El domingo pasado tuvimos el gusto de asistir al estreno, en Paraje Artesón, de “La catedral sumergida” escrita por Enrique Papatino y dirigida por Sandro Mlynkiewicz. Actúan Florencia Bartolacci, Gabriela Capurro y Ariel Ragusa.

Es la historia de Waldo( Ariel Ragusa), un escritor y editor de textos que se encuentra en un bloqueo creativo en relación a una obra literaria propia que no puede resolver. Convive con su esposa Ana( Gabriela Capurro) y conoce en una cafetería a Julia(Florencia Bartolacci), una joven que lo moviliza. Hasta aquí, que son los dos primeros tercios de la obra, es una historia cotidiana más pero reflota un nudo sorprendente que yuxtapone todo con un nuevo sentido, fantasmal y mucho más profundo.

El texto de Enrique Papatino es muy bueno y es una obra que nos dice, nos invita a que confiemos y nos dejemos llevar y sorprender más seguido por la mirada y la propuesta de los artistas y del teatro. Es una obra totalmente sincera en cuanto a los deseos y las verdades más íntimas de un ser humano, trasciende por su autenticidad.

En la musicalización pudimos oír “Bombachitas rosas” de Las Pelotas y también oímos música celta en el relato que se hizo de la leyenda de la catedral sumergida.

La obra “La catedral sumergida” con una modesta producción y puesta, buenas actuaciones y con un buen manejo del espacio en los diferentes escenarios que la obra requirió nos sumergió, nos emergió y nos hizo reflexionar sobre la fragilidad de la realidad y su complejidad. Se disfrutó y se recomienda.
Las funciones son: domingos 20hs en Paraje Artesón, dirección Palestina 919 timbre 2 Barrio de Almagro.



Matías Vanacor para La Butaca Web

El campo argentino como el campo de la batalla de clases

Se dice que ocho personas son los dueños de todo el campo, más allá de la discusión política, es claro que todo el poder de Argentina radica en el campo. Soja. trigo, maíz, girasol, vacas.

¿Quién es el dueño?, ¿Quiénes son ellos?, los que están al otro lado de la cerca, aquellos que no forman parte de la topografía delimitada.»Dos hombres. Ellos y el campo, se enfrentan sobre un ruido dialéctico. Una sátira sobre el deseo de “pertenecer” de formar parte de una tribu a cualquier precio».  Es la sinopsis de  Yunta, la versión libre de Adriana Roffi de »Opa La La» de Joaquín Daniel.

El campo es recreado por Gustavo Acevedo; el artista construye hasta el mínimo detalle del exterior de una chacra en el medio de la pampa argentina. Al fondo, un cuadro abstracto que produce temor y poder, en el medio, dos personajes que creen ser uno pero en realidad son dos.
La dupla de esta obra está conformada por Matías Broglia y Pedro Risi; ambos representan las dos clases sociales más marcadas de la pampa argentina: el terrateniente y el gaucho.

Matías Broglia es onomatopéyico y explosivo en su papel, sabe cómo enmascarar cuestionamientos y la verdad dentro de la inocencia e ignorancia de un simple gaucho, en realidad este personaje va a sorprender pues nada es lo que parece. Transmite emociones que van desde la risa y empatía, su perfomance se enmarca entre los mejores de su carrera. Pedro Risi es su contraparte, representa muy bien al »garca» de campo, ese que marca la diferencia de clases; un personaje despreciable, perverso pero en el fondo muy solitario; el actor sabe cómo dar las capas para hacer de un villano, un humano más.

Yunta va más allá de una presunta comedia, es una crítica muy directa a la eterna batalla de clases que se da en la chacra, más allá de Buenos Aires, en lugares donde no llega la justicia y sobrevive el más fuerte.

Disponible los domingos a las 20:30 en el Teatro El Grito.

Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

Por Nancy Benegas

Sinopsis
Sergio, vive encerrado en su departamento contemplando su amor por el cine. A partir de los recuerdos que se desprende de lo que se refleja en la pantalla del televisor, se desataran  vivencias de las diferentes etapas de su vida, entre ellas, algunas no tan gratas que debe enfrentar para avanzar en su  presente.

