Por Sebastián Sabio

Crónicas de otro día en la oficina

En una oficina más de Buenos Aires dos recepcionistas enfrentan otro día de monotonía y encierro entre esas cuatro paredes, que resultan ser vistas como un mal necesario. Nada parece poder destruir esta rutina infinita cuando de repente notan que “Happinesss”, el restaurante de enfrente, acaba de abrir sus puertas.Este lugar parece ser la salida perfecta para alcanzar la felicidad en un mundo gris.

Florencia Lorenzo y Paula Zaurdo (actrices y creadoras de la obra) entienden perfectamente lo que significa vivir en este mundo lleno de trabajos monótonos y poco gratificantes y lo demuestran de gran manera en esta obra.Las actrices cuentan con un grado alto de complicidad y desarrollo vincular, lo que les permite encenderse bien en el escenario y jugar.

La angustia demostrada en el escenario sumada al realismo de la propuesta nos hacen notar el mundo laboral según está planteado en nuestra cultura, donde el trabajo es visto solo como una obligación que hay que superar día tras día sin posibilidades de escapar. Es muy fácil ver todo lo que hay detrás de este proyecto y entender todo lo que quieren decir y por qué.

Dramaturgia: Florencia Lorenzo y Paula Zaurdo

Intérpretes: Florencia Lorenzo y Paula Zaurdo

Dirección: Nicolás Sorrivas;

Escenografía: Magali Acha

Asistente de Escenografía: Lucía Garramuño

Meritoria de Escenografía: Guadalupe Pavon; 

Realizador de Escenografía: Nicolás Araniz;

Vestuario: Candelaria Lorenzo; 

Luces: Ricardo Sica; 

Fotografía: Lucía Bartoletti; 

Música Original y Diseño Sonoro: Leandro Iglesias; 

Asistencia de Dirección: Alexis Mazzitelli y Rocio Pérez Valdenegro;

Producción: Matcha Cia. Teatral y La Esquina de Siempre;

Duración: 50 minutos / Redes del Espectáculo: @happinesslaobra (Facebook / Instagram)

Funciones: Sábados 21.00 hs. / 

Sala: Teatro El Método Kairós El Salvador 4530 / Entrada: $450.-

La semana pasada hemos tenido el placer de asistir al estreno de una nueva temporada de la obra La lección de anatomía, una obra que fue estrenada en el año 1972 y fue escrita por Carlos Mathus y que en su propuesta además de despojar a los actores de sus vestimenta, logra desnudar los conflictos humanos que van presentandose en una serie de secuencias interpretativas. Se trata de una propuesta que reluce desde el impacto visual y una calidad actoral que hace que el clásico siga vigente.

Quizá lo primero que nos llega a llamar la atención de la obra es esa presentación que en su momento habrá sido muy polémica, que fue iniciar la obra con una secuencia coreográfica en el que vemos a siete actores en escena completamente desnudos. Y si, la primera impresión resulta impactante , puede que para algunos incómoda o para otros sumamente llamativa , pero cumple con su misión de despojar al espectador e incluso a los actores en sus futuros personajes , de ideas y prejuicios. Todo se presenta como si de un nacimiento se tratase , dónde los cuerpos no hacen otra cosa más que explorar y evolucionar hasta que aparece el habla, y luego el razonamiento. Una vez pasado este tramo muy interesante, los actores pasan a vestir de blanco y a contar una serie de historias que combinan lo narrativo con algunos elementos coreográficos. Tenemos la historia de un padre que abusa psicológicamente y físicamente de su hija, un hombre consumido por las exigencias laborales, familiares y sociales, una mujer que hace hasta lo que no quiere para llegar a un status, entre otras cosas. El gran logro que tiene La lección de anatomía, es la humanidad que tiene a la hora de contar sus historias aunque las cuente de una manera poco tradicional, sin escenografía pero usando el cuerpo para recrear excelentemente cada escenario.

El gran mérito en la obra lo tienen los actores , y no solo por realizar la escena de desnudo con suma naturalidad, sino también por los cambios de registros y energías que suceden en cada relato. Se nota que se trata de un equipo de actores comprometidos con el proyecto y compenetrados con cada personaje,  dónde la coordinación grupal es de gran importancia, incluso cuando un personaje solo interactúa a gestualmente.

