Mi hermano, mi compañero, mi amigo

Los hermanos son los compañeros de la vida, un vínculo de sangre que jamás se rompe… A veces son nuestros rivales y las personas más opuestas a nosotros mismos. Tener seis hermanos significa preferencia por algunos y distancia con otros, por suerte solo tuve una hermana la cual quiero mucho pero no logro entenderla. Brotherhood describe todo este caos familiar pero en el fondo, el amor se esconde.

»Brotherhood es un momento en la vida de siete hermanos, el momento en que los padres comienzan su etapa de deterioro. Los siete enfrentarán la pérdida desde la vivencia que cada uno tuvo como hijo, desde los lugares que ocupan, sus propios miedos, egos, inseguridades, y vivencias». Es la sinopsis de la obra original de Anahí Ribero la cual se presenta en el Teatro Beckett.

Con un elenco de siete hermanos o más bien actores, conformado por Agustin Corsi, María Forni, Julia Funari, Bárbara Majnemer, Ingrid Mosches, Mariano Sacco, Alfredo Sánchez. Cada uno diferente entre sí, en edad, morfología y trasfondo pero con un mismo problema: ¿Quién se hará cargo de cuidar a los padres?

En Brothethood se juegan los recuerdos de la infancia y las vivencias del hoy. Siete adultos emparentados pero distantes, muchas excusas y peleas, secretos que salen a la luz y muy en el fondo, el difícil amor de hermanos. Ribero sabe como capturar el clima familiar que consiste en tener padres de tercera edad  en un ambiente de disputas de mesa. Cada actor estará sentado de frente en una silla e irá soltando todo lo que sienten y sin mirar al otro, los pensamientos se hacen altavoz.


Demián Ledesma Becerra es el encargado de la puesta en escena. Esta se basa en una animación que irá detrás de una pared en blanco donde están sentados los actores. El diseño gráfico irá acompañado con emoticones, chats de WhatsApp y efectos para cada personaje. Esta apuesta es ingeniosa y divertida, ayuda a darle más dinamismo  a la obra.

Brotherhood es una comedia dramática que nos hará reflexionar sobre el vínculo que tenemos con nuestros hermanos, los recuerdos que traemos desde la infancia y las risas que se vuelven cómplices en momentos difíciles. Una obra cargada de energía, humor, lágrimas  y mucha hermandad.

Disponible los jueves a las 21 horas en el Teatro Beckett.

Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

“Antígona en el baño”: una comedia que despierta la risa de los Dioses.

La trama de la obra se desarrolla íntegramente en un baño – cabe destacar una escenografía perfecta – donde Ignacia, una famosa diva de la televisión sufre una crisis de nervios antes de su regreso al teatro después de años de hacer solo televisión. Y nada menos que con el papel de Antígona. A pesar de considerar su presentación teatral como un evento de gran importancia para toda Latinoamérica, la protagonista se encuentra completamente desorientada y confunde los nombres de los personajes de la obra en un divertido trabalenguas que despierta carcajadas entre el público.

En este espacio íntimo y privado como es el baño, solo su asistente y un terapeuta excéntrico tienen acceso, intentando calmarla mientras la tragedia griega irrumpe en sus vidas.El acierto de la obra radica en cómo el contexto de la tragedia griega se entrelaza con la vida de una estrella de otros tiempos, cuya búsqueda de legitimidad artística se ve contrastada con la frivolidad de la fama y la exposición mediática.

El primer acto transcurre entre la protagonista (Verónica Llinás) y su asistente (Esteban Lamothe) que intenta calmarla con métodos poco convencionales. Y el ritmo de la obra se intensifica con la llegada del terapeuta (Héctor Díaz) un coach ontológico quien ofrece extraños métodos para calmar los nervios de la actriz, añadiendo un elemento de surrealismo a la trama.
Los tres brillan cada uno en su papel, generando momentos de humor catártico gracias a sus interpretaciones. Risas aseguradas por casi 75 minutos!!