Con las recurrentes llamadas telefónicas de su psicoanalista emprenderá un camino de encuentro con su propio pasado. Una comedia dramática contada en tono de humor, donde el protagonista nos sumergirá en su narrativa para hablarnos sobre temas como aquel primer amor, las relaciones familiares, el hostigamiento en la escuela y su propia rebeldía.

Reseña
En el fondo todos somos un pedacito de él. Él, es Sergio, que atravesado por su amor al cine buscara en un viaje profundo y alocado sanar las viejas heridas del pasado que siempre repercuten en su presente. A modo de protagonista de su propio film, hablara de los villanos que marcaron su propia vida y será capaz de hacernos un poco parte de ese universo.

V.H.S. tiene un camino simple de humor e identificación a lo cotidiano, es un recorrido bizarro y profundo que interpela aquellas cosas que nos marcan para siempre. Infancia, familia, amores contados  en un recorrido amoroso  e interesante de su historia.
Un unipersonal en donde a  Nicolás Capristo en su rol de Sergio, se lo ve cómodo y comprometido, pasa algo muy lindo en ese encontrar complicidad con el público que cambia bellamente la dinámica de la obra y genera una frescura especial al momento.
Muy buen detalle de la puesta en escena, desde las luces hasta cada objeto con los que el personaje se relaciona, incluido el  vestuario.

Detalle 
Disculpas, pequeño spoiler!!! la trama comienza con el final de la película Forrest Gump y un planteo para la vida misma muy interesante… a partir de ahí es dejarse llevar por este fantástico universo de locura.

Ficha Técnica
Dirección: Tomás Soko
Intérprete: Nicolás Capristo
Año/País: 2024 – Argentina
Duración: 65 minutos
Puntaje: 8/10
Funciones: Sábados 21 h, en el Teatro Beckett, Guardia Vieja 3556.

POR MARÍA FLORENCIA GORINI.

Una mujer, Juana es su nombre : ella se conecta entre las diversas Juanas del pasado, no quiere ocultarlo, quiere mostrar quiénes fueron y la importancia de comprenderlas. Vivir y entender un poco las experiencias de cada una de estas poderosas mujeres.

Papisa Juana: mujer que se disfrazó como un hombre y logró así convertirse en Papa.
 Juana de Arco: una de las grandes heroínas de la historia quien participó de la Guerra de los Cien Años.
Juana la Loca:  reina legítima de España según algunos víctima de una conspiración; según otros, a causa de una innegable enfermedad mental.
 Juana Inès : escritora y poeta  más importante de la época colonial y una pionera del feminismo.
Juana Doña: Escritora, feminista y dirigente comunista

Deslumbrante es la palabra indicada para esta obra , brillante puesta en escena donde se construye un clima tenso y poético entre coreografías, la voz de los  personajes  y el paso de una «reencarnación» a otra.Es notable la dedicación y el ensayo de parte de los artistas en escena, poder luego de tanto movimiento y ejercicio coreográfico,  postular la voz, requiere de mucha práctica. 
El nivel fotográfico, el ritmo a la par de la música y el trauma que genera es lo más detallado de esta obra, con una pizca de delicadeza y de incertidumbre , tan bien lograda y organizada. Como conclusión: una obra muy trabajada y definida ante todo su aspecto.

A mi parecer uno la puede valorar màs ya habiendo investigado sobre el tema , sobre las distintas «Juanas» y sus vidas, para así poder meterse màs en la historia y quién es cada quién en ella. Dejando en claro ese consejo, la super recomiendo .

Las funciones serán de jueves a sábados a las 20 horas, y los domingos a las 19 horas.

Duración: 80 minutos



Juana es una coproducción entre Club Media y el Complejo Teatral de Buenos Aires, dependiente del Ministerio de Cultura de la Ciudad.

