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Dirigida por Diego Acevedo, Atrapa Almas es una película de terror sobrenatural en la que los protagonistas Mike y Angie se mantienen fuertes mientras intentan descubrir qué le sucede a su propia hija Sophie, por qué enferma cada vez más, sólo para encontrar que se trata de una entidad demoniaca que se alimenta de la energía vital de sus víctimas. Mike y Angie harán todo lo posible para poder salvarla.
LO QUE ME GUSTÓ:
La idea es interesante y el planteamiento está bien hecho. Me gusta ver cómo la vida de toda la familia cambia tanto en pocos días a causa de la enfermedad de la hija, esto lo hace sentir un poco más real.
LO QUE NO ME GUSTÓ:
Hay varias cosas a destacar en cuanto a lo que no me gustó. Primero que nada, el hecho de que, a excepción de Mike, el resto de personajes están vacíos, no se puede empatizar con ellos porque no transmiten nada. Otra cosa es que hay varios puntos que dejan sin explicación, como por ejemplo el sueño de Mike, lo muestran al comienzo de la película como si fuera a ser algo importante para la trama y llegados a la mitad de la historia vuelven a mostrar el mismo sueño, pero ahora aparece el padre de Mike y no se habla más del sueño, Por qué sueña con eso?, Por qué aparece el padre la segunda vez?, son preguntas que no se responden. Por otro lado, el tema de los efectos, tanto los prácticos, con el traje del demonio, como los efectos especiales, son muy pobres, están muy poco trabajados. Por último, el póster de promoción de la película nos enseña a un ser o ente completamente diferente a lo que se muestra en pantalla, eso es lo que más me decepcionó, ya que en el póster tiene una silueta y un diseño muy interesantes.
¿A QUIÉN SE LA RECOMIENDO?:
Puede llegar a ser interesante en algunos aspectos para aquellas personas que estén dentro del mundo de lo paranormal y la temática de demonios. Fuera de eso no recomendaría esta película.
Cuando ‘M’, un joven holgazán y quejica, descubre que su abuela sufre una enfermedad terminal, decide dejar a un lado su precaria carrera como streamer para cuidar de ella. Eso sí… Con la mirada puesta en su patrimonio multimillonario. Pero ganarse a la abuela no es fácil. Resulta ser una mujer de armas tomar, exigente, rigurosa y muy difícil de complacer. Y, por si fuera poco, ‘M’ no parece ser el único sucesor bienintencionado. ¡Tendrá que sacar a relucir sus mejores virtudes si quiere proclamarse el beneficiario de la herencia! No obstante, a medida que pasen los días, ‘M’ comenzará a ver más allá de su propio interés y empezará a valorar la oportunidad de reconectar con su abuela en sus últimos momentos.
Lo que me gustó
La evolución de M, desde un cínico egoísta hasta alguien capaz de ver más allá de su propio interés, es el corazón de esta historia. La dinámica entre M y su abuela, una mujer de carácter fuerte e inquebrantable, está llena de chispa y calidez. Sus intercambios son ingeniosos, y los desafíos que ella plantea a su nieto se convierten en lecciones sutiles, pero impactantes. Además, los personajes secundarios —como el «otro competidor» por la herencia o los vecinos curiosos— aportan toques cómicos y momentos memorables que enriquecen la narrativa. Todo esto se acompaña de un guion ágil y reflexivo, que sabe cuándo arrancar una carcajada y cuándo tocar el corazón. Sin caer en clichés o sentimentalismos forzados, la historia nos recuerda que, a menudo, las verdaderas riquezas no están en el dinero, sino en las conexiones humanas. Una obra que hará reír, reflexionar y, posiblemente, derramar más de una lágrima. En mi caso, casi me deshidrato. La cinematografía de la película captura eficazmente la atmósfera de la casa de Amah, un espacio que se convierte en un personaje por derecho propio. Los encuadres íntimos y la iluminación suave contribuyen a crear un ambiente de nostalgia y melancolía que impregna la narrativa. Sin embargo, en ocasiones, la dirección cae en el sentimentalismo, recurriendo a técnicas visuales y sonoras que pueden resultar manipuladoras para el espectador más crítico.
