Por Constanza Scioletti

¿Qué pasa cuando vivimos en la idealización del recuerdo?

Sinopsis

Magui, una comunicadora de 40 años, emprende una travesía hacia su propio pasado: busca una carta escrita a sus 14 años, un mensaje donde proyectaba deseos para su «yo» del futuro. En ese camino de búsqueda se reencuentra con Juan, su amor de verano de aquel entonces.

A través de este encuentro, la historia transita el quiebre entre la imagen congelada en la memoria y la crudeza del presente. Juan arrastra un error del pasado, una condena cumplida pero una culpa que permanece intacta. La obra nos invita a habitar esa tensión: el peso del remordimiento frente a la carga de quien idealizó un recuerdo que ya no existe.

Propuesta Estética y Lenguaje

La pieza se enmarca en un naturalismo confesional. Existe una ruptura constante de la cuarta pared, donde los protagonistas vuelven al espectador cómplice de su devenir vital. La potencia de la obra radica en la construcción del vínculo: una intimidad genuina sostenida por miradas que habitan el silencio, logrando que el público crea en la existencia de ese pasado compartido.

Dispositivo Escénico: La Metáfora Material

La puesta nos recibe con un dispositivo inteligente y sintético: un gran cajón longitudinal que encierra cuatro módulos desmontables. Esta escenografía versátil permite transitar ágilmente entre un café y los atardeceres frente al mar, pero su función principal es simbólica.

Al igual que la memoria, el espacio es maleable: los personajes desarman y reconfiguran los módulos tal como intentan ordenar sus propios recuerdos de aquellos 14 años.

Autor: Stephen Belber

Traducción: Cecilia Chiarandini

Adaptación: Giles / Elordi

Título original: Dusk Rings a Bell

Intérpretes: Cecilia Chiarandini y Alejandro Giles.

Escenografía e iluminación: Edgardo Aguilar

Fotografía: Laura Elizabeth Ibarborde y Cristian Holzmann

Diseño Gráfico: Leandro Martín Correa

Música original: Braian Arévalo

Redes sociales: Nico Matías Urra

Prensa: Duche&Zárate

Vestuario: Crepúsculo.

Dirección: Merceditas Elordi

Funciones: Jueves a las 20 horas

Localidades: $ 22.000.- Jubilados y estudiantes: $ 18.000.-

Ítaca Complejo Teatral – Humahuaca 4027 – CABA

Marcelo Savignone y la Compañía Cuerpos nos arrojan una pregunta incómoda: ¿Sirve de algo el arte frente a un mundo en destrucción que nos devora?

La obra parte de una representación de Un enemigo del pueblo, el clásico de Henrik Ibsen. Sin embargo, este inicio es solo el cimiento de una demolición planificada. Un gesto disruptivo quiebra la ficción, exponiendo las «costuras» del drama burgués y obligando al espectador a abandonar su rol pasivo; Transformándose en un ejercicio filosófico y una crítica a la hipocresía social. La puesta desarticula los artificios escénicos para enfrentar al público con la ineficacia del arte cuando este se vuelve un mero objeto de consumo.                              

El elenco —integrado por Leandro Arancio, Milagros Coll, Sofía González Gil, Valentín Mederos, Guido Napolitano, Belén Santos, Tatiana Sarbia y el propio Savignone— despliega una entrega física y actoral total. La música, el vestuario y la iluminación no son accesorios, sino herramientas eficaces que atrapan la atención del espectador y lo mueven constantemente entre la reflexión y la sorpresa. Combinando dosis precisas de comedia del arte, filosofía y actuaciones notables, lleva al espectador a un viaje muy bello y reflexivo a la vez, que se disfruta desde la platea y que nos deja con más preguntas  que certezas.                                                                                             

Sábados de abril y mayo, 17 hs. en el Teatro del Pueblo, Lavalle 3636, CABA.

Notable producción que conforma un espectáculo muy atractivo e imperdible para los amantes del teatro. Un texto cuidado, muy interesante e intenso, que contiene las dosis justas de humor, dramatismo y teatralidad; Juan Ignacio Fernandez una vez más se luce como autor con una prosa que fluye amable y profundiza en distintos matices, despertando el interés del espectador sin textos explicativos pero muy sugerentes.

Un escenario desprovisto, pero con cierta magia que lleva a fantasear y un vestuario que aporta muchísimo a la estética de la puesta en escena; puesta que apuesta a poner en primer plano la actuación en una decisión más que acertada.
En un estilo grotesco de intensidad exagerada y muy intensa que en esa profundidad genera un humor inteligente y alcanza momentos desopilantes.

