¿Una versión de ”Romeo y Julieta”? Sí, no, en parte. Obra que dialoga y acompaña, a la vez que cuestiona, al clásico shakesperiano. “Patricio y Julieta” de Toto Castiñeiras se presenta todos los viernes a las 20:30hs en el CC Rojas.

La juventud y el cachetazo que produce el amor, la pasión. Un ensayo que rompe la tragedia conocida y la juega. “Romeo y Julieta” atraviesa ese todo, pero no lo concluye. “Patricio y Julieta” es una prueba carnosa, física, transpirada y deseante.
Como en otros trabajos del director (Toto Castiñeiras), la repetición, tanto textual como física, es un elemento clave. Llevar hasta el desglose y el mínimo detalle un mismo movimiento y texto. El conflicto es ese otro con el que se producen agarres y distancias, silencios y verborragia.  Patricio y Julieta son actuales, aunque también podrían ser de otro tiempo. El clásico habilita ese abordaje infinito. Los dos jóvenes se desean y están dispuestos a todo. Sobre los techos forman algo nuevo. Será que todavía vale la pena la acrobacia poética de encontrarse.
Una obra que también es cuadro. La noche y su poca claridad apenas interrumpida por focos de luz que crean atmósfera. Ahí, el deseo y las formas de habitarlo cobran cada vez más presencia. En esa oscuridad llena de sombras se vive el derrotero de un amor nacido para morir.

Patricio Penna y Julieta Raponi cargan con la mochila de destruir y construir un clásico- otro. En sus cuerpos, las marcas del ahora en diálogo con el pasado, esa historia vista y re-vista. Ambos encarnan la vorágine y la desesperación de amar, se prestan al juego vertiginoso y transpiran la escena sacando sonrisas y momentos de tensión y suspenso entre el público. Lo paródico atraviesa la obra. El juego con el clásico, la exposición del artificio del teatro a partir de los propios actores moviendo luces, pidiendo “apagón”, repasando en voz alta las marcas coreográficas. Patricio y Julieta van y vienen entre esos personajes ficticios que son y esos actores homónimos que ensayan.
Entre tanto despliegue físico y catarata poética, los momentos de detención y silencio son joyas que quedan grabadas. Ahí donde esos dos se respiran, el amor. ¿Y después? La muerte.

En “Patricio y Julieta” nadie se rinde. Amar es una apuesta verbal y física, un ensayo siempre inconcluso.
“Patricio y Julieta” – Viernes 20:30 – Centro Cultural Ricardo Rojas (Av. Corrientes 2038)
FICHA TÉCNICO ARTÍSTICA
Autoría, dirección, vestuario y diseño de iluminación: Toto Castiñeiras/ Intérpretes: Patricio Penna, Julieta Raponi/ Realización De Iluminación: Valeria Junquera/ Operación técnica: Charo Cottier/ Fotografía: Bernabé Rivarola/ Asesoramiento de iluminación: Alejandro Le Roux/ Asesoramiento de vestuario: Daniela Taiana/ Asistencia técnica y asistencia de dirección: Ián Martin

Escribió: Micaela Steinbach

Una coproducción de la compañía catalana T de Teatre y la compañía argentina Teatro Futuro visitó la Casacuberta del Teatro San Martín. “La mujer fantasma”, estrenada en el Teatro Romea de Barcelona en 2023, estuvo en la cartelera porteña del 13 al 23 de junio.

Años 70s, cuatro maestras de un mismo Liceo, cuatro historias desconectadas y conectadas al mismo tiempo. Delia es abandonada por su marido; Lena cuida de su madre en la enfermedad y mientras tanto se enamora del médico que la atiende; Iris se vincula con una profesora de gimnasia a quien abandona por salirse de la norma heterosexual; Nadia es desplazada de su cargo por sufrir un brote y se encarga de dirigir la obra de teatro de la escuela: Macbeth. Las une la pérdida, el duelo, la soledad. Cada una acarrea sus propios fantasmas. El teatro como lugar para contar la ausencia.


Mariano Tenconi Blanco (dramaturgo y director) diseña un collage textual y sonoro que atraviesa toda la puesta: la narración se combina con cartas, poemas, música. Una voz en off prologa y separa los cuatro monólogos, ella reflexiona sobre el teatro y su función social.  De lo singular a lo colectivo, de lo ingenuo a lo político.