Teatro Buenos Aires: viernes  y sábados a las 23.30, Rodríguez Peña 411-CABA (esq. Corrientes).
Texto y coreografía: Carlos MathusDirección general : Antonio LeivaCompañía: 

• Florencia Bario
• Rodrigo Barrios 
• Nicolas Breda
• Camila Cahn
• Valentina Cañeque Cerati
• Samir Cuesta
• Florencia Espinola
• Luciano Heredia
• Hermes Molaro
• Omar Ponti
• Juan Pablo Rebuffi 
• Luisina Sceppacuercia
• Matias Sciutto 

Prensa y Comunicacion: Laura Calle Rodríguez – Carina Onorato Bulat

Producción ejecutiva: Luciano Heredia 

Ph: Nacho Lunadei 

Diseño: Maria Della Bella 

Prep.Fisica: Daniel Bartra 

Música Incidental: Francisco Molinos

Sábado 22, velada de gala, en fechas de carnaval, con la música y el Ballet,en ND Ateneo, la compañía de Danza y Ballet denominada Buenos Aires Ballet formada por el Primer Bailarín del Teatro Colón Federico Fernández.

Este es su cuarto año, en escenarios argentinos, y les puedo asegurar que el crecimiento de la Compañía es placenteramente demostrable, la función se dividió en dos partes, en la primera se recrearon fragmentos de: El lago de los Cisnes, Raymonda, (In) fiel, El Talisman, Solsticio de invierno y El Corsario (Cueva) , mientras la segunda parte nos deleitaron con Melodía, Cuerdas, Lo que tenía que ser, BA-BADAPSUP-BA, A Buenos Aires.

Danza clásica y contemporánea, los bailares flotan en el aire, tomó vida, en el escenario, la música de Tchaikosky (El Lago de los Cisnes), Glazunov (Raymonda), Astor Piazzola (A Buenos Aires), Bach, Vivaldi, con la fuerza y el empuje de jóvenes bailarinas y bailarines que lo dan todo en el escenario como Camila Bocca, Federico Fernández, Emilia Peredo, Julieta Zabalza, Jiva Velázquez, Samantha Vibart, Julio Bohuier, Facundo Luqui, Ludmila Galaverna, Samanta Vibart, Julio Bouhier, Diego Gómez, Belén Mazzola, Claudio Rabinovich, Ximena Pinto, Guido Bonacossa, Emanuel Abruzzo con coreografías en algunos casos creadas por los mismos interpretes, donde como coreográfos cabe mencionar a Leo Ivanov, Marius Petipa, Julieta Zabalza, Emanuel Abruzzo, Gustavo Mollajol, Assaf Messener.

Creo que cuando Piazzola,compuso sus piezas, me arriesgo a decir que nunca pensó como crearía mundos para los coreográfos y daría alas a los pies de los bailarines y bailarinas, que tan hermosas puestas hacen a partir de la música de Piazzola, como así también la música de Bobby Timmons y Joe Zawinul o Martin Phipps con el grupo Cadabra o Budi Sebert y Emiliano Nahuel Torti.

Fue un disfrute en todos los sentidos y terminó con el final esperado: ovación total del público aplaudiendo de pie, para rendir homenaje a tantos talentosos artistas que hicieron que fuera una noche excepcional.

Recuerden que las próximas funciones previstas según dossier son Teatro Morón, 29 de febrero y ND Teatro el 9 de mayo. Consejo a los amantes de la Danza: ¡No se lo pierdan!.

Reseña Diana Decunto – inboxnightradio@gmail.com

Jueves a las 20 hs en el Teatro Picadero, la señora del Restaurador, doña Encarnación Ezcurra, una mujer en mayúsculas, basado en la dramaturgia de Cristina Escofet y dirección general de Andrés Bazzalo.

El refrán dice que detrás de todo gran hombre, hay una gran mujer y en este caso, agravado por no tener la belleza europea que esperaba la época, y por ser parte de uno de los tantos momentos convulsionados del país, siendo uno de los ejemplos de grieta: federales y unitarios, caracterizada por la violencia y el fanatismo.

Un unipersonal, excelente interpretación de la actriz Lorena Vega, con músicos en vivo: Agustín Flores Muñoz, Victoria Tolosa y Martín Miconi.

