Por Oriana Orlando

Casi Normales es una obra que atraviesa. Desde los primeros minutos, la emoción se instala en la sala y conecta de inmediato con el público, al punto de que las lágrimas aparecen casi desde el inicio.

La historia se centra en una familia atravesada por conflictos profundos, silencios y vínculos frágiles que intentan sostenerse bajo la idea de “normalidad”. En ese recorrido, la obra logra una identificación constante: cada escena y cada canción remiten a emociones conocidas y situaciones cercanas.

La puesta acompaña el clima emocional sin artificios, permitiendo que el relato avance entre dolor, amor, culpa y esperanza. No hay distancia posible entre la escena y quien observa: Casi Normales invita a sentir, incluso cuando duele.

Está obra inmersiva emociona e interpela al hablar de lo que cuesta nombrar y de lo que se siente aunque no se diga; una historia donde, inevitablemente, todos encontramos algo propio.

CASI NORMALES INMERSIVO

Libro y Letras: Brian Yorkey

Música Original: Tom Kitt

Idea y concepto: Pablo del Campo



Elenco

Diana: Mela Lenoir

Dan: Roberto Peloni

Gabriel: Axel Munton

Natalie: Ema Gimenez Zapiola

Henry: Valentín Zaninelli

Dr Madden: Mariano Chiesa



Director Original: Simon Pittman

Director Musical: Tomás Mayer Wolf

Directora Asociada: Mela Lenoir

Showrunner: Estanislao Otero Valdez

Artistas Visuales: Desilence (Tatiana Halbach & Søren Christensen)

Versión en Español: Pablo del Campo

Productor Musical: Manuel Moreno

Diseño de Luces: Ariel Ponce

Diseño de Sonido: Alejandro Zambrano/Gaston Briski

Diseño de Sonido Asociado: Nahuel Delgado

Director Técnico de Producción: Nicolás Marino

Diseño de Vestuario: La Polilla

Stage Manager: Flavio Chinellato

Asistente de dirección asociada: Mica Pierani Mendez

Supervisión Actoral: Bruno Pedicone

Company Manager: Morgana Pereira

Prensa: BMZ Comunicaciones

Fotografía: Alejandro Chaskielberg

Diseño Gráfico: @drama.com.ar

Asistente de Producción: Camila Levin

Asistente de vestuario: Lucas Varela

Operador de Luces: Hugo Loffler

Operador de Sonido: Pablo Aidelman



Equipo de Producción FAMMAS

Dirección de Producción: Morgana Pereira, Daniela Lioy

Asistente contable y administrativo: Jeremias Zamacola



Equipo CAI

Fundador y Director Ejecutivo: Sebastián Castro

Curadora y Directora Artística: Fernanda Giménez

Director Técnico de Producción: Nicolás Marino

Gerente Comercial: Noel Canese



Producción Asociada:

Francas (Luli Brindisi & Franco Castronuovo)

CC Konex

Layers of Reality (Jordi Sellas & Isaac Vila)



Productor Tecnológico

Sasami (Sebastián Castro)



Producción General

Del Campo Global

FAMMAS (Florencia Masri, Alejandro Zaga)

MNA (Andy Ovsejevich & Martin Hojman)

DOS NOCHES ÚNICAS PARA CELEBRAR EL TALENTO ARGENTINO QUE CONQUISTÓ EL MUNDO

El joven tenor que deslumbró a Julio Iglesias y cantó ante el Papa Francisco se presentará el 20 y 21 de marzo de 2026 en el mítico Teatro de la Avenida de Mayo

Tras un año de consagración absoluta en los escenarios más prestigiosos de Europa, el joven tenor argentino Martín Savi anuncia su esperado regreso a la calle Corrientes con el espectáculo “MARTÍN SAVI IN CONCERT – UNA VOZ UNIVERSAL”.