TEATRO ASTRAL: Av. Corrientes 1639, Buenos Aires, CABA
PROTAGONISTAS:
• Verónica Llinás
• Esteban Lamothe
• Héctor Díaz
FICHA TÉCNICA:
• LIBRO: Facundo Zilberberg – Verónica Llinás
• DIRECCION: Laura Paredes – Verónica Llinás
• ESCENOGRAFÍA: Julieta Ascar
• VESTUARIO: Sofía Di Nunzio
• ILUMINACIÓN: Eli Sirlin
• PRENSA: Raquel Flotta
• COMUNICACION: Raquel Flotta
• PRODUCCIÓN GENERAL: Juan Manuel Caballé – Ricardo y José Luis Gallo

ANDREA PARISE CALAMERA

Por María Barci

“Un día de mayo de 1975, el famoso cazador de nazis Simón Wiesental recibió una inesperada visita en su oficina del Centro de Documentación de Viena. Su visitante era nada menos que Albert Speer, el ex arquitecto y ministro de Armamentos de Hitler.
¿Cuál era el motivo de este encuentro? ¿De qué hablaron? Qué se dijeron? ¿Qué diálogo era posible entre un victimario y una víctima del Holocausto?

Esta hermosa obra es protagonizada por dos grandes actores, Jean-Pierre Noher (como el cazador) y Ernesto Claudio (como el buen nazi)

Es una obra emocionante, dolorosa, que te deja pensando en la impunidad de los psicópatas para asumir sus culpas y en la fortaleza de los sobrevivientes.

Dos grandes actores que se sacan chispas, ellos solos, en casi una hora y media de función, en un contrapunto realmente interesante y muy ejemplificador.

El encuentro sucede en las oficinas de Simon Wiesental (el cazador) adonde llega una tarde Albert Speer, después de haber estado en prisión por haber pertenecido al régimen de Hitler.

Hay una carta con una confesión que sale a la luz en ese momento y de la que Speer no se hizo cargo en su juicio y que cambió radicalmente su condena, pero no quiero adelantar nada más, porque tienen que verla. Van a ver a dos actores muy creíbles en sus personajes, con una historia excelentemente contada y con una gran dirección de Daniel Marcove.

Muy emocionantes las palabras finales de Jean-Pierre Noher  cuando cuenta que esta historia le toca realmente muy de cerca al actor y ya no al personaje, algo que tampoco quiero adelantar pero que les aseguro  que es tan emocionante como todo lo que pasa arriba del escenario.

Están en su tercera temporada, esta vez en el Teatro Metropolitan (antes estuvieron entre otros lugares en El Tinglado)

No se la pierdan, vean buen teatro, vean a gente talentosa que honra el escenario

ACTUAN: Jean-Pierre Noher y Ernesto Claudio

AUTORIA: Mario Diament

DISEÑO ESCENOGRAFÍA: Héctor Calmet

DISEÑO GRAFICO: Nahuel Lamoglia

DISEÑO ILUMINACIÓN: Miguel Morales

DISEÑO VESTUARIO: Daniela Taiana

PRENSA: Marcos Mutuverría

PRODUCCIÓN EJECUTIVA: Mauro J. Pérez – Alberto Teper

FOTOGRAFÍA: Gianni Mestichelli

ASISTENTE DE DIRECCIÓN: Christian De Miguel

MUSICALIZACION: Jean Pierre Noher

DIRECCION: Daniel Marcove

REALIZACIÓN DE VESTUARIO: Volodymyr Hlavadskyy

REALIZACIÓN DE ESCENOGRAFÍA: Paula Molina

VOZ EN OFF: Gabriela Licht

Teatro Metropolitan

Av. Corrientes 1343

Funciones: domingos 17 hs

Por Jhon Wolf

‘Godzilla y Kong: El nuevo imperio’ ofrece una experiencia cinematográfica épica que lleva a los espectadores a un emocionante viaje por todo el mundo, donde los colosos titanes, Godzilla y King Kong, dominan la pantalla con su imponente presencia. Con una trama centrada en la acción y la espectacularidad visual, esta película es un festín para los amantes del género, ofreciendo emocionantes combates y momentos inolvidables que cautivarán a la audiencia desde el primer momento hasta el último.

