Tuvimos el gusto de ser invitados y asistir al estreno de Lucio y yo en el Centro Cultural de la Cooperación, la nueva obra escrita y dirigida por José María Muscari, que nos relata la historia real del proceso de adopción de Lucio Muscari, su hijo correntino que buscaba familia desde un hogar en Corrientes capital. Actúan Esteban Pérez y Máximo Meyer, producción general de Paola Luttini.

Sobre Av. Corrientes, el Centro Cultural de la Cooperación en su planta baja cuenta con un café y librería, se respira un ambiente inspirador de arte y letras. Al dirigirnos por la escalera, resulta imposible no detener la mirada en El Taller, el imponente acrílico de 2,30m x 3m realizado por Carlos Alonso en 2022. Nuestra cita era en la Sala Solidaridad, ubicada en el segundo piso. En el hall de la sala pudimos vivir una muy buena previa, que contó con diferentes medios de televisión, prensa y personalidades del medio como Fabiana García Lago, Adabel Guerrero, Olivia Viggiano, Patricia Palmer, Rochi Igarzábal, Juan Gil Navarro, entre otros. Un clima de mucha expectativa previa a una función a sala llena.

La escenografía de un lujoso living comedor, fue suficiente para relatar toda la emotiva historia, complementada con pantalla de fondo que reproducía videos y palabras que enriquecieron la narración. Pudimos ser partícipes del testimonio interpretado con gran actuación de Esteban Pérez y Máximo Meyer. 

El deseo de ser padre, el deseo de ser hijo, la convivencia y los desafíos de dos caminos que se cruzaron en esta hermosa historia. De puertas abiertas a sus sentimientos, intimidad y alma, junto a su hijo Lucio quién además de transformar la vida de José, colaboró en el guión y  tiene un camino propio acompañado de gran manera por su padre.

Del gran artista y personalidad José Muscari, Lucio y yo es una obra artística y sincera, con pretensiones únicamente humanas y del alma, con gran producción y que nos invita a la reflexión sobre los vínculos y la adopción. Se felicita mucho, se disfrutó y se recomienda!

Las funciones son viernes y sábados 21.30hs, en el Centro Cultural de la Cooperación, Av. Corrientes 1543.

Matías Vanacor para La Butaca Web

Integrado por Miguel del Sel, Dady Brieva y Chino Volpato, el trío se presentará en el Teatro Gran Rex los días 27, 28, 29 y 30 de agosto de 2026, en una serie de funciones que prometen emoción, risas y celebración.

Entradas a la ventadesde lunes 22 de diciembre a las 12h. del mediodia en www.tuentrada.com y en boletería del teatro.

Nacidos en Santa Fe, Midachi trascendió generaciones con un humor popular, cercano y profundamente identificado con la cultura argentina. A lo largo de su trayectoria, conquistaron teatros, estadios y pantallas, batiendo récords de convocatoria y convirtiéndose en un clásico indiscutido del entretenimiento nacional.

Estos shows en el Gran Rex marcarán el reencuentro final con su público, recorriendo los personajes, sketchs y momentos más emblemáticos de una carrera que dejó huella en la historia del humor argentino.

MIDACHI VUELVE.
Porque hay historias que no cierran solas.
Porque hay risas que todavía resuenan en la memoria de la gente y merecen un último abrazo.
Gracias con el cuerpo entero.
Con la risa.
Con la música.
Con el silencio final…
Uuaaaaa, qué formal… jajaja.
MIDACHI VUELVE… ¡PORQUE SÍ!

El próximo 3 de septiembre llega al Teatro Liceouna nueva versión de «La Ratonera», el clásico de Agatha Christie que se convirtió en el policial teatral más famoso de todos los tiempos. Con funciones de miércoles a domingo, la obra reúne a un destacado elenco integrado por Carlos Belloso, Ludovico Di Santo, Romina Gaetani, Andrés Gil, Walter Quiroz, Carlos Santamaría y Malena Solda, con la participación especial de Betiana Blum.

