«La desgracia» se erige como un brillante exponente del talento musical que florece en Buenos Aires, demostrando la capacidad local para crear adaptaciones de musicales con la calidad de Broadway y que ya se encuentra en su octava temporada. Esta obra se destaca por su audaz propuesta narrativa: una historia que, si bien absurda, se convierte en el vehículo perfecto para desatar una explosión de números musicales ingeniosos y divertidos, todo bajo una dirección meticulosa y con un elenco actoral que deslumbra.

La trama nos sumerge en el peculiar pueblo de Terranova, asediado por una misteriosa enfermedad de transmisión sexual bautizada como «La desgracia». En una sociedad conservadora y religiosa, esta dolencia se convierte en un estigma, una condena para quienes sucumben al «pecado» carnal. El punto de inflexión llega cuando la hija de la intendenta contrae esta desgracia, desencadenando un viaje de rebeldía, confinamiento junto a un grupo de moribundas excéntricas en el hospital local y una serie de situaciones disparatadas.

La narración se articula a través de Nora, la enfermera del pueblo, personificada con aires de diva y una ética profesional cuestionable. La incorporación de Ángel Hernández en este papel para esta octava temporada se revela como un golpe de genio. Su Nora se adueña del escenario, cautivando al público con una presencia imponente y una voz excepcional que da vida a esta enfermera tan peculiar. Patricio Wittis también sobresale como el doctor, un personaje que irradia atractivo y que tiene la oportunidad de lucir su amplio registro vocal en la festiva canción «La cura». Mariel Percossi y Andrea Lovera encarnan a madre e hija, respectivamente, impulsando el conflicto central de la obra y regalando momentos de gran intensidad dramática. Merece una mención especial Georgina Tirotta, quien en su penúltima función dejó una huella imborrable con su interpretación de una de las enfermas, un personaje de personalidad arrolladora y hasta psicótica que genera carcajadas en el público

La dirección de la obra se distingue por su atención al detalle y su valentía al fusionar géneros diversos. Se incorporan elementos de tap y pasajes de tango para ilustrar el romance idealizado de Nora con el doctor, y la escena festiva en la iglesia no escapa a una sátira mordaz y efectiva.

En definitiva, «La desgracia» se presenta como el gran musical argentino que actualmente decora la cartelera porteña. Más allá de su trama alocada que garantiza las risas del público, la producción rebosa talento en cada uno de sus aspectos, desde las interpretaciones actorales y la destreza de los músicos hasta la impecable puesta en escena que asegura una experiencia teatral memorable.

Hace unos años, «Mamá está más chiquita» conquistó al público en el Teatro La Comedia con su propuesta original y emotiva. Ahora, este encantador musical ha regresado a la vibrante calle Corrientes, instalándose en el Teatro Metropolitan para seguir tocando los corazones del público.

La obra nos sumerge en una historia dolorosa, la pérdida progresiva de un ser querido. Sin embargo, lejos de caer en el dramatismo puro, la narrativa se eleva gracias a la mirada inocente de Diego, uno de los personajes centrales. Esta persona, ante la enfermedad incurable de su madre, construye una peculiar fantasía, que ve en ella una «maldición» que la encoge día a día hasta desaparecer.

En el corazón de la trama encontramos a Diego, cuya necesidad de cuidados especiales por parte de su madre genera un sentimiento de abandono en su hermana. A través de los ojos de estos dos hermanos, somos testigos de la complejidad de la situación familiar. Mientras Diego se refugia en su mundo de fantasía, su hermana lidia con el resentimiento y, a medida que avanza la historia, experimenta una notable maduración.

La propuesta de «Mamá está más chiquita» es un crisol de emociones. La obra teje con habilidad momentos de comedia que alivian la tensión, pero no teme adentrarse en el drama profundo, llegando incluso a conmover hasta las lágrimas. La fantasía, lejos de ser un mero recurso, se entrelaza con la realidad de una manera poética y significativa.

La música juega un papel fundamental en la obra, con números musicales  que enriquecen la narración. Canciones como la ocurrente y divertida «Tenés que elegir a mamá» y la emotiva «Llorar no arregla nada» (cuyo impacto resuena a lo largo de la historia) son solo una muestra del talento musical presente en la obra. (¡Un detalle importante, toda la música está disponible en Spotify!).

