Por Raúl Meoz

Es un secreto a voces que la dramaturgia ha dejado de ser el elemento principal de un espectáculo teatral para cederle ese espacio a la actuación y a la dirección. Hoy en día la figura del director es la más importante y, en los Gestos bárbaros, se justifica perfectamente.

Los gestos bárbaros no es ajena a la época en la que le ha tocado vivir, es decir, se luce mucho más en la dirección/actuación que en la dramaturgia. En el primer aspecto, es una obra impecable, con interpretaciones detalladas y pasionales, que consiguen congelar el tiempo con una sola mirada. Precisamente cada gesto está dotado de algún tipo de simbolismo (algunos más evidentes que otros) que confecciona una red de relaciones entre los personajes. Un punto a favor es que los actores se encuentran siempre en escena, aunque no formen parte de la secuencia mostrada. Si no son el foco de atención, se encargan de reforzar su estatus de personaje mediante interacciones secundarias con los otros. Los actores consiguen dotarle de una tridimensional a este texto.


Elenco (por orden alfabético) VALENTINA BASSI, FRANCISCO BERTÍN, MATILDE CAMPILONGO, LAURA NOVOA, IGNACIO RODRIGUEZ DE ANCA
Diseño de escenografía MARCOS DI LISCIA
Diseño de luces ALEJANDRO LE ROUX
Diseño de vestuario LARA SOL GAUDINI
Música y diseño sonoro DANIEL MELERO
Realización Sonora NICOLA CARRARA
Diseño gráfico DIEGO HERAS
Autor JUAN IGNACIO FERNÁNDEZ
Producción Ejecutiva YANINA MARTINO
Asistencia de Dirección MARCELO FABRONI
Asistencia Artística JULIANA IANNICCILLO
Dirección CRISTIAN DRUT

El domingo pasado tuvimos el gusto de asistir en Timbre 4 a la obra “Noctámbula”, escrita y dirigida por Lucas Ranzani. Actúa Malena López interpretando el papel de Susana, una niñera al cuidado del “angelito” y bebé de su jefa Norma quien debido al trabajo y sus ocupaciones no puede ser una madre presente.

En principio destaca el clima logrado, con una escenografía que representa una habitación de pared empapelada con diseños de flores, alfombra de fibras, una mesa de luz y una silla de estilo, un baby call y  una tele de 14 pulgadas que está transmitiendo una escena de la película “Thelma y Louise”; y la noche la gran noche. Todo esto nos sumerge rápidamente en un mundo, en el mundo de esta pieza teatral.

La obra se desarrolla en una llamada que mantienen Susana(Malena López) y Norma
donde Susana trata de comunicarle algo importante, con desvaríos como el planteo de que el “angelito” ya habla, pero que habla como adulto! Con una escalada rápida desde lo amoroso y tierno hacia la tensión pasada más de la mitad de la obra.
Es un texto, una obra que sutilmente plantea las temáticas y las problemáticas de ser madre, del deseo de ser madre y de la posibilidad y la no posibilidad de serlo. Cuestiones psicológicas, instintivas, sociales y culturales aquí llevadas a esta obra que la justifican artísticamente.

La actuación de Malena López fué muy buena, distintos pensamientos y sensaciones nos transmitió y nos permitió. Y de hacerse frente en el escenario, en este unipersonal, eso también es de aplaudir.
En lo musical pudimos escuchar la versión “Sabor a mí” por el trío “Los panchos” con Eydie Gormé.

La obra “Nóctambula”, con una producción y elenco de jóvenes, nos regaló un buen y lindo momento de teatro! Se recomienda! Las funciones son domingos 16hs en Teatro Timbre 4.



Matías Vanacor para La Butaca Web

El homenaje y reivindicación del Teatro Nacional Cervantes a Zenón Rolón

La historia argentina tiene grandes deudas. Se suele recordar a aquellos personajes que supieron sobrevivir al paso del tiempo, aquellos que marcaron pauta en la cultura y sociedad, sin embargo hay otros que el paso de las décadas no perdonó y fueron olvidados y archivados, pero un día, finalmente obtienen la recuperación histórica. Este es el caso de Zenón Rolón.

Zenón Rolón fue un compositor de óperas, operetas, vals, cantatas y sinfonías nacido en Buenos Aires en 1856 bajo el seno de una familia afroargentina de clase acomodada. En 1895 estrena »Chin Yonk ataca de nuevo» junto Enrique García Velloso. Fue la primera y última vez que fue presentada, pero 130 años después, el Teatro Nacional Cervantes tiene el honor de recuperar esta obra bajo la dirección de Sebastián Irigo.