Con dirección y versión de Manuel González Gil, música original de Martín Bianchedi y una impactante propuesta escenográfica que recrea con gran detalle la atmósfera opresiva del hostal Monkswell, esta puesta renueva el espíritu de la obra acercándola al espectador de hoy, con personajes más humanos, diálogos de gran fluidez, humor sutil y un ritmo cinematográfico que potencia el suspenso sin revelar jamás el gran secreto que convirtió a La Ratonera en un fenómeno teatral sin precedentes. 

Sinopsis

Una intensa nevada deja aislado al recientemente inaugurado hostal Monkswell, donde un grupo de desconocidos queda atrapado sin posibilidad de abandonar el lugar.

Mientras los huéspedes intentan convivir en medio de las primeras tensiones, la noticia de un crimen ocurrido en Londres altera la tranquilidad del refugio. Poco después llega un joven sargento de policía con una inquietante advertencia: el asesinato podría estar relacionado con uno de los presentes y todo indica que habrá una nueva víctima.

La desconfianza comienza a instalarse entre los ocupantes del hostal. Cada uno parece ocultar algo, todos tienen zonas oscuras en su pasado y nadie resulta exactamente quien dice ser. Cuando el crimen finalmente golpea dentro de la casa, el encierro se convierte en una auténtica trampa donde cualquiera puede ser el asesino… o la próxima víctima.

Con una combinación perfecta de suspenso, humor, falsas pistas y giros inesperados, «La Ratonera» vuelve a demostrar por qué sigue cautivando a millones de espectadores en todo el mundo y continúa siendo una experiencia teatral imperdible.

Una producción de Faroni Producciones, Juan Manuel Caballé y Tomás Rottemberg.

Por Felipe Ginevra

Londres, Fleet Street, lugar lúgubre y pestilente, nos presenta la historia de Sweeney Todd (identidad asumida por Benjamin Barker al regresar de su exilio). Un barbero —no cualquier barbero, el barbero más cruel que alguna vez pisó el teatro— que, luego de fugarse de prisión y con el objetivo de rescatar a su hija del demonio del Juez Turpin que la había secuestrado, emprende junto a la dueña de un comercio de “pasteles de carne”, la ingeniosa Mrs. Lovett, un plan para vivir hasta lograr esta hazaña. Este plan se ve varias veces puesto en jaque por el terrible accionar de los protagonistas en una trama donde el horror convive con la ironía.

La puesta en escena de este musical de Stephen Sondheim y Hugh Wheeler es solo comparable con el desbordante talento que el elenco entero mantuvo a lo largo de dos horas y media. Es una obra icónica llena de humor negro, venganza y pasión. Destaco enormemente el diseño de iluminación, que logra generar un ambiente atrapante donde te sentís dentro de la historia, acompañando de gran manera a la coreografía de Pamela Peker, que es sin lugar a dudas la estrella de esta puesta dirigida por Marcelo Rosa. Es una propuesta muy recomendable para apasionados del teatro musical.

Distingo fuertemente la calidad vocal que mantiene el elenco bajo la dirección de César Tello, una maravilla técnica llevada a una interpretación excelentemente lograda. Emmanuel Degracia, en su rol protagónico, logró una fuerte apropiación del personaje, llevándolo con gracia durante toda la puesta. Pero, sin lugar a dudas, tengo que hacer mención de Anabella Boron, quien hace el papel de Mrs. Lovett; es un deleite ver su talento al servicio de la pasión. Con una interpretación que se llevó todas las palmas del teatro en cada oportunidad, un registro vocal admirable y una actuación tan desarrollada, esta actriz logra estar a la altura, y más, de semejante personaje.

Obra muy recomendable, una icónica adaptación en el Teatro Santa María.

