Crítica: Amenaza en lo profundo

Por Juan Ignacio Aguilar
El inmenso océano.

¿Qué oscuros secretos esconde en sus profundidades? ¿Qué tesoros de la historia yacen en su piso? ¿Cuán vasto es, y qué tantos recursos puede otorgarnos? ¿Hay vida aún desconocida?

El género survival es uno que ha ido ganando tracción en la producción hollywoodense debido a su fácil adaptación en el mercado. De una narrativa bastante similar entre sus distintos productos, destaca por su alta inversión en efectos especiales y en alguna que otra personalidad del star-system que lleve audiencia a las salas.

En la mayoría de los casos entrega un film mediocre. En otros, uno digno de aplaudir. Otros se quedan en un puesto intermedio. Como el último trabajo de William Eubank.
En búsqueda de recursos, la compañía TIAN taladra a siete millas de profundidad de la Fosa de las Marianas. Pese a las advertencias, lo peor ocurre y la base subacuática comienza a implosionar. Seis empleados, al mando del Capitán Lucien y la ingeniera mecánica Norah Price, dan inicio a un arriesgado plan que les permita llegar a salvo a la superficie. Pero ni derrumbes, ni problemas de oxígeno o presión los puede preparar para el mayor problema: lo desconocido.

Si la película suena conocida, es porque probablemente lo sea.

Hay un gran esfuerzo de parte de Brian Duffield y Adam Cozad para que su guión no pase al olvido entre sus congéneres. Aun así, los puntos de giro y el carácter de ciertos personajes permiten dar con un patrón que posibilite al espectador saber lo que se viene.

Es, sin embargo, un esfuerzo digno de notar en el apartado técnico. Las tomas subacuáticas ya son suficientemente complicadas en condiciones normales, pero dar con una que efectivamente retrate la falta de luz, de esperanza, característica del piso marino, es admirable. La cinematografía de Bojan Bazelli, con una gran predominancia de los verdes fríos, se disfruta bastante.
Eubank logra dar algunos momentos verdaderamente atractivos en el género en cuanto a la desenvoltura de la acción. Aún con todas las ineptitudes del guión, se nota la mano de un cineasta con mucho camino por delante. Sumado a la fantástica banda sonora de Marco Beltrami y Brandon Roberts, el resultado es una trepidante y asfixiante batalla por la vida.

El elenco da lo mejor de sí a sabiendas de las trabas del género. Stewart, experimentada en el cine independiente, parece haber encontrado un balance para darle a su Norah algo más interno con lo que trabajar, haciendo caso omiso del evidente conflicto con el entorno.
J. Miller es Paul Abel, el mismo tipo de comic-relief al que nos acostumbró gracias a “Sillicon Valley” y “Deadpool”, y Vincent Cassell está automatizado a la función de autoridad lúcida y sagaz en la figura del Capitán Lucien, aquel que el argumento demanda. Sobresale Jessica Henwick con su Emily Haversham, la pata más débil de equipo. En contraste con los demás, tiene mejor material con el que trabajar, y Henwick lo aprovecha al máximo con cada una de las horrorosas y traumáticas situaciones en las que cae el grupo.

La audiencia deberá prepararse para respirar profundo y no mirar demasiado en los detalles. Puede que “Underwater” sea la experiencia terrorífica que todos imaginamos cuando pensamos en el fondo del mar, pero hace un gran esfuerzo por llegar ahí.

