Asistimos a la obra “ Matar a un elefante” en Espacio Callejón, obra que después de una exitosa temporada en el Teatro Nacional Cervantes tuvimos oportunidad de verla en una nueva temporada y en un nuevo espacio. Escrita y dirigida por Franco Verdoia, actúan Gabriel Carasso, Berenice Gandullo, Julieta Lastra, Gerardo Serré y Sebastián Suñé.

Es una historia que transcurre en un pueblo de Córdoba donde un grupo de amigos reciben sorpresivamente la visita después de mucho tiempo de su amigo de la infancia Amadeo. Amadeo( Sebastián Suñé) es un consagrado artista visual, ahora declarado persona no grata en el pueblo por una puesta artística visual controvertida, es tío padrino de la adolescente hija de su amigo Julián( Gerardo Serré) y el motivo de su paso es la venta de una casa familiar. La trama se desarrolla alrededor del misterioso y aberrante asesinato del elefante del circo, el policía y amigo del grupo( Gabriel Carasso) perdió su arma reglamentaria.

En cuanto a la puesta e interpretación es de una particularidad y una buena cualidad premeditada que los actores sean cordobeses, este trabajo enriquece y significa el texto y además es un gran equipo que genera buena energía y humor. Se ambienta todo en un clima de gran cadencia cordobesa, de cuartetazo y fernet con cola. Realmente te saca de la gran ciudad y de lo que pueda uno estar pensando en el momento de sentarse en la butaca.

El texto con un marco y una interpretación grotesca tiene una poética que enmascara sentidos profundos. De temática pueblo-ciudad y de un alguien que se fué de su pueblo y que de alguna manera sigue siendo responsable de lo que suceda por no estar. Hay algunas escenas inverosímiles y poco probables para la narrativa de realismo lineal que experimentamos, sin embargo sentimos estas escenas posibles y reales porque se logró la magia del teatro y se justifican dentro del plano de la ensoñación y el deseo.

La obra “Matar a un elefante” es una obra bien realizada, divertida y profunda. Se disfrutó y se recomienda! Las funciones son sábados 19.30 en Espacio Callejón, dirección Humahuaca 3759




Matías Vanacor para La Butaca Web

Empleado cama adentro es una obra que busca homenajear y parodiar a las telenovelas con un culebrón en sí mismo. Presentado a través del ciclo que nos recuerda a aquella presentadora que se tomaba un vino y presentaba historias en la televisión, estamos ante una puesta divertida, musical y sobre todo muy creativa.

La parodia que vemos en escena sobre Virginia Lago y su ciclo que presentaba historias matutinas, es la que da inicio a la obra. Nuestra anfitriona nos da el saludo a los espectadores y comenta con su histrionismo, la novela que veremos en el siguiente acto. Una secuencia coreografiada nos presenta el programa Empleado cama adentro , que literalmente contiene casi todos los clichés que podemos ver en las telenovelas: La familia rica , el amor entre familiares , los hijos perdidos y la venganza en sus más hilarantes formas.

El componente musical de la obra funciona como un añadido funcional a ella, complementando los recursos de la puesta escénica, utilizando coreografías perfectamente pensadas para agregar condimento a la trama, burlarse de lo que pasa y usar un poco a Disney solo porque si. También podemos notar que todo se encuentra perfectamente armado, tanto en su coreografía como en la utilización de música y luces, sin dejar nada al azar.

Lo único que la obra deja al azar, son las escenas en que el capítulo corta y volvemos al programa de Historias de corazón. El actor Julián Sierra se toma el trabajo de jugar con la improvisación, dejando lugar a los momentos más divertidos de la obra , sin desmerecer al resto de ella. Su participación funciona como una forma de acercar al público con la función y darnos a entender que toda esta propuesta está hecha para divertir, cosa que logra notablemente.