Mamen Duch, Marta Pérez,Carme Pla y Àgata Roca encarnan a estas mujeres verborrágicas que hablan con esos otros invisibles. Las cuatro generan un código histriónico a la vez que simple. Las imágenes se construyen en un espacio semivacío. Después del último monólogo, la obra se quiebra: esas maestras encarnan ahora a cuatro actrices fantasmas fusiladas. De evocadoras pasarán a ser evocación. Actuaciones delirantes que instalan la risa y el suspenso entre el público. 


Un espacio con pocos elementos escenográficos que actúan como “comodín” en cada monólogo y construyen la oficina, la mesa, el consultorio, la clase. Elementos móviles y blancos que dan una apariencia extrañada: todo junto en ese aula-teatro-auditorio- limbo.


Los músicos (Ian Shifres, piano, y Lucía Gómez, violonchelo) están en escena e interactúan con las actrices potenciando los relatos. Su presencia es también espectral, entre el estar y no.




“La mujer fantasma” reflexiona sobre el teatro  en su capacidad evocadora de volver carne la memoria. Una obra que se pregunta sobre el hacer, el espacio teatral y su función. La ficción para contar lo aparentemente imposible y, quizás, más real; para no olvidar el pasado del que, finalmente, nadie nunca se puede desligar.


FICHA TÉCNICA


Dramaturgia y dirección: Mariano Tenconi Blanco/ Elenco: Mamen Duch, Marta Pérez, Carme Pla, Àgata Roca/ Músicos en escena: Ian Shifres (piano), Lucía Gómez (violonchelo)/Voz en off: Elisabet Casanovas 


Escribió: Micaela Steinbach

Por Sofía Luna Roberts


La historia imaginaria de un joven Frank Sinatra que acude a los consejos artísiticos de un inmenso Carlos Gardel, tiene lugar arriba del escenario y nos invita a que seamos parte del lazo único que se formará entre dos grandes artistas consagrados en el tiempo. Por cuatro únicas semanas, se estará presentando el musical “Cuando Frank conoció a Carlitos” en el Teatro Presidente Alvear, Av. Corrientes 1659.

El telón se abre frente a nosotros y el escenario nos muestra a Carlitos Gardel actuando en la NBC de New York. Mientras se encontraba en su camarín, Frank Sinatra golpea su puerta en busca de un cierto apoyo vital que solamente el Zorzal Criollo podrá ayudarlo. La puesta en escena está ambientada en la New York de los años ’30, la escenografía nos transporta a difrentes ambientes de la trama con una rítmica admirable manteniéndonos atentos a lo largo de toda la obra. Con dirección de Natalia del Castillo y autoría de Raúl López Rossi y Gustavo Manuel González, la historia trata del encuentro único e imaginario entre estos dos personajes cuyas identidades se complementan y se influyen mutuamente para descubrir nuevas perspectivas de la vida.


Oscar Lajad interpreta a Carlitos con gran carisma y vitalidad. Pone el cuerpo y, sobre todo, la voz del optimismo en la obra. Su energía es contagiosa y con un poder nostálgico, que nos palpita en lo más profundo de nuestro sentir argentino. Su visión positiva de la vida crea un fascinante contraste con la personalidad de Frank aportando un interesante equilibrio que se mantiene en el dinamismo de la historia. Alan Madanes se convierte en un joven Frank Sinatra de 19 años que transmite una profunda sensación de vulnerabilidad y esperanza. La evolución del personaje es notable ya que va cobrando confianza en el desarrollo de la pieza. Esto se evidencia en sus movimientos corporales más acentuados y en su indiscutible participación vocal, reforzando cada vez más, las emociones y el sentir en cada nota de sus canciones.


Dichas actuaciones están acompañadas por una orquesta en vivo de doce músicos dirigida por Nicolás Posse. La banda sonora es variada y rica en composiciones brindando un tinte mágico a cada canción que ayuda al desarrollo de los personajes en escena. “Mi Buenos Aires querido”, “Caminito”, “Por una cabeza” son algunos de los temas que se escuchan y vibran en el teatro. Están cuidadosamente integrados en la narrativa reforzando la nostalgia y las emociones de estas melodías tan conmovedores. También la coreografía es otro punto fuerte del musical. Con dirección de Verónica Pecollo, los números son bien ejecutados ya que no sólo impresionan visualmente, sino que también aportan profundidad a la historia a través del movimiento y la expresión corporal por parte de los bailarines. Añaden una dimensión extra a la experiencia teatral que nos sensibiliza aún más como espectadores.


