Una divertida obra con una temática muy actual que nos entretiene durante 80 minutos, que parecen muchos menos gracias a un texto ( de Eva Halac) plagado de situaciones reconocibles para la mayoría de los espectadores, pero aquí tratadas con mucho humor; y una puesta en escena ( de la misma Eva Halac junto con Hernan Marquez) muy ágil y con un ritmo arrollador.

Si bien el texto va abriendo distintas ventanas temáticas con humor,  hay un tema central en donde la obra se pone profunda e interesante que tiene que ver con la soledad, la carencia de afecto y la inmediatez de pensamiento/deseo de los personajes.

Con un uso inteligente del espacio y los objetos escenográficos, que van transformando el ámbito de las distintas escenas sin apagones ni grandes movimientos que atenten contra el ritmo del relato; nos va llevando de las narices entre chistes y guiños a identificarnos con alguno de los personajes y cuestionarnos sobre nuestras conductas.
Apoyada en muy buenas actuaciones (Fernando Migueles, Natalia Giardinieri, Mora Monteleone y Nahuel Monasterio) que componen unos personajes contradictorios pero queribles, con los que es imposible no verse representado.

En síntesis, un espectáculo altamente recomendable que combina el humor con la profundidad de planteos; que divierte, entretiene y que vale la pena ver.
Teatro Del Pueblo (Lavalle 3636), Viernes 20 hs.

A.R

Por Sofía Luna Roberts

La dicha del reencuentro. La incomodidad en los cuerpos, ¿se acordará de mí?, los miles de pensamientos inseguros, los abrazos que destapan recuerdos y las anécdotas que sirven como puente a ese pasado tan lejano y delicado como es la infancia. Ese reencuentro de ex compañeros con su maestra de primaria es lo que “La habitación blanca” nos viene a mostrar, de manera única, en Timbre 4 (México 3554) todos los domingos a las 19 horas.

Con autoría de Josep María Miró y dirección teatral de Lautaro Perotti, ésta obra nos cuenta la historia de Carlos, Laura y Manuel y su reencuentro con la señorita Mercedes, la maestra que les enseñó a leer y escribir cuando eran chicos. La historia nos posiciona en esa habitación blanca donde se abrirán nuevas y viejas heridas del pasado que se entremezclan en un diálogo activo lleno de conmociones e interrogantes.

Las actuaciones (Andrés Ciavaglia, Melisa Hermida, Miriam Odorico y Alfredo Staffolani) son el verdadero corazón de la pieza. La dirección de Perotti se centra en la interpretación emocional y el realismo psicológico, lo que permite a lxs actores transmitir las capas de complejidad que atraviesan sus personajes de manera impecable. Sus actuaciones mantienen la tensión y el misterio a lo largo de toda la obra, generando en el espectador una sensación de querer saber que hay detrás de toda esa nostalgia dialogada entre los personajes. Lxs actores logran transmitir la angustia, el desconcierto y la búsqueda de sentido. Podemos dar cuenta de que las emociones en sí no se desbordan dentro del límite de la puesta en escena, sino que están contenidas haciendo que el espectador participe activamente al leer entre líneas y silencios.

Es de llamativa atención la minimalista puesta en escena compuesto únicamente por una habitación limitada, blanca y con alguna que otra mesa y silla. Éste diseño amplifica las emociones dejando que el foco principal recaiga sobre los personajes y sus interacciones. Resalta, de alguna manera, como una metáfora del vacío existencial y la confusión emocional que rodean a los personajes. La iluminación también juega un papel crucial, con una predominación de tonos blancos y fríos que acompañan el tinte introspectivo de la obra constantemente.

“La habitación blanca” es una obra íntima que dialoga (in)directamente con nosotros mediante el humor y el drama. Nos enfrenta y obliga a reflexionar sobre esos niños/as que alguna vez fuimos. La pieza teatral pone en valor el rol fundamental del docente, del ámbito escolar y de las relaciones entre compañerxs de escuela. Refleja los primeros años de nuestra infancia y en cómo eso influye en la naturaleza de las personas que somos hoy en día.

