La oportunidad para ser REAL

¿Te has preguntado cuándo fue la última vez que fuiste real?

Cargamos mascaras desde nuestros inicios, mostrarnos cómo realmente somos puede costar caro, aún así hay personas que llevan el orgullo como consigna propia. Si tuvieras una única oportunidad de atreverte a ser real, ¿La tomarías?

Real self expierence vuelve a Buenos Aires luego del contexto de la pandemia, aún es una experiencia necesaria para tener contacto.

Para quienes no tuvieron oportunidad de estar en la edición de 2019, solo se puede recomendar mediante una premisa:

«Llega a Buenos Aires la primera experiencia inmersiva en total anonimato.

¿Es un show?

¿Es un juego?

¿Es una fiesta?

Es lo que vos querés que sea.
Desde el anonimato podemos mostrarnos tal como somos. Ser más verdaderos que nunca.
¿Te animás a ser real?»

El show creado y dirigido por Jabo Drucaroff plantea una experiencia única, donde los participantes irán en grupo y por cupo limitado; la idea es no saber de qué va y cómo. La seguridad de los participantes está 100% garantizada.

Mediante un alucinante diseño de luces estrobostópicas, una mapping 360° junto con la música original de Dylan Lerner; Real Self ubica a los participantes en una sala oscura y acondicionada. En hora y media todos deben ser anónimos pero reales, para ellos se garantiza que todos lleven mascaras y un traje único por lo que será imposible reconocer al otro. Se pide que los teléfonos y pertenencias personales queden un locker cuya llave llevarás en una pulsera, todo esto antes de entrar al evento, aún así podrás sacarte selfies con el traje. La total y absoluta inmersión garantiza que el participante de desconecte de lo que hay afuera de la sala, este entrará en un entorno terapéutico y sensorial.

Se recomienda que las personas que asistan vayan con la cabeza abierta y con ganas de no spoilear la experiencia, decir poco ayuda a que los demás puedan disfrutarla igual que lo hiciste.
Real Self expierence es una oportunidad única para ser real, pues es posible que fuera de esa hora y media, nos cueste sacar las máscaras ante la sociedad.

Funciones de miércoles a domingo en los turnos de 18:30 y 20:30 en el Centro de Convenciones Buenos Aires (Figueroa Alcorta 2099, al lado de la Facultad de Derecho).

Se recomienda ir con ropa deportiva y cómoda, es un espectáculo para +16. Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

Las relaciones familiares y el paso del tiempo

Se dice que los hermanos son los compañeros que tenemos para toda la vida, aunque haya un lazo sanguíneo inquebrantable, no siempre estos no conservan una unión consolidada.
¿Qué harías para reparar la relación con tus hermanos? Seguramente mucho, es una decisión personal pero el no estar cerca duele, más cuando pasa el tiempo.

«Dos hermanas comparten un recuerdo, se encuentran, discuten, se rìen, se ayudan a tramitar lo imposible. Un viaje empezado hace tiempo, en unas termas, subiendo de gruta en gruta».

Viviana Suranti y Romina Sznaider son las encargadas de protagonizar este íntimo y conmovedor drama. Ambas con una química avasalladora, interpretan a personajes tan genuinos y sinceros, enmarcados en un ambiente melancólico y lleno de sosiego. Tanto Suranti como Sznaider poseen fuerza pero también delicadeza para atravesar las etapas dramáticas del texto de Ricardo Ryser.

Pilar Boyle sabe jugar con la sugestión y las metáforas, nos mete en esta terma dónde la intimidad hará que se revelen secretos familiares y de alguna forma, el vapor hará que se ablande el corazón. Débora Teplitzki ejecuta una excelente escenografía llena de detalles, nos lleva directamente a una terma pero también nos brinda espacio para más interpretaciones.

Cómo piensan el tiempo las tortugas (Hermanas), es una excelente obra para ver con tus hermanos o para replantear qué tan alejados estamos de nuestra familia y porqué. Disponible los martes a las 21 horas en Num Teatro (Juan Ramírez Velasco 419) Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca.

Algo contigo

Este autor creció con boleros. Este género popularizado por México en los años cuarenta, representa el maximo exponente de la música romántica en español. Letras apasionadas sobre el deseo de amar y no poder, la pasión desenfrenada y la desolación de no tener a quien no se ama.
Ver una obra sobre boleros me trajo remembranzas.