SE PRESENTARÁ EL PROXIMO 7 DE OCTUBRE CON ENTRADA LIBRE Y GRATUITA

Por Nancy Benegas

Sinopsis
Cuatro historias muy diferentes, o quizás no tanto, unidas por un punto en común… la emergencia que impone vivir en una sociedad que parece ir demasiado rápido. La obra habla sin tapujos de temas como encontrar el trabajo que nos posicione en la vida para probar a otros que somos suficientes, quedarnos enmarcados dentro los condicionamientos sociales impuestos, la constante comparación con el espejo ajeno y siempre bastantes más perfecto que el nuestro, el forzarnos a copiar el modelo que nuestra familia pretende que seamos. 45 minutos de vértigo para inspeccionar en que lugar de la carrera de la vida estamos parados mientras nos reímos un rato.

Reseña
Una obra provocadora e incómoda. De esas que no pasan desapercibidas y te obligan a cuestionarte. Sea cual sea el momento en que seas espectador de la obra, es imposible no sentirse identificado por alguno de sus personajes.
La sala tiene las luces tenues y cuatros personajes no paran de moverse al compás del inquietante sonido de un violonchelo. De fondo, un reloj marca exactamente 45 minutos. Bajo esta premisa bastara que el reloj comience la cuenta regresiva para que dentro de un cuadro muy bien delineado cuatro personajes interactúen frenéticamente logrando de manera provocadora cumplir con su objetivo. Incomodidad… esa es la primera palabra que viene a mi mente. Incomodidad que te saca de la zona de confort y te invita a cuestionar los tiempos actuales. Incomodidad que sin dudas te va a identificar con alguno de los personajes. Incomodidad porque si bien la obra ya lleva cuatros años en cartelera podría parecer recién escrita. Incomodidad que invita a que no te distraigas y estés siendo parte de la propuesta. Maravillosa incomodidad.
Excelente puesta en escena, el aporte de cada detalle tan sutil e intimidante, como las luces, la música, los sonidos, el reloj, etc, logran que en su totalidad se brinde una gran obra.

Detalle
Que maravillosas propuestas logra llevar a escena el teatro independiente. Contando historias breves, bien contadas y realizadas. Muy buenos actores que aún no son tan reconocidos popularmente y sin embargo, muchos son mejores que los que se vislumbran en las grandes carteleras.

Ficha Técnica
Dirección: Federico Nanyo
Reparto: Eugenia Fernández, Ezequiel Esteban Martínez, Bruno Rondini y Jowy Sztryk
Año/País: 2024 – Argentina
Duración: 45 minutos
Puntaje: 10/10
Función especial: El próximo Lunes 7 de octubre a las 20 hs la obra se presentara en la Fundación Sagai, ubicada en 25 de Mayo 586, por única vez con entrada libre y gratuita

Tuvimos el gusto de asistir, en el cálido Tadrón Teatro, al estreno de “El crímen de San Patricio” escrita y dirigida por Elba Degrossi, actúan Dolores Cano, Guillermo Flores, Melody Llarens y Julián Pardo. Es una obra ficcionada y basada en el asesinato de tres curas y dos seminaristas palotinos en la iglesia de San Patricio del barrio de Belgrano de la Ciudad de Buenos Aires, Padre Pedro Duffau, Padre Alfredo Leaden y el Padre Alfredo Kelly y los seminaristas Salvador Barbeito y Emilio Beire, hecho real que sucedió el 4 de Julio de 1976 durante la última dictadura militar.

La obra inicia y se desarrolla alrededor de una escena en que el organista de la iglesia regresa después de muchos años a despedirse de su órgano( qué maravilla sonaba Bach recuerda), tal vez en busca de nuevas respuestas y sentidos al re-encontrarse allí pero el atroz recuerdo lo invade. Se reencuentra allí con una sirvienta y con la madre de uno de los seminaristas, entre ellos vuelven a recordar cuán buenos eran los sacerdotes y seminaristas con los más necesitados y cuán injusto fue todo.

En la música, que es en vivo, pudimos oír gratamente al músico Mariano Schneier con una serie de instrumentos e instrumentación bien interesantes, piano eléctrico, bongos tocados con baquetas como timbal, xilofón tocado con arco, platos y pezuñas y un instrumento de viento africano que logró protagonismo. El músico que denota experiencia llevó muy bien los momentos y los climas, todo con un criterio de pequeña orquesta.
También pudimos oír musicalización desde los controles técnicos de sonido, como ser el aria “Lascia ch’io pianga” de Handël.