Obra con varios y merecidos premios a cuesta: Premios ACE y Premios Luisa Vehil a la mejor actriz, en Premios María Guerrero, premiado a la Mejor Autora y Música Original y Premios Trinidad Guevara por mejor diseño de iluminación, Mejor Autora y Mejor Banda de sonido.

Una mujer en cuyo discurso se jactará de ser la mujer de Rozas, recordará como un eco, la muerte de Quiroga, vivirá en carne propia la lucha del momento y transitará por los recovecos que el destino le tocó en suerte.

Una pieza teatral para agendar, un lujo el desempeño actoral, el clima logrado por la interpretación musical bajo la dirección musical de Agustín Flores Muñoz. Un mujer que arriba de la escena, no se amilana, así nomas.

Reseña Diana Decunto – inboxnightradio@gmail.com

Miércoles 19 de Febrero a las 21 hs, acudí al Teatro Regina, para la función de la obra #Basta de Amores de Mierda del Pela Gonzalo Romero, quien promete mucho más que un monologo, una propuesta donde rompe con la cuarta pared, y habla de lo que muchos quieren hablar pero no se animan que es #Basta de amores de Mierda.

Si cuento sobre cual es el mensaje, sería espolear la obra, lo que si les puedo anticipar que cada función seguramente es distinta, porque Gonzalo es un moderador en la charla y el momento se construye entre todos. Pela Romero, no se conforma con una puesta del estilo de stand-up donde se viene con un guion bajo el brazo, se defiende un tema y luego se va. Nada que ver, es un pelado, muy veloz, la caza al vuelo, y contesta lo que el público propone, el tema lo vuelve a tirar al set y así un ping-pong a lo largo del espectáculo, con mucho humor, música en vivo, cuasi nulo lo bizarro, destreza mental. Tengamos presente que Gonzalo ha publicado un libro, bajo el mismo título, con lo cual tiene experiencia y tela para cortar sobre el tema.

Lo que si les propongo, a cada uno que lee el título, de como es la actitud para pensar #Basta de amores de Mierda, porque hay de todo, el enamorado que dirá a mi no me pasa, el que cree que nunca le va a pasar, el enemigo de todos que está comiendo broncas de relaciones pasadas, los que están saliendo de una relación tormentosa y quienes no saben,ni se imaginan que vienen aires de tormenta.

Una propuesta para reír, disfrutar de una que otra canción en vivo, relajarse, opinar en comunidad, ser partícipes de una problemática, de la que nadie está exento, esa necesidad de compartir la vida con alguien, ser feliz y evitar sufrir porque se está solo. Tengan esta obra en el radar, es una opción para cortar la semana, el Pela es muy simpático, le gusta gesticular y el Pela logrará arrancarles una risa, de esa que sale con ganas, que no es un tema menor.

Reseña : Diana Decunto – inboxnightradio@gmail.com

En el Camarín de las Musas, un unipersonal, creación e interpretación de Juan Pablo Geretto, en su segundo año consecutivo, de arrasar en escena, un personaje con vida propia.

Estrella, sufre por todos y por todo. Padece de ansiedad crónica, le cuesta terminar las frases. De profesión revendedora de cosméticos, alguien sensible, aunque parezca superflua. Piensa, dialoga, es insegura, muchos conflictos con su madre, nos cuenta anécdotas familiares, una suerte de catarsis en público.

La dramaturga Virginia Martínez,se aborda desde el humor, su arte, la de Juan Pablo, no es fácil, porque un solo protagonista se desdobla en varios personajes.

Un actor de perfil bajo, de mucho éxito, que deja todo en escena, lo camina y lo cubre a medida que avanza con la historia, no permite que se creen vacíos teatrales, las luces se prenden y son 60′ de intensidad, donde veremos a Estrella, como se merece, brillar en el firmamento, desfilando por la pasarela donde compartir sus cuitas, en el modo, está el arte.

