Por Jorge Marchisio

Hoy toca hablar de una película que viene resonando hace tiempo en el mundillo cinéfilo, y es Nuremberg: El juicio del siglo, película que recrea el mítico juicio contra los alemanes nazis, y que ya tuvo su película hace varias décadas. Veamos que tal salió esta nueva recreación de los hechos.

Como es bastante obvio, la película nos cuenta los acontecimientos que se dieron en l juicio de Nurenberg, centrándonos en las figuras de Douglas Kelley, psiquiatra militar, que trata de entender la psique de Herman Goring, quien es el nazi de mayor rango en dicho juicio.

Antes de continuar con la reseña de Nuremberg: El juicio del siglo, debo aclarar que no vi la primera película, así que no busquen comparaciones entre ambas versiones. Me voy a limitar a hablar del proyecto estrenado este año y ya. Que aparte, tiene bastante tela por cortar. Dejemos de dar vueltas y empecemos.

Lo primero que voy a decir sobre esta película, es una queja. Y es que seguimos con esa maldita costumbre de poner a actores de cualquier país, a dar vida a gente de cualquier región menos de la que les corresponde. Y si, se que dentro de poco me voy a casi contradecir porque voy a alabar las actuaciones; pero las cosas como son. Este hábito ya tendría que estar erradicado en pleno 2026.

Y s que sí, las actuaciones son todas buenas, destacando en específico a nuestros dos protagonistas: Rami Malek y Russel Crowe. Del primero tengo que decir que me sorprendió bastante, en especial, porque nunca lo consideré un buen actor (si, soy de los que piensan que ese Oscar que ganó fue un chiste); pero acá lo hace bastante bien. Pero quien de verdad se luce, es Russel Crowe. Demostrando que cuando tiene ganas, puede volver a ser un buen actor.

Aparte que el ritmo de la película es bastante acelerado, y esto lo digo porque sé que las películas de juicios, suelen espantar a la mayoría. Pero acá constantemente pasan cosas, aparte que siempre da curiosidad ver qué le pasaba por la mente a semejantes monstruos como eran los líderes nazis que se representan en esta ocasión.

Nuremberg: El juicio del siglo no es una película fácil de ver. Primero por el tema complicado que toca, pero, sobre todo, porque se exige bastante que el espectador esté atento a todos los diálogos, y lo que dicen los personajes en segundas lecturas, y no tomarse literal todo. Si gustan del cine así, véanla sin dudarlo.



Calificación 8/10

Estamos en plena temporada de premios, y si hay una gran protagonista hasta el momento, es Hamnet. Y como es ya costumbre mía, la fui a ver sin saber nada de la misma. así que, si están igual que yo, acompáñenme para ver de qué trata Hamnet, protagonizada por Jessi Buckley y Paul Mescal.

La directora Chloé Zhao nos cuenta la historia de una pareja inglesa que vive en la campiña hace un par de siglos. Lo que parecía una familia perfecta y con felicidad pura, empieza a desencadenar en tragedia cuando William se siente ahogado en ese lugar, y para colmo la peste se hace presente.

Como dije al inicio, no sabía nada de esta película, y creo que lo mejor es que ustedes vayan en las mismas condiciones que yo al cine. y no solo por algunos giros que presenta la historia al final, sino porque el nivel de dramatismo que maneja Hamnet, es para vivirlo en el cine.

Y si, quizás peque de exagerado al decir que esta película hay que vivirla, pero no lo es. Porque Zhao compone una obra cargada de sentimientos (a veces un poco manipuladores), donde la pérdida, el luto y como saber llevar el dolor y el duelo, es lo primero que salta a la vista. Eso y las actuaciones, porque lo de Buckley y Mescal es digno de mención.