«ÉL está enamorado de ella desde siempre. Ella hoy también cree estar enamorada pero de otro hombre.
Ella necesita un confidente y no se le ocurre mejor idea que elegirlo a él.
ÉL aprovecha el anonimato para poder dedicarle poemas y poner en palabras lo que su corazón siente.
A medida que la historia transcurre ella se va enamorando de las palabras que lee sin sospechar quién es el autor de las mismas.» Esta es la reseña de la obra escrita y dirigida por Héctor Presa.

Héctor Presa se inspira más allá de los boleros, también en los poemas de Mario Benedetti. El poeta uruguayo y el género musical tienen tanto en común que es imposible no hacer paralelismos; presa escoge a Carlo Argento y Ana Padilla para ser los protagonistas de esta tierna historia.

Junto la música en vivo de Esteban Rozenszain, Boleros para un poeta y una mujer pone en escena a Carlo Argento y Ana Padilla con una química insuperable. Ambos realizan un ritual de cortejo inocente y puro, tal como si fuera una canción de bolero. Mientras hablan, danzan y cantan grandes clásicos.

Boleros para un poeta y una mujer es una obra entrañable que nos hará reconectar con el amor y el bolero, también dará introducción a aquellos centennials que nunca han escuchado algún bolero. Disponible los sábados a las 2
19:30 en el Teatro La Galera (Humbolt 1591)

Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

Desolación y paranoia

Estando en la ciudad podemos imaginar la vida en trabajos remotos como un tedio, cuando me refiero a ‘remoto’, hablo de zonas tan desoladas y apartadas de toda civilización, dónde no hay nada más que silencio y las voces de la noche.
Obviamente estando en la ciudad pensamos sobre cómo puede ser, más no tenemos una remota idea.

«Es más difícil la aventura cuando se necesita un sueldo todos los meses.
Es más fácil equivocarse cuando ninguna opción es tan buena.
Es más fácil sentirse enamorado cuando afuera es todo llano y árido.
Es más difícil salir ileso de la tragedia cuando todo esto se da junto, todo a la vez». Esta es la sinopsis de la obra que Laura Fernández escribe junto Daniela Salerno.

En un paso fronterizo entre la frontera de Argentina y Chile, dónde no hay más que temperaturas bajo cero, soledad y penumbra, una mujer de ciudad debe dar el control migratorio. ¿Podrá conservar la cordura? Es lo que el personaje de Daniela Salerno debe plantearse.

Salerno llega con fuerza en este rol que divaga entre hechos que pueden ser real o producto de su imaginación. En su monólogo, vemos poco a poco el fracturar de su cordura mientras relata hechos particularmente raros. El lenguaje corporal que usa expresa incomodidad y paranoia, parte de este efecto también es gracias a la escenografía de Nicolás Notte.

Fernández dirige a Salerno de una forma tal que podamos meternos en su cabeza, cuestionar lo que ella vio e incluso, introducir terror.

La narrativa del texto de ambas está cargada de imágenes, se puede sentir cada línea a medida que el relato avanza y cambia de todos. Un buen ejercicio de la narración dramaturgica. Pacífico es una obra que nos lleva a la desolación y su posterior paranoia.

Disponible los viernes a las 20:30 en el Portón Sánchez (Sánchez de Bustamante 1034) Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

Ocho horas al día, cinco días a la semana

40-45 horas a la semana es que lo que debemos trabajar. En oficinas posiblemente sin ventanas, frente a computadores e impresoras y el constante ruido del teléfono, el tecladeo y los bostezos.
Bostezos que indican el cansancio y aburrimiento, ¿Cuánto tiempo falta para salir?

«
La rutina que arruina. Que desgasta y embrutece, lleva a dos empleados de oficina a construir e inventar un mundo imaginario con el único fin de olvidarse por un rato que están encerrados entre cuatro paredes desde hace horas repitiendo y repitiendo como robots un trabajo sin sentido. Tratan de escaparse de esa vida absurda y alienada que viven desde años jugando a ser otros, a esos que quisieron ser y no pudieron». Esta es la sinopsis del libreto de Abelardo Castillo, el cual dirige David Bogado.

Nicolás Cayol y Pablo Rojas son los protagonistas de esta comedia. Ambos interpretan a personajes que podemos ser tu y yo, encerrados en un bucle cronometrado dónde la monotonía es emblema y ya se sabe que pasará durante las ocho horas.
Tanto como Cayol y Rojas tienen momentos altivos dónde sus monólogos sobre el trabajo nos podrán a pensar también a nosotros.
Ambos se desenvuelven en la puesta en escena de David Bogado, utilizan toda la utilería para hacer una fiesta revolucionaria, ilusión de escape ante el oficinista.