Destacada e impactante actuación de Bárbara Massó que llena de vida a este personaje que lucha por sostenerse en un mundo que se desmorona y transmite con maestría esa ambición de poder que llega a niveles delirantes. muy bien acompañada por Ariel Mele que en un rol secundario se luce con un personaje lleno de sutilezas y generando una comicidad desde una actuación en su justa medida.

Muy recomendable, no se lo pierdan. R.A.

Miércoles 21 hs. Nun teatro, Juan Ramirez de Velazco 419 C.A.B.A.

La aclamada comedia negra «Tirria» regresa el 9 de abril en el Teatro Astros (Av. Corrientes 746) y estará todos los jueves 20 horas. Además un gran gira nacional entre abril y junio.


Protagonizada por un elenco de lujo encabezado por Diego Capusotto, Andrea Politti y Rafael Spregelburd , y bajo la dirección de Carlos Branca, la obra promete un viaje al espíritu del grotesco argentino.







«Tirria» es una comedia negra escrita por Lucas Nine y Nancy Giampaolo y producida por Damián Sequeira. La obra nos sumerge en la decadente vida de los Sobrado Alvear, una familia patricia argentina venida a menos.
Junto a Capusotto, Politti y Spregelburd, completan el gran elenco Juano Arana, Eva Capusotto, Galo Politti y Daniel Berbedés.

Todos los veranos, los Sobrado Alvear fingen partir a Europa. Excepto Hilario, el fiel criado, nadie conoce su secreto: arruinados económicamente, pasarán los siguientes tres meses encerrados en los baúles que se arrumban en su mansión. Sobreviviendo exclusivamente a base de arroz con leche, los Sobrado Alvear se permiten paseos imaginarios por una Europa hecha de recuerdos. Por suerte (o por desgracia) para ellos, el atento Hilario, “casi de la familia”, se ocupa de todo. Y nadie duda que el criado será capaz de llegar a cualquier extremo para salvar el honor de la casa. ¿Podrán los Sobrado Alvear escapar de Hilario?


“Tirria” es también un homenaje a las comedias de teléfono blanco del viejo cine argentino, aunque se alimenta de la tradición del grotesco. Es un juego de máscaras, cine dentro del teatro, una comedia demoníaca que rescata el espíritu de una época para la que lo popular y la alta cultura no estaban necesariamente enfrentados.

Quienes leímos el cuento de la Metamorfosis de Franz Kafka, quedamos aterrorizados con la idea de despertar siendo un insecto o un «bicho» que cause temor, rechazo y disgusto en los demás.

Han pasado más de 100 años de la publicación del célebre relato del escritor checo; las riendas que da a la imaginación el hecho de ser otra persona/ otra cosa, ha dado diversas adaptaciones al cine y al teatro, en este caso, la obra de Miguel Sorrentino Soñé que era otra».

«Una mañana, Gretel, una joven actriz y modelo de 18 años, despierta convertida en un hombre adulto. A partir de esa transformación absurda e irreversible, su entorno familiar y laboral se ve alterado: su madre niega lo evidente, su padre la rechaza, su novio no la reconoce y el mundo exterior continúa funcionando con inquietante normalidad.
Aislada en su habitación, Gretel intenta comprender qué ha cambiado realmente: su cuerpo, su identidad o la mirada de los demás» Esta es la sinopsis de la obra de Sorrentino presentada el pasado viernes en el Método Kairós.

Encabezada por Guillermo Flores, Gabriel Nicola, Graciela Pafundi, Santo rocca, Nacho Stamati; la puesta en escena nos situa en una habitación sin paredes ni ventanas, los actores rodean la pieza rosada donde un hombre de mayor edad se despierta, ¿Qué ya pasado con la modelo perfecta?

Esta decisión de escena permite dejar vulnerable al personaje, observado y juzgado. Esto sucedía en la obra de Kafka, el monstruo estaba escondido pero era imposible vivir con la idea de que sigue allí.

Gabriel Nicola se mete en el cuerpo de una joven modelo, sus posturas y expresión corporal transmiten angustia pero también da espacio a la comedia, Soñé que era otra no es 100% un drama, situaciones incómodas,  ocurrentes y absurdas suceden mientras se asimila la idea de la metamorfosis.