Ambos vienen figurando bastante seguido en esta época de premios, en especial, Jessi Buckley, y la verdad, lo tiene bien merecido. De hecho, creo que podrían cerrar las especulaciones para los Oscar y dárselo a ella ahora mismo, y nadie se va a quejar. Excelente actuación, muy bien secundada por Paul Mescal. Pero también quiero destacar a los jóvenes Olivia Lynes y Jacobi Jupe; cuando la vean, van a entender por qué.

También vale destacar a Chloé Zhao en su rol como directora. Todos somos conscientes de lo aburrida que fue Eternos, y cuestionamos que se haya pasado al MCU tras haber ganado un Oscar. Bueno, acá la realizadora que proviene de China parece haberse dado cuenta de dicho pifie y se redime totalmente. No sería una sorpresa si la vemos nominada en los Oscar.

De todas formas, esta vez vamos a ser un poco malos y cerrar la reseña, justamente, con lo malo. Y es que creo que la película al final peca de manipuladora, buscando la lágrima fácil, cuando las mismas ya se estaban consiguiendo a base de una buena historia y mejores actuaciones.

Hamnet seguro va a cosechar varios premios importantes este año, y bien merecido lo tiene. Siendo un dramón que toca temas complicados sin caer en el golpe bajo, y con unas actuaciones de primerísimo nivel; estamos ante una obra que seguramente entre en los podios de fin de año.



Calificación 8.5/10

No nos sorprende que sigan surgiendo producciones basadas en videojuegos de dudosa calidad, filmes que parecen buscar únicamente el enganche del público fan para asegurar unos dólares mediante presupuestos bajos y una alarmante falta de inspiración. Aunque en los últimos años esta tendencia parecía estar cambiando hacia un respeto mayor por las licencias queridas, el caso de Terror en Silent Hill: Regreso al Infierno es, lamentablemente, un retroceso. Es un producto que utiliza los recursos y personajes icónicos de la franquicia, pero que en su ejecución carece de alma y hasta de sentido común.

Esta película recrea los hechos del segundo videojuego de la saga. Aquí seguimos a James, quien tras recibir una carta de Mary instándolo a volver al pueblo tras su ruptura, se sumerge en una pesadilla de niebla y cenizas. Si bien no quiero profundizar en el argumento para no arruinar la experiencia a quienes no han jugado al título de Konami, lo cierto es que la película parece tener como única misión revalorizar el juego original o su remake actual, demostrando por comparación lo alto que es el listón de la obra original.

El inicio de la cinta no es del todo desastroso, ya que se toma el tiempo de presentarnos a los protagonistas y explorar la psiquis de James antes de adentrarse en el pueblo. Incluso hay ciertos guiños y recreaciones visuales que están bien logrados. Sin embargo, el problema surge cuando la trama avanza y empieza a resolver todo de manera caprichosa. El fallo principal no es un simple tema de fidelidad al material de origen, sino que la película resulta sumamente aburrida. Los acontecimientos se suceden sin lógica y el desarrollo del giro argumental es tan pobre que pierde todo su peso dramático.

En el apartado técnico, la decepción continúa. Los efectos especiales son lamentables y, aunque el diseño de algunos monstruos es aceptable, sus apariciones son tan superficiales que no generan impacto ni tensión alguna. Es doloroso ver cómo una licencia con tanto potencial es desperdiciada en un producto que se siente vacío. Al final, lo único positivo que se puede extraer de esta experiencia es la posibilidad de que un público nuevo se acerque a la saga de videojuegos para descubrir la verdadera esencia de Silent Hill. Es, en definitiva, un tipo de adaptación qué no queremos seguir viendo en cines.

Calificación: 3/10

Por Matias Vanacor

El pasado jueves tuvimos el gusto de asistir al estreno de “Adiós Sui Géneris” en el histórico cine Gaumont, ubicado en el barrio de Congreso. Película documental filmada y dirigida por el cineasta argentino Bebe Kamin en el año 1975 durante los dos conciertos de despedida que brindó la banda en el estadio Luna Park.