Lo que no me gusto No tener a mi abuela para ir a verla juntos y en cuanto a la pelicula, no pude encontrar nada que no me gustase. Es impecable, eso si, quiza si no te gusta llorar en el cine, esta no sea tu pelicula.
_Entre Piazzolla y Ravel_ son tres obras del repertorio del Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín que rinde homenaje de dos grandes referentes musicales universales: Ástor Piazzolla y Maurice Ravel. Las piezas del programa fueron creadas por coreógrafos consagrados para la compañía y que cuentan con numerosas presentaciones en su historia. Se estará presentando de jueves a domingos a las 20 h, hasta el sábado 7 de diciembre (del 21 al 24 de noviembre no habrá funciones) en el Teatro Presidente Alvear (Av. Corrientes 1659).
La obra demuestra el minucioso trabajo de repositorio que se realizó para desentrañar las distintas capas de significados y emociones presentes en cada movimiento y reconvertirlo en algo nuevo. Cada pieza coreográfica posee un lenguaje propio, una estructura precisa y nos deleita con una intención artística que fueron restauradas con mucha fidelidad a las originales, pero que también realizaron un detallado trabajo de adaptación para resonar con los bailarines de esta generación. Es admirable la manera en la que cada pieza adquiere nuevas dimensiones, no sólo en términos coreográficos sino en la interpretación, las emociones y los contextos que la alimentan.
La primera obra del programa se titula _Bolero_, una coreografía de Ana María Stekelman sobre la música de Maurice Ravel. La coreógrafa nos ofrece un lenguaje que se siente íntimo y experimental. En este contexto, la música de Maurice Ravel se convierte en un vehículo para explorar una estética casi teatral, donde los cuerpos rígidos narran historias fragmentadas, llenas de simbolismos. _Bolero_ se caracteriza por su ritmo hipnótico y en constante repetición de un mismo motivo rítmico y melódico. Se destaca por su construcción orquestal, ya que comienza de manera casi individual y, a lo largo de toda la pieza, se va enriqueciendo gradualmente mediante la adición de nuevas capas de instrumentos y, a su vez, va aumentando de intensidad. Destaco el vestuario de la obra, ya que esas líneas horizontales que se impregnan en los cuerpos también se ven reflejadas en los movimientos notorios y segmentados; sin dejar lugar a otra cosa no sean las notas bien marcadas de la percusión en conjunto con los pasos de los bailarines.
La segunda pieza _Ahí viene el Rey_, a cargo de Ana Itelman y con música del compositor Ástor Piazzolla, nos brinda una reflexión más profunda sobre la fuerza coreográfica en tiempos de transformación, replanteando la figura masculina en el tango. La pieza es un fragmento de la obra Ciudad nuestra, Buenos Aires estrenada en 1968, está inspirada en los versos de _Poeta al pie de Buenos Aires_ de Fernando Guibert, evocando el espíritu vibrante y único de la ciudad porteña. Se trata de un solo que nos induce a un momento íntimo y sintético. Ese varón sin rostro, en soledad, que baila con la vista al piso es un tópico que subraya la tanguedad del compositor.
El programa cierra con una tercer obra llamada _Estaciones porteñas_, coreografiado por Mauricio Wainrot en donde damos cuenta de una mirada más moderna tendiendo un puente entre el pasado y la actualidad. El uso de la música de Ástor Piazzolla potencia un lenguaje coreográfico visceral, cargado de emociones que evoca la intensidad del tango desde una perspectiva abstracta. La coreografía se destaca por sus líneas limpias y composiciones grupales armónicas que capturan una sensación de constante movimiento y fluidez. A través de duetos y conjuntos, Wainrot aborda la tensión entre el deseo y la melancolía, pilares de la tradición tanguera, pero despojados de la literalidad.