Calificación 6/10

Crítica: Sonic: La Película

Por Agustín Villegas

Y la fantabulosa emancipación de un Jim Carrey…

Que EL ERIZO AZUL de SEGA llegue al cine es un evento grande, todos lo sabemos, es un personaje amado con un club de fans conflictivo y apasionado. El proyecto ya genero polémica desde su primer trailer, mostrando a un Sonic con aspecto seudo humano tirando a furry, un diseño tan espantoso que todos nos quedamos conmocionados mas que enojados. Tras ver el desagrado del fandom (y de los espectadores mainstream debido a lo horrible del personaje) el director Jeff Fowler anuncio que el proyecto iba a atrasarse un poco con el fin de rediseñar al personaje y contentar a los espectadores. Bueno bien, acá entra el entretenido debate de que si el diseño de Sonic fue un horror y tuvieron que cambiarlo por cuestiones obvias o, poniendonos conspiranoicos y no por eso equivocados, si en realidad el primer trailer fue un cebo de atención. Esta segunda teoría no solo es la mas probable (los primeros artes del merchandising del film tenían al Sonic actual) sino que es una movida de marketing digna de ser mencionada. Como mencione antes el fandom de Sonic es conflictivo, era difícil hacerlos felices y a la vez cumplir con las espectativas Hollywoodenses de una película infantil (porque al fin y al cabo eso es) por lo que hacerle creer a todos que la empresa escucho a los fans y cambio al personaje con fines benevolentes iba a atraer al publico de una forma masiva. Sea la cuestión que sea el diseño del bicho quedo hermoso, lleno de carisma y un placer a la vista de aquellos que nos criamos con éste personaje (a pesar de que yo soy mas del team Mario).

Vale la pena mencionar que ésta película no solo es un evento en sí misma por el videojuego que adapta, sino que a ésto se le suma el regreso de Jim Carrey a la comedia. El actor interpreta al Profesor Robotnik, mejor conocido como DOCTOR EGGMAN, el nemesis del erizo. Las espectativas con respecto al personaje fueron mas que saciadas, al fin y al cabo es un cast ganador en todo sentido, el histrionismo de Carrey le brinda a la película un toque único. A éste se le complementa con excelencia James Marsden como TOM WACHOWSKI, un oficial de GREEN HILLS admirado en secreto por Sonic.

El punto mas débil de la película es la trama. Sonic llega a la tierra para ocultar sus poderes de super velocidad de unos malvados … ¿nativos? De su planeta, lo que lo lleva a tener que vivir en las sombras. Tras ser descubierto el gobierno manda a Robotnik a cazarlo, pero éste tiene planes propios de usar su energía para sus drones del mal. Hasta acá todo bien, pero en cierto punto de la película Sonic pierde lo único que lo iba a hacer zafar de éste quilombo, emprendiendo un road trip a San Francisco junto a TOM. Si, considerando que estamos ante un personaje con super velocidad hacerlo ir en un road trip con James Marsden suena como una falta de verosimilitud grosa. Los dialogos son cursis y solo funcionan cuando hay humor de por medio, algunos chistes son hasta salvados gracias a lo magnífico del cast, incluido Ben Schwartz como la voz del erizo azul. Otra cosa negativa es que se siente como que no se la jugaron, buscaron hacer una peliculita mas o menos normal con el fin de ver si funciona, por lo que (considerando el espectacular epilogo) espero que tengamos una secuela con un mundo mas similar al del juego. ¿a alguien le molestaria ver una película en donde solo Jim Carrey es el actor humano? A mí no y se que a ustedes tampoco.

Visualmente la película rosa lo genérico, las secuencias de velocidad de Sonic son practicamente las mismas que las de Quicksilver en las últimas de X-MEN. El mundo de la primera escena de la película (que simula ser la GREEN HILLS original del juego, ya que acá es el pueblo donde vive Tom) es brillante y te deja re manija de ver mas, pero en vez de ésto tenemos toda una película en la tierra que vuelve a ser visualmente interesante durante la pelea final entre Robotnik y Sonic.

El humor de la película hace que quiera volverla a ver. La comedia le da un ritmo atrapante que te hace olvidar los claros errores de la trama, con chistes físicos que explotan al máximo los poderes del personaje. Sonic y Tom entablan una amistad creíble, al punto de olvidarme de que estamos viendo a un actor hablando con un monigote animado. Todos los actores funcionan, todas las situaciones se llevan con naturalidad y el exceso de cliches cinematográficos son creativos en una era de cine cargado de agenda política. El primer acto cuenta con la mayor carga de risas con respecto al Erizo, el segundo se lo roba Carrey y el tercero culmina de forma satisfactoria, con un epilogo que como mencione mas arriba me hizo querer ver una secuela casi de inmediato. Éstas ventajas permiten que una trama mediocre se filtre en el carisma de los personajes ¿pudo haber sido mejor? Sí, pero si bien no es bueno que una película este diseñada para mejorar en su secuela hay que mecionar que las escenas post créditos generan una espectativa enorme para el futuro de ésta franquicia … ya verán de lo que hablo.

“SONIC LA PELÍCULA” es una película perfecta para los nenes y aceptable para los fans de Sonic. No se pierdan la escena post créditos, más de uno va a salir con una sonrisa de oreja a oreja.

