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Tres mujeres que buscan apuntar a una nueva vida, a poder seguir adelante habiendo enfrenado sus pasados con mucha valentía: suicidios, rencores, desamores y perdidas.
Nora, obra de «Casa de Muñecas» de Ibsen. Julia, obra » Señorita Julia» de Strindberg. Elena, obra «El tío Vanya» de Chejov.
Las protagonistas de la historia se encuentran en el mismo barco dirigiéndose a Buenos Aires.
La obra por más de que su contexto sea creado en otra época se puede relacionarse con los años actuales ya que al cada una de estas mujeres contar sus hitorias, su vida y sus pensamientos replantea como es vista la mujer en la sociedad y todo que una tiene que enfrentar y aguantar injustamente.
Muy interesantes los diálogos, muchos hacen que el espectado reflexiones sobe estas cuestiones. El vestuario, las luces y escenografía muy practicas pero bien logradas ya que el espacio no era muy amplio.
Recomiendo ir a verla !
Ficha técnico artística Autoría: Mario Diament Actúan: Amanda Bond, Julieta Correa Saffi, Nadia Fürst, Miguel Sorrentino Diseño de vestuario: Paula Molina Diseño de escenografía: Héctor Calmet Diseño de luces: Manuel Mazza Realización de escenografia: Rina Gabe, Santiago Lapacette Música original: Pablo Viotti Fotografía: Camila Castro Diseño gráfico:Nahuel Lamoglia Asistencia De Producción: Narella Ríos Prensa: Marcos Mutuverría Pre-producción:Valeria Ormeño Dirección: Mauro J. Pérez
Sinopsis Un grupo de amigos organiza una cena cada semana en la que los participantes presentan un tonto de ocasión para burlarse de él. El protagonista convencido de haber encontrado al mejor invitado para el evento, termina atrapado en una serie de enredos que pondrá en evidencia sus verdaderas intenciones. Una propuesta entretenida para pasarla bien y reírse mucho.
Reseña Comedia divertida e ingeniosa con un trio protagónico que se une para potenciar su talento con una dinámica que nace de manera natural. Excelente juego de diálogos, muy bien logrados que se fortalecen con la entrega corporal con la que los artistas desarrollan la complejidad de sus personajes. Escrita por Francis Veber en el año 1999, esta brillante historia que ya cosechó éxitos en teatros de todo el mundo, regresa a la Argentina bajo la producción de Adrián Suar y Guillermo Francella, quienes anteriormente supieron lucirse en los personajes.
Martin Bossi, en el rol del tonto se muestra histriónico y carismático. De este modo, lleva a su personaje a recorrer los distintos matices con calidez y dinamismo. Su versatilidad escénica y la facilidad para encontrar complicidad con el público se hace evidente, así es como logra que su presencia y desempeño, sean elementales para marcar el ritmo de las diferentes situaciones que acontecen, con remates propios del humor que el, tan bien sabe manejar. Laurita Fernández, quien interpreta dos personajes dentro de la obra, se destaca al marcar con claridad y absoluta frescura los contrastes entre ambos. Incluso en los momentos donde su rol roza lo grotesco, ella logra desenvolverse con soltura y verse siempre divertida; y Mike Amigorena trae con su presencia el equilibrio justo para crear momentos desopilantes, con el aporte preciso de humor ácido e ironía que tan bien le sientan a la obra. El elenco se completa con las efectivas actuaciones de Esteban Prol, Franco Battista y, el talentoso Guillermo Arengo, quien a fuerza de simpatía, afronta los sinsabores de su personaje despertando aplausos y risas.
La dirección de Marcos Carnevale logra que el trabajo de actores reconocidos fluya con la comodidad que les ha dado sus años de experiencia. La puesta en escena no apura los tiempos de desarrollo, y crea climas especiales para destacar a cada uno de sus artistas. La cena de los tontos es una historia clásica que con el paso de los años, a pesar de haber sido adaptada para teatro, es una propuesta atractiva y divertida con una reflexión muy actual en su temática.