Entre _Piazzolla y Ravel_ es un homenaje a la riqueza del ballet contemporáneo argentino, en donde se vislumbra una celebración a su tradición como a su capacidad de reconfigurarse. La obra no sólo pone en valor al lenguaje coreográfico como una forma de expresión artística, sino también como un puente que conecta épocas, estéticas y generaciones de intérpretes.
Esa filosofía de “soltar” esta familia no la escucho nunca. En una pequeña cabaña en el bosque, una familia intenta sobrevivir al mal que acecha aferrándose a largas sogas que los conectan con la casa. ¿Valdrá la pena ver esta historia o mejor soltar y dejarla pasar? Lo vemos debajo.
La historia: Momma, interpretada por Halle Berry, es la madre de una familia que vive en el medio del bosque en una adorable cabaña de madera, pero no todo es lo que parece ya que el mal acecha en ese bosque. Para poder sobrevivir, tanto Momma como sus dos hijos Samuel y Nolan deben estar siempre en contacto con la casa a través de largas sogas que están atadas a sus cimientos cada vez que salen al bosque a buscar alimentos que, debido a un crudo invierno, son muy escasos. El hambre hace que el hijo más pequeño, Nolan, cuestione a su madre y le diga que no hay nada allá afuera, ya que el supuesto mal sólo puede ser visto por ella. Su hermano mayor no quiere contradecir a su madre, incluso cuando ya no hay nada que comer. ¿Podrá esta familia sobrevivir a las amenazas, o el mal y el hambre finalmente los terminarán alcanzando? Habrá que verla para enterarse.
¿Qué me gustó? La fábula que se cuenta en la peli justificando la trama es atractiva y ofrece muchas posibilidades que después la peli no aprovecha en su totalidad. Los actores jóvenes hacen un muy buen papel y son los que tienen que llevar la mayor parte de la película.
¿Qué no me gusto? Se vuelve muy predecible y repetitiva. Los giros están muy anunciados, lo que hace que uno se aburra esperando que sucedan y ninguno de ellos presenta mayor sorpresa, ni siquiera termina de definirse por uno u otro camino a seguir. No termina de aprovechar al máximo la idea inicial y debería mostrar (no contar) un poco más de ese mundo.
¿Aporta algo nuevo al género? No, toma muchos elementos de películas como “La aldea” (2004) de Shyamalan o “Un lugar en silencio” (2017), usando cosas ya vistas o muy parecidas y careciendo de todo el suspenso que vimos en esas referencias.
¿A quién recomiendo ir a ver esta peli? A los fanáticos de estos thriller fantásticos que quieran ver algo parecido a lo que ya vieron con una mitología y actores diferentes.
Disponible el 7 de noviembre en cines Calificación: 6/10 Duración: 101 minutos
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Golpe de suerte en París nos sumerge en un triángulo amoroso, compuesto por Fanny (Lou de Laâge), quien comienza una relación romántica con Alain (Niels Schneider), un escritor despeinado y soñador, y entra en una incómoda situación con su marido Jean (Melvil Poupaud), un asesor financiero calculador y estructurado.
lo que me gustó
Uno de los aspectos más destacados de la película es la dirección de fotografía a cargo de Vittorio Storaro, un maestro visual conocido por su trabajo en películas icónicas como El último tango en París y Apocalypse Now. Storaro emplea su característico uso de la luz y el color para enfatizar los contrastes entre los dos mundos de los protagonistas. La casa de Alain, el escritor, está bañada en tonos cálidos y dorados, lo que refleja la energía creativa y el desorden atractivo de su vida bohemia. Por otro lado, la casa de Jean está marcada por una paleta fría, azulada y metálica, que subraya la frialdad, el control y la racionalidad de su entorno.
Lo que no me gustó
El personaje de Fanny, que debería ser el corazón de la película, resulta una figura vaga y poco definida, cuyo conflicto no trasciende el simple «¿debo quedarme con mi esposo responsable o lanzarme a la aventura con el escritor apasionado?» A esta altura es difícil sorprenderse con cuestionado Woody Allen.