Ficha técnico

Autoría: Juan Pablo Geretto

Intérpretes: Juan Pablo Geretto

Iluminación: David Seldes

Estilismo: Diego Finos

Pelucas: María Eugenia Palafox

Diseño de maquillaje: Juan Gasparini

Diseño de vestuario: Magda Banach

Realización de maquillaje: Juan Gasparini

Realización de vestuario: César Taibo

Fotografía: Alejandra López

Asistencia general: Franco Guareschi

Asistencia Coreográfica: Lali Chidichimo

Asistencia de dirección: Maru Reinoso

Prensa: Carolina Alfonso

Dramaturgista: Virginia Martinez

Dirección: Juan Pablo Geretto, Virginia Martinez

EL CAMARÍN DE LAS MUSAS Mario Bravo 960(CABA)

Web: http://www.elcamarindelasmusas.com
Viernes y Sábado – 20:00 hs – Hasta el 28/03/2020
Sábado – 22:00 hs – Hasta el 28/03/2020

Reseña Diana Decunto – inboxnightradio@gmail.com

En el marco de Bombón, el ciclo obras cortas, presentadas en La Casa del Teatro, tuve la oportunidad el sábado 8 de febrero de asisitir a la función; El sueño de Rosita, una pieza que se desarrolla en la cocina de la Casa del teatro, bajo la dirección y dramaturgia de Paula y María Marull

Con un elenco integrado por actores / actrices pertenecientes al grupo Almas Artistas y empleados de la Casa del Teatro, actúan en la cocina, donde la actriz Rosa Escalada, interpreta a Rosita, la historia de una mujer y también enfermera, que tuvo que hacerse desde abajo. . Mientras en la cocina, se dan vuelta panqueques, se va narrando una historia, de como llega a ser enfermera y anécdotas sobre su vida. Una historia mechada por la nostalgia y la melancolía, con música y canciones para ser tarareadas junto al público como la Flor de la Canela. La dirección musical es de Ciro Cavalotti.

Las puestas al darse en las habitaciones de la Casa del Teatro, tienen una cuota especial de color, por recorrer la arquitectura del lugar que acobija a artistas jubilados, en un edificio que fue donado por Regina Pacini, la esposa de M.T. Alvear y que es un edificio que consta de 10 pisos.

La duración de las obras es de aproximadamente una hora, los textos son simples pero como una flecha, llegando directo al corazón . No pude evitar relacionar a la obra, que habla de Rosita, una mujer solidaria y la de Regina Pacini, quien en la vida real, le dió una merecida cuota de dignidad a la labor de los artistas.

Hay varias obras de este estilo que pueden venir a ver: Almas Artistas, Apuntes para un teatro colectivo, caza Literaria, La v´arieté, y Limbo Regina.

<<No se lo pierdan.

Ficha artística

Dirección y dramaturgia: Paula y María Marrull

Actúan: Marcos Benitez, Zulema Duran, Rosa Escalada, Horacio González, Graciela Susana

Dirección Musical: Ciro Cavalotti

Luces: Matías Sendón

Vestuario: Jam Monti

Asistencia artística: Alejandra D’Elia

Reseña Diana Decunto – inboxnightradio@gmail.com

Por: Marie Alvarez (Fb/Ig: @yosoylahermanadeshakespeare)
12 de Octubre de 1917. A 30 km de Concepción, provincia de Corrientes: Pilar Zaracho, una niña de 4 años, viaja con su familia en una carreta tirada por bueyes. En un descuido se le cae su muñeca y se arroja valientemente para intentar recuperarla. Al instante, la rueda de la carreta la aplasta, y la niña muere.
Con los años, y en un contexto sumamente religioso, la figura de la niña santa se populariza. La costumbre indica que quien le lleve una muñeca, recibirá un milagro a cambio. En la actualidad, “La Pilarcita” tiene su propio santuario en el paraje Cerro Pitá y cada año se realiza un festival que incluye misas, comidas típicas, danzas y chamamé.
***

1 de Febrero de 2019. El escenario del teatro Metsura. Obra de teatro en su sexta temporada. La Pilarcita, de María Marull.