La trama de Chin Yonk ataca de nuevo es rara, ecléctica y difícil de montar hoy en día. La sola idea de que Jack el destripador fuera japonés y haya escapado a Buenos para seguir cometiendo sus delitos, es sin duda una locura. Fernando Albinarrate entiende la necesidad de homenajear a Zenón Rolón y a su vez reestrenar esta opereta francesa, para ello recurre a la comedia musical biográfica para escribir el libreto.

Josefina Scaglione, Nacho Pérez Cortés, Jesús Villamizar y Tincho Lups forman parte del elenco de actores y a su vez cantantes. El cuarteto de jóvenes artistas profesionales nos deleita con su carisma, entrega y sensibilidad no solo al interpretar el apartado narrativo, sino al entonar las canciones de Zenón Rolón con voces prestigiosas. 

La obra no sería nada sin el apartado musical, para ello  la orquesta Sinfónica Juvenil Nacional Libertador San Martíny el Coro Nacional de Música Argentina acompañan en la presentación, siendo este el mejor apartado de la puesta en escena. Fernando Albinarrate, Lucio Bruno-Videla y Javier Lorenzo forman parte de la dirección. La sorpresa de la noche fue el Ensamble Candombe afroporteño-Instituto de Investigación en Etnomusicología dirigido por   Augusto Pérez Guarnieri. El grupo puso a bailar a los asistentes del Cervantes, siendo  un momento de júbilo y celebración a las raíces afro de Argentina.

Chin Yonk podrá tener una trama rarísima para su época de estreno, pero conserva la visión adelantada de un músico argentino que fue consumido pero no desaparecido por el tiempo. Un hombre que deja un legado artístico no solo de la comunidad afro en el país, sino en la música y cultura. Zenón Rolón estaría orgulloso y sobre acogido con este gran homenaje.

Zenón Rolón (1856- 1902)
Disponible todos los viernes y sábados  en El Teatro Nacional Cervantes.

Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web

En 2022 se estrenaba “Subatómica”. Este domingo estarán cerrando su tercera temporada en el Espacio Callejón.

Julia está en dos dimensiones. Vive con su madre, Mariela, en una casa grande y vieja y, a la vez, vive en otra dimensión, la subatómica, basada en su fanatismo por Doctor Who. La llegada de dos hombres que buscan descifrar los indicios de un evento que excede las lógicas y teorías físicas irrumpe en la aparente tranquilidad del hogar.

El texto de Mia Miceli es dinámico. Las referencias hacia Doctor Who están integradas de tal forma que quien no ha visto la serie puede reconstruir de qué habla Julia. El público se confunde, se extraña, quizás en algún momento se pierde, pero rápidamente vuelve a conectar con el relato y lo que ocurre en escena.

Las actuaciones de  Cielo Díaz Rexach, Joaquin Garcia, Hugo Rabinovich, Valeria Roldán, Julia Zlotnik acompañan la rapidez de una dramaturgia picada. Los actores habitan una atmósfera extrañada, pasan de una dimensión a otra. Juegos vocales y físicos potencian el dinamismo que ya el texto propone.

La escenografía es austera. Una mesa, dos sillas y una lámpara ovalada por encima que tendrá un sorpresivo uso sobre el final. La casa es evocada por el manejo de las luces y de objetos invisibles, como, puertas, pasillos, habitaciones, paredes. La casa se construye sobre la nada, lo oscuro, lo vacío, allí ocurre lo subatómico.

“Subatómica“ es ciencia ficción en escena. La obra sorprende todo el tiempo. El público calla y ríe, por momentos de forma sonora y prolongada. “Subatómica” contiene algo de cinematográfico. Un trabajo del género poco común en la cartelera porteña.