Tuvimos el gusto de asistir en Ítaca Complejo teatral a la obra “Guacho” escrita por Sandra Franzen y dirigida por Cintia Miraglia, actúa Martín Urbaneja. Es una obra gauchesca en forma de unipersonal que relata la cruda historia de un hombre marginal de campo que vive un penoso destierro en el monte y que ha encontrado, oculto con paja para que no se lo coman los perros salvajes, un bebé abandonado.

De rancho; de peón y patrón; de “La Girasol” vaca flaca; de mal tiempo y malos presagios y de dolor e injusticia están compuestas sus escenas. Una botella de bebida blanca que de a ratos este rudo hombre traga cuando se le nubla la mente y el espíritu de tanto sufrimiento, sin embargo surge un brillo en sus ojos y una esperanza de vida. Interpretado con maestría por Martín Urbaneja.

La escenografía por Víctor Salvatore y el vestuario por La Maine están muy bien realizados y denotan trabajo y esfuerzo! Las luces a cargo de Mateo García y Cintia Miraglia lograron sombríos efectos con una buena gama de claros y oscuros que la obra necesitó en su desarrollo.

La música con guitarras, bombos y la voz de María Colloca es original de Gonzalez Dominguez. Su interpretación es cálida y musical, ¡destaca también que está muy bien grabada!

La obra “Guacho” con contemporaneidad hace gran honor al teatro nacional argentino, una obra con compromiso social y artístico. Se disfrutó y se recomienda! Las funciones son Jueves 20hs en Ítaca complejo teatral, dirección Humahuaca 4027, CABA.




Matías Vanacor para la Butaca Web

El sábado 17 de agosto estuvimos presentes en el teatro «El Espión» en un Ciclo de obras cortas que se podrá disfrutar los sábados de agosto y septiembre en el espacio de la calle sarandí y que ofrece una propuesta muy agradable en el que pudimos observar tres obras muy distintas pero cada una con su propio encanto.

La primera propuesta con la que empieza el ciclo es con «Un Banco» que tiene como escenario un banco de una plaza en la que se genera una divertida situación entre sus participantes. Aquí vemos a alguien que adora un preciado tesoro, a otro que esta sufriendo por una mujer llamada Mónica y un último oportunista que entra en la confusión de estos personajes. Aquí lo interesante es la estética de los actores, que utilizan máscaras con un tono caricaturesco y que predomina lo físico y gestual sobre los diálogos pero dejando una historia muy divertida.

La segunda obra toma un tono más dramático, teniendo como protagonista a una persona que dejó escrito un deseo para que su pareja vuelva de la muerte luego de su deceso. La cuestión es que esa mujer regresa 8 años después cuando nuestro protagonista ya volvió a hacer una nueva viva y se encuentran en la noche que el le va a proponer matrimonio a su actual pareja. Lo interesante de esta obra es la forma en que realiza una satira de la burocracia «Celestial» y el dilema que tiene el hombre al querer o no explicarle todo lo que ha cambiado su vida en el tiempo que pasó. Cuenta con una buena dosis de humor y un final inesperado.

Para el final tenemos a «Piramide» donde encontramos una disnastia que padece el desquicio de sus personajes. Un aparente fantasma regresa para reclamar venganza y notar que su cuerpo ha sido profanado sin una razón consistente, lo que provoca una lucha entre los personajes. Es una propuesta muy hilarante, que destaca por sus actuaciones.