FICHA TÉCNICA

ELENCO:
Sweeney Todd: Emmanuel Degracia
Mrs. Lovett: Anabella Boron
Anthony Hope: Tomás Vila
Johanna Barker: Lucia Louzan
Juez Turpin: Alfredo Alesandro
Beadle Bamford: Mario Angelome
Adolfo Pirelli: Agustín Iannone
Tobias Ragg: Nacho Batti
Lucy Barker / Mendiga: Aimara Vázquez

ENSAMBLE:
Marian Lorena Vázquez
José Fiz
Lucia Ingol
Chiara Rodó
Hernán Cáceres
Camila Schuale
Santiago Sastre

Música y letras: Stephen Sondheim

Libro: Hugh Wheeler

Basado en la adaptación de: Christopher Bond

Producción original de Broadway:Richard Barr, Charles Woodward, Robert Fryer, Mary Lea Johnson y Martin Richards, en asociación con Dean y Judy Manos

Dirección general: Marcelo Rosa

Dirección musical y vocal: César Tello

Coreografías: Pamela Peker

Producción general: Velka Producciones

Prensa: Kevin Melgar

GRAN ESTRENO
SÁBADO 15 DE AGOSTO – 20:30 HS
TEATRO SANTA MARÍA

Carcajadas e historias en lo que fue Caminito

Caminito no era la explosión de colores y selfies que es hoy. Era un lugar hostil, sin servicios públicos, donde cada mes miles de inmigrantes provenientes de Europa y Medio Oriente desembarcaron en busca de un futuro mejor. Entre el choque de culturas, las diferencias lingüísticas y las pasiones del barrio nacieron el tango, el cocoliche, el mito del más guapo y la figura del malevo.

¿Y si tomáramos una máquina del tiempo rumbo a la La Boca de comienzos del siglo XX?

«En el corazón de La Boca de principios del siglo XX, Rosarito y Aurelio se sitúa en los años en que se construye el Puente Transbordador Nicolás Avellaneda. A través del lenguaje del sainete porteño, con humor, música y elementos grotescos, la obra transcurre en un café de camareras donde se entrelazan historias de amor, deseo, trabajo y desigualdad». Así se presenta Rosarito y Aurelio, la nueva comedia de Maggi Persíncola.

Con un elenco integrado por actores de distintas generaciones. Carmen Alzogaray, Roberto Bascoy, Fernando Broussalis, Catalina Díaz, Bea Echarri, Yiyo Giménez, Sandra Nogueras, Emma Piaggio y Nacho Soto; los intérpretes transmiten una energía unísona, desbordante y encantadora. Inspirada en el burlesque, el clown y el teatro musical, la obra presenta a sus personajes de la mano de un animador que, entre interacciones cargadas de humor físico y exageraciones, da paso a tangos, milongas y, por qué no, a un cabaret.

La escenografía apuesta por una artesanía simple pero efectiva. El uso de maquetas para representar la construcción del Puente Transbordador resulta tan ingenioso como funcional. Al frente se alza un telón, una barra recrea el ambiente de una antigua taberna y, en un rincón, una entrañable banda de cartón acompaña la acción desde un piano.

Maggi Persíncola escribe con absoluta libertad una obra que recupera el humor políticamente incorrecto y el lenguaje de otra época, cuando el cocoliche era moneda corriente en el sur de Buenos Aires y las normas sociales eran muy distintas de las actuales. Rosarito y Aureliocumple con creces lo que promete: hacer reír al público y, de paso, invitarlo a bailar. Es una propuesta que conecta con el pasado porteño y, al mismo tiempo, con la necesidad contemporánea de encontrar un respiro frente al drama cotidiano.

Rosarito y Aurelio está disponible los sábados de agosto a las 21:30 en Machado Teatro.

Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

En 1990 se estrenó la adaptación cinematográfica de Misery, el clásico de Stephen King publicado en 1987. Todos recordamos a Kathy Bates interpretando a Annie Wilkes, una mujer trastornada, obsesiva y peligrosa. Gracias a ese papel, Bates obtuvo el primer y único Premio Óscar de su carrera. Y, cuando se habla de Misery, es imposible no recordar la inolvidable escena de la maza.

Desde Broadway llega a la calle Corrientes una nueva adaptación teatral de Misery, una producción que busca dejar boquiabierto al público porteño y mantenerlo al borde de la butaca.

Con texto original de William Goldman, la obra ya había tenido una versión argentina en 1999, protagonizada por Rodolfo Bebán y Alicia Bruzzo, también bajo la dirección de Manuel González Gil, en el Teatro Metropolitan. Más de dos décadas después, González Gil vuelve a asumir el desafío con una nueva dupla protagónica y una puesta actualizada, que profundiza el terror psicológico y el enfermizo vínculo entre la admiración y el poder. El director apuesta por una versión más arriesgada, directa y cruda, mucho más cercana al espíritu de la novela y, por extensión, de la película.