En cuanto al elenco dentro de la historia de «Empleado cama adentro», se puede destacar al equipo actoral en todo su conjunto. Las telenovelas resultan ser historias corales , donde se muestran los momentos de todos los personajes , sean principales o secundarios, teniendo giros inesperados que pueden cambiar el rumbo de cada uno y destacandose todos en ese aspecto. Matías Prieto Peccia dirige y también actúa en esta novela musical, aquí denota su experiencia en el género adaptando perfectamente estos recursos dentro de una puesta alocada pero cuidada en cada detalle.

Empleado cama adentro es sin duda una de las propuestas más divertidas que puedes ver actualmente en cartelera, además de tratarse de una obra que desborda talento tanto en su elenco como en todo el equipo creativo que hizo de una disparatada novela una gran puesta del género musical. Así que la recomendación es que te acerques un domingo a las 21 al Teatro Border porque vas a cerrar la semana, no con una sonrisa, sino con muchas carcajadas.

Ficha técnico-artística
Libro, Dirección y Coreografía: Matías Prieto Peccia
Música: Gaspar Scabuzzo y David Monteros
Dirección Vocal y arreglos corales: Sol Bardi
Elenco: Matías Prieto Peccia, Sol Aguero, Juan Lopez Boyadjian, Valentina Vicentin, Lucila Louzan,
Lu Perdigon, Javier Valdez, Dai Vera, Michu Wiernik, Julián Sierra
Covers: Renata Marino, Natalia Troccoli, Michu Wiernik
Asistente de Dirección: Tobias Wainer
Asistencia de coreografía: Tatiana Bessarez
Co-producción: Club Media y Matías Prieto Peccia
Producción Ejecutiva: Rochi De León
Asistencia de Producción: Dai Vera
Realización escenográfica: Guido Lombardo
Vestuario: Matías Prieto Peccia
Fotografía: Simon Quesada
Gráfica: Sabrina Schattner
Diseño de Iluminación: Dai Vera
Mantenimiento de Pelucas: MB Salón.

Domingos 21 hs / Teatro Border, Comunidad de arte (Godoy Cruz 1838, CABA)
Entradas: $10000, a través de http://www.border.com.ar
Duración: 80 minutos

La magia de Galicia hace su aparición en Buenos Aires

Al noroeste del reino español, límite con Portugal y al norte del océano cantábrico se encuentra Galicia, una región autónoma de tradición milenaria que combina sus orígenes celtas con las tradiciones latinas y modernas que influyeron en su historia.
En Argentina se suele llamar de forma coloquial »Gallegos»a todos los españoles sean o no de Galicia, la razón se debe a que dos millones de gallegos emigraron a Argentina entre finales de siglo XIX y la primera mitad del siglo XX. El país quedó impregnado de esta rica cultura junto a la italiana y la criolla, pero algo que notamos en nuestro folclore, especialmente en la chacarera, son los pasos de la música tradicional, la llamada Muiñeira.

Fundado en 1986, el grupo Alxibeira se dedica a mantener vivos los bailes tradicionales, esenciales de su patrimonio cultural. El repertorio incluye músicas y bailes representativos de Galicia con músicos en vivo. Este ballet es oriundo de Narón, ciudad de la provincia de A Coruña. Su trayectoria ha abarcado ciudades como La Habana, Santiago de Chile, Berlín, Varsovia, París, Sao Paulo y ahora por primera vez en Buenos Aires.

El grupo dirigido por Quique Peón nos regala un show inolvidable de noventa minutos donde nos vamos a enamorar de la cultura gallega; mediante música tradicional, danza y canciones, más de treinta artistas oriundos de Narón muestran su cultura con orgullo.

El grupo consta de un grupo de gaita y percusión dirigido por Lorena Barea, un quinteto de pandereteiras a cargo de Belén Mato y la coreografía de Zaira Regueira. Para este trabajo se hizo un trabajo de investigación minucioso, etnomusical y etnocoregrafico. Quique Peón viaja hasta el último rincón de Galicia para documentar la tradición más celta y medieval posible, obteniendo así un resultado exótico y cautivador.