Les recomendamos a asistir a este ciclo de obras breves, ya que presenta un combo de tres historias distintas, compactas y con un encanto que nos hará pasar una agradable noche de teatro. Ya ustedes diran cual fue su historia favorita…

Ficha:

Un Banco

Dramaturgia Y dirección: Sergio Zanck

Intérpretes: Valen Brutos, Abigail Alderete, Valen Melgarejo

El deseo de horacio

Dramaturgia y dirección: Gustavo Condano
Intérpretes: Micaela Acevedo, Rodrigo Distefano, Florencia Auruccio (voz en off)

Piramide

Dirección e Intérpretes:   Thiago Abalo, Nicolás Concilio, Nacho Tabaré Demartino y Tomas Emiliano Rodini.
Dramaturgia: Una versión libre basada en un cuento de COPI.

Duración total: 60 minutos
Teatro: El Espión, Sarandí 766, CABA
Funciones: Sábados de agosto y septiembre 19:30 hs (puntual)

Por Nancy Benegas

Sinopsis:

Camilo y Belén son una pareja que intenta sostener su relación a larga distancia. Hasta que previo a su reencuentro un accidente fatal los separa. Camilo es llevado al purgatorio donde se encontrar con diferentes personajes que le mostraran que aquel lugar no es exactamente como lo imaginaba, y que la posibilidad para arreglar las cosas con su amada solo se logrará si se somete a las tareas que allí le exigen.

Reseña:

Una exquisita y sorprendente obra teatral, que combina maravillosamente el humor negro con buena música. Un guion original que en tono acido se atreve a hablar no solo de la muerte en cuestión, sino sobre el amor verdadero, las relaciones humanas, y la búsqueda de la auténtica felicidad. Sus protagonistas no solo actúan bien, sino que además tienen voces increíbles y te dejan la sensación de darlo todo; quiero hacer una mención especial para James Cowan y su Octavia Paz que son absolutamente desopilantes. Les garantizo una hora de diversión con muchas, muchas risas.

Detalle:

Los músicos en vivo suman un montón, quizás el sonido un poco fuerte (al menos wn esa función) que no dejaba entender la letra claramente al haberme sentado en las primeras filas.

Ficha Técnica
Dirección: Iñski Agustín
Reparto: Lujan Blaksley, Pato Haymes, James Cowan, Ramiro Gelvez, Romina Ruiz, Anto Fittipaldi
Año/País: 2024 – Argentina
Duración: 60 minutos
Puntaje: 9,5/10
Funciones: Miércoles 21.30, en el teatro El método Kairos, El Salvador 4530, Palermo

Tuvimos el placer de asistir al estreno de Juegos de fábrica, que se trata de una nueva adaptación del musical creado por Nicolas Manasseri y que regresó con cambios en tanto en su formato como en parte del elenco en una búsqueda de contar desde otra perspectiva una historia que supo llegar al público.

Toca aclarar que en esta versión se abandona el formato de musical, por lo que nos encontraremos con una puesta full texto pero que no significa solo un recorte del añadido musical sino una nueva estructura para contar el relato. Nos trasladan a principios del siglo xx, en medio de una gran oleada migratoria. Aquí conoceremos a Fausto, un niño proveniente de Italia, que tras tener problemas en la escuela, consigue refugio en una fábrica abandonada en la que descubre que también es la guarida de otros chicos. Es aquí donde vemos la crueldad que puede existir en el afuera pero que puertas adentro también podemos descrubir la bondad y la amistad a pesar de las adversidades.

Uno de los puntos fuertes de la obra, además del talento actoral, es la forma en la que se lleva a cabo la puesta. La escenografía denota realismo en la ambientación que quiere plarmar, pero a su vez también notamos las libertades que se tomaron para resultar imaginativo, en conjunto con un vestuario de época y una iluminación que nos lleva a lo inmersivo del relato.

Como había mencionado antes, el talento actoral también se destaca en la obra. Ya que sus actores interpretar personajes infantiles, algo difícil de hacer sin que parezca una parodia o una burla sobre la niñez.  Cada personaje esta dotado de personalidad y vamos identificandonos con todo lo que cada uno pasa a lo largo de la obra.