Lo primero que llama la atención de la puesta es una pelopincho en medio de lo que figura ser un patio. Con el vestuario y la utilería, se comprende que está representado el calor insoportable de un pueblito del interior. Con la tonada de las protagonistas, se aclara que están en algún lugar de Corrientes.
Tres personajes femeninos llevan adelante esta historia: Celina, Celeste y Selva. Así como en el sonido de los inicios de sus nombres, hay algo que ellas tienen en común, que va develándose según transcurre la obra. Celeste es la mejor amiga y la “encargada” de cuidar el pequeño hotel de la familia de Celina. Celina estudia medicina y gusta de un chico que no le lleva el apunte. Celeste tiene a su abuela a cargo y está bordando su traje de comparsera para bailar la noche del festejo, es la figura chismosa y tierna del pueblo, que todo lo ve y todo lo sabe, aunque no todo le salga bien. Selva es una mujer elegante de ciudad, estridente y snob que viene de Santa Fé, acompañada por Horacio. De Horacio no sabemos mucho, hasta casi el final de la obra. Hernán, el hermano de Celina, aparece a modo de narrador con una guitarra, y con la excusa de entrar al concurso de compuestos chamameceros, va explicando los intersticios necesarios para entender la obra.

Esta puesta cuenta el día antes, el durante y el día después del festejo de la santita popular “La Pilarcita”. En medio de enredos, diferencias sociales, desbordes, confesiones y complicidades, ocurren situaciones inevitables (que le pueden pasar a cualquiera), y que son justo lo opuesto a lo que las protagonistas estaban esperando. Sin embargo, estas mujeres son valientes, y gracias al apoyo o a la ayuda de la otra, intentarán dar batalla de la mejor forma posible a sus destinos.
A modo de lectura personal, y siguiendo algunas de las líneas del texto, creo que “La Pilarcita” habla sobre “el deseo”, pensándolo como lo que cada persona puede hacer con su vida con las oportunidades que tiene a mano. Y tal vez, la libertad de poder elegir qué hacer con lo que nos toca -aunque lo que nos toque no sea lo ideal-, sea un milagro en sí mismo.

Esta es una historia simple, ágil y por momentos muy tierna. La dramaturgia es prolija y las actuaciones muy buenas. Como agregado, nos presenta un universo que toma elementos reales del interior Correntino, lo cual es siempre grato. Si aún no la vieron, esta es una buena oportunidad para aprovechar.

Ficha técnico artística
Dramaturgia:
María Marull
Actúan:
Julia Catalá, Pilar Boyle, Mercedes Moltedo, Julián Rodríguez Rona
Vestuario:
Jam Monti
Iluminación:
Matías Sendón
Diseño de espacio:
Jose Escobar, Alicia Leloutre
Fotografía:
Sebastián Arpesella
Diseño gráfico:
Natalia Milazzo
Asistencia de dirección:
Sofía Salvaggio
Prensa:
Carolina Alfonso
Dirección:
María Marull
Duración: 65 minutos

Espacio Callejón, miércoles 5 de febrero, 20:30 hs, fue la puesta de Migrantes, una pieza teatral sobre el desarraigo, no como una opción sino como un dilema.

La obra se preocupa en analizar los pros y contras, en ese proceso que se va produciendo desde que se gesta la idea hasta que se intenta echar raíces en otro lugar, son los fractales con la mirada de seis inmigrantes latinos: ecuatoriano, boliviana, colombiano, chileno, argentina y mejicano. La intención es migrar motivados por diferentes causas, pasando por varios estadios en el proceso de migración comprendiendo desde la decisión de partir hasta sus consecuencias finales, llegar al punto de destino, esperar ser aceptado y las ganas / necesidad de formar parte en otra comunidad.

El elenco que sube a escena, es la compañía teatral franco-argentina, «Mirando al sur» , tenemos la suerte de ser testigos, de su primer espectáculo internacional en Argentina: Vladimir Chorny, Paul Criollo, Laura Dos Santos, Mariana Maciel, Juan Prada, César Riveros, Olivia Torrez.

Un desenvolvimiento extraordinario que supera las expectativas,. El estilo de la pieza, impronta dada por su directora Greta Risa y basada en el guion Gabriel Fernández Chapo, aplica las técnicas del teatro-clown, donde tiene un diálogo rico, que interpela, pero no se descuida, la imagen, y el movimiento, que son dos elementos claves con peso propio.