Las funciones serán el viernes 20 y el sábado 21 de marzo de 2026 en el emblemático Teatro Avenida (Av. de Mayo 1222, CABA) y las entradas ya se encuentran a la venta por TICKETEK.

Un Puente entre Almas

Bajo el lema de “Una voz universal”, Savi propone una experiencia que trasciende los límites de la música lírica tradicional. El concepto del show es un viaje musical y emocional que busca conectar almas y culturas a través de una interpretación honesta y vibrante.

Con apenas 21 años, Martín ha consolidado un estilo que él define como «emoción sin filtros», donde su rango vocal no busca el simple lucimiento técnico, sino la entrega total para conmover a públicos de todas las generaciones.

Una Trayectoria de Hitos Mundiales

La carrera de Martín Savi ha sido meteórica y está marcada por momentos que parecen extraídos de una leyenda musical:

Consagración Internacional: Ganador del prestigioso Festival de San Remo Junior en 2019.
Encuentros con Leyendas: A los 12 años, fue invitado a subir al escenario por el mismísimo Julio Iglesias a cantar «Caruso» en el Luna Park, cautivando a 15,000 personas en una actuación improvisada que marcó un antes y un después en su vida.
Voz en el Vaticano: Tuvo el honor de cantar ante el Papa Francisco en la Capilla Sixtina, interpretando el «Ave María» a capela en un momento que dio la vuelta al mundo.
Hito Deportivo y Musical: Su voz resonó en el Estadio Olímpico de Roma durante el Partido Mundial por la Paz, donde compartió escenario y canciones con Diego Maradona.
Formación de Excelencia: Surgido del Coro de Niños del Teatro Colón y formado con grandes maestros, Savi combina la técnica más rigurosa con la frescura de su juventud.
Una Cita Imperdible

Este regreso al Teatro Avenida no es solo un concierto; es el reencuentro de una de las voces más prometedoras de la escena internacional con su público.

Savi, capaz de cantar en ocho idiomas diferentes, promete dos noches donde la música lírica, el pop lírico y los clásicos populares se fundirán en una puesta que promete ser épica y memorable junto a una orquesta sinfónica de 21 músicos de las mejores orquestas del país.

Las entradas ya se encuentran disponibles en TICKETEK y se espera que, al igual que sus presentaciones anteriores en Buenos Aires, estas funciones agoten sus localidades rápidamente.

El martini de Capote sigue en calle Corrientes

Truman Capote no fue solo un escritor prolífico, es una leyenda que se mantiene viva en la cultura pop. Un personaje, un divo, una experiencia que se terminó comiendo a la persona.

La imagen colectiva histórica que tenemos de Capote es este hombre usando tapados de piel, colores, lentes cuadrados, voz nasal fina y siempre sosteniendo un martini. Gabriel Oliveri lo resucita y lo argentiniza; luego de una temporada exitosa en el San Martín, sigue en calle Corrientes Queridísimo Truman.


“Gabriel Oliveri descubrió a Truman Capote en su infancia y desde entonces se convirtió en su obsesión.
En esta obra, Oliveri se presenta como un cronista amoroso que, desde su propia vida, examina la de Capote y, por momentos, se anima a volverse el propio autor”. Original de Oliveri, protagonizada por él mismo y dirigida por Florencia Bendersky.


Queridísimo Truman es una metabiografía; Oliveri se inspira en Capote para contar su propia historia y la de muchos argentinos, aquellos que fueron juzgados por su sensibilidad y preferencias sexuales.


Es un repaso por la vida del escritor y celebrity estadounidense desde su infancia pueblerina, sus inicios como redactor en NYC, su primera novela, su éxito con Desayuno en Tiffany’s, su consagración universal con A sangre fría y su entrada oficial a la élite burguesa de Nueva York, siendo este su punto de quiebre y decadencia al acuchillar con sus palabras a sus Cisnes, mujeres de alto poder que lograron hundirlo socialmente, pero no hubo peor daño y destrucción que las adicciones de Capote.