El show consta de una voz en off que nos introduce a la historia de Galicia en los entreactos. Un grupo de más de diez bailarines de edades mixtas que interpretan las danzas típicas gallegas. Unas talentosas intérpretes de vocales Pandereteiras y los músicos de gaitas y percusión el cual nos llevarán a tierras celtas.

El reino español consta de una diversidad tan rica dentro de sus naciones, no es sólo flamenco, es muchisimo mas. El ballet Alxibeira viene con alegría a Buenos Aires con la finalidad de mostrar la cultura gallega al mundo, pero también para hacernos viajar en el tiempo en una tierra que no quiere ser olvidada.

Este espectáculo fue presentado en el Auditorio Belgrano y tendrá presentaciones este 13 y 14  de agosto en el Teatro El Plata en Mataderos.

Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

Tuvimos el gusto de asistir en Teatro Beckett a la obra “La lluvia seguirá cayendo” escrita por Oscar Barney Finn y Marcelo Zapata. Es la historia de un hijo que después de veinte años vuelve a su barrio, hijo pródigo que se fue en busca de nuevos horizontes y mejores oportunidades y que después de tanto tiempo se reencuentra con su padre, un padre que se quedó en el barrio y en su atelier con su oficio de artista y pintor que alguna vez tuvo su mejor momento. ¡Actúan Osvaldo Santoro con su regreso a los escenarios y Paulo Brunetti! ambos extraordinarios actores y que junto a Oscar Barney Finn y Marcelo Zapata son todos ellos grandes figuras y representantes del teatro y la cultura.

La obra continúa la historia de “Lejana tierra mía” de Eduardo Rovner y  se adapta a la Argentina y el mundo actual. Un hijo aburguesado, “competente”, empresario y tecnócrata; un padre arraigado a su pasado, a sus cosas, a su terquedad y una Argentina en crisis. La temática padre-hijo con rencores, amor, ego, encuentros y desencuentros es aquí abordada e interpretada a gran y visceral escala.

La escenografía logra perfectamente el ambiente íntimo de un atelier, con grandes lienzos que hacen referencia a un azul particular y al “Holandés Errante” de Richard Wagner. En la musicalización pudimos escuchar “Fragile” de Sting y un bandoneón con gran esencia de tango.

La obra “La lluvia seguirá cayendo” es sin dudas una gran propuesta. Se disfrutó y se recomienda! Las funciones son Sábados 18.30hs en Teatro Beckett, Guardia Vieja 3556




Matías Vanacor para La Butaca Web

POR MARÍA FLORENCIA GORINI.

Comedia dramática junto a una orquesta en acompañamiento.

Esteban irrumpe en plena noche en el departamento de luz y Mariano pidiendo ayuda. Tiene rastros de sangre y está golpeado. Junto a sus dos amigos desentrañarán los hechos que lo llevaron ahí. Se adentrarán en un universo de traiciones, celos, mentiras, amenazas, venganzas, armas y mucha, pero mucha pizza.

Crimen, revelaciones y misterios en tal solo una obra. ¿Quién será el culpable?, ¿quién es quién? Y ¿qué sucede? Todo un relato en hilos conectores que llevan a sus respuestas.
Al principio se genera una trama poco entendible , pero paso a paso se vuelve espectacular como se logra de a poco a conectar los hilos hacia la trama que se desea explicar. Todo prolijo y en su lugar, la mayoría de los actores realizan dos roles: ser parte de la orquesta y ser parte de la actuación en escena, no se desenfocan de su papel en ningún momento. Muy entretenido y diversa en cuanto a los climas intercalados en escena.

La dramaturgia es de Gilda Bona y su director Francisco Civit. Quienes ya como dúo han trabajado y obtenido premios y nominaciones importantes, entre ellos se encuentran: PREMIO TRINIDAD GUEVARA, PREMIO MUNICIPAL, PREMIOS ACE, TEATRO DEL MUNDO y otros tantos.

Una temática muy dinámica e interactiva, diferentes historias entrelazadas en una. Hay risas, suspenso y tramas. ¡Y como se dice sobre todo hay mucha pizza! La super recomiendo.