Obra que responde a realidades de hoy y la de siempre, pero en la actualidad con campos de refugiados en Europa, ciudadanos del mundo escapando en balsas de sus lugares de origen a riesgo de perder sus vidas, se da con tanta vigencia y fuerza lo que el poeta francés Edmond Haraucourt (1856-1941) dijo sobre que “El partir es morir un poco“, puede aplicar a la ruptura en el amor / muerte, pero migrar encierra eso, perder tu espacio y como bien dice la obra, doloroso “querer encerrar en una valija, todo lo que vivimos y sentimos desde que nacemos”, y que lo valoramos más, cuando nos tenemos que separar de la familia y de la tierra que nos vió nacer y nos cobijó. No se la pueden perder, los va a emocionar.

Reseña Diana Decunto – inboxnightradio@gmail.com

Ficha técnico artística
Autoría:Gabriel Fernandez Chapo
Intérpretes:Vladimir Chorny, Paul Criollo, Laura Dos Santos, Mariana Maciel, Juan Prada, César Riveros, Olivia Torrez
Vestuario:Magda Banach
Iluminación:Ricardo Sica
Ilustraciones:Horacio Petre
Maquillaje:Gabriela Palazzo
Realización de máscaras:Renata Armesto
Realización de títeres:Ivo Tura Siffredi
Música original:Laura Dos Santos
Comunicación:Duche&Zarate
Diseño gráfico:Horacio Petre
Asistencia de dirección:Maria Jose Perez Colman
Coreografía:Fabián Gandini
Dirección:Greta Risa

Por Denise González

Los sábados veraniegos en el Teatro Luisa Vehil el elenco de Con mi chico no  te metas recibe a su público para hacerlos reir como nunca. Cuatro actores de calidad encarnan la historia de dos hermanas en sus sesenta que llevan una vida monótona. Mireya, la viuda, encerrada en el aburrimiento de su rutina, sorprende a Ana al contarle que decidió contratar a un acompañante a la casa. Su reacción no es nada positiva: como es de esperarse, la católica y solterona se indigna por esta decisión. En medio del conflicto suena el timbre: aparece en escena Emanuelle, que no se parece en nada a la foto de internet. Aunque duda, Mireya se conforma con el cuarentón de figura descuidada con tal de tener su noche fogosa. Ana, furiosa, les dice a gritos todo lo que piensa sobre ambos, y antes de llegar a la puerta para retirarse se golpea la pierna contra la mesa. Este es el momento del que Emanuelle se aprovecha para conquistarla – más bien a su billetera. Así la víctima se ve envuelta en un enamoramiento infantil e intenta desplazar a su hermana. Pero en medio de la secuencia llega Segismundo: el empalagoso hombre con el que sale Ana hace treinta años y quien jamás le tocó un pelo. Entonces se producen los enredos: Emanuelle se convertirá para Segismundo en el supuesto doctor que atenderá a Ana. Mientras tanto, ella continuará declarando su amor al taxi boy y soñando una vida con él, para, al final, quedarse con una valiosa lección de Mireya: nunca será tarde para dar color a su vida.

La obra tiene varios momentos: el principio se encarga de presentarnos a Mireya, un personaje ácido, sarcástico. Sus intervenciones rompen las estructuras durante toda la obra, tentándonos a la risa constantemente. En la segunda mitad, el centro de atención se focaliza en Ana, ingenua y anticuada. Ella nos abre una nueva gama de posibilidades cuando muestra su lado soñador y por fin entiende que siempre se ha conformado. Es el motor de las risas en la transición increíble y extrema de su participación. Emanuelle, por su parte, es fresco. La simplicidad de sus diálogos y la excesiva confianza en su físico lo hacen cómico. Además es rápido para sacar el jugo a cada situación. Por último, Segismundo, con su inocencia y lo ridículo de sus apodos melosos para Ana, se convierte en la frutilla del postre y nos hace estallar.

A sala llena y en una atmósfera de completa alegría, la obra en sí es desarrollada dinámicamente, con soltura y la precisa explotación de los dotes de cada actor. Se pone en juego su estética al servicio de la historia y así se convierte en el gran suceso que alegra la noche de tu sábado.

Funciones: Sábados a las 21:00 hs.
Duración: 90 minutos 
Teatro LUISA VEHIL – Av. Hipólito Yrigoyen 3133. CABA.
Localidades $ 350.  Reservas al: (011) 4943-0001

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