Oliveri también repasa su niñez en Entre Ríos y su llegada a Buenos Aires; hace paralelismos entre su vida y la de Truman, no para parecerse a él, sino como punto de empatía.


Sergio Grimblat y Cristóbal Barcesat fungen como acompañantes narrativos, pero también como músicos y cantantes: el primero la voz y el segundo el piano. Queridísimo Truman es un musical que rinde homenaje y estos dos artistas saben cómo montar el show.
Risas, lágrimas, alegría, color, líneas de diálogo afiladas y brillantes hacen de esta obra un espectáculo kitsch, pero digno de estar en calle Corrientes y de atraer nuevos seguidores de Capote.


Disponible en la sala Neruda del Paseo La Plaza.

Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

Se cumplen noventa y ocho años de la primera presentación de El Cascanueces en el Teatro Colón, el gran clásico del ballet que no necesita introducción: en la memoria colectiva resuenan sus melodías y la imagen del soldadito de madera, máxima representación de la temporada navideña.

El Cascanueces remite a la inocencia, lo mágico y lo tradicional. Narra la historia de una joven que sueña con otro mundo, donde los cascanueces cobran vida y son capaces de combatir al Rey de las Ratas. La fantasía es clave en este cuento germano, escrito a comienzos del siglo XIX y luego inmortalizado por las partituras de Chaikovski y la coreografía de Marius Petipa.

Silvina Bazilis dirige a los bailarines del Teatro Colón. Los artistas se mueven con precisión entre el ballet clásico y las danzas folclóricas: el primer acto destaca por su pantomima, mientras que el segundo permite que cada intérprete brille, al reunir las melodías más célebres de El Cascanueces.

Lucas Erni, bailarín invitado, interpreta al Cascanueces. Aporta la rigidez del personaje inanimado antes de cobrar vida, para luego lucirse con volteretas, saltos y una notable presencia escénica.

Yoshino Horita brilla con la inocencia de su personaje y ofrece el solo más emotivo de la gala; su delicadeza es impoluta. Por su parte, Matías Santos, en el rol del tío Drosselmeyer, se muestra audaz e imponente.

La puesta en escena de Gastón Joubert es clásica y fiel a las escenografías tradicionales. El cuidado por el detalle atraviesa cada acto y sus transiciones: hay movimiento, una paleta de colores navideños y nieve que cae sobre el escenario y la platea. El público es introducido al mundo de las golosinas mediante una coreografía animada, hasta que los bailarines aparecen en escena. El árbol de Navidad revela su verdadero tamaño recién a mitad del primer acto. Joubert propone un set que remite a los primeros recuerdos asociados a El Cascanueces.

El vestuario de Gino Bogani no rompe con la escena, sino que la complementa. Vestidos y uniformes mantienen un tono clásico y entrañable, destacándose especialmente en la última parte, con el Rey de las Ratas y los Cascanueces.

Esta versión incluye a los maestros titiriteros dirigidos por Antoaneta Madjarova, uno de los momentos más encantadores del espectáculo. Los títeres fascinan tanto a niños como a adultos; la precisión de sus movimientos y el tamaño de los muñecos aportan una dimensión tangible a la fantasía del cuento.

Sin El Cascanueces no hay Navidad ni cierre de temporada en el Teatro Colón: una experiencia que derrite corazones y une a padres e hijos.

Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

Por Oriana Orlando

Al borde del ensayo propone una experiencia teatral intensa que transcurre dentro de una sala de ensayo, donde un director y tres actores se enfrentan a una dinámica marcada por la exigencia, la presión constante y la desesperada búsqueda de la perfección.

A través de ejercicios que rozan lo extremo, fragmentos de textos de Shakespeare y situaciones que se vuelven cada vez más incómodas, la obra construye un clima donde la ficción y la realidad comienzan a mezclarse. El ensayo deja de ser un espacio de búsqueda seguro para transformarse en un terreno inestable, atravesado por el poder y el desgaste.