FICHA TÉCNICO ARTÍSTICA
Dramaturgia: Mia Miceli/ Actúan: Cielo Díaz Rexach, Joaquin Garcia, Hugo Rabinovich, Valeria Roldán, Julia Zlotnik/ Vestuario: Lara Sobel/ Diseño de espacio: Jose Escobar/ Luces: Sebastián Francia/ Realización Audiovisual: Fermín Pedrós/ Asistencia de dirección: Armando Carcamo/ Dirección: Agustín Daulte, Mia Miceli

“SUBATÓMICA”- Espacio Callejón (Humahuaca 3759)- Domingos 21hs
Escribió: Micaela Steinbach

“Inestable”

Por Sofía Luna Roberts

La psique del ser humano contiene profundos pliegues de la conciencia que se nutren de la realidad que percibimos a través de los sentidos y las experiencias a las que estamos sometidos como sociedad. Ya desde nuestro primer contacto con el exterior empezamos a desarrollar costumbres y valores que le dan sentido a nuestra frágil existencia. Es así, como también, comienzan a aparecer otro tipo de percepción que está más ligado a los miedos, fobias, inseguridades, traumas y nos terminan convirtiendo en una persona “inestable”. El dúo Sutottos nos invita a un viaje de exploración sobre las profundidades del ser humano a través del humor y la neurosis, “Inestable” se presenta en el Teatro Picadero (Discépolo 1857) todos los sábados a las 18 hs.

Con dramaturgia, dirección y actuación de la dupla Andrés Caminos y Gadiel Sztryk, la obra nos muestra un espacio atemporal en donde dos personajes exóticos se despliegan de manera magistral exponiendo sus fragilidades y contradicciones que, con el devenir de la pieza, nos vamos dando cuenta que es inevitable sentirnos cercanos a estas ansiedades que exponen. Desde el temor a lo desconocido hasta la claustrofobia, pasando por las obsesiones y manías, la obra comienza a tomar un tinte reflexivo y nos confronta con nuestros propios miedos y cómo éstos pueden distorsionar la realidad en la que vivimos.

La puesta en escena es minimalista ya que se centra en los dos personajes y en la fuerza de su interpretación. Con actuaciones que mezclan lo clown, dramático y cómico, ambos actores logran trasmitir a la perfección las distintas emociones y estados de ánimos de los personajes (y del público también). La gestualidad y el efectivo control del cuerpo en escena es lo principal a destacar. En algunos momentos, los movimientos corporales y faciales dicen más que las palabras y logran un verdadero reconocimiento por parte del público ya que gracias a esas gestualidades absurdas generan un instante patético en donde la risa es 100% asegurada.

Me gustaría hacer una mención especial a esos momentos en donde surgen ciertos acercamientos a lo nostálgico que logra calmar las inquietudes de los personajes. Ese espacio dedicado solamente al pasado representando un puente hacia aquella niñez en donde todo era feliz y sin preocupaciones me parece muy apropiado. Hay un contraste muy fuerte entre el presente y el pasado, la vida pasó por el medio convirtiendo a estos personajes en el resultado de miles de experiencias y situaciones difíciles que tuvieron que atravesar, como todos los presentes en la sala.

El recurso del humor ácido y sarcástico se convierte en una herramienta fundamental para deshacerse de esas inseguridades y ansiedades que nos habitan. La risa nos permite procesar los miedos que los personajes representan y librarnos, aunque sea un poco, del peso que nosotros le atribuimos. El uso al máximo de este recurso es muy curioso ya que el espectador termina riéndose de él mismo. Esto es porque la obra funciona como espejo de cómo nos tratamos a nosotros como personas pensantes y sensibles en un mundo lleno de presiones, dolores, culpas ajenas e injusticias que nos empujan a cuestionar la delgada línea que separa la realidad de la percepción propia.

“Inestable” nos refleja y nos impulsa a dar un viaje de introspección de la mano del dúo Sutottos para gestionar nuestros miedos y reírnos a carcajadas de ellos. Cambiar nuestra perspectiva para empezar construir una realidad un poquito más sana y equilibrada. Presenta una montaña rusa de emociones que nos desafía para adentrarnos en esos pliegues de la conciencia y convertir nuestra verdad en algo que no nos limite más.

La autora y directora Emilse Diaz, nos trae en esta ocasión una visión deformada y exagerada, pero llena de verosimilitud, de la burocracia judicial. Podríamos decir una visión Kafkiana de un proceso judicial totalmente inhumano, despersonalizado y abrumador.

Transmite con contundencia ese efecto abrumador de la burocracia valiéndose de todos los recursos a su alcance; una escenografía gris y pesada visualmente, múltiples audios y efectos lumínicos.

Con un elenco solido ( Florencia Danza y Julián Vilar) que encuentra el tono justo para llevar el relato, con un estilo grandilocuente pero no exagerado que marida perfectamente con la sensación abrumadora de todo el espectáculo.