Detalle
La cena de los tontos (Le Dîner de cons en su título original) tuvo una adaptación en el cine francés en 1998 escrita y dirigida por Francis Veber, basada en su obra de teatro homónima, en la que Jacques Villeret ya interpretó el mismo papel que en la puesta teatral. En el año 2010 su versión cinematográfica en Hollywood fue dirigida por Jay Roach y conto con las actuaciones de Steve Carell (The Office) y Paul Rudd (Ant-Man).
Ficha Técnica Dirección: Marcos Carnevale Reparto: Martín Bossi, Mike Amigorena, Laura Fernández, Esteban Prol Duración: 100 minutos Funciones: Jueves y Viernes 20.30, Sábado 19.30 y 22.30, Domingos 20 hs en el Teatro Nacional Sancor Seguros, ubicado en Avenida Corrientes 960
Sinopsis Diversos personajes se atreven a cruzar las puertas de un Hotel en donde cada huésped es invitado a sumergirse a situaciones condimentadas con sensualidad, deseos ocultos, amores prohibidos y mucho… mucho tango. Una narrativa intensa y seductora que fusiona a la perfección la buena música y la danza.
Reseña Mensaje intenso y provocador que prende fuego el escenario, cargado de adrenalina coreográfica que nunca descuida las líneas y sabe cruzar los límites. A modo de historias que se entrelazan al cruce de las puertas que se van abriendo para pasar a diversas habitaciones con relatos particulares, cada canción cobra sentido mientras musica reconocida se acomoda a la potente voz de Ana Devin, y las eleva a un espacio diferente donde todo parece ser posible en el juego constante de atracción que se propone. Cada interpretación forma parte de un nuevo capítulo donde los personajes se complementan a la imagen que muta en la inmensa pantalla digital que esta de fondo, los protagonistas juegan seductores con los complementos que se suman al escenario compuesto por un mobiliario que predomina en el rojo intenso y se acomoda perfecto a cada coreografía. El cuerpo de bailarines, detallistas y elegantes pasan por el estilo clásico, moderno y audaz del tango a velocidades impertinentes, con trucos difíciles tan bellos como arriesgados.
Una obra pensada para enamorarse del tango, para mirarlo de una forma diferente y animarse a sentirse inmerso en la aventura que propone la obra. Atrapante y vertiginosa, se aprecia las horas de ensayo para que todo encastre perfecto, el cuidado puntilloso del detalle que permite que todo fluya preciso y natural sin perder la esencia de cada función. Noelia Marzol es puro fuego, en su lugar como protagonista tiene una entrega absoluta en sus coreografías con un gran despliegue de sensualidad y belleza; y desde su lugar de productora se aprecia su exigencia y la mirada afilada para explotar los detalles que hacen de la obra un cuadro prolijo e interesante con el que se logra empatizar y también emocionarse. El vestuario se luce con los clásicos trajes tangeros onda malevo, y unos bellos look en las chicas que abunda en colores rojos y negros con brillos y transparencias. La escenografía está plagada de instrumentos móviles que se desplazaban fluidos en escena y forman una parte esencial de las coreografías. Bloody Tango es sin dudas un viaje poderoso y sensual por el universo del tango, planteado como un camino que no da permiso a la tibieza y se entrega con pasión al encuentro atrevido de la poderosa música que tiene el ritmo del 2 x 4.
Detalle El elenco se compone de 11 bailarines que recorren el mundo representando el tango, para la obra se sumergieron en una rutina de 3 a 4 horas diarias de ensayos.
Ficha Técnica Dirección Artística: María Laura Cattalini Reparto: Lourdes Sánchez, Noelia Marzol, Ana Devin, Jony Lazarte Duración: 70 minutos Funciones: Jueves 20 hs en Teatro Astral, ubicado en Avenida Corrientes 1639
Luego de una primera temporada llena de aplausos y público que pedía por otra y otra, El Picadero vuelve a ser la casa de “Quiero decir te amo”.
¿Si te escribo una carta aunque no me conozcas? ¿Si me enamoro de vos que sólo estás en mi cabeza? ¿Si te leo aunque no sea la destinataria y algo me pasa? Te respondo. Te recibo. Me confundo. Te imagino. Ojalá me dijeran “te amo”. Ojalá yo dijera “te amo”. Voy a guardarte en un diario íntimo, por lo menos ahí me aseguro de que nadie te va a hacer mal. ¿Es posible el amor o solo una fantasía a la que me aferro porque la realidad es terrible? ¿Acaso la literatura es la forma de inventarte y por fin, suerte la mía, amar(nos)?