La obra “El crímen de San Patricio” es una propuesta interesante, emotiva y bien lograda. Con buenas actuaciones y con un texto que cuenta y revisa nuestra compleja historia, desde una parte no tan conocida, pensada y divulgada. Se disfrutó y se recomienda! Las funciones son Viernes 21:30 en Tadrón Teatro, Niceto Vega 4802(CABA).



Matías Vanacor para La Butaca Web

Por Nancy Benegas

Sinopsis
Cuenta la leyenda que en 1934 un ya reconocido Carlos Gardel, mientras filmaba en Nueva York, más precisamente cantando para la cadena NBC, recibió la visita de dos admiradores, quienes luego de escuchar al artista argentino quedaron muy impresionados con su música y no dudaron en acercarse a saludarlo.

Él, un joven de solo 18 años, se presentó ante el Zorzal criollo como Francesco Albertino Sinatra Agravantes; llegó hasta el lugar acompañado por su novia Nancy Barbato. Mesclando un poco de inglés, español y algo de italiano en su conversación, fue Nancy quien le expresó a Gardel que su novio dejaba pasar el tiempo desperdiciando su talento vocal.

Tal fue la empatía que el artista argentino sintió por el joven Francesco, que no dudo en comparar su propia experiencia de juventud con la vida que llevaba el recién conocido; Frank ya por aquel entonces no solo había perdido varios trabajos, sino que también había visitado la cárcel por rodearse de malas compañías.

Sin dudarlo, Carlos le recomendó que aprovechara la oportunidad de estar, visitando la radio, y se anotara al concurso de cantantes conocido como Major Bowes Amateur, programa conocido por descubrir y promover nuevos talenteos. No tenía nada que perder probando suerte ante aquella oportunidad. El purrete no solo se presentó, sino que ganó aquella convocatoria lo que le permitió hacer una gira financiada por el empresario y productor del evento. El mundo lo recordará siempre como La Voz, Frank Sinatra.

Reseña
Basado en esta popular historia que alimentada por los años sigue manteniendo vigencia, el Teatro Astral lleva a su imponente escenario una obra que no solo evoca a estos dos emblemáticos artistas, sino que, de principio a fin, al igual que el buen tango, emociona, apasiona y claro… enamora.
Aplauso de pie no solo a las actuaciones muy bien caracterizadas de Oscar Lajad y Ala Madanes como los mismísimos Carlos Gardel y Frank Sinatra, sino a la interpretación sentida y emocional de la orquesta ejecutando tangos memorables como Caminito, Cambalache y Volver entre mucho otros. Muy buena recreación del vestuario y la escenografía de los años 40.
Cuando Carlos conoció a Gardel es de esas obras donde nada debe envidiarse de los grandes espectáculos del mundo, sino que nos deja sentir un profundo orgullo del talento que ilumina la calle Corrientes.

Detalle
Hay controversia por el gusto de escuchar tango en inglés. Cuando las letras y melodías de las canciones son tan bellas y están tan bien interpretadas el idioma nunca es un límite para disfrutar de un gran show.

Ficha Técnica
Dirección: Natalia Del Castillo
Reparto: Oscar Lajad, Alan Madanes y Antonella Misenti
Año/País: 2024 – Argentina
Duración: 80 minutos
Puntaje: 10/10
Funciones: Miércoles, Jueves, Viernes y Sábados a las 20 hs y Domingos a las 18.30 hs. En el Teatro Astral, Avenida Corrientes 1639.

Por Nancy Benegas

Sinopsis
Ante una sociedad que suele exigir resultados rápidos sin mucho esfuerzo, se presenta el Coach Ontológico Ludovico Sitorrazo con un nuevo modelo de negocios que brinda resultados económicos a corto plazo. Beta, creadora de contenido en redes, será la encargada de interceder ante la audiencia para mostrar cómo la gente puede ser atrapada por estafas obvias y no tanto.