La historia sigue a Paul Sheldon, un escritor que intenta dejar atrás el éxito comercial de una popular saga romántica para comenzar una etapa más ambiciosa de su carrera. Tras sufrir un accidente automovilístico, es rescatado por Annie Wilkes, una enfermera solitaria que se presenta como su «fan número uno». Lo que comienza como un acto de salvación pronto se convierte en una pesadilla cuando Paul descubre que está prisionero de una mujer obsesiva, dispuesta a todo para obligarlo a devolverle la vida a su personaje favorito.

Julia Calvo está, sencillamente, fuera de este mundo. Su interpretación es histriónica, impredecible y de una personalidad tan errática como compulsiva. Desde su primera aparición demuestra que comprendió a la perfección la complejidad del personaje, disfrazando la aparente dulzura de Annie con una oscuridad profundamente perturbadora. Sus estallidos dramáticos son impactantes y logra transmitir con absoluta convicción la inestabilidad mental de Annie Wilkes.

Por su parte, Juan Gil Navarro ofrece una actuación sobresaliente, a pesar de que gran parte de la obra transcurre postrado en una cama. Demuestra que no hacen falta grandes explosiones interpretativas para construir un personaje sólido y conmovedor. Su trabajo se sostiene en los matices, el miedo contenido y la vulnerabilidad.

La escenografía diseñada por Lula Rojo es uno de los grandes aciertos de la puesta. Oscura, móvil y dinámica, transforma constantemente el espacio escénico mediante un inteligente uso de la utilería y los desplazamientos. Los actores se mueven en la penumbra guiados por manchas de luz sobre el suelo, mientras cada cambio de escenario ocurre casi como un truco de ilusionismo. La iluminación resulta fundamental para sostener el suspenso y, junto con la música de Martín Bianchedi, construye una atmósfera inquietante que potencia cada momento de tensión.

Si bien Misery es la adaptación teatral de un clásico literario y de uno de los grandes éxitos del cine de Hollywood, la versión de Manuel González Gil encuentra una identidad propia. Sin alterar el contexto original, consigue acercar la historia al público argentino y, sobre todo, extraer el máximo potencial de sus intérpretes.

Misery se presenta los jueves, viernes y sábados a las 21:30 en el Teatro Metsura.

Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web

En esta obra vemos la historia a través de los ojos de Christopher, un adolescente con la condición del espectro autista que tiene una sensibilidad y una visión del mundo completamente diferente.

Cuando se entera de la misteriosa muerte de Wellington, el perro de su vecina, inicia una investigación casi detectivesca para encontrar al culpable. Sin embargo, junto a los personajes que se va cruzando en el camino, nos vamos dando cuenta del verdadero misterio de la trama: el caso del can es solo un MacGuffin, una excusa brillante para destapar el pasado, los secretos guardados y la complejidad de los vínculos familiares. De esta forma, la obra se convierte en un espejo de cómo el entorno vive y gestiona la neurodivergencia. Se representa con una crudeza muy honesta no solo lo que implica la condición en sí, sino también el impacto emocional dentro del hogar.

La puesta en escena es un pilar fundamental para lograr este viaje. Los recursos escénicos, en especial el uso del mapping y el diseño sonoro, no son meramente decorativos: nos introducen por completo en el universo mental de Christopher de una manera magistral, permitiéndonos experimentar en carne propia su genialidad y, por momentos, su sobreestimulación sensorial.

El resultado es un relato conmovedor e inquietante que atrapa al espectador desde el primer instante y lo obliga a ver la vida desde otra perspectiva. Una obra que transita con comodidad entre la comedia y el drama, inspirándonos a empatizar, a evolucionar y, sobre todo, a no juzgar a la ligera.

Por Constanza Scioletti

¿Se puede ser el centro de gravedad de una historia sin pisar el escenario ni una sola vez?