Entre la ilusión y lo tangible, entre lo cómico y lo trágico. Dos mujeres desbordadas se escriben sin saberlo. Por equivocación, el amor. Ella (Violeta Urtizberea) manda cartas embobadas a un hombre que ha visto en la calle: “Para un hermoso desconocido. De: Tu amada secreta”. La mujer de este hombre (Lucía Adúriz) intercepta estas cartas y comienza a responderlas y a usar su diario como confidente de esta travesura- aventura íntima y secreta. La fantasía de ser con el otro y la proyección de una vida juntos. Sin quererlo ni buscarlo, el juego de monólogos se va volviendo diálogo, encuentro real y concreto.
Mariano Tenconi Blanco vuelve a traer a escena esta obra, de la mano de un elenco que hipnotiza, en donde el cruce de géneros literarios genera una dinámica que sólo puede atraer y mantener al público disponible para la sorpresa, el juego y la emoción. El uso del diario íntimo (diálogo con una misma) y de la carta con su comunicación no mediata, son los precursores de una historia donde las “confusiones” darán giros inesperados. Como en otras de sus obras, resuenan las novelas de Puig y los melodramas de Almodóvar. La literatura como forma de encuentro, como refugio de ternura y resistencia amorosa, como acto creativo y disparador hacia otras formas de habitar(se).
Tres plataformas y un piano de cola ocupan el espacio. La música es un personaje más en la obra. Mención especial y elogios para Ian Shifres que genera climas mágicos en este mundo imaginado y no tanto.
¿Cuántas formas posibles hay de ser mujer? ¿Y hombre? ¿Y de ver el mundo? ¿Cómo ser leído?¿Cómo ser imaginado? El lenguaje como forma de relatarse a uno mismo y de ser relatado. Amarse sin tapujos, carnalmente, tiernamente, cariñosamente, literariamente. Amar como juego, como revolución, porque amar implica creer, tener fe, en un mundo que no cree en nada. “Quiero decir te amo”: a través de la ficción, una realidad otra donde el amor es posible y eje transversal de todo.
FICHA TÉCNICA
Dramaturgia y Dirección: Mariano Tenconi Blanco/ Intérpretes: Lucía Aduriz, Violeta Urtizberea/ Música en vivo: Ian Shifres/ Diseño de escenografía: Rodrigo Gonzalez Garillo/ Diseño de vestuario: Endi Ruiz/ Diseño de luces: Matías Sendón/ Diseño sonoro y música original: Ian Shifres/ Diseño de movimientos: Jazmín Titiunik/ Fotos: Carlos Furman/ Arte para piezas gráficas: María Luque/ Diseño gráfico: Gabriel Jofré/ Asistencia de dirección: Pablo Cusenza/ Asistencia de producción: Loli Crivocapich/ Producción general: Compañía Teatro Futuro/ Producción: Carolina Castro
TEATRO PICADERO (Pasaje Santos Discépolo 1857)- Domingo a las 20:30 hs – Del 23/03/2025 al 30/03/2025// Viernes a las 22:00 hs – Del 04/04/2025 al 11/04/2025// Sábado a las 18:00 hs – Del 05/04/2025 al 12/04/2025
Sinopsis La trama sigue a una mujer que rememora un instante crucial que marca profundamente su vida, en un espacio y tiempo imprecisos; a lo largo de la historia organizará sus memorias para revelar aquello que ha callado durante mucho tiempo. Un drama conmovedor e intenso atrapante y emotivo.
Reseña El sonido que irrumpe en el más profundo de los silencios abre camino inmediato a un mundo de sensaciones continuas que te envuelven en un relato por demás potente, intenso y atrapante. Desde una diminuta plataforma con una silla, pequeño detalle minimalista enfocado con una lámpara de intensa luz blanca, una mujer desnuda su alma en un relato sin tiempo que la lleva a recorrer fragmentos de su vida que la marcaron para siempre.