Esta metamorfosis no es de especie sino de género, se pone en hilo de prueba los conceptos de belleza, deseo, perfección y familia. La pesadilla de alguien físicamente perfecto puede ser despertar en el sexo opuesto y de mayor edad.

Soñé que era otra funciona pues entrega algo diferente,  es una comedia tensa con una temática interesante.
Un elenco comprometido y una obra que nos hará reflexionar luego de su impactante final.

Disponible los sábados a las 20:30 en el Método Kairós.

Escribe Sebastián Arismendi para La Buatac Web.

Por Oriana Orlando

Casi Normales es una obra que atraviesa. Desde los primeros minutos, la emoción se instala en la sala y conecta de inmediato con el público, al punto de que las lágrimas aparecen casi desde el inicio.

La historia se centra en una familia atravesada por conflictos profundos, silencios y vínculos frágiles que intentan sostenerse bajo la idea de “normalidad”. En ese recorrido, la obra logra una identificación constante: cada escena y cada canción remiten a emociones conocidas y situaciones cercanas.

La puesta acompaña el clima emocional sin artificios, permitiendo que el relato avance entre dolor, amor, culpa y esperanza. No hay distancia posible entre la escena y quien observa: Casi Normales invita a sentir, incluso cuando duele.

Está obra inmersiva emociona e interpela al hablar de lo que cuesta nombrar y de lo que se siente aunque no se diga; una historia donde, inevitablemente, todos encontramos algo propio.

CASI NORMALES INMERSIVO

Libro y Letras: Brian Yorkey

Música Original: Tom Kitt

Idea y concepto: Pablo del Campo



Elenco

Diana: Mela Lenoir

Dan: Roberto Peloni

Gabriel: Axel Munton

Natalie: Ema Gimenez Zapiola

Henry: Valentín Zaninelli

Dr Madden: Mariano Chiesa



Director Original: Simon Pittman

Director Musical: Tomás Mayer Wolf

Directora Asociada: Mela Lenoir

Showrunner: Estanislao Otero Valdez

Artistas Visuales: Desilence (Tatiana Halbach & Søren Christensen)

Versión en Español: Pablo del Campo

Productor Musical: Manuel Moreno

Diseño de Luces: Ariel Ponce

Diseño de Sonido: Alejandro Zambrano/Gaston Briski

Diseño de Sonido Asociado: Nahuel Delgado

Director Técnico de Producción: Nicolás Marino

Diseño de Vestuario: La Polilla

Stage Manager: Flavio Chinellato

Asistente de dirección asociada: Mica Pierani Mendez

Supervisión Actoral: Bruno Pedicone

Company Manager: Morgana Pereira

Prensa: BMZ Comunicaciones

Fotografía: Alejandro Chaskielberg

Diseño Gráfico: @drama.com.ar

Asistente de Producción: Camila Levin

Asistente de vestuario: Lucas Varela

Operador de Luces: Hugo Loffler

Operador de Sonido: Pablo Aidelman



Equipo de Producción FAMMAS

Dirección de Producción: Morgana Pereira, Daniela Lioy

Asistente contable y administrativo: Jeremias Zamacola



Equipo CAI

Fundador y Director Ejecutivo: Sebastián Castro

Curadora y Directora Artística: Fernanda Giménez

Director Técnico de Producción: Nicolás Marino

Gerente Comercial: Noel Canese



Producción Asociada:

Francas (Luli Brindisi & Franco Castronuovo)

CC Konex

Layers of Reality (Jordi Sellas & Isaac Vila)



Productor Tecnológico

Sasami (Sebastián Castro)



Producción General

Del Campo Global

FAMMAS (Florencia Masri, Alejandro Zaga)

MNA (Andy Ovsejevich & Martin Hojman)

DOS NOCHES ÚNICAS PARA CELEBRAR EL TALENTO ARGENTINO QUE CONQUISTÓ EL MUNDO

El joven tenor que deslumbró a Julio Iglesias y cantó ante el Papa Francisco se presentará el 20 y 21 de marzo de 2026 en el mítico Teatro de la Avenida de Mayo

Tras un año de consagración absoluta en los escenarios más prestigiosos de Europa, el joven tenor argentino Martín Savi anuncia su esperado regreso a la calle Corrientes con el espectáculo “MARTÍN SAVI IN CONCERT – UNA VOZ UNIVERSAL”.

Las funciones serán el viernes 20 y el sábado 21 de marzo de 2026 en el emblemático Teatro Avenida (Av. de Mayo 1222, CABA) y las entradas ya se encuentran a la venta por TICKETEK.