Calificación 7/10

Crítica: El escándalo

Los grandes cambios a nivel social son los que definen a una época.

La gran cantidad de voces que dejaron de ser silenciadas a partir de 2015 fue sólo el inicio de algo mucho más grande. Claro que los casos siguen existiendo. Algunos pendientes de juicio, otros desconocidos. Afortunadamente, el movimiento no parece dar indicios de flaquear y este primer cambio puede llegar a anular el accionar acosador surgido del más arraigado pensamiento machista. Queda mucho por recorrer aún, pero en tanto el tema permanezca en la memoria activa, hay grandes posibilidades de que la situación se enderece de modo tal que la historia no se siga repitiendo.

Acompañando el cambio, aunque no sin buscar beneficios en base a la popularidad del movimiento, surgen año a año más y más producciones que buscan reivindicar el rol de la mujer en nuestra sociedad. Películas como “Three Billboards Outside Ebbing, Missouri”, “Hidden Figures”, “Carol” o “Roma” (sólo por nombrar algunas de las más recientes) ponen en evidencia, después de mucho tiempo, la gravedad de la situación. El escándalo en Fox News en 2016, otro momento clave en el impulso del movimiento en Estados Unidos, ocupa un nuevo puesto a esa lista de películas.

Donald Trump gana cada vez más notoriedad durante las elecciones. La presentadora televisiva Megyn Kelly hace lo posible por echar luz sobre ciertas declaraciones del candidato a la presidencia. A la par, Gretchen Carlson, otra periodista de la cadena, enfrenta oposición a algunos de sus comentarios, y se prepara para lo peor. Y recién iniciada en el canal está Kayla Pospisil, una joven ambiciosa que quiere llegar lejos en su profesión. En un medio dominado casi en su totalidad por la figura masculina, las historias de estas tres y más mujeres encuentran horrorosos puntos en común.

El guión de Charles Randolph toma de referencia en una primera instancia el estilo confrontativo característico de Adam McKay en producciones como “The Big Short” o la más reciente “Vice”. Hay gran interés por escenificar el clima político de 2016, pero tal empeño ralentiza el eje principal del film. Pasa una cantidad de tiempo algo excesiva hasta que el verdadero conflicto aflora. Randolph no es un mal guionista, y ciertamente hay suficiente atractivo en el desarrollo de algunas escenas, pero uno no puede evitar preguntarse cómo hubiera resultado la película con una mujer detrás de ciertos puntos de inflexión en la historia.

Como en toda trasposición de hechos reales a producciones audiovisuales, se toman licencias con finalidades artísticas, convergen varios personajes en uno y se vislumbran ciertas inexactitudes temporales. Son detalles menores teniendo en cuenta la agudeza con la que se representan situaciones quue fueron verdaderas. No todo puede llegar al corte final, y sin duda alguna el asco que uno pueda sentir en la visualización es algo menor a comparación de todo lo que aquellas mujeres vivieron. No es un documental, pero es un esfuerzo aceptable.

La mayor fortaleza del film está en su elenco.

Charlize Theron queda irreconocible bajo el soberbio maquillaje con el que se la caracterizó para dar vida a Megyn Kelly. Impulsiva, decidida y aun así dejando entrever un halo de vulnerabilidad, la Kelly de Theron es uno de los aspectos más logrados. Nicole Kidman queda algo relegada en su papel de Gretchen Carlson una vez pasado el longevo primer acto, pero se lleva su mérito por la energía con la que dotó a Carlson. Completando el trío está la ficticia Kayla de Margot Robbie, un rol clave para el climax del film, y en el que Robbie brilla transmitiendo ese miedo que muchos, con suerte, jamás tendremos que conocer. Equilibra la balanza un soberbio John Litgow en la piel del infame Roger Ailes. Sacando jugadas de su interpretación de Churchill en “The Crown”, Litgow emana respeto y terror en partes iguales.

Con un muy reconocido trío protagonista, destacan los secundarios de Kate McKinnon como Jess Carr, alejada de la comedia fácil y muy capaz de papeles más importantes, y una Jennifer Morrison inolvidable como la presentadora Juliet Huddy.