Con una propuesta de tintes performáticos, la obra pone en cuestión hasta dónde pueden llegar las demandas en nombre del arte y qué sucede cuando la obsesión por un resultado ideal empuja a los intérpretes más allá de sus propios límites.

Al borde del ensayo no ofrece respuestas cerradas. Invita a observar, incomodarse y reflexionar sobre los vínculos, las exigencias, los límites dentro del teatro y preguntarte: ¿Dónde está el límite?

Ficha técnico artística
Dramaturgia:
Guido Inaui Vega
Actúan:
Agustin Belloli, Guido Inaui Vega, Rosario Ramos Isola, Belen Vaioli
Espacio escénico:
Guido Inaui Vega
Redes Sociales:
Rosario Ramos Isola
Fotografía:
Larisa Yaconis
Asistencia De Producción:
Ivan David Tisocco
Asistencia de dirección:
María Medesani
Producción general:
Guido Inaui Vega
Diseño de coreografia:
María Medesani
Dirección:
Guido Inaui Vega
Duración: 60 minutos
Clasificaciones: Teatro, Presencial, Adultos

El elenco encabezado por Alice Ripley y J. Robert Spencer estuvieron presentes para apoyar la causa y despedirse de Buenos Aires luego de una exitosa temporada de NEXT TO NORMAL IMMERSIVE que finaliza este fin de semana.

Valeria Mazza y Alejandro Gravier fueron, una vez más, los perfectos anfitriones de la Gala a beneficio del área de Pediatría del Hospital Universitario Austral, del cual la top model es madrina. Y los asistentes a esta exclusiva gala en el Palacio Duhau Park Hyatt Buenos Aires tuvieron la oportunidad de disfrutar de estrellas de Broadway en Buenos Aires.



El elenco de NEXT TO NORMAL IMMERSIVE  dijo presente y fue la oportunidad ideal para despedirse de una exitosa temporada que culmina este fin de semana con funciones viernes 14, sábado 15 y domingo 16 de noviembre en el CAI (Centro Audiovisual Inmersivo) de Colegiales.




La ganadora del Tony Alice Ripley (protagonista de grandes éxitos como Les Miserables, Sunset Boulevard, Side Show, Little Shop of Horrors, Tell me on a Sunday, Gentlemen Prefer Blondes, Show Boat, Sweeney Todd, Into the Woods, entre otras) y el nominado al Tony J. Robert Spencer (protagonista del musical Jersey Boys), brillaron interpretando temas de los musicales Les Miserables y Jersey Boys, respectivamente.




Luego se sumaron al escenario los tres jóvenes actores argentinos que se destacan en Next to Normal Immersive (Ema Giménez Zapiola, Axel Munton y Valentín Zaninelli) y todos juntos emocionaron a los presentes con el emblemático tema «Light».



«Next To Normal Immersive», la propuesta innovadora y disruptiva que transformó el aclamado musical de Broadway (revolucionario por su valiente y original abordaje sobre salud mental) en una experiencia inmersiva sin precedentes, adaptada especialmente por sus autores Brian Yorkey y Tom Kitt.

Desde su estreno, este espectáculo ha revolucionado la forma en que el público vive el teatro, desdibujando las fronteras entre actores y espectadores y se ha convertido en un verdadero éxito de críticas y ventas, agotando localidades en todas las funciones.

Queda sólo este fin de semana (viernes 14, sábado 15 y domingo 16 de noviembre) para disfrutar de esta experiencia en el CAI (Centro Audiovisual Inmersivo) en Jorge Newbery 3039 del barrio de Colegiales, un lugar diseñado para potenciar esta vivencia única.