Also Sprach: El señor Nuñez, es una comedia que juega entre lo onírico, lo filosófico y lo cotidiano. Un Buenos Aires en los años 50 que no se escapa de los tiempos actuales. ¿Ya contamos las horas para salir del trabajo?

Disponible los jueves a las 22 en el Teatro Tadron (Niceto Vega 4802. Escribe Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

Verdi revolucionado por el Teatro Colón

¡Viva Verdi!
Así arranca una de las reseñas hacia el clásico indispensable para la ópera universal, Sebastián de Filippi es quien escribe la nota para el Teatro Colón. En su efecto coincido con él la mayoría de los aspectos, Giuseppe Verdi es quizá uno de los diez referentes principales de este género musical, sus adaptaciones en este patrimonio nacional que es el Colón no son recientes sino de antes de ser el monumento que es ahora, ocho años después del estreno de Nabucco (1854), se presentaría la primera versión en Argentina. Hoy se realiza una gran revolución escénica del famoso Va’, pensiero.

Carlos Vieu, director de orquesta porteño es el encargado de llevar a cabo las notas de Verdi para esta ambiciosa nueva representación. Acoto la importancia en el adjetivo de ambición para resaltar el gran e increíble trabajo de Stefano Poda.

Stefano Poda, oriundo de Trento (Italia), posee una larga carrera de más de 20 años en el mundo de la escena teatral, en Nabucco hace un giro de tuerca y nos ofrece una puesta en escena vanguardista, abstracta e imponente.
Siendo el blanco y las luces el principal protagonista, una vez que arranca la orquesta de Vieu y se abre el Telón, las pupilas de los espectadores se achicaran hasta el punto de desaparecer con el primer flash de iluminación del escenario (siendo un comentario misceláneo, no imagen que tuviera tanta profundidad de campo el la tarima del Colón).

Usando todas las ideas de Poda junto a la colaboración de Paolo Giani Cei y Imme Möller, los cuatro actos de Nabucco poseen una transformación por etapas. Primero la amplitud de la puesta dónde los bailarines y también coristas tendrán todo el espacio para el perfomance (41 en total). Segundo el encierro que representan unas ventanas que irán bajando hasta limitar el paso de los personajes e irán dispersando a los coristas, varias figuras irán bajando también y quedarán encastradas entre las ventana. Tercero: El Va’ pensiero, siendo esta la parte más conmovedora, todo el reparto sucumbirá ante una enorme cinta de Moebius blanca que los comprime al suelo, estos cantarán la famosa canción acostados, siendo un acto que dejará los ojos lacrimosos del público. El acto final es el armado de figuras humanas y abstractas y el despliegue de las piezas que se veían anunciando, hasta la liberación del pueblo con la muerte de Nabucco.

El vestuario hacia notar la separación del pueblo corista con los personajes principales interpretado por Sebastián Catana, Leonardo López Linares, Rebeka Lokar, Mónica Ferracani, Guadalupe Barrientos, Florencia Machado, Darío Shmunck, Santiago Vidal, Rafael Siwek, Christian Peregrino, Mariana Carnovali, María Belén Rivarola, Mario de Salvo, Christian de Marco, Gabriel Renaud y Gabriel Centeno. Cantantes Liricos que no solo demuestran sus dotes vocales sino también su calidad actoral.

Es que esta puesta de Nabucco se expresa en su representación teatral, dónde el perfomance y la puesta en escena son otro de los protagonistas junto al coro. Es un espectáculo único que se torna en una experiencia inolvidable para quien lo ve. Es el Teatro Colón demostrando su lugar dentro de las artes escénicas a nivel iberoamericano.
Es Nabucco revolucionado.

Disponible hasta el domingo 12 de junio.

Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

¡LA ESPERA LLEGA A SU FIN!

ESTE SÁBADO O4 DE JUNIO SE ESTRENA
UNO DE LOS MUSICALES
MÁS ACLAMADOS DE BROADWAY

Con la misma dirección y producción de
“El Curioso Incidente del Perro a Medianoche”
Este sábado 04 de junio termina la espera porque se estrena el aclamado musical de Broadway “COME FROM AWAY” en el teatro Maipo con 15 actores en escena, banda en vivo y la dirección de Carla Calabrese y producción de The Stage Company, responsables del éxito “El Curioso Incidente del Perro a Medianoche”, de “Shrek el Musical” y de muchas otras.