Excelentes trabajos en maquillaje y vestuario, interpretaciones feroces, una dirección de fotografía muy representativa y una singular banda sonora se ensañan bajo la dirección de Jay Roach. Su trabajo no escapa a cierrto enfoque manual, en lo particular en la materia de montaje, pero en vista del gran trabajo con su equipo de actores, son aspectos que se pueden pasar por alto.

“Bombshell” no será la más perfecta de las películas sobre reivindicación femenina, pero sus intenciones están en el camino correcto. Sorprenderá a más de uno.

Crítica: La maldición renace

La maldición renace es una película que sigue los pasos de su predecesora más conocida como The Grudge (Traída aquí como El grito o la maldición) , que nos trae al espíritu de turno importado desde Japón. Este espíritu extranjero quiso alojarse en una casa de los estados unidos para atormentar a cualquiera que cruce sus puertas. Es así como somos presente de un film con muchos saltos temporales y no tantos sustos.

En resumen, una maldición surge cuando alguien muere en una situación extrema de ira o pena, y está maldición persigue a quien se le atraviesa hasta la muerte. Es así como la maldición proveniente de Japón decide tomarse un viaje a los estados unidos con una mujer que escapa del país por el espíritu que la atormenta. Pero resulta que esta mujer trajo consigo al espíritu en el vuelo y sin declararlo en la aduana, así que cuando llega a su casa, ese lugar es testigo de un crímen que seguirá atormentando en el futuro. Y es en ese futuro o en el mismo presente, cuando una policía un poco pasada de curiosa entra en la casa por la investigación de un caso que aparentemente está conectado con el crimen de años atrás. Y de este modo, revivimos todos los hechos que sucedieron con la gente que puso los pies en esa casa y fueron maldecido , para tratar de entender lo que le pasa a la protagonista en el presente. El film es un conjunto de historias un poco enredadas y que al final no llega a dar muchas respuestas, si algunas dosis de sustos que no terminan de funcionar.

El film tiene una ejecución interesante, al menos en la forma en que se narran los hechos, pero es tan lento y vacío el contenido que termina provocando algunos bostezos. Los añadidos que tiene la película para entrar en el género de terror parecen estar sacados de una guía para directores que quieren hacer películas de miedo, que van desde los recursos del espíritu que te persigue a paso lento, el truco de cerrar los ojos para no tener miedo, la visita al psiquiátrico para terminar de creer lo que pasa y demás. Así que no es una mala película, tal vez si bastante genérica, con un buen apartado técnico, pero que no termina sobresaliendo.

La maldición renace es una película que nos trae la historia de personas perseguidas por una maldición, que tiene una forma interesante de narrar los hechos pero que no termina cumpliendo su función, mantener al espectador intrigado y dar algo de miedo. Una pena que Sam Raimi este detrás del proyecto en la producción, porque con algo de su influencia, esto quizá hubiese sido más interesante y menos genérico.

Calificación 4/10

Crítica: El Escándalo

Por Leonardo D’Assaro
Edmund Burke dijo: “Cuanto mayor es el poder, más peligroso es el abuso”


Y de eso se impregnan los fotogramas de esta película, que nos grita en la cara que quien tiene el poder, generalmente abusa del mismo. Lo quiere todo, porque piensa que puede tenerlo todo. Bombshell, es una película basada en hechos reales.

Al principio, se nos anuncia que la película menciona nombres reales y que, en algunos casos, los nombres de las personas fueron modificados, como también algunas situaciones para ajustarlas al guión.
La película se centra en las denuncias por acoso sexual que caen sobre Roger Ailes, el fundador de Fox News y cómo muchas de sus empleadas mujeres que fueron sus víctimas, buscan sacar adelante la verdad, enfrentando a toda una cadena y a una parte del país que se identifica con lo que Roger Ailes representaba.
Esto ocurrió en el año 2016, previo al movimiento #Metoo y las declaraciones de acoso sexual que las actrices realizaron contra el dueño de Miramax, Harvey Weinstein. Somos testigos, de cómo estas mujeres, la presentadora Gretchen Carlson (Nicole Kidman), la periodista estrella Megyn Kelly (una excelente actuación de Charlize Theron), y la periodista principiante y personaje que no pertenece a la historia real, Kayla Pospisil (Margot Robbie) forman parte de la denuncia de acoso sexual al fundador de Fox News, Roger Ailes (Un gigante y oculto detrás del maquillaje John Lithgow).