Las entradas se pueden adquirir en Plateanet.




viernes 14 de noviembre a las 20:00 y 22:00 h

sábado 15 de noviembre a las 20:00 y 22:00 h

domingo 16 de noviembre a las 18.00 y 20:00 h en el CAI (Centro Audiovisual Inmersivo)

Jorge Newbery 3039, Colegiales

Por Sofía Luna Roberts

Hay algo casi inevitablemente magnético y llamativo cuando se trata de juntar a dos íconos nacionales como Evita y Gardel en un mismo escenario. Dos mitos que condensan el brillo y la tragedia del ser argentino toman cuerpo en “Evita y Gardel: una experiencia inmersiva en San Telmo”, dirigida por Gastón Brian Gliksztein. La propuesta combina teatro musical, audiovisuales y un recorrido metafórico e histórico por el barrio de San Telmo, un formato que le da un aire fresco al homenaje y que invita al público a sumergirse en una Buenos Aires que vacila entre lo real y lo mítico. Desde el primer momento, el espectador siente que entra a un universo paralelo, donde el tango y la historia se entrecruzan en una atmósfera cargada de emoción y nostalgia.

El punto interesante de la obra está en su puesta en escena. Las luces, los audiovisuales, la música y la escenografía trabajan como un dispositivo sensorial que envuelve y sostiene el relato. La dirección apuesta a una experiencia que más que contarse, se vive. En un contexto teatral porteño que suele quedarse en la reproducción de los clásicos, “Evita y Gardel” se anima a experimentar y a convertir el espacio en una parte activa de la narrativa. El barrio de San Telmo con su historia y su melancolía funciona casi como un tercer personaje, un escenario que respira tango y memoria.

Paula Cefali, como Evita, y Diego Soler, como Gardel, logran una química escénica que sostiene el juego entre el mito y humanidad. No hay caricatura ni solemnidad excesiva sino una reconstrucción sensible de dos figuras que dialogan desde la eternidad sobre el amor, la gloria y la relación incondicional con su pueblo. Las canciones de Gardel y Le Pera le dan ritmo a una dramaturgia que se mueve entre lo emotivo y lo poético, sin perder del todo su anclaje político. Porque si algo mantiene vivo a estos mitos es justamente la tensión entre lo popular y lo institucional, entre la devoción y la critica.

En este sentido, la obra no busca desarmar los símbolos sino revivirlos desde la emoción colectiva. “Evita y Gardel” propone una suerte de ritual, un reencuentro con dos figuras que siguen siendo espejo de la identidad argentina. Lo inversivo se utiliza como una técnica escénica y, al mismo tiempo, como una forma de entrar en la historia y dejarse afectar por sus voces. Esa cercanía es lo que vuelve potente la experiencia aún cuando el guión por momentos prefiera la emoción a la reflexión.

“Evita y Gardel” se siente como una celebración de la memoria popular en clave contemporánea mediante la hibridez de lenguajes y la reapropiación simbólica. La pieza inscribe sus figuras en un tiempo suspendido (entre pasado y presente) donde lo popular se actualiza como gesto identitario. En ese diálogo entre mito y contemporaneidad, el espectáculo rescata a dos íconos nacionales para revelar cómo la memoria argentina se construye desde la performance, el afecto y la persistencia del relato. “Evita y Gardel” es una experiencia que recuerda que la historia también se habita con el cuerpo, con la voz y con la emoción compartida.

Romina Robledo

El pasado lunes 20 de octubre se estreno Mentiras Muertas, la obra dirigida por Marcelo Caballero y protagonizada por Georgina Barbarrosa, Romina Richi, Julián Pucheta y Lala Rossi. Esta pieza inauguró el ciclo a beneficio de la Casa del Teatro, Teatrisimo 2025.