Reseña
Una sátira musical que trae a escena la necesidad de crear falsos lideres emocionales con promesas de resultados inmediatos y todas las consecuencias continuas que esto acarrea. En tono de humor, contado en canciones muy bien interpretadas, el espectáculo hace un recorrido por esas circunstancias en las que más de uno se sentirá identificado.

Banda musical en vivo que participa activamente en una obra muy bien lograda. Buen sonido,  dicción e incluso el tono de voz de los artistas, aclaro este detalle no menor ya que la letra de las canciones son de vital importancia para la narración de la historia, y poder entender su contenido lo es todo.
La obra corre vertiginosamente, y no solo porque cada uno de los actores intérpreta a más de un personaje y los cambios en la puesta sean constantes; da la sensación de que todo fluye rápido y natural cuando, como ocurre en este caso, se tiene un guion bien realizado bajo la dirección general correcta.

Detalle
“Hay un gran amor detrás de la obra… ganas de que no termine”. Cada uno de los actores que entreviste repitió algo parecido y verlos trabajar da esa sensación de buen compañerismo y profesionalidad que se evidencia. Un musical de esos que esta bueno descubrir.

Ficha Técnica
Dirección: Marcos Krivocapich y Milva Leonardi
Reparto: Javier Marra, Donna Tefa, Lula Fenomenoide, Verónica Gerez, Andrés Granier, Carolina Saade y Tomás Wicz
Año/País: 2024 – Argentina
Duración: 87 minutos
Puntaje: 8,5/10
Funciones: Martes 21 hs en el El Galpón De Guevara

Alice by heart es una obra de teatro musical que nació en el off de Broadway pero que venía de la mano de los creadores de «Spring Awakenig», quienes han sabido estrenar grandes obras del género. En esta adaptación, conocemos la historia de un grupo jóvenes que se refugian en un teatro abandonado y en el que podemos encontrar una conexión con el cuento de «Alicia en el país de las maravillas » que nos llevara a su mundo en un musical muy creativo y rodeado de talento.

Alicia es su protagonista, ella de encuenta en un refugio que resulta ser un teatro abandonado. Afuera existe el peligro y deben estar resguardados ahí, pero resulta que uno de los refugiados se encuentra muy enfermo. Esta persona es quien Alicia cuidaba como niñera cuando eran más chicos, y ahora de adultos tienen una conexión que puede llegar a perderse por la gravedad del asunto. En ese momento , sale la idea de relatar el cuento de Alicia en el país de las maravillas para distraer al chico, pero lamentablemente le destruyen el libro sin la posibilidad de recrear ese tiempo cuando se conocieron. Ante todo el dolor, Alicia rememora el cuento y entra en el mundo de fantasía que este trae.

La obra muestra de una forma muy creativa la historia y los personajes de Alicia, pero adaptados al drama que este personaje principal sufre, que le da vueltas de tuerca al cuento para poder tener un final en el que pueda estar junto a su amigo. Los números musicales demuestran el talento de todos sus actores, sumado a una ingeniosa dirección y puesta en escena, donde utilizan muchos elementos simples pero que de adornaron de forma magistral cada momento en la historia, abriendo la imaginación del espectador.

Obviamente no olvidamos que se trata de un musical, y sus canciones cuentan con varias melodías que van desde aquellas canciones con un sentido irónico, aquellos que resultan una catarsis de algunos alocados personajes y los que sirven para denotar lo principal de su narrativa. Los actores sorprenden en cada uno de sus números, teniendo algunos solos imprescindibles como el de la reina de corazones y la duquesa, que demuestran lo impresionante de sus voces e interpretaciones. 

Alice By Heart es una obra que tiene muchísimo talento detrás de una historia ya conocida pero con una vuelta de tuerca que nos traslada hacia lo emotivo, sin olvidase de la locura, la fantasía y el entretenimiento que este cuento nos ofrece. Se trata de una opción muy recomendable para pasar una grata noche en el Teatro.