El musical muestra, a través de la relación entre Frank y Carlitos, los dilemas que tienen que ver con la búsqueda de la identidad, la importancia de las segundas oportunidades y la fuerza vital que se necesita para levantarse nuevamente si fallamos en el intento. La obra no sólo entretiene, mediante la jerga del humor criollo, sino que también toca profundamente el corazón del público, ofreciendo una vivencia teatral significativa. Porque más allá del impacto performático, los personajes nos enseñan la importancia de expresar lo que uno siente con la mayor pasión posible y encontrar ese lugar de pertenencia a quien dedicarle nuestras mejores canciones.

Romina Robledo

Luego de ser un éxito rotundo en el 2019 en Sídney, y tras varias temporadas en Londres, Nueva York y Madrid llegó al Multiteatro Comafi, «Prima Facie», de la dramaturga australiana Suzie Miller.

Esta obra se estrenó bajo la dirección de Andrea Garrote y es protagonizada por Julieta Zylberberg. La producción general está a cargo de Valentina Berger, Sebastián Blutrach y Tomas Rottemberg.

Prima Facie, es una obra que se divide en dos actos en los cuales la protagonista invierte su rol de abogada penalista especializada en la defensa de acusados de delitos sexuales a víctima de una violación.

La obra es un monólogo dramático que no tiene desperdicio alguno. La actuación de Julieta, es absolutamente descriptiva y su interpretación corporal logra hacer cómplices y testigos a los espectadores; quienes en sus butacas visualizan en su imaginación a cada uno de los personajes, escenarios, miradas, tonos, juicios y prejuicios narrados por la actriz. A su vez, la protagonista, genera sonrisas y guiños de humor que se traducen en risas que resuenan en la sala. Esta obra es disruptiva e incómoda en ciertos momentos, lo que genera aún más tensión.

Defensora, abogada y víctima. Romina (Julieta Zylberberg), es una exitosa abogada penalista, de familia humilde, pero con gran esfuerzo logró el éxito y el respeto de sus pares. Su personalidad se muestra fuerte, coherente y lo suficientemente arrogante como para defender un sistema legal en donde la ley es el debido proceso y ella solo es un engranaje necesario para que el sistema funcione. La joven abogada conoce las reglas del juego judicial. Sin embargo, en el momento que pasa a víctima, cambia su visión del sistema al que pertence y defiende.

La obra invita al público a cuestionar como se observa y se juzga, sin tener en cuenta el shock traumático de las víctimas de violencia de género.

Prima Facie, se puede ver en el Multiteatro Comafi, todos los lunes y martes a las 20.15 horas. Las entradas se pueden adquirir por Plateanet o en la boletería del teatro. Tienen un valor de $23000.

Irlanda en la ciudad de la furia

De la gran oleada de inmigración europea  a finales del XIX y comienzos del XX, la más importante fue la italiana, seguida por la española y la polaca, sin embargo hubo otro grupo que también llegó a Argentina con una mano atrás y otra adelante: Los irlandeses. Conocidos por sus duendes, San Patricio, cerveza, alegría, los scons y la gaita.

Buenos Aires fue una puerta para que estas comunidades comenzaran de nuevo y crearan una nueva Argentina. Sacrificio, trabajo pero también situaciones hilarantes marcadas por el choque cultural, todo es cuestión de suerte y esto es lo que buscaban estos inmigrantes, un trébol de cuatro hojas.

»Empujados por la Gran Hambruna de la papa, entre 1845 y comienzos del 1900, miles de irlandeses abandonaron sus tierras en busca de nuevos destinos.La joven Mary es enviada a Buenos Aires por su familia, con el anhelo de darle un futuro mejor y para concretar el matrimonio arreglado con Dido, su novio irlandés ya instalado en la Argentina». Esta es la reseña de Shamrock, obra original de Branda Howlin y dirigida por Nano Zyssholtz.

Justina Grande, Pablo Kusnetzoff, Gabriel Paezcy Caro Setton son los protagonistas de esta comedia de época. Los actores ejecutan personajes carismáticos en una Buenos Aires a comienzos de 1900. Con un libreto rítmico y clásico, los actores usan mímica, histrionismo y fuerza.