En cuanto a las actuaciones, el elenco en su totalidad brilla con intensidad. Sin embargo, es imprescindible destacar las interpretaciones de Tomas Wicz y Deborah Turza, quienes encarnan personajes clave para la esencia misma de la historia, aportando profundidad y autenticidad a sus roles.

En conclusión, «Mamá está más chiquita» es mucho más que un musical; es una experiencia teatral conmovedora y multifacética. Nos lleva de la risa a la tristeza, nos invita a reflexionar sobre la pérdida y la inocencia, y nos mantiene cautivados con su originalidad. Para aquellos que aún no han tenido la oportunidad de verla, me atrevo a decir que es uno de los musicales argentinos más valiosos y memorables de los últimos años.

Funciones: a partir de 17 de Abril

jueves a las 22.15 hs.

Teatro Metropolitan (Av. Corrientes 1343) – CABA.

Duración de la obra 80 minutos.

Entradas a la venta en http://www.plateanet.com o por boletería del teatro

Escrita y dirigida por Ignacio Sánchez Mestre, nos invita a reflexionar sobre la perdida de un ser querido,con maestría y un abanico de sentimientos, evitando golpes bajos; con buenas dosis de humor negro, transitamos esa despedida que no solo tiene que ser dolorosa, pero siempre parece necesaria, cuesta soltar y no intentar retener un poco mas algo que nos recuerde su presencia.

¿Que significa ser familia? Un conjunto de gente muy diferente con proyectos personales; pero con una historia en común que mas allá de los sentimientos que los liguen, los unifica y entrelaza. Si bien el tema de las familias disfuncionales esta bastante tratado en el teatro argentino, aquí se logra sumar una nueva propuesta, con una mirada distinta y que vale la pena considerar.

Nos sumerge en un mundo onírico con ritmo,humor y mucho sentimiento. El juego teatral nos permite ver al muerto participar de  una reunión familiar en su honor, mientras ellos por supuesto que no, reformulando todo y creando momentos desopilantes.
Un elenco (Mara Bestelli, Walter Jakob, Daniela Korovsky, Maria Pilar Mestre, Andy Pruss, Monica Raiola, Sofía Saborido) solido y con mucha química, se acoplan como familia a la perfección, con mas o menos oficio,todos resuelven con naturalidad y redondean trabajos de alto nivel. Un vestuario que suma y mucho de Lara Sol Gaudini y una escenografía que acompaña y sugiere de manera ideal.

Súper recomendable, la magia del teatro en todo su esplendor,no se la pierdan. Martes a las 20hs.en EL GALPÓN DE GUEVARA (Guevara 326 C.A.B.A)

A.R.

«Sandro: El gran show»: Un vibrante homenaje que busca la esencia del ídolo

«Sandro: El gran show» se presenta como un espectáculo definitivo para celebrar la memoria y el legado del inigualable Sandro. Más allá de ser un despliegue de talento artístico y una producción de gran escala, la obra teje una sutil narrativa que acompaña el recorrido musical.

En el corazón de la propuesta encontramos a Alan (interpretado Alan Madanes), un actor seleccionado para encarnar a Sandro en una nueva producción. Si bien se reconoce en él un destello de la esencia del ídolo, esta aún parece estar en proceso de florecimiento. A medida que los emblemáticos temas de Sandro comienzan a sonar, irrumpe en escena otro actor, quien encarna una faceta más ligada al magnetismo y el sex appeal que caracterizaron al artista, presentándose como una opción más «natural» para el rol.

Este contraste genera en Alan una búsqueda interna por encontrar «su» Sandro, aquel que reside en su interior. ¿Logrará desenterrarlo? Esta interrogante le añade una capa dramática interesante a un espectáculo que ya de por sí brilla por sus números musicales y la emotiva evocación de la figura de Roberto Sánchez.

«Sandro: El gran show» parece tener la fórmula completa para cautivar al público: drama, momentos musicales que rinden tributo al repertorio del artista y, fundamentalmente, un elenco talentoso que logra mantener viva la llama de Sandro. La respuesta del público, entregado al canto y al baile, es un claro indicativo del poderío de la propuesta y de la invitación a revivir lo mejor de su música.