Un tema doloroso, que por lo general se busca evitar y del que son principales victimas los mas humildes, tratado con mucha teatralidad y sentido critico. Trabajo mas que meritorio de todo el equipo.

Viernes 20 hs. No avestruz espacio de cultura. A.R.

El sábado pasado 30/3 tuvimos el gusto y el agrado de asistir, en el exquisito Teatro Border, a la nueva temporada de “Consumo” escrita por Soledad Galarce. Actúan junto a ella, Jennifer Frank y Agustín Olcese. Es la historia de dos amigas que se encierran unos días en un departamento con sus dos notebook sobre la mesa a hacer compras online, a modo de vacaciones.

La autora, con lucidez y criterio, da con una problemática actual y hace y logra con esta comedia oscura teatral una obra contemporánea que merece elogio. Obra de carácter expresionista, con coraje y mucho trabajo detrás. La obra puede incomodarnos un poco, pero con esa incomodidad necesaria que nos mueve y nos conmueve.

La escenografía se compone de un living principal y los demás ambientes representados en pequeñas maquetas. Las paredes de cajas de cartón. La paleta de colores del vestuario y escenografía de colores verde manzana, celeste turquesa, azul turquesa, rojo anaranjado y algunos colores primarios no son casuales, deliberadamente parecieran sumergirnos en un mundo irreal, digital. Las interpretaciones son muy buenas, destaca la versatilidad de Agustín Olcese en sus varios personajes.

Sociedad de consumo, alienación, mundo virtual, conceptos y realidades se plantean aquí artísticamente. La obra no plantea del todo resoluciones y tratados para tamaña realidad actual pero reflexiona mucho. Toda la producción, también sonido y luces, y todo el elenco hacen de esta obra una obra con amor, contenido, camiseta y profesionalismo. Se pasó muy bien y se recomienda!  Las funciones son sábados 22:30hs en Teatro Border.


Matías Vanacor para La Butaca Web

Los diez años de Mi hijo camina solo un poco más lento

Hace diez años, dentro del ambiente teatral under y en un horario poco convencional (de mañana), se estrenó Mi Hijo sólo camina un poco más lento, una obra que supo soportar dos crisis económicas y una pandemia, pero hoy en día prevalece como un clásico del teatro porteño.

El texto de Ivor Martinić pasó por muchos directores y recambio de parte del elenco, la esencia estuvo allí y los porteños apoyaron este proyecto en esta década. Un drama familiar que se resume en una apropiada sinopsis:
»Branko padece una enfermedad degenerativa y rechaza la lástima de su madre, aprecia el amor de su potencial novia, sortea las miradas familiares y busca una suerte de emancipación en el marco de su condición».

Con un elenco que atraviesa todas las generaciones y experiencias conformado por: Alejandro Guerscovich, Paula Fernández Mbarak, Antonio Bax, Romina Padoan, Pochi Ducasse, Luis Blanco, Clarisa Korovsky, Aldo Alessandrini, Julia Gárriz, Gonzalo San Millán y Juan Andrés Romanazzi; Mi Hijo sólo camina un poco más lento es una comedia dramática familiar cargada de emociones.

Guillermo Cacece es el encargado de dirigir esta obra original del dramaturgo croata Ivor Martinić, el cual Nikolina Zidek traduce.  Los once actores están en constante movimiento,  a su modo, rodean un gran rectángulo donde unas sillas reposan, dentro de esas sillas hay una de ruedas, esta será el protagonista o villano. De fondo suena Nao sé va de Thiago Pethit.

El movimiento será clave en la obra. Hay personas que  no se quieren mover, otros que no se paran de mover, otros que nunca descansan y luego está Branko, quien no camina, solo camina un poco más lento.

Los diálogos son acelerados, una vez que arrancan no paran hasta que solo queda el silencio que trae la culpa y angustia de tener un familiar en silla de ruedas. Madre e hijo enfrentan esta realidad, ella desde la negación y él aceptándola.

Mi Hijo sólo camina un  poco más lento es una muestra de las dinámicas familiares marcadas por la culpa, el movimiento y el recuerdo de los tiempos mejores. Una obra que en momentos es divertida pero busca generar empatía y emoción.

La obra se despide luego de diez años de funciones, por la cual se harán diez funciones en el Teatro Alvear hasta el 14 de abril. En un futuro próximo quizá la veamos venir de nuevo.

Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

Por Raul Meoz

Quien rió último, al menos ríe

Si bien el término gaslighting ha sido usado frecuentemente en el marco del feminismo, su origen es poco conocido. Hacer «luz de gas», es decir, gas light, proviene del título de Patrick Hamilton, estrenada en 1938. La fábula de este texto se centra en el límite entre la verdad y la mentira, en la fina línea que separa la confianza de la ingenuidad, en definitiva, en la manipulación. La definición de gaslighting indica que se trata de un tipo de manipulación ejercida mediante el cuestionamiento continuo de las percepciones y recuerdos de una persona hasta el punto de que duda de absolutamente todo. Justo eso es lo que le ocurre a Bella, la protagonista de esta historia. Y justo este es el motivo por el que se utilizó este título para denominar esa estrategia.

La producción de este espectáculo es sobria y destaca más por los derroteros por los que no ha ido que por los que sí: perfectamente podrían haber decidido optar por una reivindicación política más acuciante; por estereotipar todavía más a los protagonistas; o incluso por reinterpretar la fábula; sin embargo, han sabido mantener una compostura que favorece mucho al mensaje. Julieta Bermúdez encarna a una Bella que se aleja de todo cliché; no es una loca paranoica que sucumba al torrente de psicosis y de los aspavientos, sino una persona manipulada en busca de respuestas para salir de la cárcel mental en la que se le ha encerrado. Por su parte, Gonzalo Álvarez se luce con un seductor Jack Manningham, tan seguro de sí mismo que es capaz de cautivar a cualquier ser viviente para su propio beneficio, como si hubiese nacido directamente para ser un terrorista emocional. Juntos hacen una dupla perfecta para esta relación desequilibrada, cimentada en la mentira, que se ve complementada por los personajes secundarios, bien diseñados (textualmente) e interpretados. Además, un acierto es presentar la obra en su totalidad, sin hacer recortes (al menos grandes), de manera que hay cabida para un buen desarrollo de personaje, que culmina con la risa ambigua de Bella: ¿es mejor estar loca y así no ver lo malo de las personas que nos rodean? ¿Llora porque ha visto la verdad o porque se ha dado cuenta de la mentira?

Ficha Técnica
Actúan: Julieta Bermúdez, Matías Antonio Durini, Gonzalo Álvarez, María Rosa Frega y Fiorella Luciana Muzzopappa
Diseño escenográfico: Micaela Sleigh
Diseño de vestuario: Victoria Chacón
Diseño de luces: Stefany Briones Leyton
Diseño gráfico: Lucila Getjman
Maquillaje: Ivana Ferreira
Fotografía: Nacho Lunadei
Redes: Carolina Tomé, Camila Lucía Ciarlo
Producción ejecutiva: Anggie Zamora Valladares
Asistente de dirección: Anggie Zamora Valladares
Dirección: Carolina Perrotta

Funciones lunes 20.30 hs a partir del 1° de abril
Localidades por http://www.alternativateatral.com y en la boletería del teatro
Sala: Hasta Trilce (Maza 177, CABA)

Encantadoramente desopilante por donde se la mire; desopilante el texto de Martín Bontempo que combina la triste historia de una humilde prostituta con un relato onírico con tintes de ciencia ficción. También desopilante la puesta en escena que con elementos técnicos simples, pero muy bien explotados, nos lleva a un viaje imaginario muy divertido y lleno de contenido a la vez.
Desopilante y descollante la actuación de Camila Peralta, que se apodera del texto y se monta en un recorrido por distintos personajes, que encarna con credibilidad, con un gran despliegue de matices vocales y corporales y que transmite con verosimilitud los distintos estados por los que atraviesa su personaje.

Las escenas se van sucediendo sin una correlación directa, alternando entre lo onírico y lo real, con verdaderas transformaciones muy bien realizadas; que poco a poco se van ordenando como piezas de un rompe cabezas, conformando un gran cuadro imposible de mejorar.

La explotación de la mujer, la divinidad, el mito, el convivir y aceptar un don y el limite entre la vida y la muerte, se plantean en el escenario con altas dosis de humor y fantasía; con un texto excelso y una enorme actuación. Teatro en estado puro,sin interferencias. Para disfrutar de principio a fin. Súper recomendable.

Caras y caretas 2037; Viernes y Sábados 20 hs. A.R.