Un Puente entre Almas

Bajo el lema de “Una voz universal”, Savi propone una experiencia que trasciende los límites de la música lírica tradicional. El concepto del show es un viaje musical y emocional que busca conectar almas y culturas a través de una interpretación honesta y vibrante.

Con apenas 21 años, Martín ha consolidado un estilo que él define como «emoción sin filtros», donde su rango vocal no busca el simple lucimiento técnico, sino la entrega total para conmover a públicos de todas las generaciones.

Una Trayectoria de Hitos Mundiales

La carrera de Martín Savi ha sido meteórica y está marcada por momentos que parecen extraídos de una leyenda musical:

Consagración Internacional: Ganador del prestigioso Festival de San Remo Junior en 2019.
Encuentros con Leyendas: A los 12 años, fue invitado a subir al escenario por el mismísimo Julio Iglesias a cantar «Caruso» en el Luna Park, cautivando a 15,000 personas en una actuación improvisada que marcó un antes y un después en su vida.
Voz en el Vaticano: Tuvo el honor de cantar ante el Papa Francisco en la Capilla Sixtina, interpretando el «Ave María» a capela en un momento que dio la vuelta al mundo.
Hito Deportivo y Musical: Su voz resonó en el Estadio Olímpico de Roma durante el Partido Mundial por la Paz, donde compartió escenario y canciones con Diego Maradona.
Formación de Excelencia: Surgido del Coro de Niños del Teatro Colón y formado con grandes maestros, Savi combina la técnica más rigurosa con la frescura de su juventud.
Una Cita Imperdible

Este regreso al Teatro Avenida no es solo un concierto; es el reencuentro de una de las voces más prometedoras de la escena internacional con su público.

Savi, capaz de cantar en ocho idiomas diferentes, promete dos noches donde la música lírica, el pop lírico y los clásicos populares se fundirán en una puesta que promete ser épica y memorable junto a una orquesta sinfónica de 21 músicos de las mejores orquestas del país.

Las entradas ya se encuentran disponibles en TICKETEK y se espera que, al igual que sus presentaciones anteriores en Buenos Aires, estas funciones agoten sus localidades rápidamente.

El martini de Capote sigue en calle Corrientes

Truman Capote no fue solo un escritor prolífico, es una leyenda que se mantiene viva en la cultura pop. Un personaje, un divo, una experiencia que se terminó comiendo a la persona.

La imagen colectiva histórica que tenemos de Capote es este hombre usando tapados de piel, colores, lentes cuadrados, voz nasal fina y siempre sosteniendo un martini. Gabriel Oliveri lo resucita y lo argentiniza; luego de una temporada exitosa en el San Martín, sigue en calle Corrientes Queridísimo Truman.


“Gabriel Oliveri descubrió a Truman Capote en su infancia y desde entonces se convirtió en su obsesión.
En esta obra, Oliveri se presenta como un cronista amoroso que, desde su propia vida, examina la de Capote y, por momentos, se anima a volverse el propio autor”. Original de Oliveri, protagonizada por él mismo y dirigida por Florencia Bendersky.


Queridísimo Truman es una metabiografía; Oliveri se inspira en Capote para contar su propia historia y la de muchos argentinos, aquellos que fueron juzgados por su sensibilidad y preferencias sexuales.


Es un repaso por la vida del escritor y celebrity estadounidense desde su infancia pueblerina, sus inicios como redactor en NYC, su primera novela, su éxito con Desayuno en Tiffany’s, su consagración universal con A sangre fría y su entrada oficial a la élite burguesa de Nueva York, siendo este su punto de quiebre y decadencia al acuchillar con sus palabras a sus Cisnes, mujeres de alto poder que lograron hundirlo socialmente, pero no hubo peor daño y destrucción que las adicciones de Capote.


Oliveri también repasa su niñez en Entre Ríos y su llegada a Buenos Aires; hace paralelismos entre su vida y la de Truman, no para parecerse a él, sino como punto de empatía.


Sergio Grimblat y Cristóbal Barcesat fungen como acompañantes narrativos, pero también como músicos y cantantes: el primero la voz y el segundo el piano. Queridísimo Truman es un musical que rinde homenaje y estos dos artistas saben cómo montar el show.
Risas, lágrimas, alegría, color, líneas de diálogo afiladas y brillantes hacen de esta obra un espectáculo kitsch, pero digno de estar en calle Corrientes y de atraer nuevos seguidores de Capote.