Un recorrido que caminando a los bordes de tan limitado espacio se vuelve vertiginoso y asfixiante, poderoso y carnal. Con cada tramo del relato, esa mujer que sufre, grita, llora, reflexiona, se entrega a la intimidad de la desesperación y logra con absoluta empatía traspasar ese espacio imaginario que la separa de una audiencia expectante de la situación. Pedazo de mí es la reflexión sobre el daño emocional y la necesidad de la liberación personal a través de un relato que invita a encontrarnos con nuestros propios temores y la busqueda de sanar nuestro pasado para cicatrizar el dolor de la vida misma que se ha callado Durante exactos 50 minutos, ella… Luz Palazón, hace honor de los tiempos bien manejados y el respeto al silencio que es capaz de potenciar cada detalle de la actuación. Un texto preciso muy bien contado, maravillosamente dirigido e interpretado, una narración que atrapa y emociona.
Detalle Basado en un cuento homónimo de Inés Garland, incluido en su libro Con la espada de mi boca, publicado en el año 2019, la obra logra logra cuidadosamente la trasformación de la narrativa literaria a la escénica manteniendo la esencia y profundidad del texto original.
Bu Ficha Técnica Dirección: Augusto Pérez Reparto: Luz Palazon Duración: 50 minutos Funciones: Sábado 22 hs en El Camarín de las Musas ubicado en Mario Bravo 960
El pasado miércoles 12 de marzo asistimos a la función de prensa de «Match for love» , una obra protagonizada por Alejandro Awada y Clara Alonso que nos ofrecen una entretenida comedia que se mete en el mundo de las citas a través de aplicaciones y redes sociales, y deja un relato sobre la búsqueda del amor, que a veces está mucho más cerca de lo que uno piensa.
Leiva y Meli son dos amigos, que si bien tienen algunas diferencias, son dos personas que conectan y se conocen perfectamente entre sí. Es así que resultan ser el soporte del otro cuando las cosas no terminan bien, aún en la distancia. Ambos comienzan a tener citas llevadas a cabo a través de una app similar a Tinder y nos muestran en escena las historias de cada una de ellas, todas con situaciones muy alocadas y que requiere la asistencia de ese amigo en la distancia para poder desahogarse y superar el mal trago.
Ya en un principio sabemos el destino de nuestros protagonistas, ya que ellos comienzan la obra con la presentación de un libro que narra la vida amorosa de ambos y su paso por las apps de citas pero dando pleno conocimiento de cuál es el desenlace. El camino de la historia es muy divertido y tanto Awada como Alonso comparten situaciones muy elocuentes, tanto juntos como en solitario.
Match for love es una obra tierna y que nos invita a reflexionar sobre la relación con otras personas o lo que buscamos a través de las redes, que pese a las grandes ventajas de estar conectado con el mundo de una forma increíble, a veces se debe dejar de lado a la tecnología y valorar lo que tienes al lado. Esta obra cuenta con la dirección de Miguel Angel Solá, que sabe exprimir la química de los actores y hace uso de recursos audiovisuales para mostrar con dinamismo la relación de los protagonistas. Simplemente es una obra para divertirse y empatizar con sus personajes, tanto a los que están presentes como los que son parte de una anécdota.
“Match for love” se presentará con funciones de miércoles a viernes a las 20.30 horas, sábados con doble función a las 20.00 y 22.00 horas y domingos a las 20.00 horas en el Multiteatro (Avenida Corrientes 1283). Las entradas ya se encuentran a la venta en la boletería del teatro y a través de Plateanet.
Una excelente opción de lunes en calle Corrientes es ‘Una duda razonable’, thriller jurídico dirigido por Ramón Mazuela Falchetti, «Doce hombres en pugna» del autor estadounidense Reginald Rose, la obra escrita por Ronald Heim (no confundir con el libro de Anne Perry el cual tuvo varias adaptaciones en Hollywood).
Una duda razonable plantea debates morales, sociales y éticos sobre el rol de la sociedad, el estado y la justicia ante el enjuiciamiento de presuntos culpables. Nada más alejado de la realidad, en tiempos donde se abrió una caja de pandora ante la discusión de temas tan polèmicos que no están en el código penal argentino, tales como la baja de edad de imputabilidad y la pena de muerte.