Mujer suspendida demuestra que sí. La obra nos sumerge en los días previos a la gran exposición de Catalano, un excéntrico, caprichoso y delirante artista plástico. Aunque jamás lo vemos en escena se habla de él como un ente omnipresente atrapado en la habitación contigua, sus provocaciones y delirios creativos dictan el pulso y el estrés de todos los que lo rodean.

A través de una atmósfera cargada de tensión, asistimos al detrás de escena de este gran evento, donde la exmujer, la hija y los colaboradores del artista intentan sobrevivir a sus demandas. Es en este punto donde la pieza revela su verdadero misterio: la exposición es solo la superficie; el fondo del relato es el costo emocional de convivir con el genio.

La obra brilla al desmenuzar los roles familiares impuestos por el egoísmo. Vemos a una hija profundamente atravesada por el peso de haber sido catalogada siempre como la «musa» inspiradora, un objeto de arte antes que una hija. En sintonía, la exmujer padece la dilución de su propia identidad, encasillada eternamente como «la esposa de» y no como la compañera real que sostuvo su carrera.

Este abrumador clima psicológico se sostiene gracias a un despliegue actoral impecable. El elenco logra transmitir con una verdad incómoda el desgaste, la sumisión y el quiebre de quienes orbitan alrededor del artista ausente, cargando el escenario de una energía magnética.

A este trabajo se le suma una propuesta estética muy cuidada, donde el vestuario, el maquillaje y la caracterización juegan un rol fundamental. Cuando los límites entre el arte y la vida empiezan a romperse, el caos familiar queda completamente al descubierto. Mujer suspendida termina siendo un relato inquietante sobre las decisiones desesperadas, las emociones al límite y el costo invisible que pagan quienes habitan a la sombra de un creador alienado.

FUNCIONES SÁBADOS 18H

JUNIO Y JULIO

Teatro El Grito

Costa Rica 5459 / CABA

Dramaturgia y dirección:  Carolina Sturla y Laura Eva Avelluto 

Elenco:  Lorena Damonte, Sonia Alemán, Verónica Mayorga y Gonzalo Bourren

Diseño de vestuario y arte: María Colloca

Caracterización: MB Salón

Diseño de iluminación: Victor Chacón

Diseño gráfico: Adrián Goldfrid  

Fotografía: Cristian Holzmann 

Producción: Nacidas en los 80s

Duración: 65 minutos.

Este espectáculo se realiza con el apoyo de Proteatro.

El nuevo teatro ALMAGNA abre sus puertas con una programación prometedora. Los sábados a las 17:30hs vuelve a escena el unipersonal “UNA”, la multipremiada obra escrita y dirigida por Giampaolo Samá y actuada por Miriam Odorico. 

¿Uno es porque existe algo propio o por lo que los demás perciben?¿Qué hay cuando la liberación interior? ¿Qué queda de eso que era, de eso que ahora fui? Buscar el existir más genuino posible, ese es el objetivo de Moscarda. Estar sin máscaras, olvidar el nombre, encontrar la propia verdad, ser UNA. 

El personaje original de la obra de Luigi Pirandello es masculino. Giampaolo Samá decidió dar un giro y que la voz sea la de una mujer: Angélica Moscarda. Miriam Odorico encarna a esa que va de la tensión a la blandura, de la fuerza a la debilidad. En ella habitan marido, suegra, cura, y las miles de Moscardas que luchan en el interior de esa única Moscarda. Miriam Odorico, con sólo un vestido que usa y desusa para armar personajes y casi en la totalidad de la obra sentada en una silla, logra construir corporal y vocalmente un abanico de posibilidades de ser que atrae y mantiene al borde de la butaca al público. Encanta.

Esa que está sentada, se revoluciona, ataca a los de afuera y a su propio adentro. Es la “loca”. Busca y sufre… También se divierte (no faltan risas en la tragedia). La soledad es el punto de llegada, las campanas de la Iglesia, ¿a quién le rezará este pueblo perdido? Moscarda ya no tiene a nadie, quizás ni a ella misma y, a la vez, es la forma más auténtica de lo que alguna vez fue. 

Algo parecido a la magia se produce en el escenario. El público sale comentando, “¿Cómo lo hizo?”. Las preguntas que Moscarda lanza quedan flotando en la platea. Habrá quienes en el café se pregunten sobre el ser, los otros, el existir. Llega el apagón, el aplauso es de pie. “UNA” y un espejo roto que, de uno u otro modo, nos refleja. 

