En el TEATRO ASTERIÓN, los sábados a las 22:00 HORAS, en la zona del Abasto, el público cuenta con la oportunidad de ver un Music Hall de alto contenido erótico, con una excelente puesta en escena, en cuanto a coreografía, música y con una propuesta clara, auténtica para mentes abiertas.

Los autores son Juan Damián Benitez y Daniel Mancilla, donde el cuerpo de ballet masculino, pone lo mejor de sí, para que se pueda apreciar cuerpos jóvenes esculturales, con un alto contenido estético, muchos Adonis en el escenarios, con el desafío de llevar adelante una pieza que desea transmitir erotismo, una sexualidad liberada de tabúes.

La selección musical es acertada, el vestuario se ajusta a las necesidades de lo que se desea mostrar, además de bailarín,un intérprete incursiona como cantante, con una voz afinada y educada, con lo cual se mecha la pieza teatral con algunos temas románticos, latinos y en inglés.

La velada es moderada por la Drag Queen Jodida, con un vestuario llamativo, con un look glamuroso, al estilo de Rita Hayworth, es quien con simpatía, originalidad se encarga de amenizar la noche, manteniendo al público, expectante mientras el cuerpo de ballet integrado por Jorge Alvarado, Juan Cruz Casteló, Brian Grosso, Elías Leguizamón, Maxi Lizardo y Oscar Velazquez, se preparan para salir a escena, con otro número musical.

La coreografía a cargo de Juan Damián Benitez, está pensado para que encuadre perfecto en el espacio escénico, donde la insinuación juega todo el tiempo, en romper barreras para avanzar un paso más al frente, jugar con fuego y acercarse a la pasión.

Una pieza teatral, bajo la dirección de Daniel Mancilla, donde sus personajes transpiran, para ponerse al servicio de la imaginación. ¡Qué mejor propuesta, para un sábado a la noche, ratonearse con hacer un poco más el amor y no la guerra! Loadas las guerras, aquellas donde la cama es el culto, basado en el respeto, sexo y amor.

FICHA TÉCNICABAILARINES:
Jorge Alvarado
Juan Cruz Castelló
Brian Grosso
Elías Leguizamón
Maxi Lizardo
Oscar Velázquez

Drag Queen: Jodida (Joel Castañeda)
STAFF
DIRECCIÓN GENERAL: Daniel Mancilla
AUTORES: Juan Damián Benítez y Daniel Mancilla
COREOGRAFÍA: Juan Damián Benítez
PRODUCCIÓN EJECUTIVA: Joaxs Acosta
ASISTENCIA GENERAL: Irina Galimini
DISEÑO: Walther Fernández
PRENSA: 0KM Prensa

Reseña Diana Decunto – inboxmatutino@gmail.com

Por José Rossi 

Un Enemigo del pueblo es una obra de teatro dirigida por el actor, autor y director Lisandro Fiks y protagonizada por Juan Leyrado, con una dramaturgia clásica escrita por el poeta y dramaturgo noruego Henrik Ibsen.

Esta excelente adaptación del clásico de 1882 cuenta con cinco actos en donde el despliegue actoral es el principal protagonista. En cada acto puede leerse a la perfección la construcción de la escena desde la dramaturgia de actor y la sutil mano invisible del director.  

Esta obra cuenta con una escenografía de estética realista (fiel a la estética de la dramaturgia original), donde el espectador observa como la acción trascurre en la comodidad de un hogar, la oficina del periódico o el mismísimo auditorio de la conferencia del doctor Stockmann, recreado a partir de la arquitectura y los elementos de la realidad cotidiana.

La adaptación busca (y lo consigue) identificar al espectador argentino del siglo XXI, con una problemática del siglo XIX. Rescatando la esencia fundamental del texto escrito por Ibsen: El individuo contra la colectividad, o resumidamente, individualismo versus colectivismo. Una batalla librada hace más de cien años y que todavía hoy en día persiste. Una obra que busca desmentir el mito de que “las masas tienen razón” o de que “la mayoría nunca se equivoca”. Una obra que propone dejar de sacrificar a los individuos en busca de un indefinible “bien común”. Una representación que camina sobre el filo de la incorrección política y propone hacernos pensar y repensar sobre las convicciones nuestras y de nuestros líderes.

Funciones:
➡Jueves 20 hs
➡Viernes 20 hs
➡Sábado 19.30 hs, 22hs
➡Domingo: 19.30 hs

Teatro multitabaris

En el Arenal Teatro Bar, un domingo, que mejor para evitar los síntomas de la depresión pre-lunes, a las 19:00, reírse con muchas ganas, con la obra teatral: La penúltima oportunidad, donde tenemos la chance de compartir la historia de dos mujeres, cuyas almas vagan por un cementerio.

En su segundo año consecutivo, con dramaturgia de Rafael Bruzza, presentado por el grupo teatral Osadas Mujeres y dirigido por Cristina Miravet. Esta pieza teatral participó en el 8° Festival del Amor y 3° Festival de Teatro Larroque 2019.