Generalmente cuando estamos frente a una película basada en hechos reales, se genera una necesidad de querer saber la verdad detrás de los hechos expuestos. Mas si uno desconoce la historia y los personajes involucrados.
En este caso, falta compromiso. Hay una mano blanda detrás de la dirección que hace titubear el concepto, a pesar que el barco llegue a buen puerto. Es un viaje que puede ser agradable para un espectador de telenovelas vespertinas, pero no termina de ajustar las tuercas para dejar bien en claro el mensaje de la historia.

Además, hay recursos de dirección que no se justifican (hablo de esa primera parte con personajes hablándole directamente al público – Se le llama romper la 4ta pared – que no aparece nunca más en el resto del metraje). En cuanto a las actuaciones, por momentos no logran llegar a transmitir lo que le pasaba a las victimas de este siniestro personaje. Hay una sensación de acartonamiento de los actores, a pesar de grandes actuaciones de Charlize Theron y John Lithgow.

Da la sensación que con más detalle y compromiso por parte de todos los implicados, podría haber sido una mejor película.

Clasificación: 6/10

Crítica: Aves de presa y la fantabulosa emancipación de una Harley Quinn

Por Agustín Villegas

El personaje invitado siendo el protagonista…

Hace veintiocho años Paul Dini y Bruce Timm crearon a Harley Quinn con el fin de darle al Joker una sidekick. Su primera aparición fue en la épica BATMAN: THE ANIMATED SERIES, en la cual se la presentaba como la demente y sumisa novia del principe payaso del crimen, una novia capaz de dar la vida en protección de su abusivo Mr J. Probablemente toda historia la conozcan, el personaje alcanzo un rango de popularidad altísimo en la década pasada, culminando con su aparición estelar en SUICIDE SQUAD encarnada por Margot Robbie. El personaje multiplicó su popularidad por mil ya que era por lejos lo mejor de ese proyecto mal habido. Robbie se comprometió con el personaje y con ayuda de Warner comenzó a cranear éste proyecto que, de pasada, sirvió como historia de origen del grupo de heroínas gotamitas BIRDS OF PREY. La primera formación de ésta pandilla justiciera estaba compuesta por BLACK CANARY, THE HUNTRESS y BATGIRL, personajes que hasta tuvieron una serie live action propia a la cual no le fue nada bien. En éste film toman la versión mas moderna del grupo y sustituyen a Batgirl por RENEE MONTOYA, un personaje medio under de las viñetas de BATMAN que había agarrado cierto protagonismo gracias a la serie de cómics GCPD centrada en el cuerpo policíaco de GOTHAM CITY. Y como si éste quilombo fuera poco tenemos como villano a ROMAN SIONIS (Ewan McGregor), mejor conocido como BLACK MASK, uno de los muchos enemigos del murcielago que en éste caso cumple una función de gangster maldito de turno (en un principio se quiso poner al PINGUINO, pero Matt Reeves quiso usarlo en THE BATMAN (2021) encarnado por Colin Farrell). Tenemos también a VICTOR ZSASZ (Chris Messina) como matón de Sionis, un asesino conocido por hacerse una marca en el cuerpo por cada persona que se carga.

Los trailers hacían que el dispositivo en el que se estaban viendo chorreen grasa, los colores y las explosiones combinados con los vestuarios y la acción demencial me dieron el presentimiento de que estabamos ante una SUICIDE SQUAD REMIX FT. BIRDS OF PREYS, y lo loco es que mí prejuicio estaba en lo correcto … pero resulto funcionando. A diferencia de su predecesora ésta película tiene un enfoque centrado y sabe a donde apunta, es coherente y verosimil dentro de su propia locura y no necesita atarse a personajes de las grandes ligas como BATMAN o ROBIN para funcionar. La narrativa es fresca y entretenida, ya que Harley narra la historia de forma desordenada presentando cronologicamente primero la acción y a los personajes después. El estilo de humor tiene mucho de DEADPOOL pero no se siente como un plagio, ya que la historia usa a Harley como un elemento que, si bien es central, resulta ser lo que ensambla al grupo que le da nombre al film y por ende pudieron mantenerla dentro de una zona oscura y criminal sin caer forzosamente en tratarla como una heroína reprimida. Ésto último le da a la película un toque especial y distintivo que ensambla inesperadamente bien con el resto de acciones y reacciones, asi que en lo que es narrativa la película garpa bastante.