Ficha técnico artística
Dramaturgia: Gilda Bona
Actúan: Graciela Barreda, Cristina Blanco, Gabriela Calzada, Vanesa Cardella, Natalia Chiesi, Ariel Cortina, Gisella Crimi, Daniela Delgado, Alejandro Faggioni, Violeta Federman, Diego López, Juan Pablo Maicas, Luciana Serio, Cintia Trobbiani, Mar Bel Vazquez, Gabriel Yeannoteguy
Vestuario: Cecilia Zuvialde
Iluminación: Facundo Estol
Música original: Cristina Blanco, Gabriela Calzada, Vanesa Cardella, Natalia Chiesi, Francisco Civit, Ariel Cortina, Gisella Crimi, Daniela Delgado, Diego López, Juan Pablo Maicas, Verónica Romero Sierralta, Mar Bel Vazquez
Fotografía: Leandro López
Diseño gráfico:Adrián Riolfi
Asistencia De Producción: Lautaro Medina
Asistencia de dirección: Carlos Farías
Producción ejecutiva: Anabella Moreno
Dirección musical: Francisco Civit, Juan Pablo Maicas
Co-producción: Teatro El Crisol
Dirección: Francisco Civit

El amor es un microteatro

Dentro del teatro under siempre existe la oportunidad de ver microteatro, obras cortas de no más de media hora, con diferentes temáticas, directores y actores.
Todo esto confluye dentro de un escenario donde las historias no están cronometradas sino en sinergia, entrelazadas para ofrecer un espectáculo dinámico. El Teatro Nün ofrece el ciclo Miradas: Sobrepensando el amor.

«En tiempos modernos de relaciones fugaces, citas por aplicaciones, nuevos modos y formas de amar, nos parece necesario replantearnos esa palabra: “amor”. ¿Cómo se piensa? ¿Cómo se vive? ¿Cómo se construye? ¿Qué es para mí? ¿Qué es para el otro? El otro, ¿es mi enemigo? ¿Es amigo?». Son palabras de los creadores de este par de encantadoras propuestas de microteatro.

La primera se llama Dos mujeres, escrita por Javier Dualte y dirigida por Andra Zidar.
¿Vos me querés a mii? Es la segunda propuesta, dirigida por Marian Morelli y escrita por Romina Paula.

Dos mujeres, protagonizada por Carola Picasso y María Eugenia Bonel, cuenta la historia de una pareja de mujeres de mediana edad que enfrentan la crisis de la monotonía, décadas en una relación atrapada entre las normas y reproches. Ambas deciden invitar a un tercero para su primer trio, entre ansiosa espera, la relación comenzará a tambalear por sus inseguridades.

El texto de Javier Dualte es jocoso y atrevido, explora la sexualidad después de los cincuenta y sus actrices ejecutan una interpretación que respeta y no ridiculiza la identidad de sus personajes. La química entre Picasso y Bonel es increíble, la veremos dar vueltas entre el sillón a la espera de ese encuentro que desde el principio, se sabe que terminará mal.
Un buen trabajo sobre la crisis de pareja y el riesgo de hacer algo diferente para avivar la pasión.

¿Vos me querés a mi? Es protagonizada por Agustín Vidal Rossi y Sol Tureo. Ambientada en la parada del bondi 145, en algún lugar de capital. Una pareja no definida (además vecinos de edificio), salen del cine, mientras esperan el transporte la difícil y conflictiva pregunta ¿Qué somos? Saldrá entre líneas bajo el nerviosismo y expectativas de estos jóvenes.
Romina Paula pone en el escenario las relaciones modernas y sus atropellados comienzos marcados entre las inseguridades y la falta de compromiso. Bajo un libreto elocuente y eléctrico donde los actores no van a parar de hablar y mostrar su postura, Vidal Rossi y Tuero personifican de manera correcta ese ¿Qué somos?
Ambos actores tienen una excelente chispa y manejan el humor nervioso sin caerse.