Juegos de fábrica es una obra que destella mucho encanto, es una opción más que recomendable para ir a ver los martes a las 20:30 en Itaca Complejo Teatral.

FICHA TÉCNICO ARTÍSTICA:


Libro: Nicolás Manasseri


Elenco:

Brian Sichel

Pedro Maurizi

Fernanda Provenzano

Martina Zapico

Victoria Casserly

Pilar Dantin


Vestuario: La Costurera Teatro

Escenografía: PHEPANDÚ

Diseño de luces: Nicolás Manasseri – Fernanda Provenzano

Diseño gráfico: Mariano Morelli

Asistencia de Dirección y General: Matías Zajic

Asistente de Producción: Leila Assad

Puesta en Escena – Dirección de actores y Dirección General:  Nicolás Manasseri

Producción Ejecutiva: PHEPANDÚ       Producción General: PHEPANDÚ

Por  Nancy Benegas y Romina Robledo

Cuatro amigas dispuestas a un desafío físico, mental y personal. El objetivo: hacer cumbre en la montaña Fitz Roy, situada en la frontera entre la Argentina y Chile. Diversas y opuestas personalidades decididas a escalar 3.405 metros de altura para llegar al límite de la cima. Pero no solo se será una aventura de esfuerzo físico sino también un encuentro con conflictos, secretos y confesiones que se revelarán a lo largo de la obra poniendo a prueba el valor de la amistad, la confianza y el deseo por lograr aquello que parece inalcanzable.

Fitz Roy, Secretos de montaña es producida por Diego Romay, y tras dos exitosas temporadas en España, hace base en Argentina en el Teatro Metropolitan. Esta obra es protagonizada por Romina Richi, Laura Novoa, Leonora Balcarce y Mara Bestelli. La montaña, fría y desoladora, ocupa toda la escenografía y bajo una tormenta de nieve, las actrices toman su lugar para guiar al público en esta aventura. Las dificultades que atraviesan las escaladoras permiten las risas dentro la sala, la comedia es protagonista, pero existen momentos dramáticos en donde la amistad tiene el rol principal.

A medida que avanza la obra, los dramas y las disputas entre estas amigas aparecen y complican el objetivo de llegar la cima.
Secretos de montaña aborda diversos temas y produce una toma de conciencia y empatía hacia con el público. Laura Novoa, asume la responsabilidad a través de su personaje, Julia, de describir el proceso de aceptación de un diagnostico con el que convive en secreto, este hecho cambiará el curso de la obra.
De pie y entre risas y lágrimas el público aplaudió a estas actrices y al gran equipo que estrenó el pasado ocho de agosto en calle Corrientes.


Ficha Técnica
Dirección: Mariana Chaud
Reparto: Laura Novoa, Romina Ricci, Mara Bestelli y Leonora Balcarce
Año/País: 2024 – Argentina
Duración: 87 minutos
Puntaje: 8/10
Funciones: jueves y sábados a las 20 horas, viernes y domingos a las 19 horas en el Teatro Metropolitan, Sala 1 Av. Corrientes 1343

Asistimos a la obra “ Matar a un elefante” en Espacio Callejón, obra que después de una exitosa temporada en el Teatro Nacional Cervantes tuvimos oportunidad de verla en una nueva temporada y en un nuevo espacio. Escrita y dirigida por Franco Verdoia, actúan Gabriel Carasso, Berenice Gandullo, Julieta Lastra, Gerardo Serré y Sebastián Suñé.

Es una historia que transcurre en un pueblo de Córdoba donde un grupo de amigos reciben sorpresivamente la visita después de mucho tiempo de su amigo de la infancia Amadeo. Amadeo( Sebastián Suñé) es un consagrado artista visual, ahora declarado persona no grata en el pueblo por una puesta artística visual controvertida, es tío padrino de la adolescente hija de su amigo Julián( Gerardo Serré) y el motivo de su paso es la venta de una casa familiar. La trama se desarrolla alrededor del misterioso y aberrante asesinato del elefante del circo, el policía y amigo del grupo( Gabriel Carasso) perdió su arma reglamentaria.