Disponible en la sala Neruda del Paseo La Plaza.

Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

Se cumplen noventa y ocho años de la primera presentación de El Cascanueces en el Teatro Colón, el gran clásico del ballet que no necesita introducción: en la memoria colectiva resuenan sus melodías y la imagen del soldadito de madera, máxima representación de la temporada navideña.

El Cascanueces remite a la inocencia, lo mágico y lo tradicional. Narra la historia de una joven que sueña con otro mundo, donde los cascanueces cobran vida y son capaces de combatir al Rey de las Ratas. La fantasía es clave en este cuento germano, escrito a comienzos del siglo XIX y luego inmortalizado por las partituras de Chaikovski y la coreografía de Marius Petipa.

Silvina Bazilis dirige a los bailarines del Teatro Colón. Los artistas se mueven con precisión entre el ballet clásico y las danzas folclóricas: el primer acto destaca por su pantomima, mientras que el segundo permite que cada intérprete brille, al reunir las melodías más célebres de El Cascanueces.

Lucas Erni, bailarín invitado, interpreta al Cascanueces. Aporta la rigidez del personaje inanimado antes de cobrar vida, para luego lucirse con volteretas, saltos y una notable presencia escénica.

Yoshino Horita brilla con la inocencia de su personaje y ofrece el solo más emotivo de la gala; su delicadeza es impoluta. Por su parte, Matías Santos, en el rol del tío Drosselmeyer, se muestra audaz e imponente.

La puesta en escena de Gastón Joubert es clásica y fiel a las escenografías tradicionales. El cuidado por el detalle atraviesa cada acto y sus transiciones: hay movimiento, una paleta de colores navideños y nieve que cae sobre el escenario y la platea. El público es introducido al mundo de las golosinas mediante una coreografía animada, hasta que los bailarines aparecen en escena. El árbol de Navidad revela su verdadero tamaño recién a mitad del primer acto. Joubert propone un set que remite a los primeros recuerdos asociados a El Cascanueces.

El vestuario de Gino Bogani no rompe con la escena, sino que la complementa. Vestidos y uniformes mantienen un tono clásico y entrañable, destacándose especialmente en la última parte, con el Rey de las Ratas y los Cascanueces.

Esta versión incluye a los maestros titiriteros dirigidos por Antoaneta Madjarova, uno de los momentos más encantadores del espectáculo. Los títeres fascinan tanto a niños como a adultos; la precisión de sus movimientos y el tamaño de los muñecos aportan una dimensión tangible a la fantasía del cuento.

Sin El Cascanueces no hay Navidad ni cierre de temporada en el Teatro Colón: una experiencia que derrite corazones y une a padres e hijos.

Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

Por Oriana Orlando

Al borde del ensayo propone una experiencia teatral intensa que transcurre dentro de una sala de ensayo, donde un director y tres actores se enfrentan a una dinámica marcada por la exigencia, la presión constante y la desesperada búsqueda de la perfección.

A través de ejercicios que rozan lo extremo, fragmentos de textos de Shakespeare y situaciones que se vuelven cada vez más incómodas, la obra construye un clima donde la ficción y la realidad comienzan a mezclarse. El ensayo deja de ser un espacio de búsqueda seguro para transformarse en un terreno inestable, atravesado por el poder y el desgaste.

Con una propuesta de tintes performáticos, la obra pone en cuestión hasta dónde pueden llegar las demandas en nombre del arte y qué sucede cuando la obsesión por un resultado ideal empuja a los intérpretes más allá de sus propios límites.

Al borde del ensayo no ofrece respuestas cerradas. Invita a observar, incomodarse y reflexionar sobre los vínculos, las exigencias, los límites dentro del teatro y preguntarte: ¿Dónde está el límite?

Ficha técnico artística
Dramaturgia:
Guido Inaui Vega
Actúan:
Agustin Belloli, Guido Inaui Vega, Rosario Ramos Isola, Belen Vaioli
Espacio escénico:
Guido Inaui Vega
Redes Sociales:
Rosario Ramos Isola
Fotografía:
Larisa Yaconis
Asistencia De Producción:
Ivan David Tisocco
Asistencia de dirección:
María Medesani
Producción general:
Guido Inaui Vega
Diseño de coreografia:
María Medesani
Dirección:
Guido Inaui Vega
Duración: 60 minutos
Clasificaciones: Teatro, Presencial, Adultos