Zidar y Morelli dirigen este ciclo sobre el amor en sus múltiples formas y edades, lo adaptan al presente y lo repiensan. Ambas saben traer ideas y visiones distintas y lograr un match hacia un tema que nos interpela: Cómo nos relacionamos, qué esperamos del otro y si estamos realmente comprometidos.

El ciclo Miradas: Sobrepensando el amor está disponible este último viernes de Julio en el Teatro Nün.

Escribe Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

¿Una versión de ”Romeo y Julieta”? Sí, no, en parte. Obra que dialoga y acompaña, a la vez que cuestiona, al clásico shakesperiano. “Patricio y Julieta” de Toto Castiñeiras se presenta todos los viernes a las 20:30hs en el CC Rojas.

La juventud y el cachetazo que produce el amor, la pasión. Un ensayo que rompe la tragedia conocida y la juega. “Romeo y Julieta” atraviesa ese todo, pero no lo concluye. “Patricio y Julieta” es una prueba carnosa, física, transpirada y deseante.
Como en otros trabajos del director (Toto Castiñeiras), la repetición, tanto textual como física, es un elemento clave. Llevar hasta el desglose y el mínimo detalle un mismo movimiento y texto. El conflicto es ese otro con el que se producen agarres y distancias, silencios y verborragia.  Patricio y Julieta son actuales, aunque también podrían ser de otro tiempo. El clásico habilita ese abordaje infinito. Los dos jóvenes se desean y están dispuestos a todo. Sobre los techos forman algo nuevo. Será que todavía vale la pena la acrobacia poética de encontrarse.
Una obra que también es cuadro. La noche y su poca claridad apenas interrumpida por focos de luz que crean atmósfera. Ahí, el deseo y las formas de habitarlo cobran cada vez más presencia. En esa oscuridad llena de sombras se vive el derrotero de un amor nacido para morir.

Patricio Penna y Julieta Raponi cargan con la mochila de destruir y construir un clásico- otro. En sus cuerpos, las marcas del ahora en diálogo con el pasado, esa historia vista y re-vista. Ambos encarnan la vorágine y la desesperación de amar, se prestan al juego vertiginoso y transpiran la escena sacando sonrisas y momentos de tensión y suspenso entre el público. Lo paródico atraviesa la obra. El juego con el clásico, la exposición del artificio del teatro a partir de los propios actores moviendo luces, pidiendo “apagón”, repasando en voz alta las marcas coreográficas. Patricio y Julieta van y vienen entre esos personajes ficticios que son y esos actores homónimos que ensayan.
Entre tanto despliegue físico y catarata poética, los momentos de detención y silencio son joyas que quedan grabadas. Ahí donde esos dos se respiran, el amor. ¿Y después? La muerte.

En “Patricio y Julieta” nadie se rinde. Amar es una apuesta verbal y física, un ensayo siempre inconcluso.
“Patricio y Julieta” – Viernes 20:30 – Centro Cultural Ricardo Rojas (Av. Corrientes 2038)
FICHA TÉCNICO ARTÍSTICA
Autoría, dirección, vestuario y diseño de iluminación: Toto Castiñeiras/ Intérpretes: Patricio Penna, Julieta Raponi/ Realización De Iluminación: Valeria Junquera/ Operación técnica: Charo Cottier/ Fotografía: Bernabé Rivarola/ Asesoramiento de iluminación: Alejandro Le Roux/ Asesoramiento de vestuario: Daniela Taiana/ Asistencia técnica y asistencia de dirección: Ián Martin

Escribió: Micaela Steinbach

Una coproducción de la compañía catalana T de Teatre y la compañía argentina Teatro Futuro visitó la Casacuberta del Teatro San Martín. “La mujer fantasma”, estrenada en el Teatro Romea de Barcelona en 2023, estuvo en la cartelera porteña del 13 al 23 de junio.