La sala principal del Teatro Regina se encontraba repleta y los espectadores ansiosos cuando Linda Pérez, presidenta de la Casa del Teatro, evoco agradecimientos a los artistas que participan en este ciclo y al público que sigue apoyando a esta institución.
Los primeros pasos en escena fueron dados por los cuatro protagonistas que, a través de una tragedia familiar relacionada con la muerte, llevaron al público desde el drama hasta las risas por más de una hora.
Con solo dos ensayos previos y a pesar de contar con los guiones visibles ante los espectadores, los actores fluyeron con la trama. Cabe aclarar que Teatrismo es un espacio que se ha caracterizado por contar con el trabajo desinteresado de destacadas celebridades del espectáculo argentino.
Teatrisimo, fue creado por Carlos Llorens y Luis Mazas, con el propósito de recaudar fondos para la Casa del Teatro. Esta institución abrió sus puertas en 1938 y brinda alojamiento, comidas y servicio médico a quienes alguna vez regalaron sus días al arte y hoy necesitan abrigo. También se organizan talleres, clases, espectáculos, recítales, visitas guiadas y propuestas culturales para el público con fines benéficos.

Teatrisimo 2025 se llevará a cabo durante las próximas tres semanas, los lunes, y con localidades a valores accesibles. Las obras que se presentaran son de muy buena calidad, además de contar con el privilegio de poder disfrutar de artistas de primer nivel y a bajo costo con un fin benéfico para colaborar con La Casa del Teatro.

La Reina de la lluvia, escrita y dirigida por Paula Marull, contara con la actuación de Jorgelina Aruzzi, en piano Luisa Steverlynck. Se estrenará el lunes 27 de octubre.

El lunes 3 de noviembre se presentará Otoño, obra del dramaturgo británico Peter Quilter, cuya dirección para este ciclo estará a cargo de Santiago Doria. Los protagonistas serán Patricia Echegoyen, Emilia Mazer y Mateo Chiarino.

Finalmente, para cerrar la temporada de regreso de Teatrisimo, la última obra en formar parte de este ciclo 2025, será Una mujer invisible. La dirección estará a cargo de Manuel González Gil y las actuaciones de Miguel Ángel Sola, Mercedes Funes, Sabrina Carballo, Sofia González Gil y Roberto Antier.

Lo entrañable de las soledades encontradas
Quienes vivimos en Buenos Aires, ¿Cuántas veces hemos pasado una tarde en un parque sin hacer nada? Mirando un punto vacío, pensando sin pensar, filosofando a boca cerrada, con un mate en la mano o compartiendo el momento con una nueva amistad.

“María y Pedro se encuentran en un parque. Entre palabras y sonidos, el tiempo pasa mientras podría pasar otra cosa. Un zorzal, un gorrión y un vestido que no llega. La espera se mezcla con la inquietud de no saber si el otro va a aparecer”.
Así presenta Federico Buso su obra.

Buso escribe y protagoniza esta pieza junto a una enérgica, emocional y conmovedora Silvina Katz. Ambos actores construyen una química tierna y sensible: sus personajes se esperan a la misma hora, en el mismo parque de la soledad. La dirección esta a cargo de Martin Goldber, que logra unir todas las piezas del texto y la entrega de los actores de forma ingeniosa.

La escenografía consiste en un rectángulo que simula un parque. En lugar de plantas vivas, parece el final del otoño: ramas secas y paja.
Alicia Leloutre comprende el peso melancólico del texto de Buso, y junto al diseño lumínico de Sebastián Francia logra una composición de sombras donde las ramas se vuelven protagonistas visuales, deleitando al espectador.

Donde quieras estar es una obra entrañable, con un humor sincero y personajes terrenales; solitarios, pero encontrados en ese ocio tan porteño de pasar tiempo en un parque, entre sus silencios, miedos y esperas.

Donde quieras estar se presenta los miércoles de octubre a las 20:30 en el Teatro El Callejón.

Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

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María y Pedro se encuentran en un parque. Entre palabras y sonidos, el tiempo pasa mientras podría pasar otra cosa. Un zorzal, un gorrión y un vestido que no llega. La espera se mezcla con la inquietud de no saber si el otro va a aparecer.