FICHA TÉCNICO ARTÍSTICA

Dramaturgia, dirección y diseño de luces: Giampaolo Samá/ Actúa: Miriam Odorico/ Vestuario: Julio Suárez/ Diseño gráfico: Paola Bilancieri/ Prensa: Susan Lonetti

“UNA”- Amalgama Teatro (Guarda Vieja 3783)- Sábados 17:30 hs

Escribió: Micaela Steinbach

Cuando hablamos de musicales argentinos, es imposible no pensar en Drácula. La creación de Cibrián y Mahler fue una apuesta ambiciosa que logró perdurar décadas a través de múltiples reposiciones. Ahora, Pepe Cibrián junto a Pablo Torres Flores se lanzan con esta secuela, Resurrección, que nos trae al famoso conde en una historia nueva, cargada de talento, pero también con varios «peros».

Para que sepan con qué se van a encontrar: si no vieron el clásico original, no se preocupen, conocer el mito del conde basta para entender esta trama. Eso sí, se pueden escapar algunos guiños o detalles propios de la obra . La historia nos sitúa 30 años después: por alguna razón, el conde vuelve a la vida, pero esta vez en un cuerpo humano. Por otro lado, tenemos a una Mina viuda y con un hijo, a quien vemos desde el inicio incapaz de olvidar su intenso encuentro con él. La trama se centra en el drama interno de Drácula por su regreso y cómo esto sacude a Mina y a quienes la rodean.

En cuanto a lo artístico, hay que destacar una muy buena puesta en escena: las actuaciones son sólidas, el ensamble derrocha talento y hay números que resultan realmente interesantes.

Ahora, los puntos bajos. No me quejo de que la función sea en la carpa del Circo Rodas; de hecho, le da un ambiente peculiar y está bien planificado. Lo que no perdono es el uso de las visuales, que parecen hechas con una IA de baja calidad o un diseño muy pobre. Hubiera sido preferible ambientar usando más el vestuario y la imaginación si no había presupuesto para algo mejor. Es una lástima, porque cuando la producción quiere, brilla: la escena del baile de máscaras en Venecia es realmente bella.

La música cumple. Las canciones de Pablo Torres Flores dan en el clavo, especialmente en momentos de alivio cómico o en los pasajes más modernos y festivos, como los que interpreta la cubana Heidy Viciedo. Sin embargo, hay ciertos números que se sienten de relleno y no aportan nada, ni a lo musical ni a la narrativa.

Sobre la duración, estamos ante unas dos horas y media con intervalo. Si bien soy defensor de las obras largas cuando la historia lo justifica, acá la trama gira siempre sobre el mismo eje y podría haberse resuelto en menos tiempo, incluso disfrutando de los momentos musicales más entretenidos.

En resumen: Drácula Resurrección es un buen espectáculo, tiene talento y se nota el esfuerzo por ofrecer calidad. Pero hay que verla como lo que es: una versión que toma los personajes y hechos del clásico para hacer algo propio. No reinventa el mito ni alcanza la trascendencia de aquella pieza que le precede ,pero logra entretener.

DRÁCULA 2: RESURRECCIÓN

Una nueva criatura de Pepe Cibrián Campoy

Libro y Dirección: Pepe Cibrián Campoy

Música: Pablo Flores Torres

Coreografía: Matías Ramos

Vestuario: Vanesa Mascolo

Arreglos Musicales: Yair Hilal

Coordinación de actores: Juan Álvarez Prado

Dirección de coros: Juan Pablo Ragonese

Prensa: BMZ Comunicaciones

Elenco protagonista: 

Diego Conde Duarte es Wolf

Antonela Cirillo es Mina

Heidy Viciedo es Roxana y Rubi

Michel Hersch es Jonathan Harcker Hijo

Melina Kantor es Magui

Funciones

jueves, viernes y sábados a las 20:30 h

domingos 19:00

duración: 2:30 h con intervalo

Hipódromo de San Isidro (Avenida Santa Fe y Avenida de la Unidad Nacional)