»Doce miembros de un jurado compuesto por hombres y mujeres deben decidir si un adolescente es el responsable de haber matado a su padre. Al parecer todos están convencidos de su posición hasta que uno plantea una duda razonable». Es la sinopsis de la obra adaptada al argot argentino.
Marisa Salerno, Juan Lucero, Nicolás Viguera, Eugenia Valenzuela, Linda Goujon, Mario Sosa, Micaela Rosa, Aldana Sosa, Carlos Covillera, Gloria Ibero, Silvana Masi, Miguel Olano; forman parte del reparto multigeneracional de la obra. Actores veteranos y jóvenes con mucho talento personifican doce puntos de vista de la sociedad argentina ante la criminalidad.
¿Culpable o inocente?
Es la pregunta que este jurado pone sobre la mesa días antes de la posible ejecución o absolución del imputado.
La dirección de actores de Falchetti es soberbia, es un gran desafío coordinar a doce personas en un espacio reducido y en una obra de emociones agitadas.
Me mantuvo al borde del asiento durante su hora y media de duración. Una muestra de dinamismo, tensión y debates actuales que harán que el público también sea parte del jurado bajo sus conceptos morales y éticos.
Disponible los lunes a las 20 horas en el Teatro Buenos Aires.
Sinopsis El amor y el odio se disputan en la relación tormentosa que viven dos mucamas con su Señora. Luego de imputar al amante de la patrona con cartas anónimas, deben resolver que hacer con ella cuando el mismo reciba su pronta libertad lo que pondrá en evidencia la traición. La empleadas deben encontrar un camino para tapar las evidencias que pondrían poner en riesgo su vida.
Reseña En una escena oscura con una luz roja invasiva dos personajes se trasforman en la servidumbre que se burla de la riqueza y la opulencia desmedida de la Señora. Todo toma un tono burlesco y disparatado donde es posible darle rienda suelta a esta comedia dramática y dejarse llevar mientras todo puede suceder. Hay un poder interesante que permite que los tres protagonistas ensamblen correctamente en medio de sus interpretaciones, un juego físico- vocal permitido y desmedido que los lleva a jugar natural y fluido, logrando que la obra lleve un ritmo interesante y permita un recorrido por los límites del desborde… cuidadosamente descuidados y eso bien logrado es el resultado de un acto simplemente fantástico. Gran trabajo de Juan Rutkus, que captura la esencia de Solange alcanzando los matices dramáticos con esa cuota de humor negro que tan bien le hacen a la complejidad del personaje, y Darío Serantes en el rol de actor y director de Las criadas que logra llevar con una visión clara un enfoque dinámico y correcto durante toda la obra. Victor Anakarato como La Señora llega empoderado trayendo con su presencia, una impronta atractiva que refresca gratamente el momento. Histriónica y carismática es difícil sacar la mirada de esa mujeraza que se mueve exagerada y segura en el escenario desmenuzando de su piel sus lujosas prendas. El personaje va rotando de intérprete lo que va agregando al espectáculo el nuevo dinamismo que le agrega la personalidad del actor de turno, renovando la rutina de las funciones.
Detalle Las criadas en una obra de teatro escrita por Jean Genet en 1947. Guarda paralelismo con un caso real que fue bastantes popular en donde dos asistentas asesinaron a la señora y a su hija sin que existieran motivos aparentes.
Ficha Técnica Dirección: Darío Serantes Reparto: Víctor Anakarato, Juan Ruthus, Darío Serantes Duración: 60 minutos Funciones: Viernes 22 hs, en Ítaca Complejo Teatral, ubicado en Humahuaca 4027
Sinopsis Una joven ingenua y enamorada emprende un viaje en la búsqueda de su amor no del todo correspondido, esta aventura será una experiencia llena de situaciones y encuentros inesperados que la enfrentará a su propio autoconocimiento. Un unipersonal bien construido que propone con dinamismo una combinación interesante de humor, ternura y crítica social.