Ficha técnico artística
Dramaturgia:Federico Buso
Actúan:Federico Buso, Silvina Katz
Diseño de vestuario:Jose Escobar
Diseño de escenografía:Alicia Leloutre
Realización de escenografia:
Alicia Leloutre, Agustin Justo Yoshimoto
Redes Sociales:Juani Romero
Música original:Lucas Sebastián Ramírez
Diseño De Iluminación:Sebastián Francia
Fotografía:Gerardo Serre
Diseño gráfico:Agustín Iannone
Asistencia de dirección:Lucia Clavel
Prensa:Adriana Schottlender
Producción ejecutiva:Francisco Tortorelli
Colaboración en dramaturgia:Martín Goldber
Puesta en escena:Martín Goldber
Dirección:Martín Goldber
Agradecimientos:Espacio Callejón, Lavalle Casabierta, Nora Conte Grand, Javier Daulte, Camila Fische, Paula Marull, María Onetto

Antes del clásico navideño del Teatro Colón, El Cascanueces —inolvidable ballet de Piotr Ilich Chaikovski, cuyo estreno será el próximo 12 de diciembre—, el público porteño tuvo el privilegio de disfrutar una joya del repertorio mundial: Onegin, la versión en ballet de la novela homónima de Aleksandr Pushkin.

Creado por John Cranko para el Ballet de Stuttgart, Onegin se estrenó el 13 de abril de 1965 en el Staatstheater de Stuttgart, y desde entonces se ha consagrado como una de las obras más refinadas del ballet narrativo del siglo XX. En esta oportunidad, la producción del Colón ofreció una experiencia deslumbrante y opulenta, con una dirección musical a cargo de Ermanno Florio, quien condujo con delicadeza las melodías de Chaikovski —tomadas de sus composiciones menos conocidas— y supo envolver al público con la elegancia del ballet ruso bajo un punto de vista alemán.

La recomposición coreográfica de Agneta Valcu y Victor Valcu conservó la intensidad dramática de la obra original, donde las pasiones desbordadas, los amores imposibles y las obsesiones fatales de los personajes de Pushkin se traducen en cada gesto y movimiento. Los bailarines, mediante la pantomima y la expresión corporal, interpretaron con profundidad el tormento interior de sus protagonistas.

Oneguin fue interpretado por Ciro Mansilla, Juan Pablo Ledo, Federico Fernández y el bailarín austríaco Jakob Feyferlik, mientras que Tatiana cobró vida en los cuerpos de Marianela Núñez, Ayelén Sánchez, Camila Bocca y Natalia Pelayo.

Además del elenco impecable, la escenografía de Pier Luigi Samaritani dejó sin aliento: los suspiros del público se oyeron en cada entreacto ante los detalles minuciosos de los interiores palaciegos, los colores profundos —entre blancos, vinotintos y negros— y los suntuosos jardines que evocan la Rusia zarista. Cada lámpara, espejo y mueble fue ejecutado con una precisión casi artesanal.

El vestuario de Roberta Guidi Di Bagno completó la atmósfera majestuosa: los vestidos de la burguesía imperial rusa, las delicadas faldas en tonos naranjas, blancos y magentas, los sobrios smokings y los elegantes sombreros merecen mención aparte.

Onegin se presentó durante la primera quincena de octubre en el Teatro Colón y fue, sin duda, una de las puestas de ballet más destacadas del año. Desde el primer instante —cuando se abre el reloj y comienza la trama de amores frustrados, celos y orgullo—, el espectáculo deslumbra y confirma que el Colón atraviesa un momento de esplendor bajo la dirección de Julio Bocca, especialmente en el terreno del ballet.

Esperamos que Onegin regrese pronto a la cartelera: el público porteño merece volver a presenciar una obra de tal calidad y belleza.

  Escribió Sebastian Arismendi para la La Butaca Web.