En cuanto a la puesta e interpretación es de una particularidad y una buena cualidad premeditada que los actores sean cordobeses, este trabajo enriquece y significa el texto y además es un gran equipo que genera buena energía y humor. Se ambienta todo en un clima de gran cadencia cordobesa, de cuartetazo y fernet con cola. Realmente te saca de la gran ciudad y de lo que pueda uno estar pensando en el momento de sentarse en la butaca.

El texto con un marco y una interpretación grotesca tiene una poética que enmascara sentidos profundos. De temática pueblo-ciudad y de un alguien que se fué de su pueblo y que de alguna manera sigue siendo responsable de lo que suceda por no estar. Hay algunas escenas inverosímiles y poco probables para la narrativa de realismo lineal que experimentamos, sin embargo sentimos estas escenas posibles y reales porque se logró la magia del teatro y se justifican dentro del plano de la ensoñación y el deseo.

La obra “Matar a un elefante” es una obra bien realizada, divertida y profunda. Se disfrutó y se recomienda! Las funciones son sábados 19.30 en Espacio Callejón, dirección Humahuaca 3759




Matías Vanacor para La Butaca Web

Empleado cama adentro es una obra que busca homenajear y parodiar a las telenovelas con un culebrón en sí mismo. Presentado a través del ciclo que nos recuerda a aquella presentadora que se tomaba un vino y presentaba historias en la televisión, estamos ante una puesta divertida, musical y sobre todo muy creativa.

La parodia que vemos en escena sobre Virginia Lago y su ciclo que presentaba historias matutinas, es la que da inicio a la obra. Nuestra anfitriona nos da el saludo a los espectadores y comenta con su histrionismo, la novela que veremos en el siguiente acto. Una secuencia coreografiada nos presenta el programa Empleado cama adentro , que literalmente contiene casi todos los clichés que podemos ver en las telenovelas: La familia rica , el amor entre familiares , los hijos perdidos y la venganza en sus más hilarantes formas.

El componente musical de la obra funciona como un añadido funcional a ella, complementando los recursos de la puesta escénica, utilizando coreografías perfectamente pensadas para agregar condimento a la trama, burlarse de lo que pasa y usar un poco a Disney solo porque si. También podemos notar que todo se encuentra perfectamente armado, tanto en su coreografía como en la utilización de música y luces, sin dejar nada al azar.

Lo único que la obra deja al azar, son las escenas en que el capítulo corta y volvemos al programa de Historias de corazón. El actor Julián Sierra se toma el trabajo de jugar con la improvisación, dejando lugar a los momentos más divertidos de la obra , sin desmerecer al resto de ella. Su participación funciona como una forma de acercar al público con la función y darnos a entender que toda esta propuesta está hecha para divertir, cosa que logra notablemente.

En cuanto al elenco dentro de la historia de «Empleado cama adentro», se puede destacar al equipo actoral en todo su conjunto. Las telenovelas resultan ser historias corales , donde se muestran los momentos de todos los personajes , sean principales o secundarios, teniendo giros inesperados que pueden cambiar el rumbo de cada uno y destacandose todos en ese aspecto. Matías Prieto Peccia dirige y también actúa en esta novela musical, aquí denota su experiencia en el género adaptando perfectamente estos recursos dentro de una puesta alocada pero cuidada en cada detalle.

Empleado cama adentro es sin duda una de las propuestas más divertidas que puedes ver actualmente en cartelera, además de tratarse de una obra que desborda talento tanto en su elenco como en todo el equipo creativo que hizo de una disparatada novela una gran puesta del género musical. Así que la recomendación es que te acerques un domingo a las 21 al Teatro Border porque vas a cerrar la semana, no con una sonrisa, sino con muchas carcajadas.