Años 70s, cuatro maestras de un mismo Liceo, cuatro historias desconectadas y conectadas al mismo tiempo. Delia es abandonada por su marido; Lena cuida de su madre en la enfermedad y mientras tanto se enamora del médico que la atiende; Iris se vincula con una profesora de gimnasia a quien abandona por salirse de la norma heterosexual; Nadia es desplazada de su cargo por sufrir un brote y se encarga de dirigir la obra de teatro de la escuela: Macbeth. Las une la pérdida, el duelo, la soledad. Cada una acarrea sus propios fantasmas. El teatro como lugar para contar la ausencia.


Mariano Tenconi Blanco (dramaturgo y director) diseña un collage textual y sonoro que atraviesa toda la puesta: la narración se combina con cartas, poemas, música. Una voz en off prologa y separa los cuatro monólogos, ella reflexiona sobre el teatro y su función social.  De lo singular a lo colectivo, de lo ingenuo a lo político.


Mamen Duch, Marta Pérez,Carme Pla y Àgata Roca encarnan a estas mujeres verborrágicas que hablan con esos otros invisibles. Las cuatro generan un código histriónico a la vez que simple. Las imágenes se construyen en un espacio semivacío. Después del último monólogo, la obra se quiebra: esas maestras encarnan ahora a cuatro actrices fantasmas fusiladas. De evocadoras pasarán a ser evocación. Actuaciones delirantes que instalan la risa y el suspenso entre el público. 


Un espacio con pocos elementos escenográficos que actúan como “comodín” en cada monólogo y construyen la oficina, la mesa, el consultorio, la clase. Elementos móviles y blancos que dan una apariencia extrañada: todo junto en ese aula-teatro-auditorio- limbo.


Los músicos (Ian Shifres, piano, y Lucía Gómez, violonchelo) están en escena e interactúan con las actrices potenciando los relatos. Su presencia es también espectral, entre el estar y no.




“La mujer fantasma” reflexiona sobre el teatro  en su capacidad evocadora de volver carne la memoria. Una obra que se pregunta sobre el hacer, el espacio teatral y su función. La ficción para contar lo aparentemente imposible y, quizás, más real; para no olvidar el pasado del que, finalmente, nadie nunca se puede desligar.


FICHA TÉCNICA


Dramaturgia y dirección: Mariano Tenconi Blanco/ Elenco: Mamen Duch, Marta Pérez, Carme Pla, Àgata Roca/ Músicos en escena: Ian Shifres (piano), Lucía Gómez (violonchelo)/Voz en off: Elisabet Casanovas 


Escribió: Micaela Steinbach

Por Sofía Luna Roberts


La historia imaginaria de un joven Frank Sinatra que acude a los consejos artísiticos de un inmenso Carlos Gardel, tiene lugar arriba del escenario y nos invita a que seamos parte del lazo único que se formará entre dos grandes artistas consagrados en el tiempo. Por cuatro únicas semanas, se estará presentando el musical “Cuando Frank conoció a Carlitos” en el Teatro Presidente Alvear, Av. Corrientes 1659.

El telón se abre frente a nosotros y el escenario nos muestra a Carlitos Gardel actuando en la NBC de New York. Mientras se encontraba en su camarín, Frank Sinatra golpea su puerta en busca de un cierto apoyo vital que solamente el Zorzal Criollo podrá ayudarlo. La puesta en escena está ambientada en la New York de los años ’30, la escenografía nos transporta a difrentes ambientes de la trama con una rítmica admirable manteniéndonos atentos a lo largo de toda la obra. Con dirección de Natalia del Castillo y autoría de Raúl López Rossi y Gustavo Manuel González, la historia trata del encuentro único e imaginario entre estos dos personajes cuyas identidades se complementan y se influyen mutuamente para descubrir nuevas perspectivas de la vida.