Ana, una joven estudiante universitaria, despierta en el baúl de un auto atada y amordazada. Lo último que recuerda es haber sido raptada mientras corría por el parque. Al llegar a destino descubre que ha sido secuestrada por una banda de trata de personas, se encuentra en una casa de adoctrinamiento para obligarla a prostituirse. Ana intentará ganarse la confianza para que alguien la ayude, intentará varias fugas y aprenderá de sus errores para ir superando obstáculos que la lleven a escapar pero a medida que el tiempo transcurre va comprendiendo que nadie se involucra. Ana descubre que se encuentra sola, en un círculo sin salida.
lo que me gusto
«Sin salida» es una película poderosa que aborda un tema tan relevante como el tráfico de mujeres, presentando una mirada cruda pero necesaria sobre esta problemática. La actuación de Minerva Casero como Ana es particularmente destacable; su interpretación transmite con intensidad el sufrimiento y la resiliencia de su personaje. Laura Novoa y Gustavo Bassani complementan el elenco con actuaciones sólidas, aportando profundidad a la narrativa.
Lo que no me gustó
El recurso del flashback, del ida y vuelta al pasado, aplicado en exceso, genera cierto agotamiento para el espectador. Ver como encienden el mismo cigarrillo 7 u 8 veces, llega a saturar, cuando por fin la trama empezaba a tomar ritmo, volvíamos nuevamente al pasado y asi se perdia el ritmo de la narración. Diferente hubiera sido si nuestra protagonista hubiese sido consciente de esos de esos flashbacks que la retrocedían en el tiempo.
No te sueltes (Never let go) es un thriller de terror psicológico que sigue la vida de una madre (Halle Berry) y sus gemelos que viven en el medio del bosque en una casa que los protege del Mal que sucede afuera hace muchos años. Para salir a buscar comida, se atan a una cuerda que está anclada a los cimientos de la casa y pregonan la premisa «No te sueltes». La tensión de la película se mantendrá buscando entender que es real y que no o si es producto de la imaginación de sus personajes. Su director es Alexander Aja, cuya filmografía es mayormente del género terror con películas como Las colinas tienen ojos y Alta Tensión.
Lo que me gustó: La película te ofrece acción y tensión de principio a fin, incluyendo muchos jump scares. Si bien su premisa no es ninguna novedad y podría parecer predecible, consigue mantener la atención durante los 101 minutos de duración. Logra sorprender al espectador con giros inesperados, abriendo el debate entre lo que es real y lo que no. Los FX también están muy bien logrados sin caer en el grotesco.
Lo que no me gustó: El desenlace podría haberse dado antes, creo que le sobran algunos minutos. También la mención al origen del Mal y la no explicación o resolución deja huecos en la historia.
¿A quién recomiendo esta película? A todos los amantes del terror, del thriller que quieran ver una historia bien contada y que entretiene mucho.
El jueves 24 de octubre fue la fecha donde el reconocido artista y referente del folklore argentino se presentó en el estadio Movistar Arena para celebrar sus 40 años en la música. Se trató de un espectáculo multitudinario donde el chaqueño interpretó sus más célebres canciones y pudo reunir a grandes artistas invitados en una noche que fue única.
El show programado para las 21 horas abrió con el tema «Pilcomayeño» que junto al ballet folklórico deslumbró a todo el público. Es así como fue comenzando un repaso de toda sus discografia y sus éxitos , donde empezaron a sonar temas como «La sin corazón» «Amor Salvaje» «La Ley y la trampa» entre otros temas que han sido muy populares.
También toca aclarar que si bien el chaqueño Palavecino ha podido montar un gran show por si solo (o con su equipo de músicos). La noche se vio alzada gracias a la presencia de invitados de la escena que ha incluído artistas como Soledad Pastorutti, Abel Pintos, Axel, Luciano Pereyra y la reunión de Los nocheros junto a Jorge Rojas, que fue un momento de gran ovación en todo el estadio.