La sala 2 donde se proyectó el filme estaba muy bien climatizada esa tarde noche de calor y sus butacas tapizadas en cuero y nuevas brindaron mucho confort. El sonido y la acústica del lugar fueron excelentes!

En cuanto a la película documental es interesante porque profundiza momentos musicales y situaciones y contextos tal vez desconocidos para la mayoría que sólo conocemos sus temas más conocidos de la radio ó que no fuimos parte de esa generación.
Una buena parte de la película documental es el concierto en vivo, con temas completos. Y la otra parte completa con pequeñas narrativas cinematográficas y testimonios de la gente de la época que fue a ver sus conciertos ó seguían su música.

El filme nos recordó a “The song remains the same”, película documental de Led Zeppelin sobre sus conciertos en el Madison Square Garden de Nueva York, del mismo año. Ambas grandes bandas que estaban en la misma sintonía pareciera!
Fue un momento grato y enriquecedor la proyección y la experiencia, se disfrutó y se recomienda!


Matías Vanacor para La Butaca Web

Por Jorge Marchisio

Hoy nos vamos hasta España para traerles esta nueva review. Y es que, desde la premisa, ya parecía que íbamos a tener algo perturbador y que, por desgracia, pasa delante de nuestra vista sin que muchos se den cuenta. Así que producida por The MediaPro Studio, veamos de qué trata El talento, protagonizada por Ester Exposito.

Exposito da vida a Elsa, una talentosa contrabajista que asiste al casamiento de su mejor amiga, todo en un ámbito de gente con mucho dinero. Lo que parecía ser un fin de semana de lujos, se convierte en una pesadilla cuando se entera que su familia está en bancarrota, y por pedido de su propia madre, debe convencer a su padrino para que acceda a ayudarlos monetariamente.

Si, si están pensando en algo turbina, están en lo correcto. Pero la peli no solo va de un viejo verde queriendo aprovecharse de su ahijada, no. También se habla bastante sobre la presión de explotar un eventual talento que podamos tener, y, sobre todo, como a veces la gente hace cualquier cosa con tal de seguir manteniendo las apariencias.

Y si bien todas estas premisas suenan interesantes, acá es donde la película empieza a tambalear un poco. Y es que todos sabemos que Ester Exposito no es una mala actriz, pero tampoco la vimos destacar nunca, ni en proyectos individuales o fílmicos, ni en grupales o series. Y en El talento esto queda en evidencia; porque la desesperación e impotencia que siente Elsa lo entendemos por lo que dice, no por lo que demuestra físicamente.

Por suerte los guionistas se dieron cuenta de lo limitante que era no solo su protagonista, sino su historia. Y es que al estar todo contenido dentro de un finde semana de casamiento, la historia no daba para durar demasiado. Por eso es que El talento dura apenas unos ciento tres, los justos y necesarios para contar lo que querían.

En cuanto a la dirección, nada que destacar. Si bien la historia no se presta mucho para que el director juegue con la cámara, si es verdad que no vamos a pasar de los planos convencionales, con Polo Menárguez sin poner demasiado esfuerzo a su trabajo.

El talento termina siendo una película, ni buena ni mala. Si bien la idea es interesante e incómoda a la vez, el poco esfuerzo para ir a fondo en algunos temas hace que quede como un proyecto un poco superficial. Una pena.



Calificación 6/10

¿Somos víctimas o victimarios del capitalismo?
¿Por qué esta tiene que ser la única opción?

¿Hasta dónde somos capaces de llegar para salvar nuestro propio culo? Angustia, desesperación, locura y sangre a costa del incesante y devorador capitalismo. Parece que todo está permitido cuando el sistema te escupe y no te queda mucho más que perder. 

Park Chan-wook, uno de los grandes directores del cine asiático contemporáneo regresa a la pantalla grande tras la sofisticada obra maestra Decision to Leave (2022), el cineasta surcoreano cambia de registro pero no de maestría en la dirección cinematográfica de La única opción.