Es justo destacar el trabajo de todo el equipo detrás de esta gran producción que ha tomado el escenario del Teatro Coliseo. Una mención especial merecen Alan Madanes y Nacho Pérez Cortés, quienes, con sus particulares interpretaciones de Sandro, ofrecen diferentes matices del artista.

En definitiva, si eres admirador de Sandro o sientes curiosidad por sumergirte en su universo musical a través de un espectáculo completo y rebosante de talento, «Sandro: El gran show» en el Teatro Coliseo es una cita imperdible. ¡Parece ser una experiencia emocionante para conectar con el legado de un verdadero ícono!




Ficha Técnica

Idea original: José Luis Pagán, Luciano Foppoli, Juan Crespo.

Guión y dirección: Ana Sans y Julio Panno.

Dirección Musical: José Luis Pagán.

Dirección coreográfica: Verónica Peccollo.

Diseño de luces: Leo Muñoz, Julio Panno.

Diseño de sonido: Eugenio Mellano.

Diseño de vestuario: Ana Sans.

Diseño escenográfico: Mariana Tirantte.

Jefe Técnico: Gonzalo González.

Producción General: Silvina Dell´Occhio, Juan Crespo, Luciano Foppoli.



Redes sociales oficiales:

Instagram: @sandroelgranshow

Tik Tok: @sandroelgranshow

Facebook: @sandroelgranshow

Las funciones del show serán de jueves a sábado a las 21 y domingos a las 20 h y ya pueden adquirirse en Tiketek o en la boletería del Teatro Coliseo.

Un viaje al abismo personal con una sorprendente calidez

«Las mujeres entre los hielos» nos sumerge en la experiencia de tres mujeres que regresan solas de una base científica en Alaska, un lugar que prometía ser un acompañamiento a sus vidas en pareja pero que se transformó en un inesperado precipicio emocional. La obra no solo nos transporta a la gélida inmensidad de un paisaje inhóspito, sino que también nos adentra en el frío interno que cada una de ellas experimentó.

A través de sus recuerdos y vivencias, somos testigos de los motivos que las llevaron a ese remoto destino, de los lazos que intentaron mantener vivos en un entorno desafiante. Sin embargo, la obra no se detiene en la mera descripción del sufrimiento. Con una honestidad brutal, nos muestra cómo cada una lidió de manera diferente con ese abismo: una huyó impulsivamente, otra fue despedida ante la evidencia de su profunda infelicidad, mientras que la última se consumió lentamente en la monotonía y la desilusión.

Lo que hace aún más interesante a «Las mujeres entre los hielos» es su inteligente equilibrio entre la crudeza del trauma y una dosis justa de humor. Esta combinación permite al espectador conectar con la vulnerabilidad de los personajes sin caer en un dramatismo excesivo, ofreciendo una experiencia teatral que entretiene a la vez que invita a una profunda reflexión sobre la naturaleza de los vínculos y la búsqueda de la felicidad personal, incluso en los lugares más inesperados.

La escenografía, aunque minimalista, resulta sumamente efectiva. El fondo blanco evoca la frialdad literal de Alaska, pero también se convierte en un lienzo en blanco que simboliza el vacío emocional en el que se encuentran estas mujeres. Este limbo escénico subraya la sensación de aislamiento y la lucha interna de cada una.

En definitiva, «Las mujeres entre los hielos» se presenta como una obra más que recomendable, una propuesta teatral interesante que se puede disfrutar los sábados a las 20 horas en Teatro Animal. Es una invitación a reflexionar sobre cómo los entornos, incluso aquellos que pueden parecer hermosos desde fuera, pueden convertirse en un espejo de nuestra propia infelicidad y cómo la búsqueda de un escape, aunque dolorosa, puede ser la única vía hacia la sanación.