El punto negativo que le encuentro es que la historia se centra mucho en Robbie y su Harley, dejando de lado a Jurnee Smollett-Bell y Mary Elizabeth Winstead quienes no se llegan a apreciar como BLACK CANARY y HUNTRESS, un tema que es distrae ya que para los que conocemos al team de los cómics sabemos que este podría tranquilamente valerse por si mismo y se siente mas una excusa para hacerle un live action al personaje popular del momento. Otro problemita que tiene la película es la bajada de linea generica con la que cuenta. TODOS (absolutamente TODOS eh) los personajes masculinos son malos o traidores. Uno entiende que sea una película para chicas (y genuinamente una BUENA película para chicas) pero un mensaje así podría ser tomado como mensaje de odio por algunos grupos anti feministas que están surgiendo actualmente, grupos surgidos en forma de confrontación al otro extremo que me gusta llamar como FEMINISMO COOL que venden en los medios y en las grandes sagas … pero quizás ese sea el juego no? Crear un movimiento masivo extremista para que salga otro movimiento extremista no tan masivo que lo confronte y así generar una masa ridícula de enfrentamientos moralistas (al fin y al cabo los poderosos deben depositar mucho de su organigrama de control mundial mediante Hollywood, divide y reinaras), pero bah, puedo perdonar ésto teniendo en cuenta lo inevitable que se volvió, soportamos el exceso de nacionalismo yanqui post 11 de Septiembre, podemos soportar ésto.

Con respecto a BLACK MASK me sentí muy estafado. McGregor se divierte en el rol y hace un laburo muy alocado en el mejor de los sentidos, pero me hubiese gustado ver a un villano hombre abiertamente homosexual. Tenía a Zsasz como pareja potencial y todo se quedo solo como una falsa publicidad que muestra como los estudios usan a los movimientos activistas para sacar provecho y, aún peor, como estos se conforman con tal poco. Recuerden que en RISE OF SKYWALKER también tuvieron la oportunidad de presentar el primer romance gay entre protagonistas con POE DAMERON Y FINN pero el propio Oscar Isaac confirmo que Disney no tuvo los huevos de hacer esto una realidad dejando como premio consuelo un beso lesbico de fondo. Yo soy de los que piensan que la sexualidad de los personajes no es algo extremadamente importante, lo que molesta es que se use de forma inescrupulosa y mentirosa para captar entradas, ya que durante toda la campaña de marketing ésto se vendió como un hecho.

Cathy Yan funciona como directora, la puesta en escena y diseños de producción en general son muy interesantes, dejando en evidencia que la directora logro liderar todos los frentes con gran eficacia … excepto el de la acción, ya que para las peleas y tiroteos llamaron a David Leitch con el fin de que la película tenga el toque genérico blockbuster post JOHN WICK que tanto le gusta a mí generación.

Si, no pense que diría ésto, pero disfrute BIRDS OF PREY (y la emancipación de blabla harley blabla). La banda sonora le da vida a una historia simple pero bien narrada, con un enfoque claro que reconfirma que Warner está apostando a la heterogeneidad con sus proyectos basados en cómics … ¿¿tendremos una película de LAS SIRENAS DE CIUDAD GÓTICA?? Veremos como le va en taquilla.

Harley Quinn (Margot Robbie) volverá en THE SUICIDE SQUAD de James Gunn, estén atentis.

Calificación 6.5/10

Crítica: Gretel & Hansel

Película dirigida por Oz Perkins, protagonizada por Sophia Lillis(Gretel), Samuel Leakey(Hansel) y Alice Krige(en el papel de la bruja Holda). Encontramos en esta nueva adaptación del cuento clásico una trama que buscó ser un poco más fidedigna a la historia original que es más oscura en comparación al cuento que muchos conocemos desde niños. Ya de por si el título llama un poco la atención en la película, porque muchos lo conocemos como Hansel y Gretel, pero esta adaptación decidió poner el nombre de Gretel primero, no en vano debido a que la película está enfocada en ella.