Oscar Lajad interpreta a Carlitos con gran carisma y vitalidad. Pone el cuerpo y, sobre todo, la voz del optimismo en la obra. Su energía es contagiosa y con un poder nostálgico, que nos palpita en lo más profundo de nuestro sentir argentino. Su visión positiva de la vida crea un fascinante contraste con la personalidad de Frank aportando un interesante equilibrio que se mantiene en el dinamismo de la historia. Alan Madanes se convierte en un joven Frank Sinatra de 19 años que transmite una profunda sensación de vulnerabilidad y esperanza. La evolución del personaje es notable ya que va cobrando confianza en el desarrollo de la pieza. Esto se evidencia en sus movimientos corporales más acentuados y en su indiscutible participación vocal, reforzando cada vez más, las emociones y el sentir en cada nota de sus canciones.


Dichas actuaciones están acompañadas por una orquesta en vivo de doce músicos dirigida por Nicolás Posse. La banda sonora es variada y rica en composiciones brindando un tinte mágico a cada canción que ayuda al desarrollo de los personajes en escena. “Mi Buenos Aires querido”, “Caminito”, “Por una cabeza” son algunos de los temas que se escuchan y vibran en el teatro. Están cuidadosamente integrados en la narrativa reforzando la nostalgia y las emociones de estas melodías tan conmovedores. También la coreografía es otro punto fuerte del musical. Con dirección de Verónica Pecollo, los números son bien ejecutados ya que no sólo impresionan visualmente, sino que también aportan profundidad a la historia a través del movimiento y la expresión corporal por parte de los bailarines. Añaden una dimensión extra a la experiencia teatral que nos sensibiliza aún más como espectadores.


El musical muestra, a través de la relación entre Frank y Carlitos, los dilemas que tienen que ver con la búsqueda de la identidad, la importancia de las segundas oportunidades y la fuerza vital que se necesita para levantarse nuevamente si fallamos en el intento. La obra no sólo entretiene, mediante la jerga del humor criollo, sino que también toca profundamente el corazón del público, ofreciendo una vivencia teatral significativa. Porque más allá del impacto performático, los personajes nos enseñan la importancia de expresar lo que uno siente con la mayor pasión posible y encontrar ese lugar de pertenencia a quien dedicarle nuestras mejores canciones.

Romina Robledo

Luego de ser un éxito rotundo en el 2019 en Sídney, y tras varias temporadas en Londres, Nueva York y Madrid llegó al Multiteatro Comafi, «Prima Facie», de la dramaturga australiana Suzie Miller.

Esta obra se estrenó bajo la dirección de Andrea Garrote y es protagonizada por Julieta Zylberberg. La producción general está a cargo de Valentina Berger, Sebastián Blutrach y Tomas Rottemberg.

Prima Facie, es una obra que se divide en dos actos en los cuales la protagonista invierte su rol de abogada penalista especializada en la defensa de acusados de delitos sexuales a víctima de una violación.

La obra es un monólogo dramático que no tiene desperdicio alguno. La actuación de Julieta, es absolutamente descriptiva y su interpretación corporal logra hacer cómplices y testigos a los espectadores; quienes en sus butacas visualizan en su imaginación a cada uno de los personajes, escenarios, miradas, tonos, juicios y prejuicios narrados por la actriz. A su vez, la protagonista, genera sonrisas y guiños de humor que se traducen en risas que resuenan en la sala. Esta obra es disruptiva e incómoda en ciertos momentos, lo que genera aún más tensión.

Defensora, abogada y víctima. Romina (Julieta Zylberberg), es una exitosa abogada penalista, de familia humilde, pero con gran esfuerzo logró el éxito y el respeto de sus pares. Su personalidad se muestra fuerte, coherente y lo suficientemente arrogante como para defender un sistema legal en donde la ley es el debido proceso y ella solo es un engranaje necesario para que el sistema funcione. La joven abogada conoce las reglas del juego judicial. Sin embargo, en el momento que pasa a víctima, cambia su visión del sistema al que pertence y defiende.

La obra invita al público a cuestionar como se observa y se juzga, sin tener en cuenta el shock traumático de las víctimas de violencia de género.

Prima Facie, se puede ver en el Multiteatro Comafi, todos los lunes y martes a las 20.15 horas. Las entradas se pueden adquirir por Plateanet o en la boletería del teatro. Tienen un valor de $23000.