Ficha técnico/ artística
Elenco: Virginia Vallés (Lourdes), Luz Diéguez (Clara), Alejandra Moreno (Lisa)

Iluminación: Florencia Carboni

Escenografía: Sofía Brandoni

Vestuario: Sofía Brandoni

Realización de escenografía: Lalo Montoli
Diseño gráfico: Florian Bernárdez

Fotos: Morizze Borzone Müller

Redes: Chiara Rossi

Prensa: Valeria Franchi

Producción ejecutiva: Claudio Yanes

Asistencia de dirección: Lalo Montoli

Dirección: Claudio Yanes

Dramaturgia: Agustina Muñoz

Duración del espectáculo: 60 minutos



Redes sociales del espectáculo: IG @entre.loshielos

Redes sociales del elenco: @ale.morenoc @luzdieguez @vir.valles @claudioyanes.actor @lalo.montoli

Funciones:

Sábados 20 h.

Animal Teatro – Castro 561 (Almagro) –

Entrada general: $12.000 / $10.000 est. y jub

Reserva: http://www.alternativateatral.com

Link directo: https://publico.alternativateatral.com/entradas94328-las-mujeres-entre-los-hielos?o=14

Por @soynancybenegas

Sinopsis
Tres mujeres separadas en el tiempo pero unidas en un mismo desafío, romper con los mandatos establecidos y poder encontrar su voz propia. Un recorrido íntimo y profundo por el universo femenino que nos invita a reflexionar sobre el poder de cada decisión que tomamos y el camino que elegimos construir.

Reseña
Un viaje profundo y conmovedor por la vida de tres mujeres que, a través de sus monólogos nos sumergen en historias marcadas por los vínculos familiares, los mandatos impuestos y el valor de tomar las decisiones difíciles, incluso cuando implican dolor, resistencia y dejar atrás el camino conocido.
Con una escenografía precisa y minimalista, la propia narración y puesta en escena, le da vida al espacio permitiendo que las propias historias se adueñen del lugar. Cada una de las protagonistas se transforma se forma convincente en el rostro de una época, con relatos intensos y emotivos, con el que se logra empatizar gracias a sus interpretaciones sinceras y emotivas.

La bella intervención de María Judez, brindando acompañamiento musical, y ese instante de reflexión con los personajes, llenos de humor e ironía, le da frescura y simpatía al momento. La dirección de Pilar Juaristi aporta una mirada clara, que logra una obra bien construida, con el tiempo exacto para que cada narración encuentre su ritmo propio y el desarrollo necesario para llegar al público de manera directa y profunda.
Matria es un relato directo y valiente que nos invita a reflexionar, romper o transformar mandatos para contar historias con finales diferentes. Una buena propuesta que engrandece el teatro independiente una vez más.

Ficha Técnica
Dirección: Pilar Juaristi
Reparto: Florencia Otero, María Thustra, Mariana Judez, Adriana Menendez
Duración: 50 minutos
Funciones: Domingo 20 hs en la Sala Teatral Belisiano Club de Cultura, ubicado en Avenida Corrientes 1624.

Por @soynancybenegas 

Sinopsis
Comedia dramática que aborda el tema de la vejez desde el humor y la ironía. Contada por desprejuiciados actores mayores de 60 años que se animan a hablar y a hacer lo que se les da la gana con absoluta libertad y desenfado. Un grupo de Irreverentes que entretiene y cuestiona la mirada de la sociedad a la gente mayor.

Reseña
Que buena costumbre que los espectáculos comiencen en la puerta del teatro. Con ese simple detalle que sean sus actores los que te dan la bienvenida, te regalen una flor y te acompañen al lugar desde donde vas a ver la función.
Veintisiete actores en escena, recorren el lugar impúdicos y desprejuiciados. Todo lo que pueda decir el público a partir de este momento, seguramente, ellos ya se lo han dicho entre gritos y sonrisas. No hay limites y en medio de ese desorden tan bien ordenado todo fluye de manera correcta, con gracia, sentido y una adrenalina por demás interesante.
Una dinámica atractiva que a ritmo vertiginoso te mantiene alerta a lo que sucede en escena. La historia que toma fragmentos de la vida de quien las interpreta, te lleva hacia una aventura entretenida y alocada. Contando la versión más realista de sus propias vidas, juegan a burlarse de sus propios prejuicios; demostrando con simpatía que su experiencia es un maravilloso bien ganado que les ha enseñado a ver la vida de otra manera.
Con una puesta escénica atrevida, el espacio se transforma en una avenida donde cada uno de los protagonistas encuentra el camino correcto para lucirse. Se destaca el vestuario correctamente extravagante, lleno de colores, dibujos y mucho brillo. Acertadísima elección musical llena de frescura que se vuelve una parte preponderante dentro de la obra potenciando la trama.
Su disruptivo director José María Muscari siempre tan atinado para armar elencos numerosos, diversos y desinhibidos. Logra una vez más encontrar artistas tan aplicados a la entrega escénica absoluta, para conmover, provocar y entretener con desenfado y encanto.