Como diría el tío Ben, un gran poder conlleva una gran responsabilidad; y Oz se encargó de esto, para esta adaptación donde la industria cinematográfica demanda lo políticamente correcto, la inclusividad y el empoderamiento femenino tenemos una película que encuentro bastante equilibrada, en mi opinión, sobre lo que se quiere representar o dar a entender. Conocemos que el cine como arte no solo busca entretener, sino que también llama a concientizar o dar un mensaje al espectador. Y este se entiende perfectamente durante la película, sin necesidad de caer en la literalidad de las cosas. La representación de los personajes y el guion se encuentran bien desarrolladas para este tipo de adaptación.
La evolución de la historia se vuelve atrapante debido el misterio que envuelve al personaje de Gretel y su pasado, la ambientación de los escenarios me parecieron muy bueno, salvo quizás la casa de la bruja que en mi opinión parecía chalet alpino posmoderno (como de las cabañas modernas que se suelen ver en instagram), algo fuera de época. Sin embargo, los efectos, maquillaje y vestuarios me parecieron bastante buenos.

Cuando hablamos de empoderamiento femenino tenemos a una excelente Gretel a mi parecer, pues hoy en día existe una polarización de opinión en cuanto al feminismo; y encuentro a ésta película que sin ánimo de alabar el movimiento, con un enfoque de lo que es o podría llegar a convertirse. Y no quiero meterme tanto en este tipo temas, en cuanto a pensamiento o ideologías, pues lo dejo en la opinión de cada uno. Pero en mi opinión(sin ser feminista) encuentro todo bien con esta Gretel.

Calificación: 7/10

Crítica: Judy

Por María Luz Stella

La vida al final del camino de ladrillos amarillos

Rupert Goold crea una biopic preciosa que muestra el detrás de escena de una estrella del cine de la Edad de Oro hollywoodense. Una historia emocionante por la lograda interpretación que realiza Renée Zellweger quien pone cuerpo y voz para recrear a la actriz y cantante Judy Garland. En ese periodo de tiempo va a Londres para dar una serie de shows con la finalidad de poder comprar una casa donde vivir con sus hijos. Para su sorpresa, allí su visita es muy ansiada y esperada por el público.

Zellweger hace lucir a Judy en sus facetas como madre, mujer y por
sobretodo destacándose arriba del escenario como cantante atravesando diferentes estados de ánimo tanto en el show como fuera del mismo. También es muy conmovedora, por la desafortunada y triste vida de la niña detrás de Dorothy (protagónico del considerado film de culto, El Mago de Oz, 1939) y los decorados de la Metro-Goldynw-Mayer (estudio con quien mantuvo contrato por muchos
años) que la llevaron a dejar de lado su niñez por la fama. El lado de esta trágica historia es retratado en el film a través de flashbacks que la complementan y permiten ver las
carencias y maltratos que arrastra Judy en su carrera y en su vida.

Calificación 8/10

Crítica: Mujercitas

Por Macarena Maidana

“He tenido muchos problemas, así que escribo cuentos alegres”- Louisa May Alcott


Con esa frase empieza la proyección de “Mujercitas” (Little women, 2019). Esta nueva adaptación es película de drama y romance, escrita y dirigida por Greta Gerwig (Lady Bird). Basada en ,el ya clásico, de la novela homónima de Louisa May Alcott. Protagonizada por Saoirse Ronan, Florence Pugh, Emma Watson, Eliza Scanlen , Laura Dern, Timothée Chalamet, James Norton y Meryl Streep, entre otros.


La cinta se centra en un ida y vuelta de pasado y presente, superponiendo el relato entre el invierno de 1861 en Concord, Massachusetts y el presente en el otoño de 1868, como espectador iremos conociendo a la familia March, pero de futuro a presente. Compuesta por Marmee (Laura Dern) y sus hijas Josephine/Jo (Saoirse Ronan), Amy (Florence Pugh), Meg (Emma Watson) y Beth (Eliza Scanlen), aparte de la adinerada y soltera tía March (Meryl Streep). Con su padre en la guerra, las chicas deberán abrirse paso ante una sociedad que no da lugar a lo que una mujer piense o quiera para su futuro.
Siendo la séptima adaptación, sin dudas es la mejor. ¿Por qué? La respuesta es fácil, tenemos a Greta Gerwig y nada puede salir mal. Es increíble cómo la directora supo aplicar su toque sin faltarle el respeto a la historia, absolutamente nada queda demás ni fuera de lugar. La marca registrada que nos ubica muy fácilmente en pasado y presente, hace que el espectador se ubique rápidamente dentro de la historia sin necesidad de marearlo ni confundirlo.
Gerwig ya había trabajado con Saoirse Ronan y Timothée Chalamet en Lady Bird (2017),así que no es sorpresa la química de la dupla de oro. Saoirse Ronan demuestra una vez más que es más que un nombre difícil de pronunciar y nos regala una versión de Jo March lo más genuina y querible posible, sin exagerar ,estamos ante una de los mejores papeles de la actriz.