Come From Away, obtuvo siete nominaciones a los premios Tony, incluido una nominación al Grammy en 2017 y cuatro premios Olivier en 2019.



Come From Away cuenta la historia real de más de 7 mil pasajeros provenientes de todas partes del mundo que aterrizaron inesperadamente en la isla de Gander, New Foundland (Terranova) y de la gente de este pequeño pueblo canadiense que les dio la bienvenida desde la solidaridad más pura. Cuando 38 aviones fueron desviados de sus destinos para aterrizar en esta isla, el 11 de septiembre de 2001, el lugar vio duplicada su población en un instante.



Mientras la humanidad transitaba uno de sus momentos más difíciles, los pasajeros que quedaron varados durante días en este pueblo recuperaron su fe en la humanidad gracias a la empatía, dedicación y calidez con la cual los habitantes de este pueblo los recibieron y reconfortaron. Una obra conmovedora que nos permite imaginar un mundo

“COME FROM AWAY”

ESTRENO 04 DE JUNIO 2022

Funciones viernes y sábados 20:30 y domingos 19:30

Teatro Maipo, Esmeralda 443, CABA

Duración 105 minutos



Entradas en la boletería del teatro y en PLATEANET

IG @comefromaway_thestagecompany

Por Sofía Luna Roberts

Las obras innovadoras que apuestan por relatos experimentales y puestas en escena de alto impacto, son los verdaderos desafíos y deleites que el teatro independiente nos brinda para un disfrute mayor de la actividad fundamental que nos compete: ir al teatro. Estos juegos alternativos es lo que Emiliano Larea y Gabriel Páez nos prometen al exhibir su pieza teatral “Jíjop”, una obra en constante movimiento, donde sus pasos son dictados en función de un relato fantástico y surrealista permitiendo el despliegue completo de un lenguaje novedoso, en el cual lo físico cobra protagonismo puro. Esta obra se presenta todos los sábados de junio a las 19 hs en el Galpón de Guevara (Guevara 326), en el barrio de Chacarita.

A partir del movimiento y el sonido, la obra nos sumerge en una universo distópico donde se quiere transmitir la historia de un carpintero que fabrica un nuevo muñeco: Jíjop. Éste cobra vida, se reconoce como cuerpo – objeto, comienza a explorar sus acciones mediante el uso de diferentes lenguajes expresivos que dan cuenta de una soltura y destreza actoral muy potente; es así como empieza a tener deseos de conocer el mundo que lo rodea, el mundo que habita. En el trayecto, se encuentra con el rugido de la maquinaria urbana, con el bullicio de las calles y la inminente presencia de la ciudad, que lo atrapa por completo transformándolo en un objeto más del montón que vive en función de la máquina.

El espectáculo tiene como objetivo principal la mixtura, la convivencia de los distintos lenguajes escénicos tales como: el teatro físico, el teatro negro, mascara neutra, las herramientas expresivas de la técnica Le Coq y el lenguaje físico de diversas danzas urbanas que llevarán a los espectadores a un imaginario fantástico compuesto por el actor y bailarían Emiliano Larea y sus performers que lo asisten constantemente. La creación dramática encuentra nuevas maneras de expresarse, la búsqueda de otras formas de relatar las historias propone al espectador un ejercicio de imaginación, en donde nada es concreto pero, al mismo tiempo, el mensaje que nos ofrece es claro como el agua.

La pieza teatral cuenta con un excelente diseño de vestuario y maquillaje: la caracterización de los personajes toma un gran lugar con respecto a lo visual, ya que están construídos al borde de la caricatura y complementan con la historia de una manera fascinante. El intérprete se desplaza por todo el espacio con astucia, con movimientos burlescos, circenses, con acciones casi inhumanas, como si se tratase justamente de un muñeco que es liberado de su encierro eterno. La manipulación de la escenografía, iluminación y la música son precisos y exuberantes para acompañar a Emiliano en su movilidad tanto corporal como espacial. Es a partir del uso sobresaliente de estos elementos que la obra toma forma y logra impactar al público con su indiscutible creatividad.