Detalle
Una crítica audaz e inteligente a la vejez, con momentos emotivos en los que vas a secarte lagrimitas. Alejandra Rubio es el nombre conocido del elenco, sin embargo, vas a sorprenderte con el currículum de los otros integrantes y su desparpajo en escena. Que buena propuesta de principio a fin que simplemente vas a amar.

Ficha Técnica
Dirección: José María Muscari
Reparto: Jorge Alarcón, Mónica Alessandria, Luis Caballero, Alejandra Rubio, Néstor Nieto, Silvia Porro
Duración: 90 minutos
Funciones: sábado 20 hs y Domingo 18 hs en Teatro Del Pueblo ubicado en Lavalle 3636

El pasado lunes 7 de abril tuvimos el placer de asistir a la función de prensa de la obra «Pasaporte», un musical de Nicolás Alan Medina y Delfina Jorge que nos introduce la historia de Lila, una joven que está por migrar del país y que ante la pérdida de un elemento importante para viajar , transcurren cosas que nos permite profundizar los vínculos con sus seres queridos y disfrutar de situaciones hilarantes justo el día antes de cruzar el continente.

Lila está por emprender un viaje a Madrid, pierde su pasaporte y esto puede ser porque tal vez tiene cosas que resolver con la gente que la rodea. A su vez está preparando una tesis para sus estudios en filosofía y comienza a comparar a la gente que es parte de su vida con un filósofo para poder explicar su forma de ser y como se puede relacionar sus comportamientos con ella. Aquí nos encontramos con su mejor amigo, su madre, la ex pareja de su mamá y la chica que fue su vínculo durante un tiempo. Mientras buscan ideas alocadas para poder encontrar el objeto perdido, cada uno saca los trapitos al sol para resolver los asuntos pendientes con Lila antes que sea tarde.

Obviamente hay que decir que se trata de un musical, que cuenta con músicos en vivo, algo que se valora en toda producción. Las letras sirven para acompañar el relato pero también para aportar cierta dosis de humor y emotividad cuando el relato lo requiere. La obra es bastante distendida, en la que usa un conflicto simple para generar situaciones hilarantes pero a su vez desarrollando la relación de todos los personajes.

El talento de los actores es algo para destacar, puede que en la función de prensa hubo algunos errores técnicos en ciertas escenas musicales pero la realidad es que el trabajo de los artistas es impecable, lleno de carisma y buena representación desde lo musical.

Pasaporte es una obra musical tierna y divertida que puede disfrutarse los días lunes a las 20:30 horas en el Teatro Picadilly y que nos hará pasar un buen momento que se apoya en la filosofía para ahondar en las relaciones interpersonales.

Por Nancy Benegas 

Sinopsis
Recorrido de la vida y obra de la Señora Mirtha Legrand De Tinayre, sin dudas, una de la figuras más destacadas de la cultura Argentina. A través de escenas teatrales, momentos simbólicos y frases icónicas, el espectáculo nos hace un repaso de su historia con humor, música, nostalgia y el sello audaz de José María Muscari.