El argumento es el de dos mujeres, jóvenes: Marta y Juana, cuya vida terrenal transcurrió en un pueblito pequeñito, y que por cosas del azar, sus almas se reencuentran en el más allá, compartiendo las mismas pasiones, con diferentes lápidas, con las mismas calaveras a las que Shakespeare le dedicó “to be or not be”, ambas se se celan, porque tienen un pequeño conflicto de intereses: codician al mismo hombre. La pieza teatral se la podría encasillar dentro del género del humor negro, porque la historia transcurre dentro de un cementerio y además cuenta con diálogos imbuidos de un estilo sarcástico, en un lineamiento de sátira, con las maravillosas actuaciones de estas dos damas, buscando afanosamente la lápida del amante compartido, para que él decida con cuál de ellas se quedará, para toda la eternidad.

El argumento y la línea conductora son excelentes. Ahora también es justo reconocer el mérito propio de esta dupla actoral, que demuestran lo que mejor saben hacer, que es el género comedia. Me refiero a las actuaciones de Thelma Demarchi (como Marta) y Marcela Grasso (encarnando a Juana) que realmente capturan la atención desde el momento cero, es discutible definir o no a la pieza teatral de humor negro, porque las situaciones y diálogos se acercan a esa delgada línea que separa la sátira de la comedia.

La escenografía a cargo de Fabián Orfano y el vestuario por Belén Rubio, son otros dos grandes aciertos en la obra. El vestuario, hace que estas dos bellas féminas de la actuación, se destaquen entre medio de las sombras, con una vestimenta de hermosos colores pastel y la escenografía, es simple, en cuanto a la cantidad de elementos que la componen pero, logra una atmosfera especial y armoniosa, que es un logro generar un espacio que es agradable a la vista del espectador, cuando se mezcla lo prosaico con lo inmaterial.

Las alusiones a los hábitos pueblerinos, la deslealtad de la una con la otra, la lista de candidatos compartidas por ambas, la infructuosa búsqueda de la lápida, el milagro de hablar con Dios, hacen que sea una obra fresca, de mucho contenido humorístico, donde demuestran que encontrar la lápida que buscan es La penúltima oportunidad, pero les aseguro que el público tendrá la ocasión de reír los sesenta minutos que dura la obra.

Ficha técnico artística

Autoría: Rafael Bruza

Actúan: Thelma Demarchi, Marcela Grasso

Vestuario: Belen Rubio

Diseño de luces:Ernesto Giannone

Realización de escenografia: Fabian Orfano

Fotografía:Hugo Mouján

Diseño gráfico: Laura Maribel Sosa

Asistencia de dirección:Cristina Sisca

Prensa:Mutuverría Pr + Media + CM

Producción ejecutiva:Cristina Sisca

Dirección:Cristina Miravet

Reseña Diana Decunto – mail: inboxmatutino@gmail.com

En el Espacio Polonia, un domingo a las 17.30, en un escenario teatral se despiertan las saudades. Para quienes desconozcan el significado de la palabra galaico-portugués Saudade, al español equivaldría a melancolía, ese vacío temporo-espacial que nos aleja de algo amado y que sentimos la necesidad de recordar y volver a él.

Esta pieza escrita por Lucas Santa Ana y Francisco Ortiz abrirá el juego en el living de un departamento,  cajas en el suelo, sábanas cubriendo un sofá, donde  se encuentran Germán, un cuarentón y Sergio, un joven  músico de  entre veinte y treinta años. Germán y Sergio abren la escena, liberando a las saudades,  cajas encerrando una historia, la cual está aprisionada hace mucho tiempo y que exige salir a la luz y ser contada.  Germán, en tiempo presente,  logra que un tocadiscos,  vuelva a funcionar y se deleiten escuchando los pegadizos ritmos del cantante,  Roberto Carlos, de los años setenta.

La melancolía nos retrotraerá a Germán siendo un niño de unos ocho años y a Sergio quien estaba por nacer.  Los padres de Germán, son Elvira y Horacio. Regresaron de Brasil, después de haber  vivido varios años, allá, y que aparentemente por temas laborales ha vuelto a la Argentina. Mientras la música sigue girando, las imágenes se comienzan a superponer y se trae la evocación del nacimiento de Sergio,  cuyos padres Nazareno y Ana eran vecinos del Germán niño.

La narrativa con las nostalgias de la década del ’70, con “la toca” como el peinado obligado de las mujeres, se mezcla con un Sergio, de hoy, algo tímido, potencial compositor de canciones pero que lo inhibe cantarlas en público.

La obra hace un paralelo de los padres de Sergio y Germán con las vidas de Horacio  y Nazareno.  Muestra como las vidas se cruzan,  las diferencias generacionales de  temas tabués, dejan expuesto como eran tratadas en el pasado y cuanto hemos avanzado como sociedad en cuanto a su aceptación.