Ahora, si vamos a hablar de la actriz del momento tenemos que decir que Florence Pugh se lleva todos los aplausos. El dinamismo, sarcasmo y simpatía que le aplica a Amy, es para mirarla mil veces. Los momentos más divertidos de la película los protagoniza Pugh, aunque Amy cumple la función de ser la hermana egoísta y envidiosa, en este caso, no lo es tanto y sabe estar a la altura de la circunstancia.


Con seis nominaciones al Oscar, “Mujercitas” es una adaptación que no creía necesaria hasta que arrancó la proyección. Rebalsa de valores y sensibilidad sin empalagar al público y nos demuestra ,una vez más, el talento de Greta Gerwig.

Calificación 9.5/10

Crítica: Judy

Por Juan Ignacio Aguilar
Talento.
De una gran cantidad de personas, pero asimismo de pocos usuarios. Políticas, religiones, dinero y estatus intervienen en el camino. En acatadas condiciones se hace por demás complicado hacer uso autónomo y consciente de dicho talento.


Siendo un niño, la tarea se vuelve más ardua. No hay medida que valga para que la dote se vea aprovechada por personas ajenas a uno, sea cual sea la intencionalidad de este tercero.
Es noticia común enterarse, partiendo de tal precepto, cómo esa otrora joven promesa se acaba deteriorando en un mar de adicciones y excesos. La pubertad nunca es atravesada con soltura ya que desde afuera se obliga al joven a asumir responsabilidades ya propias de la adultez. La presión se vuelve demasiada e inician discretamente los problemas.
Hasta que ya no son discretos,
Corre el año 1968 y la artista Judy Garland no atraviesa un buen momento. Sin hogar propio, con pocas ofertas laborales en su país y un ex-esposo insistiendo por la custodia de sus hijos, las opciones no son demasiadas. Una agente sugiere una serie de conciertos en Londres, donde aún es muy amada. Con pesar y tristeza, Judy se lanza a la oportunidad.

Basado en la obra teatral “End of the Rainbow” de Peter Quilter, el guión de Tom Edge se sostiene ante todo en el enorme personaje que fue Judy Garland. Haciendo uso de algunas secuencias de flashback para dar más contexto a sus espectadores y una exploración bien resumida de la luz y oscuridad presente en la artista, el trabajo de Edge es uno bien contrastado. No hay una gran lección al final del arco iris. Es una historia de fortaleza, de cómo perdurar y mantener algo de esperanza a un mejor mañana. El opresivo pasado de Judy es uno que la sigue acosando y la mantiene al margen de sus iguales. Claramente no es una adolescente para echar culpas a alguien, pero su camino no es uno que le haya permitido tener una adultez plena.
A los hombros de una enorme Renée Zellweger, Judy brilla como cantante e interlocutora, tanto privada como públicamente. Zellweger logra mantener los propios demonios de la actriz a raya lo suficiente para que se pueden vislumbrar aún en tales situaciones, más no sin que esto haga sus estragos internos. Es angustiante ver el declive de la famosa actriz, pero la otrora Bridget Jones hace de todo para que el arco iris siga visible.
Vale destacar también el trabajo de Darci Shaw como una joven Judy, y la imponente figura de Richard Cordery como el polémico Louis B. Mayer.
Hay un sobrio trabajo en la dirección de Rupert Goold, pero su falta de experiencia pasa por alto con el excelente desempeño del departamento artístico. El despliegue visual para retratar los fines de los sesenta se puede apreciar tanto en el inicio en Estados Unidos hasta las frías calles de Londres. Luz, maquillaje, peinados, indumentaria y ambiente convergen para tener la mejor perspectiva posible de lo que pudieron ser los shows en tal época.

“Judy” no quedará en los anaqueles como una excelente película, pero sí como un grato recuerdo de quien fue una de las mejores artistas de su generación, y las consecuencias que acarreó por ello.

Calificación 7.5/10