Reseña
En algunos momentos todos hemos querido ser Mirtha Legrand, esa es la primera razón por lo que resulta sencillo empatizar con el relato. Un relato que nos acerca a esa mujer que a lo largo de su carrera ha sabido marcar un estilo personal, plagado de glamour, brillo y también profundas tristezas. Ella, la dueña de los almuerzos televisivos, con sus jóvenes 98 años irradia un entusiasmo por la vida, que muchos de nosotros con varios años menos admiramos profundamente… y envidiamos un poquito.
A través de cuatro etapas de la vida de la artista: la niñez, la juventud, la adultez y la madurez. Mirtha El Mito es el camino que su director, José María Muscari, elige para invitarnos a conocer a la diva. Fiel a su estilo osado y provocador propone un recorrido por fragmentos cuidadosamente narrados de su historia. A través de sus frases memorables, sus vestuarios imponentes y  trayendo a la memoria a las personas que marcaron su vida personal y profesionalmente.
Una propuesta original y arriesgada que reúne a 14 muy buenas artistas femeninas en el escenario. Unidas se ensamblan con naturalidad mientras actúan, cantan, recitan y se convierten por un ratito en la inconfundible Mirtha Legrand. Con una cuidada selección de actrices de distintas generaciones y trayectorias reconocidas, logran momentos musicales atractivos llenos de humor, emoción y guiños cómplices al público.

Excelente los juegos de humor vinculados con noticias muy actuales y el repaso de las publicidades tan propias de sus programa. Destaca el vestuario, con diseños elegantes que realza la presencia de cada actriz que lo luce. Puesta en escena simple y precisa que permite que la atención se centre en las intérpretes. Acertada elección de las imágenes que se proyectan en la pantalla led, que permiten conectar al espectador al instante y enriquecer la experiencia
La idea es ingeniosa y desafiante. Nunca antes se había realizado un homenaje de estas características a una artista con tantos años de trayectoria que sigue viva para presenciarlo. Es un recorrido amable y emotivo por la vida y obra de una figura fundamental del medio artístico, que sigue marcando un estilo propio.

Detalle
Mención especial para el hermoso momento que se vive cuando en la obra cada intérprete comparte desde su propia experiencia de como fue el primer encuentro con Mirtha, ya sea cara a cara, en un set de televisión o través de la pantalla. Esos relatos íntimos y diversos, revelan el impacto que la figura de Mirtha tuvo en sus vidas, en sus carreras y también en la forma de ver el mundo del espectáculo.

Ficha Técnica
Dirección: José María Muscari
Reparto: Victoria Carreras, Natalia Lobo, Anita Pauls, Julia Calvo, Andrea Ghidone
Duración: 70 minutos
Funciones: Domingo 18 hs en Teatro Regina ubicado en Avenida Santa Fe 1235

La lucha interior se tiñe de rojo

El sábado pasado tuve la oportunidad de ver una obra del under porteño, diferente y arriesgada, donde la danza es un vehículo para contar una historia, una que se tiñe de rojo.

Detrás del congreso se encuentra el Teatro Área 623, todos los sábados a las 21 la artista y coreógrafa presenta »Mambo rojo».  Crea, dirige y produce este viaje de danza interpretativa cuya sinopsis, bajo la misma autora:
»Una pesadilla, un sueño perturbador. Todo es rojo. ¿Es el infierno?. Es nuestro propio infierno. Un viaje al inconsciente. Somos nuestros propios monstruos. ¿Somos el enemigo?».

Marina Cachan nos lleva a un viaje de emociones, atravesando por diferentes géneros e influencias. Dos intérpretes: Aylén Arcadigini y Morena Arce, un mismo vestuario, dos personalidades y un solo color: El rojo.

El diseño de iluminación coqueto y sagaz a cargo de Rodolfo Eversdijk, el cual se basa en las sombras, led y efectos visuales.
Ambas bailarinas juegan con los rayos rojos y la luz testigo que recibirán durante el show, de fondo un popurrí de temas que van desde el primer jumpscare que recibe la audiencia, vals ruso, electrónica, canciones de Jacques Brel o Édith Piaf. Un desenvolvimiento y montaña rusa de emociones que las artistas transmiten al público.

Contorsiones, uso de fuerza, ballet y moderno son los géneros que las bailarinas ejecutarán, además, hay una fuerte carga de mímica y clown.
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Mambo Rojo es una experiencia que desde el primer segundo te levanta del asiento, te atrapa, te hace reír en momentos y vuelvo te vuelve  a sumergir en un misterio rojo, en un verdadero mambo rojo.

Disponible los sábados a las 21 en Area 623

Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.