Marcos Murano es el responsable de la escena. Un telón negro, luces sepia y un kiosko movible que se transforma en distintos escenarios, haciendo de la obra minimalista y práctica con esta escenografía portátil.

Como buena obra de época, el vestuario no puede faltar, para eso Julieta Harca sabe cómo adaptarla y  vestir a sus personajes.

Shamrock es una obra divertida, jocosa y encantadora. Una de las millones de historias que seguramente ocurrieron durante la oleada migratoria. Irlandeses con sus tréboles en la ciudad de la furia.

Shamrock está disponible los viernes en el Teatro Beckett.

Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

Tuvimos el gusto de asistir a la obra “La gravedad de las burbujas” en el Teatro Camarín de las Musas. Escrita y dirigida por Juan Pablo Galimberti, es una propuesta bien interesante donde varias historias se desarrollan en paralelo compartiendo el mismo espacio y tiempo escénico. Una pareja en crisis; dos amigos que se encuentran y se reprochan y se reconcilian; dos amantes casuales en una noche apasionada y un músico que observa y mantiene conversaciones telefónicas con su madre envuelto en artefactos visuales y sonoros.

Actúan Ignacio Bresso, Pablo Dos Reis, Francisco González Gil, Sol Kohanoff, Catriel Kucharczuc, Julián Marcove, Franco Moix y Luciana Vitale. Todos ellos hicieron una gran labor escénica de sincronía y conjunto, resultando un abanico de personajes bien interpretados por los actores y bien escritos y dirigidos por su autor/director.

Se destaca el gran trabajo de escenografía ambientada en un departamento completamente funcional que nos permite fácilmente sumergirnos en esta propuesta. En lo musical pudimos escuchar en guitarra y voz una versión intimista de “Canciones para los días de la vida” de L.A Spinetta al comienzo a modo de apertura y luego más adelante de la obra otros clásicos del rock nacional, también en guitarra y voz, en una escena de clima nostálgico, de euforia y embriaguez. Buenos momentos musicales combinados con lo actoral.

La obra “La gravedad de las burbujas” es una obra experimental de situaciones cotidianas pero con la fenomenología de un “algo” que está en ebullición; de delicadas pompas en el aire y con un apagón que congrega por un momento mágico y significativo todos los personajes. Conceptos y símbolos profundos del ser y del arte que nos hacen reflexionar y reconocernos, se hizo lugar también al humor(infaltable) y a un dramatismo mínimo.

Muy buena obra, se disfrutó y se recomienda! Las funciones son viernes 20:30hs en el Teatro Camarín de las Musas



Matías Vanacor para La Butaca Web

De cara a las vacaciones de invierno, se estrenó recientemente la obra «El Principito: Una aventura musical» con una imponente producción en el Teatro Opera. En una versión moderna en algunos detalles, la obra logra plasmar en el escenario un texto, que si bien puede ser difícil de adaptar, resulta encantador por su historia y emotivo mensaje.

Juan Pablo Baglietto toma el papel de Saint Exupery que tras quedarse con su avion descompuesto se encuentra con «El Principito» y lo hace participe de sus aventuras. En estas aventuras comenzamos a recorrer los planetas que visita este curioso personaje y es ahí donde disfrutamos variados y entretenidos números musicales en cada recorrido. Aquí vemos a alguien que tiene una pasión particular por la bebida, alguien obsesionado con el poder, un zorro que quiere ser domesticado y un personaje que sólo conoce la fama como estilo de vida. Cada de estos números están planteados de forma ingeniosa, a los que le sumamos también al reconocido personaje de la serpiente, que tiene una aparición más recurrente ya que va preparando el momento  clave para la historia.

Si hay algo más que destacar además del trabajo de todos los artistas en escena es el nivel de producción con el que cuenta la propuesta, usando una imponente plataforma en el que se montan los escenarios de la historia, un avion que es un elemento importante en uno de los personajes y una serie de recursos audiovisuales que funcionan para narrar todas las aventuras que suceden en el cuento.

El Principito: Una aventura musical es una buena opción para estas vacaciones de invierno con la adaptación de una historia conocida por muchos pero que le agrega el ingrediente de show que sobresale por el nivel de producción y el talento de sus artistas.