Desde el punto de vista de la dirección, Lucas Santa Ana,  vale la pena rescatar, una excelente tarea, que no es fácil en el teatro, que no cuenta con los recursos del cine, para poder representar historias en diferente tiempo, en el mismo espacio escénico, con agilidad salta del presente al pasado o  viceversa, con la  versatilidad necesaria, para permitir al espectador, conocer dos historias: presente y pasado y  lograr en el público, despertar esa necesidad de comparar dos mundos paralelos, parecidos pero no iguales, permitiéndole saltar de un río a otro, donde la esencia es la misma, el momento histórico es lo que hace que sus personajes deban vivirlo de distinta manera. Las excelentes actuaciones en los roles femeninos de Pilar Abentín y María Lía Bagnoli, sacando a relucir el coraje con que dos mujeres pudieron llevar adelante la separación de sus respectivas parejas-.  Los maridos y los hijos son interpretados por los actores Agustín Aguirre, Gabriel Gavila, Dario Miño y Patricio Witis, personajes que logran exitosamente, dar una cuota de naturalidad para transitar en la vida de dos familias donde  un  adulto se convierte en niño y viceversa, con una cintura actoral: admirable.

 Una obra que exalta al amor, por sobre todas las cosas, donde por momentos, los adultos son egoístas y no piensan en los sentimientos de un niño, al ser abandonado por un padre y donde la verdad flota  y emerge en esa habitación donde la melancolía se hará presente para permitirnos escuchar la música de un viejo tocadiscos  con la capacidad de reproducir las voces de ayer, de hoy y de siempre.

Reseña Diana Decunto, mail: inboxmatutino@gmail.com

Por Pedro López

La muerte nos atraviesa a todos de una manera particular: nos enojamos, lloramos, comemos sándwiches, puteamos al otro, nos reímos, saldamos cuentas y nos ponemos a pensar. Es en estos momentos bisagra donde redescubrimos a nuestros pares y a nosotros mismos.

Roberto es un intelectual que cual romano decidió que era su hora de partir. Detrás de él deja una voz que se impregna en los que alguna vez amó y una casa que solo él conocía enfrente de una playa. Hay una sola foto colgada, algunos libros, una guitarra desafinada, dos botellas de whisky, un poco de té importado, una pipa y un muelle. Tal como lo planeó, su familia y su última amiga llegan para despedirlo y resolver algunas cuestiones vinculares.

“Para partir” es una maravillosa comedia con diálogos afilados y personajes estupendamente desarrollados. Una lección de humor escrita y dirigida por Ignacio Sanchez Mestre con actuaciones estupendas donde se destacan Mara Bestelli, Mónica Raiola y Luciano Suardi

Ficha Técnica

Por Pedro López
Una experiencia dominguera meta teatral, pues al comenzar la función hay un recibimiento culinario conformado por empanadas y vino que alegran a más de uno. El espacio para el público está distribuido como un bar, con mesas y sillas para poder disfrutar de este tentempié y ver la obra al mismo tiempo.

Elaborada desde múltiples improvisaciones y dirigida por Bernardo Cappa esta comedia nos ubica dentro una familia que festeja un compromiso en la década de los cincuenta. Un bullicio constante decora los diálogos mientras los enfoques viran y se organizan en el alboroto de esta familia que nos cuenta su historia a través de sus discusiones y arreglos.
Una obra dinámica con humor, música en vivo y comida deliciosa.

Por José Rossi 

Ni te cuento cuanto, es una comedia dramática que transcurre todos los jueves a las 20:30hs en “El camarín de las musas” (Mario Bravo 960).

Esta es una obra de teatro de estética realista-naturalista. Donde nos aventuramos en el ínterin de una pareja adulta y comenzamos poco a poco a observar sus vicisitudes y miserias. La escena está compuesta por dos personajes (hombre y mujer) que integran el núcleo de su pequeña familia, constituida también por su hija menor, a quien evocan constantemente en toda la obra.  

Durante el trascurso de la representación, los personajes empiezan poco a poco a darse cuenta y a revelar las desdichas que los acosan en sus vidas personales y ahora en su vida marital. A repensar algunas decisiones que tomaron desde jóvenes y a sentirse miserables por el hecho de no poder retractarse con alguna de ellas.

El sentimiento de ser una pareja fracasada, de no tener la vida del todo resuelta, de sentir que sus sueños no se están cumpliendo (ni van a hacerlo), la frialdad, la indiferencia y el desentendimiento están hundiendo lentamente a esta pareja.

La puesta en escena consta de un espacio prolijamente organizado, compuesto por un sillón de tres cuerpos en el centro de la escena, una mesita ratona en frente, con libro, celulares, una notebook y otros accesorios propios de la casa de una pareja de adultos jóvenes.

A pesar de tratarse de un tema muy sensible y de poder contemplar (como espectador) la mismísima decadencia de una pareja, la obra jamás pierde su toque de humor y siempre es capaz de soltarnos una risa debido al ingenioso texto y a la destreza de los actores.