Jíjop nos cuenta una historia de cómo las tramas de significación que generamos nos transforman, nos movilizan y, sin darnos cuenta, nos alienan en una maquinaria urbana voraz en la que somos movidos y nos obligan a pertenecer. Logra una empatía justa con los espectadores ya que ésta distopía que representa, de pronto, no se siente tan distanciada y lejana a nuestro día a día. El encierro, el dinero, el trabajo, la vida, la felicidad que hay que alcanzar y que nada llega a ser suficiente; es lo que la maquinaria jijopera nos muestra en una espléndida puesta en escena que nos deja con ganas de más.

El tengo no ha muerto

Aunque actualmente el trap, reggaeton y electrónica estén dominando el mercado musical, sus seguidores jóvenes sigan creciendo y los ritmos tradicionales estén quedando en el olvido, El tango no ha muerto, se mantiene aferrado a Buenos Aires y en la memoria colectiva que cada día lo conmemora y reivindica.

«La acción transcurre en Buenos Aires, a fines de la década del 40.
Leopoldo Pena es un humilde empleado municipal, muy tímido y acostumbrado a las burlas y destrato de su jefe y una compañera.
Leopoldo es un soñador que anhela ser un gran cantor de tangos y conquistar a Rosaura.
Toda esta historia está hilada con fragmentos de populares tangos como Garufa, Cuesta Abajo, Nada y otros.
Este sainete está pensado y escrito como un espectáculo para disfrute de todos los que gusten del género, divertirse y sobre todo deleitar a nuestros adultos mayores con un texto cuidado para transportarlos en el tiempo y escuchando bellos tangos» . Es la sinopsis de la obra musical de Jorge Lorenzo.

Silvia Geijo, Carlos Ledrag, Jesica Livorsi y Jorge Lorenzo forman parte del elenco de esta divertida comedia musical. Con una enorme carga de lunfardo y referencias culturales al Buenos Aires de antaño, esta obra transita por la comedia musical y lo onírico. El texto de Lorenzo a primera instancia parece simple pero tiene giros de tuerca interesantes, la historia se va complejizando con un mensaje muy tierno al final. Los actores realizan una excelente presentación ya que no solo actúan, bailan y cantan tango. Toda esta alegría y talento lo transmiten al público que estará sometido a carcajadas y suspiros.

La música original de Esteban Morgado, la cual también toca durante la obra, da una remembranza al tango de primera mitad de siglo pasado. Su bandoleon recuerda a la orquesta de Troilo en sus inicios. Mecha Fernández dirige una simpática, divertida y tierna obra, es capaz de llevar su visión del imaginario porteño de comienzos de siglo pasado al tiempo actual. Una obra que no solo encantará a nuestros abuelos sino también a los jóvenes.

Disponible los martes a las 20 horas en el Centro Cultural 25 de mayo (Avenida Triunvirato 4444)

Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

Este viernes tuvimos la oportunidad de asistir al Teatro No Avestruz para disfrutar de la función de «Pasado» una obra de Federico Alí que puede verse los días viernes a las 22:30 horas. La historia nos lleva a una trama con toques futuristas, dónde existe la posibilidad de cambiar un momento del pasado por única vez en la vida, pero que eso traerá consecuencias.

Al ver los primeros minutos de la obra, dónde uno de los personajes vuelve a un momento del pasado para animarse a besar a la persona que le gusta, nos remarcan que no se trata de un viaje en el tiempo, sino más bien el traslado de la mente a algún momento determinado. Esto tal vez me hace recordar a la historia de Xmen: Días del futuro pasado, en el que justamente Logan no viaja en el tiempo pero si logra llevar su mente a algún momento del pasado para corregir un hecho que trajo consecuencias en el futuro. Esta obra pone en escena a un grupo de amigos, dónde existen algunos conflictos por intereses amoroso, y que este cambio en el tiempo termina trayendo consecuencias que obliga a los demás a utilizar esta habilidad.

Puede parecer una premisa algo rara para una obra teatral, pero se debe decir que está bastante bien planteada por dos motivos: el primero por la Performance que realizan los actores en el escenario, y luego por el texto que cuenta con comentarios irónicos e hilarantes y que distienden ante la complejidad de la trama.

Pasado es una obra que si bien cuenta con elementos de ciencia ficción, nos trae un conflicto terrenal que se desarrolla de forma efectiva y que nos regala una entretenida historia sobre la amistad y las consecuencias de la manipulación del tiempo, tal como lo es el efecto mariposa. Es una propuesta bien actuada y que resulta una agradable opción para pasar la noche de un viernes en el teatro.