FICHA TÉCNICA



ELENCO
JUAN CARLOS BAGLIETTO: EL AVIADOR
WALLAS: EL REY
ROBERTO CATARINEU: EL ZORRO
CARLOS MARCH: EL BEBEDOR
FLOR OTERO: LA SERPIENTE
JOAQUIN BAGLIETTO: HOMBRE DE NEGOCIOS
ZAINA: EL VANIDOSO
LUIS RODRÍGUEZ ECHEVERRÍA: EL PRINCIPITO
VALENTINA PODIO: LA FLOR



BAILARINES: SERGIO CABRERA – AYELEN CERQUEIRO –  NICOLAS CRISTODERO – JOSE DIAZ – QUIMEY FRANCO – TATO ORTIZ – MACA PALERMO – MARIA LINA SOLE



DIRECCIÓN GENERAL: EDUARDO GONDELL

OBRA ORIGINAL DE: ANTOINE DE SAINT EXUPÉRY
ADAPTACIÓN DE: CARMEN CASTELLI

LETRA Y MÚSICA CANCIONES: RAQUEL RATTI / EDUARDO FRIGERIO
PRODUCCIÓN MUSICAL: JULIÁN BAGLIETTO
DIRECCIÓN COREOGRÁFICA: LAURA CATTALINI ¨CATTA¨
DIRECCIÓN DE PRODUCCIÓN DE AUDIOVISUALES: JUAN MANUEL RIPARI
PRODUCCIÓN DE VISUALES 3D: DIEGO ¨ROSCA¨ ROZEK
PRODUCCIÓN DE VISUALES 2D: SEBASTIÁN RAMSEG

DISEÑO DE PRODUCCIÓN GENERAL: JUAN MANUEL RIPARI para V8
DISEÑO DE ESCENOGRAFÍA: MARIANO SMALDINI
DISEÑO DE VESTUARIO: ALEJANDRA ROBOTTI
DISEÑO DE SONIDO: EUGENIO MELLANO LANFRANCO
DISEÑO DE LUCES: ARIEL “GATO” PONCE Y LEANDRO FRETES
DISEÑO DE MAKEUP y CARACTERIZACIONES : GUILLERMINA FERNANDEZ
DISEÑO DE PEINADOS: CLAUDIA ZUCCHI y MIGUEL ÁNGEL GONZÁLEZ PARA MB SALON 

PRODUCCIÓN EJECUTIVA: STELLA MARIS BLANCO
PRODUCCIÓN DE CONTENIDOS Y COMUNICACIÓN: M.CECILIA CALLES
PRODUCCIÓN INTERNACIONAL: MARCELO CHAO
MANAGEMENT DE PRODUCCIÓN: SEBASTIÁN VÁZQUEZ – M. EUGENIA SANCHO GOÑALONS – TOMAS BRU MASSA
COMPANY MANAGER: KARIN HÖHN
ASISTENTE DE DIRECCIÓN: GERMÁN CRIVOS
ASISTENTE DE COMUNICACIÓN Y PRODUCCIÓN: ANTONIA MASSA

PRODUCCIÓN TÉCNICA: FER “FELPA” ESCOBAR
STAGE MANAGER: CAROLA GOLDMAN

PRODUCCIÓN GENERAL: CLUB MEDIA – ALEPH MEDIA – CARLOS MENTASTI.

PRENSA & PR: @moods.agency LEANDRO CERUTI y LOLA BARREDO
DURACIÓN: 1,30 hs.

Un unipersonal sin Julie Andrews pero con una gran Lucila Gandolfo

Este año se cumplen sesenta años del estreno de Mary Poppins, musical britànico que lanzó a la fama a Julie Andrews, actuación que le valió su primer y único Oscar; un clásico difícil de borrar de la memoria colectiva y que traspasa generaciones. ¿Quien no ha cantado sin enredarse la lengua Supercalifragilisticexpialidocious?, ¿O imaginado poder volar con un paraguas o cantar en la libertad de una montaña?

Julie Andrews ya tiene 88 años y es una de las pocas leyendas vivas del Hollywood de oro. Un homenaje a esta actriz es un gran desafío, pero Fernando Alibarranate y Julio Panno se arriesgan y nos traen  »Una película sin Julie’

»La ilusión y la desilusión, la valentía y el temor, el ser o no ser nutren está bella, profunda, divertida, dolorosa y esperanzadora historia donde Julie, por presencia y por ausencia, es la coprotagonista, de la cinematográfica y musical vida, de Miss Catalina Lonely». Esta es la sinopsis de la obra original de Fernando Albinarrate la cual surgió de una idea de Lucila Gandolfo.