Ficha técnico-artística
Libro, Dirección y Coreografía: Matías Prieto Peccia
Música: Gaspar Scabuzzo y David Monteros
Dirección Vocal y arreglos corales: Sol Bardi
Elenco: Matías Prieto Peccia, Sol Aguero, Juan Lopez Boyadjian, Valentina Vicentin, Lucila Louzan,
Lu Perdigon, Javier Valdez, Dai Vera, Michu Wiernik, Julián Sierra
Covers: Renata Marino, Natalia Troccoli, Michu Wiernik
Asistente de Dirección: Tobias Wainer
Asistencia de coreografía: Tatiana Bessarez
Co-producción: Club Media y Matías Prieto Peccia
Producción Ejecutiva: Rochi De León
Asistencia de Producción: Dai Vera
Realización escenográfica: Guido Lombardo
Vestuario: Matías Prieto Peccia
Fotografía: Simon Quesada
Gráfica: Sabrina Schattner
Diseño de Iluminación: Dai Vera
Mantenimiento de Pelucas: MB Salón.

Domingos 21 hs / Teatro Border, Comunidad de arte (Godoy Cruz 1838, CABA)
Entradas: $10000, a través de http://www.border.com.ar
Duración: 80 minutos

La magia de Galicia hace su aparición en Buenos Aires

Al noroeste del reino español, límite con Portugal y al norte del océano cantábrico se encuentra Galicia, una región autónoma de tradición milenaria que combina sus orígenes celtas con las tradiciones latinas y modernas que influyeron en su historia.
En Argentina se suele llamar de forma coloquial »Gallegos»a todos los españoles sean o no de Galicia, la razón se debe a que dos millones de gallegos emigraron a Argentina entre finales de siglo XIX y la primera mitad del siglo XX. El país quedó impregnado de esta rica cultura junto a la italiana y la criolla, pero algo que notamos en nuestro folclore, especialmente en la chacarera, son los pasos de la música tradicional, la llamada Muiñeira.

Fundado en 1986, el grupo Alxibeira se dedica a mantener vivos los bailes tradicionales, esenciales de su patrimonio cultural. El repertorio incluye músicas y bailes representativos de Galicia con músicos en vivo. Este ballet es oriundo de Narón, ciudad de la provincia de A Coruña. Su trayectoria ha abarcado ciudades como La Habana, Santiago de Chile, Berlín, Varsovia, París, Sao Paulo y ahora por primera vez en Buenos Aires.

El grupo dirigido por Quique Peón nos regala un show inolvidable de noventa minutos donde nos vamos a enamorar de la cultura gallega; mediante música tradicional, danza y canciones, más de treinta artistas oriundos de Narón muestran su cultura con orgullo.

El grupo consta de un grupo de gaita y percusión dirigido por Lorena Barea, un quinteto de pandereteiras a cargo de Belén Mato y la coreografía de Zaira Regueira. Para este trabajo se hizo un trabajo de investigación minucioso, etnomusical y etnocoregrafico. Quique Peón viaja hasta el último rincón de Galicia para documentar la tradición más celta y medieval posible, obteniendo así un resultado exótico y cautivador.

El show consta de una voz en off que nos introduce a la historia de Galicia en los entreactos. Un grupo de más de diez bailarines de edades mixtas que interpretan las danzas típicas gallegas. Unas talentosas intérpretes de vocales Pandereteiras y los músicos de gaitas y percusión el cual nos llevarán a tierras celtas.

El reino español consta de una diversidad tan rica dentro de sus naciones, no es sólo flamenco, es muchisimo mas. El ballet Alxibeira viene con alegría a Buenos Aires con la finalidad de mostrar la cultura gallega al mundo, pero también para hacernos viajar en el tiempo en una tierra que no quiere ser olvidada.

Este espectáculo fue presentado en el Auditorio Belgrano y tendrá presentaciones este 13 y 14  de agosto en el Teatro El Plata en Mataderos.

Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.