luz verde.


– Y estás dando clases de actuación frente a cámara a niños/as entre 10 y 13 años, en el Teatro Quiron, ¿cómo lo sobrellevas?


– Se dio por un corto que dirigí en un tren de la alegría, había muchos chicos/as como extras, y ahí empezó la idea por parte del director, Sergio Albornoz. Al principio tenía inseguridades por ser chica, pero después me fui soltando. 

  Arranqué de octubre a diciembre, estoy dando con Martina Valmaggia. Y a pesar del amor al arte, lo tomo como un trabajo. Actualmente son 16 chicos/as, que bueno, por la edad me gusta mucho estar en su formación, más a esa edad preadolescente. Trató en los trabajos de que hablen fuerte, que no den espalada a cámara. 

  Me pasa que me preguntan mucho sobre como aparecer, por ejemplo, en una publicidad… Las madres sobre todo… Hace rato terminaron de ver la cuarta de «Stranger Things» y tienen esa idea dando vueltas (risas).


– La digitalización avanzó mucho, ¿te pasa a vos y en tu alrededor, de a lo mejor priorizar hacer contenido en diversas plataformas virtuales antes que estar en un formato tradicional?


– No, no me pasó. Obvio que, si tengo la posibilidad, es trabajo y lo haría. Obviamente que no reemplazaría a lo que hago, sino que lo agregaría. Lo que sí, no podría estar en un lugar que no me guste.



Conclusión


La dinámica actual de las distintas plataformas digitales de contenido, implica obtener visibilidad y deseabilidad al respecto. ¿Sea como sea? Pareciera que la actualidad, lo rebelde o innovador, sea que hace que alguien menor a 25/23 años, entre a jugar en esa liga, donde el click, tan ansiado y a veces trabajado, es democrático, pero a costa de entrar en un concepto resultadista maquiavélico.

  Con otras exigencias y prioridades, la actualidad de Lourdes toma un timón diferente, y el día a día la hace surfear una ola de distinta, de formación, donde los tiempos, la constancia y la relevancia al respecto en cada suceso, no son para nada triviales, y que, sobre todo, asume responsabilidades y las analiza como tales, y con tan solo 20 años… 

  Personalidades icónicas como Freddy Mercury, Elvis Presley y Whitney Houston, entre otras, son quienes llamaría a formar parte de una hipotética y surrealista del juego de la “única cena”, en la que los personajes plasmados, tienen en común un recorrido firmemente exitoso con desenlaces ampliamente semejantes.

  


Disponible “Cosa Hecha” los sábados a las 20 en Teatro El Brío (Avenida Álvarez Thomas 1582) y “Como piensan el Tiempo las Tortugas” – hasta el 06/09 – los martes en Nün Teatro Bar (Ramírez de Velasco 419). Escribió Nicolás Doyle para La Butaca Web

Reseña: El funeral de los objetos

Por Diego Di Vicenzo

Un espacio de expiación, con tres niveles de altura —el del medio es la escalera, que también se utiliza. Desde arriba se ve en perspectiva, es decir, desde otro ángulo, y los textos que allí se dicen son de otro orden, casi de corifeo: se reflexiona sobre lo que pasa, se orienta con formulaciones teóricas, se invita a la reflexión.



A ese espacio llegan una serie de personajes estereotipados en algunos de sus vínculos afectivos primarios. Y esos vínculos están contenidos, pero también traducidos, en algún objeto.

Para la actuación, el objeto es siempre un talismán de apoyo para la construcción del personaje. Y en este caso particular, en el cual todos los personajes actúan con mayor o menor eficacia el cuerpo del grotesco, los objetos son, a un tiempo, un elemento de composición actoral, pero además una reminiscencia de la escena originaria, es decir, del deseo primario. Esta referencia a lo psi no es azarosa; en realidad, toda la obra es un manifiesto psicoanalítico, a veces demasiado explícito. O mejor: una lectura psicoanalítica en clave teatral porteña de seis sujetos atados a un conflicto “objetado” del cual esperan desprenderse.  Para ello contarán con la ayuda de un Virgilio-psi-gurú, que va haciendo desplazar a estos atormentados por la madre, la muerte, la ex…, por un itinerario algo dantesco, muy bien logrado con el manejo del espacio y de la luz, y en particular, por un ritmo corporal que recibe la música como un complemento natural. El mayor mérito de El funeral de los objetos es que se trata de un musical chiquito y arrinconado, pero con suma delicadeza y detalle por la voz y los movimientos. 

Muy parejo de energía, el grupo se mueve al unísono y no hay disonancias, por el contrario, se advierte un mancomunado y amoroso trabajo en equipo.

Reseñas: La batalla de los ausentes

Batallar con la risa
La Zaranda, el grupo andaluz que se presenta desde 1988 en distintos escenarios de Buenos Aires, vuelve esta vez al Teatro Regio con su nuevo espectáculo: “La batalla de los ausentes”.