Lucila Gandolfo nos regala una de sus mejores actuaciones al pasar por las diferentes edades de Catalina Lonely, un personaje ficticio pero que puede ser cualquier persona influenciada por Julie Andrews o cualquier artista musical de la época dorada hollywoodense.
Gandolfo pasa por la niñez, adolescencia, adultez temprana, madurez e inicios de la vejez en esta obra, para ello sus dotes actorales son una muestra de excelencia. La actriz cambia de voz, expresión corporal y sincronía para ligeros cambios de maquillaje y vestuario en vivo, todo mientras canta las canciones de La novicia rebelde y Mary Poppins en un perfecto inglés y bajo una talentosa voz.

Miguel Ale Granado y Julio Panno son los encargados del escenario el cual consta de cuatro sillas, una mesa, un piano, una tela verde y un paraguas colgado a la espera de que la actriz vuele como lo hizo Mary Poppins. Panno también se encarga del diseño de luces dando especial énfasis en el paraguas, este se va a reflejar a medida de que la actriz vaya desarrollando la historia de su personaje.

La música en vivo es el apartado que trae la magia para la voz de Gandolfo,  nos mete en un musical de la década de los sesenta. Fernando Albinarrate y Nicolas Di Lorenzo son los encargados de revivir las partituras de estos clásicos del cine.

Una película sin Julie es una obra esencial que nos lleva a la infancia. Tierna, conmovedora y con la gran moraleja de seguir soñando y no dejar la música atrás. Una Gandolfo en la piel de Julie Andrews y por un instante, la misma Julie en el Teatro Maipo.

Disponible los Jueves a las 20 horas en el Teatro Maipo.

Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

Waterloo: Summer night city es un musical de producción nacional que nos trae una historia ambientada en los años 80’s y también de ABBA para desarrollar las aventuras de los personajes. Se trata de una obra que cuenta con mucho talento que sabe desenvolverse en el escenario y que nos otorga un buen homenaje para los fans de la banda sueca.

Es cierto que es inevitable pensar en Mamma Mia por el hecho de tratarse de un musical inspirado en ABBA, también teniendo en cuenta que dicha obra se encuentra actualmente en cartelera, pero la realidad (sea intencional o no) son claras las diferencias y a la vez es un complemento al compartir algo fundamental, su música. Acá vemos una serie de historias que se ven impulsadas por el pesar de Emma, que al terminar con su novio decide emprender en una tarea que le permita salir adelante. Es así como aparece la disco Waterloo que está en la búsqueda de la próxima «Dancing Queen», este concurso trae aventuras, amores y la aparición de personajes que también tienen algo que contar.

Más allá de la historia de amor de la protagonista, un personaje que llega a robarse el show es el de Lady M, una drag queen interpretada por Naza Marozzi que resulta ser quien retenía el trono de dancing queen durante varios años pero que en esta ocasión las cosas estaban sometidas al cambio, y por ende, al desarrollo de su personaje. Puede que haya hecho un párrafo aparte en esto, pero el carisma que destella y como conduce los tramos que resultan un show durante la obra, merece destacarse.

El hecho de decir que la obra cuenta con un argumento simple, no hay que tomarlo como algo malo. Lo narrativo cuenta con un carácter muy distendido, esto para hacer posible sus pasos de comedia, en donde lo que quizás puede parecer cliché, está en función de que el público lo pase bien y podamos disfrutar de los números musicales en consecuencia, y voy a decir que esto está bien logrado ya que el disfrute en general está garantizado.

Uno de los aspectos más destacados de la producción son sus números musicales, esto no se debe solo a una cosa. Primero hay que destacar la labor de los artistas en todo su conjunto, porque realmente cantan bien e interpretan de manera destacada las coreografías y las canciones, que son el elemento fundamental de la obra. Mención especial para Georgina Tirotta, quien estuvo a cargo de las coreografías, que ha logrado un trabajo muy dinámico con todo su elenco.

Waterloo: Summer night city es una obra más que disfrutable, donde tenemos una historia divertida complementada con el talento de los artistas que dan grandes números musicales, sin olvidar algo importante, la música de ABBA. En cuanto al repertorio , claramente hay que decir que las canciones más iconicas de la banda están presentes aunque también deja espacio para otras canciones que están fuera del top de reproducciones. Waterloo es una fiesta que se puede disfrutar los martes en el Teatro Metropolitan.