Reseña La Iuli perdida en Buenos Aires es una pequeña historia que se hace grande desde una trama sencilla y bien contada. Un camino de aprendizaje y realización para un personaje que trasciende en escena cargado de inocencia y picardía; una narración llena de adrenalina que entretiene y te mantiene alerta. La obra cuenta con pocos y buenos elementos escénicos muy efectivos que se fusionan perfectamente con la puesta de luces y el sonido. Un recorrido musical atractivo que muestra a su protagonista Julia Pérez Ortego como una artista completa, carismática y capaz, con su personaje, de llegar empatizar con quienes se sientan un poco ajeno al ritmo de la ciudad. Su protagonista nos contó: “a La Iuli la creé a los 12 años, cuando no estaba pasando un buen momento. La creé como esta heroína, una nena a la que pasan cosas mucho peores que a mí, porque vive dentro de la marginalidad y se tiene que enfrentar a muchísimas cosas sociales, pero ella siempre va para adelante, siempre está buscando como realizar lo que quiere. La Iuli es mi alter ego para recordar que puede ser peor, pero siempre hay que de seguir soñando”. La Iuli perdida en Buenos Aires es una brisa de aire fresco que le sienta perfecto a tu plan del finde semana para terminar bien el domingo… activado a modo divertido.
Detalle La Iuli perdida en Buenos Aires es la continuación del personaje que comenzó en La Iuli en la esquina esperando. Una obra que sin dudas puede ser la antesala para una saga de nuevas aventuras, algo que ya se anticipa prometedor.
Ficha Técnica Dirección: Alicia Penn Reparto: Julia Pérez Ortego Duración: 75 minutos Funciones: Domingo a las 20 hs en Espacio Polonia, ubicado en Fitz Roy 1477
Sinopsis Felicitas Guerrero fue una joven aristócrata obligada a casarse con un hombre bastante mayor que al fallecer le heredó sus tierras, convirtiéndola en una de las mujeres más ricas de Buenos Aires. Poco tiempo después, a punto de comprometerse con otro hombre, un ex pretendiente obsesionado con ella, la mata. Tenía solo 25 años, es recordada como una de las primeras víctimas del femicidio en Argentina. Felicitas o las niñas mudas es un repaso emotivo, intenso e interesante de su historia.
Reseña Sobre un escenario sobrio absolutamente vestido de blanco, las luces se vuelven tenues y una melodía agradable comienza a escucharse. Su imagen se refleja mientras una voz cálida, amable e inesperada nos introduce en un relato conocido, pero contado diferente y eso es realmente atractivo. La obra tiene un guion intenso y bien estructurado, donde todo sucede en poco tiempo, sin embargo cada minuto es preciso y esta cuidadosamente elaborado. Felicitas o las niñas mudas cuenta la apasiónate vida de Felicitas Guerrero y hace referencia a la sumisión de las mujeres de esa época, quienes carecían de voz para decidir sobre sus propias vidas y eran consideradas propiedades sin derecho a expresar sus deseos o tomar sus propias decisiones.
La sensibilidad y frescura de la actriz Agustina Peres nos sumergen en la conmovedora historia de Felicitas. La protagonista transita el escenario con confianza y seguridad, combinando los matices emocionales que evocan el recorrido de los recuerdos que ira revelando. Por momentos todo parece ocurrir muy rápido, mientras, quizás, la intensidad de los textos requiere más tiempo en el escenario, este apuro le quita el tiempo emocional que necesita el personaje y a la misma audiencia para conectar con el instante y darle mayor enfasí a la trama. Una trama muy bien contada con la que se empatiza mejor conociendo sobre la vida del personaje.
Detalle La obra me dejo muchas ganas de seguir buscando información, por acá les dejo la * En el 2009 se filmó la película Felicitas protagonizada por Sabrina Garciarena y Gonzalo Heredia con la dirección de María Teresa Costantini contando su trágica historia. * Al morir sus padres heredaron del dinero de su hija y construyeron un castillo para vivir los padres y los 11 hermanos de Felicitas, ubicada en el pueblo de Domselaar, partido de San Vicente, se pueden hacer visitas guiadas por el lugar. * En el barrio de Barracas, fue construida una iglesia en su honor. Cuenta la leyenda que las mujeres que quieren encontrar a su amor verdadero, cuelga un pañuelo blanco en sus barrotes mientras pide el deseo.
Ficha Técnica Dirección: Roberto Vallejos Reparto: Agustina Peres Duración: 45 minutos Funciones: Sábados a las 18 hs, en el Teatro Nün, ubicado en Juan Ramírez de Velasco 419
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