Man-soo (Lee Byung-hun) es un hombre que parecía tenerlo todo: era el empleado del año en una empresa papelera, está casado con una esposa compañera (Son Ye-jin), tiene dos hermosos hijos talentosos, dos perros preciosos y una casa de ensueño. Pero en nuestra época nuestra realidad puede cambiar de un segundo a otro, la era digital avanza y el pasado no sólo queda atrás, es arrasado. Tras ser despedido por un recorte masivo enfrenta la humillación del desempleo y Man-soo ya cansado y amenazado económicamente por su situación decide que si el mercado laboral es una guerra, él será victimario de sus planes y no una víctima más del sistema, así que concibe un plan para eliminar a sus competidores directos por un puesto que anhela en una nueva compañía papelera. 

Es una tragicomedia y pese a la fuertísima crítica al sistema no se convierte en un drama solemne. Park abraza el absurdo y el humor negro para describir la tragedia. Man-soo no es un asesino profesional, es un hombre patético y algo torpe impulsado por una masculinidad frágil y un capitalismo feroz. Hay una secuencia magnífica e hilarante donde la vida o la muerte dependen de una comunicación imposible por el volumen ensordecedor de la música. 

Una densa capa de sátira social recubre este relato de supervivencia. Si en Parasite (2019) la lucha de clases era una infiltración desde abajo, No other choice es un manotazo de ahogado de la clase media trabajadora que está amenazada por desaparecer. Park utiliza el oficio y la obsesión del papel como metáfora de un mundo que se niega a morir ante el avance de la automatización. Cada trama está excelentemente escrita, la del protagonista y la deshumanización del mundo laboral, la de la eliminación de sus competidores, la de su esposa, la de su hijo y mi favorita la de su talentosa hija, excelso final para esta última.

Película tremendamente recomendada para todo tipo de espectador, una de las películas del año, de esas que te hacen reír y ponerte tenso de un plano al otro pero también de las que uno sale reflexionando sobre el mundo en el que vivimos y en la realidad que deberíamos querer construir para vivir mejor. ¡Al cine!

Calificación: 9.5/10
Por Julián Lloves para La Butaca Web.

Veinte años atrás se estrenó Paprika, la última obra de Satoshi Kon; responsable de Perfect Blue (1997), Milennium Actress (2001) y Tokyo Godfathers (2003).

Paprika significa una experiencia ultrasensorial que nos sumerge en lo más profundo del subconsciente; cuatro años después de su estreno, Christopher Nolan presentó Inception, la aclamada película de ciencia ficción, ¿Fue una inspiración, remake o copia?

En un futuro cercano, un grupo de científicos neuropsiquiatricos desarrolla un dispositivo capaz de leer y entrar en sueños de otros; una tecnología que permite conocer más el subconsciente y curar trastornos mentales; no obstante, la situación se sale de control cuando este aparato desaparece y solo una mujer podrá luchar en los sueños que colisionan: Paprika.

La primera vez que vi Paprika fue en 2011, no podía creer el estilo de animación; es la obra magna de Satoshi Kon y que hoy en día, ni la I.A puede replicar el detalle y complejidad de sus trazos.

El guión rompe con la línea de lo real y el sueño; se vuelve abstracta y somos partes de este viaje donde no hay límites en la animación.

Adaptar Paprika al live action es complicadísimo, es quizá una de esas obras inadaptables y si Nolan quiso replicarla con la solemne Inception,  fue un intento a su estilo, pero se escapa de la idea de Satoshi Kon.

El filme es vertiginoso y estrambótico, en su hora y media de animación la cantidad de imágenes es abrumadora, es quizá una de las experiencias más especiales en el mundo del anime.

Hace falta más películas adultas de anime, tramas más complejas que puedan competir por premios internacionales, porque la animación es un medio para contar historias y como en los sueños, el límite no existe.

Paprika está disponible en salas a partir de hoy. Veanla pues la remasterización está impecable.

Escribió Sebastián Arismendi para la Butaca Web.