Al que tampoco faltó fue el reconocimiento, con un homenaje al gran Horacio Guaraní que se vio plasmado en las referencias de su último disco «Por las costas entrerrianas» que pasa por diversos ritmos, así como por un viaje a distintas regiones del pais.
El chaqueño Palavecino cerró un show único en el que se encontró con todos sus seguidores que cantaron y bailaron desde sus asientos. Con una excelente puesta en escena y la presencia de numerosos bailarines y músicos en vivos, se vivió una noche muy emocionante.
Luego de una 2da etapa el 13 de septiembre en el añejo Teatro Avenida de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires, una nueva y única función se avecina a cargo de un multitudinario elenco. Con la anuencia de la Compañía Federal de Danza Argentina, y a cargo del director Juan Pablo Ledo, bailarín del Teatro Colón, y quien cumplió el rol hasta el viernes 25 de octubre de encarnar al Conde Albrecht en la edición “Giselle” en dicho establecimiento, el 1 de noviembre se presenta una alternativa al itinerario convencional de viernes por la noche, con un número que bien puede aproximarse al centenar de artistas en escena.
El elenco tendrá la novedad y atracción del concepto multisectorial, dentro de una linea homogénea; estará compuesto por el ballet Cascanueces, Flores de Genzano, Espartaco y Coppelia, en lo que se llevará a cabo en una interpretación por bailarines/as del Teatro Colón e intérpretes solistas de la Compañía Federal de Danza Argentina (CFDA). Habrá invitaciones al Coro de la Puerta Abierta, la Escuela de Canto Coral de la Nación y la compañía de tango: Taco, Punta y Traspié. En la plana artística, la dirección contará con Mariela y Belén Roces. Mientras que la producción general, a cargo del Grupo Ledo. Fecha: 01/11/24. Horario: 20 horas. Lugar: Teatro Avenida, Av. De Mayo 1222, CABA. Entradas: http://www.ticketek.com.ar/gala-pura-danza/teatro-avenida o en boletería del organismo artístico.
Terror Sinfónico De los creadores de «Swiftie Symphony», “Galaxias Sinfónicas» y «Cinema Symphony», en una coproducción con Smilehood y Galaxias Creativas, se presenta en el Auditorio Belgrano una función de temática de Halloween. En honor a la fiesta de tradición pagana, y así, por tanto, el 31 de diciembre se plasma una labor con temática tenebrosa en honor al sentido religioso de la misma, en donde una orquesta instrumental hará ejercicio al compás de la dinámica candente de la misma.
«Un concierto sinfónico con la música que no te dejó dormir» se presenta el show, en lo que claramente aspira a que también cuente con situaciones de improvisación teatral a cumplir por la fecha de Halloween, donde se abarcará desde el estilo de «El Exorcista» y «Psicosis». En la dirección musical, Clara Akermann; la General, Cacho Garabal. Entradas: Ticketek.com.ar Dirección del establecimiento donde se desarrolla: Virrey Loreto 2348, CABA.
Buenos Aires Music Video Del 28 al 31 de octubre, podés vivir el Festival Music+Video (BAMV 2024). Un evento internacional presentado como el «más importante de Latinoamérica» situado en la CABA. Una variable de muestras tendrá lugar en una suerte de tertulia musical – audiovisual, donde se podrá observar artistas de un agudo presente, como por ejemplo Dillom; otros en una faceta donde la intriga tendrá una atención, como Benito Cerati, y demás intérpretes como Ian Pons, Julia Conde, Kevin Zeta, «NoDuerm0». El foco de atracción tendrá su punto de encuentro a través de proyectores y efectos audiovisuales circunscriptos entre sí. Con más de 40 artistas y la posibilidad de además disfrutar y ser testigo de una entrega de premios de carácter internacional de videoclips. Ingresa a bamvfest.com/entradas para adquirir tu lugar y descubrir aún más… Lugar: C Art Media, Av. Corrientes 6271. Transmisión en Cinepolis Recoleta, Vicente López 2050.