Tres sobrevivientes de una guerra, tres restos de un ejército perdido. Gaspar Campuzano, Enrique Bustos y Francisco Sánchez son, en esta ocasión, esos que resisten en la trinchera de lo que fue, es y será. Luchan contra el olvido, se burlan, reflexionan y encarnan ellos mismos situaciones de la sociedad en la que viven (¿Vivimos?). La incomunicación, el odio, el individualismo, la violencia, el enemigo, la guerra que vuelve una y otra vez.
En consonancia con sus anteriores producciones, La Zaranda vuelve con un
espectáculo que plantea problemáticas de orden existencial y universal, e instala un
ambiente fantasmal y absurdo que interpela en todo momento.


La dramaturgia, a cargo de Eusebio Calonge, está cargada de juegos de palabras y diálogos ingeniosos. Todo esto acompañado por el brillante y preciso manejo de objetos que caracteriza los espectáculos de la compañía. Una aspiradora convertida en arma, maniquíes que primero son compañeros de guerra heridos y luego funcionarios del poder a quienes se los maneja como títeres. Cada cosa es eso y algo más, infinito poder de conversión y demostración del “no límite” que tiene el imaginario de La Zaranda. Son los mismos actores quienes hacen y deshacen el espacio donde inmediatamente después ocurrirá la escena. Suena música para
ambientar estos momentos de transición visibles al espectador. Así, se nos recuerda
todo el tiempo la convención del teatro. Ficción y realidad, límites difusos en este
escenario oscuro, de escenografía austera y móvil.

Otro punto a destacar es el diseño de iluminación de Eusebio Calonge. Cada
momento es una pintura que profundiza el ambiente extraño donde se mueven estos personajes quijotescos. Al espectador se lo interpela. La risa brota de la incomodidad frente a lo que escucha y ve. Es una risa desgarrada, una risa frente al reconocimiento del pasado latente en el presente. La risa es lo genuino en un mundo de “pre- establecidos” y
conductas hipócritas e interesadas. Ya desde el título, “La batalla de los ausentes” invita a la reflexión. Según Eusebio Calonge: “En La Zaranda siempre nos gusta dejar un camino y un atisbo de esperanza, por más que lo que se comunica pueda ser, muchas veces, muy negro. Pero al fin, la siempre La Zaranda acaba con una luz. El plantearte y hacerte la
pregunta ya en sí es una luz”. Frente a la tragedia y el horror, frente a la repetición y
el olvido, la esperanza en la palabra, en la risa. La esperanza en el teatro que tiene desde siempre la razón de su existencia en el encuentro.


“La batalla de los ausentes” se presenta en el Teatro Regio (Avda. Córdoba 6056) de miércoles a domingos, a las 20 horas.


Escribió Micaela Steinbach

Reseña: No es tango

Tango is not dead

Aunque actualmente sea visto como un baile para turistas o personas mayores, el tango no ha muerto. Este mítico y sensual baile porteño es el emblema de las postales de Buenos Aires, un deleite visual y letras melancólicas.

La tendencia es ahora el trap y la música hecha por computadora, pero este no es un escenario fatalista, el tango está renaciendo y se vuelve un atractivo para los jóvenes curiosos, Noestango es el ejemplo de la evolución del género.

Ollantay Rojas define a su obra de la siguiente manera: »NOESTANGO es fruto de dos años de investigación llevada adelante por el Grupo noestango, en colaboración con el Quinteto Revolucionario. Plantea una pregunta por el tango como expresión artística, teniendo en cuenta su pasado glorioso y su presente marcado por el homenaje a lo que ya no es.Cinco bailarines en búsqueda de reencontrar su identidad artística en el ocaso de la moda del tango y luego de la pandemia. Cinco músicos que se apropian y traen a su presente una música canonizada e intocable. Los une la pregunta de qué hacer hoy con ese legado, del cual sólo queda nostalgia de la otrora música de Buenos Aires y una danza arrasada por la industria cultural»

Lisandro Eberle, Nicolás Minoliti, David Alejandro Palo, Milagros Rolandelli y Marcela Vespasiano son los bailarines de esta obra, estos demostrarán que el tango si se puede bailar en números impares, con ropa casual y no tener género. Van a deconstruir la música y llevarla al siglo XXI. Los bailarines Lisandro Eberle, y Milagros Rolandelli, junto Ollantay Rojas elaboran la compleja coreografía, la misma está compuesta por pasos arriesgados, intensidad grupal, solos y  mucha fuerza.

El grupo musical integrado por Estteban Falabella, Lautaro Greco, Manuel Quiroga, Sergio Rivas y Cristian Zárate interpretan un tango post  Piazzolla- Esta música entra con  vigor y hará dependientes  a los bailarines, estos sin ella no se moverán y estarán sujetos a la suma intensidad de la interpretación. Noestango es un espectáculo que no se pueden perder, demuestra el talento juvenil y su forma de transformar un género musical que tambalea debido a la modernidad, ellos lo llevan al futuro y a todas las edades.

Disponible los martes  a las 20 en El Galpón Guevara (Guevara 326) Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.