Funciones: Martes 20:30 horas en Teatro Metropolitan

Entradas por Plateanet

Duración: 80 minutos

FICHA TÉCNICA
IDEA ORIGINAL: Loli Miraglia
PRODUCCIÓN GENERAL: SDO ENTERTAINMENT de Loli Miraglia y Lucas Mentasti.
DIRECCIÓN GENERAL: Nicolás Sorrivas
MÚSICA Y LETRAS: ABBA
LIBRO: Loli Miraglia, Nicolás Sorrivas
PRODUCCIÓN MUSICAL y ARREGLOS: Nech Miraglia
DIRECCIÓN VOCAL: Pablo Arias García
ASIST. DE DIRECCIÓN VOCAL: Anahí Core
COREOGRAFÍA: Georgina Tirotta
ASIST. COREOGRAFÍA: Delfina Dilavello
ASIST. DIRECCIÓN: Natalia Rios
PRODUCCIÓN EJECUTIVA: Shirly Lapides
STAGE MANAGERS: Shirly Lapides y Natalia Rios.
MAIN STAGE: Carolina Perrotta
ASIST. PRODUCCIÓN: Ines Rodriguez Berdier, Chiara Chevalier, Gaspar Dallinge, Tomás Salvador,
Martín Palladino y Manuela Hyland.
DIRECCIÓN DE ARTE: Nicolás Sorrivas
DISEÑO DE VESTUARIO: Ana Espósito
DISEÑO DE ILUMINACIÓN: Leandro Fretes

REALIZACIÓN ESCENOGRAFÍA: Arte POP Realizaciones
DISEÑO DE MAKE UP Y PELO: Ana Paula Amaya Santi
MAKE UP Y PELO: Delfina Delpino y Ana Paula Amaya Santi
DISEÑO PEINADO PELUCA LADY M: Luciano Saccone HIlalgo
FOTOGRAFÍA: Nicolás Fernandez
ARTE GRÁFICO: Nicolás Rejlis
DISEÑO Y ADAPTACIONES: Camila Cicirone
PIANO EN GRACIAS POR LA MÚSICA: Mariano Margarit.
AGENCIA MARKETING DIGITAL: Usina Ferré
REDES SDO: Martina Benedit
PRENSA: SDO: Loreley Ramirez.
AGRADECIMIENTOS: Valeria Bafaro apoyo RRPP y Zona Cotillón de Vanesa Santillán.

Por Gonzalo Brizuela

¿De qué están hechas las siestas de la infancia? ¿Cómo se interpretan los silencios y los juegos bajo el sol? Estas preguntas resuenan en la atmósfera creada por Paula Marull en su obra «Yo No Duermo La Siesta». Marull nos sumerge en una época y un lugar llenos de inocencia y descubrimiento, donde los recuerdos infantiles cobran vida con una intensidad conmovedora. La obra se presenta en el Teatro Astros, ofreciendo funciones todos los lunes a las 20:00 hasta el 01/07.

La obra es una evocación poética de la niñez en un pequeño pueblo argentino. La trama gira en torno a una tarde a la hora de la siesta en la que dos amigas, durante un verano caluroso, exploran su entorno mientras la empleada doméstica intenta mantener el orden en un hogar lleno de amor y conflictos cotidianos. Marull logra transmitir la esencia de esos días interminables y soleados donde la imaginación es la protagonista.

La historia fluye a través de un juego constante de miradas, susurros y risas, capturando la esencia de los momentos compartidos entre los habitantes de la casa. El guión es una danza de emociones, que se despliega con una naturalidad y una verdad que toca el corazón del espectador.
Los personajes, son el corazón de esta obra. Cada actor aporta una autenticidad y una calidez que hacen que sus historias sean profundamente creíbles y conmovedoras. La interacción entre ellos está llena de matices, reflejando las complejidades de las relaciones humanas. La escenografía y la iluminación complementan perfectamente esta atmósfera, creando un entorno que es tanto acogedor como evocador. La obra también toca temas profundos los cuales, Marull, maneja con una delicadeza que permite al público reflexionar sobre sus propias experiencias y recuerdos de la infancia.

«Yo No Duermo La Siesta» es una obra que invita a la introspección y a la empatía. Paula Marull ha creado una pieza que logra capturar la esencia de los lazos que nos unen y la fragilidad de las emociones humanas con una sutileza y una profundidad que pocas veces se ve en el teatro contemporáneo.