Navidad cantada en vivo Se presenta en el mítico Gran Rex la realización de las bandas sonoras de las películas más icónicas del espectro navideño en conjunto con ballets y actuaciones. Más de 140 artistas en escena plasman, en variedad de funciones, la interpretación debida estando sujeto a cada edición correspondiente; Frozen (I y II), El Grinch, Mi Pobre Angelito, El Expreso Polar, entre otras. Por citar dos. la presentación de «Santa Claus is coming» y «Jingle Bell Rock», son algunas de las canciones que se presentan con total seguridad, como también las voces originales -versión latina- de los personajes Elsa y Anna del primer filme mencionado, que son compuestas por Carmen Arahí y Romina Marroquín. Entre otros de los presentes que obrarán en escena, se podrá apreciar el Coro de Colegas de Música, dirigidos por Joel Villagra y Florencia Battista, en conjunto a la coreografía de Luján Arizcuren.
Fechas: 25 a 27 de diciembre – 2 a 4 de diciembre Tickets: tuentrada.com
Candlelight: candescente y atractivo Una puesta en escena situada con un sinfín de velas compuestas por luces led’s acompañan distintas muestras musicales de diversos géneros en vivo, donde se interpretará labores de bandas y artistas de renombre. Beethoven, Mozart, Coldplay, Los Betales, se muestran en un programa amplio y exuberante desde el punto de vista de la composición artística. Un festival multitudionario que tiene lugar en más de 100 ciudades de todo el mundo, donde incluye diversas plazas de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires, en escenarios que no se acostumbra a realizarse un evento de tal característica.
Eventos especiales con distintas temáticas amplían una alternativa, donde hay de la Primavera, Halloween, Navidad, entre otras… Se informa que hay un alrededor de 2.800.000 personas que presenciaron la exhibición de Candlelight. Encontra tus entradas y busca más info. en candlelightexperience.com/es/
Sinopsis La historia trascurre en los años 80, mientras en la radio se escucha el debate sobre la Ley del divorcio, María y Francisco una pareja de escritores reciben la visita de la Tana para cenar; lo que ellas desconocen es que habrá otro invitado, Francisco invito a Antonio, un escritor famoso que tiempo atrás fue pareja de María. Entre bocados y bebidas los protagonistas sacaran a relucir historias de su pasado.
Reseña La función esta en acción, los personajes interactúan mientras nosotros como meros observadores vamos acomodándonos a la escena. Las butacas se esparcen sobre las cuatro paredes que forman la habitación, esa organización diferente a lo habitual está preparada perfectamente para apreciar cada situación desde una óptica deferente, lo que ya de por si es una gran idea de diseño para la obra. Se cierran las puertas y el pequeño espacio de aquella habitación cobra dimensiones bajo la gran actuación de sus cuatro protagonistas, que todo lo vuelven naturalmente real. Ellos comen, fuman, revolean cosas por el aire y lloran con lágrimas que remueven sus maquillajes. Esa cercanía que nos habita en cada instante del relato, vibra con el sentir de los interpretes de se vuelven conforme pasa el tiempo, desaliñados y sudorosos de verdad, todo es demasiado genuino, todo tiene mucha, demasiada adrenalina y se siente muy bien. Una trama bien pensada y realizada que sorprende gratamente.
Detalle En un momento de la obra, junto con el sonido de la tormenta que acompañaba la escena como parte del relato… se cortó la luz. Tan real se sintió el momento que todos lo entendimos como parte del libreto, hasta que la audiencia prendió los celulares necesarios para seguir con la función que nunca se detuvo y se vivió como parte de la ficción. Fue tan genial que cada actor siguiera en su personaje que lo único que freno el momento fue un merecido aplauso por lo que estábamos viviendo.
Ficha Técnica Dirección: Julieta Otero Reparto: Ana Celentano, Julia Di Ciocco, Raúl Antonio Fernández, Juan Tupac Soler Duración: 70 minutos Funciones: Sábado 20.30 h. en el teatro El Método Kairós, en El Salvador 4350, Palermo.
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