Alicia [Alice by Heart]”



PRODUCCIÓN GENERAL:

Raúl S. Algán (Algán), Luli Brindisi y Franco Castronuovo (Franca’s)

TRADUCCIÓN: Antonella Cicconi y Alexia Polasky

ADAPTACIÓN: Julio Panno y Ro Noziglia

DIRECCIÓN GENERAL: Julio Panno

DIRECCIÓN MUSICAL: Gaspar Scabuzzo

DIRECCIÓN VOCAL: Florencia Carchak

COREOGRAFÍA: Verónica Pecollo

ASISTENCIA DE DIRECCIÓN: Miriam Costamagna

ASISTENCIA DE COREOGRAFÍA: Natalia Ferreira

PRODUCCIÓN EJECUTIVA: Camila Pérsico

ASISTENTES DE PRODUCCIÓN:

Mercedes Villegas – Estanislao Molteni Zein – Felicitas Carman

DISEÑO DE VESTUARIO: Mariana Seropi

DISEÑO DE MAKE-UP: Sole Capano Pérez

DISEÑO DE ESCENOGRAFÍA: Isabel Gual

DISEÑO DE ILUMINACIÓN: Leo Muñoz y Julio Panno

DISEÑO DE SONIDO: Gastón Briski

DISEÑO AUDIOVISUAL: Agustín Iannone

PRODUCCIÓN TÉCNICA: Carolina Perrotta

STAGE MANAGER: Miriam Costamagna

COMMUNITY MANAGER: Aldana Carretino

COMUNICACIÓN: Luli Brindisi – Santiago Cano Moffat

PRENSA: Varas/Otero



REDES SOCIALES

Instagram: IG



FUNCIONES

VIERNES Y SÁBADOS 19:30, DOMINGOS 19:00

Paseo La Plaza – Av. Corrientes 1660

Entradas desde $20.000 – Sistema y link de venta:

Plateanet

Por Gonzalo Brizuela

El Teatro Regina se viste de fiesta una vez más para dar la bienvenida a «Chicas de New York». Esta obra, dirigida por Rodrigo Villani, vuelve a escena con la misión de conquistar a una nueva camada de espectadores.

La historia nos transporta a la Nueva York de los años 30, en plena Gran Depresión, y sigue a Julie en su búsqueda de un padre desconocido que vive en Buenos Aires. Aunque la trama no es novedosa, funciona como un excelente punto de partida para una serie de situaciones que transitan entre el humor y la emoción. El guión, escrito por Hernán Bonsergent, consigue entrelazar la comedia de enredos y el drama familiar. La ambientación entre Nueva York y Buenos Aires le da un dinamismo interesante a la historia, aunque en algunos momentos caiga en ciertos estereotipos esperados de ambas ciudades.

Con un elenco de 25 artistas, «Chicas de New York» consigue montar escenas musicales llenas de vida y color. La dirección general de Ariel Ciocco y Rodrigo Villani es digna de aplausos por saber coordinar un despliegue tan amplio en un escenario como el del Regina. Uno de los grandes aciertos de la obra son las coreografías de Villani, que capturan a la perfección el espíritu de la época, transmitiendo una energía que mantiene a la audiencia atenta de principio a fin.

El vestuario, a cargo de Alfredo Miranda, y la escenografía logran recrear tanto el brillo opaco de la Nueva York de los años 30 como la esencia porteña de aquella época. Con ingenio y creatividad, sacan el máximo provecho de los recursos disponibles. El trabajo vocal, dirigido por Marcelo De Paula, eleva las actuaciones permitiendo que el elenco despliegue todo su talento. Entre los actores, destaca la participación de Lorena Paola, cuya experiencia y carisma añaden una capa extra de brillo a un reparto ya de por sí sobresaliente.

La música es otro de los puntos altos de esta obra ya que ofrece una combinación fresca y novedosa de tango con sonidos pertenecientes al charlestón de los años 30 creando una atmósfera que vacila entre lo porteño y los estadounidense.

En definitiva, «Chicas de New York» es un espectáculo que, pese a algunos pequeños tropiezos, consigue divertir, emocionar y dejar huella. Su mayor fortaleza es el compromiso y la entrega del elenco, que logra llevar el material mucho más allá de lo esperado. Para los fanáticos del teatro musical, esta propuesta es una opción imperdible que merece ser vista y aplaudida en el Teatro Regina.

Chicas De New York
Teatro Regina
Jueves de Septiembre y Octubre 20:30 hs