Lo que nos gustó:

La película ofrece una experiencia visual impresionante, con combates épicos entre Godzilla y King Kong que mantienen al espectador pegado a la pantalla. Las escenas de acción son intensas y emocionantes, y el director, Adam Wingward, logra capturar la esencia de estos titanes de manera magistral. Además, el cambio en el enfoque de la trama, dándole más protagonismo a los monstruos y menos a los personajes humanos, resulta acertado y contribuye a mantener la atención del público.

Lo que no nos gustó:

Aunque el cambio en el enfoque de la trama es positivo en términos generales, algunos personajes humanos pueden resultar un tanto cliché o poco desarrollados. Además, la película podría haber profundizado más en la historia de los monstruos y en su relación con el mundo que los rodea. Algunos espectadores podrían echar de menos un mayor desarrollo de los aspectos emocionales de los personajes no monstruosos.

¿A quién recomendamos ir a ver esta peli?

Recomendamos esta película a los amantes del género de monstruos y a aquellos que disfrutan de espectáculos visuales impactantes. También es una buena opción para quienes buscan una experiencia de entretenimiento puro y sin complicaciones, con emocionantes peleas y efectos especiales impresionantes.

Avenida Q es un musical que se estrenó por el año 2003 en el off de Broadway y que fue todo un suceso al presentar una historia en la que incluyen marionetas, que son peluches al estilo de plaza sésamo, conviviendo con humanos y con situaciones cómicas dirigidas al público adulto. En 2010 se hizo la primera adaptación en Argentina y es ahora cuando regresa para demostrar lo ingenioso que es este espectáculo y lo que el talento de nuestro país puede hacer para hacer de esta obra tan cerca y tan actual.

Hay que poner en contexto, pensemos que estamos en una especie de plaza sésamo pero que ahí conviven tanto muñecos afelpados, peludos y también seres humanos de forma natural. Todos tienen trabajos, tienen que vivir en una sociedad, pagar la renta y demás temas de cualquier vida adulta. La avenida Q es un sitio de una gran ciudad (pensemos en Nueva York) donde van a vivir aquellos que no tienen para pagar un alquiler costoso y es el asilo de aquellos que son pobres y desempleados. Es así como conocemos en un principio a Princeton, quien se muda a esta dichosa avenida y es el disparador para que podamos conocer a los personajes que integran la obra. En cuanto a la historia de Princeton, tenemos a un joven recién recibido y que quiere encontrar la meta para su vida, y que también tiene una relación Kate Monster, una joven docente que quiere abrir una escuela para estos muñecos peludos llamados Monsters. Tenemos a la pareja de humanos que viven peleando pero aún así tienen una intensa relación, a un residente que no logra salir del closet y está enamorado de su compañero, un Monster que solo piensa en pornografia, y un encargado que antes fue una estrella de la música.

Si bien esta obra no cuenta con una historia macro que engloba todo el espectáculo, sino más bien se centra en los personajes, dándole tal vez más protagonismo a Princeton y Kate Monster. El atractivo de la obra son los dramas invididuales de cada uno de los personajes, que en muchas ocasiones estos se cruzan generando momentos muy divertidos. Tenemos grandes momentos musicales, como la canción dedicada al porno, o la del show cabaret de una de las muñecas que sirve para denotar que no se trata de un show infantil aunque nos encontremos con una puesta colorida y con tiernos peluches.

En cuanto a las actuaciones hay que destacar la labor de todo el elenco, tanto de aquellos que hacen su personaje caracterizados como humanos y a aquellos que tienen una o más marionetas en su interpretación. Las coreografías están perfectamente sincronizadas y los actores también aportan sus dotes actorales al lado de su contaparte muñeco, aportando mayor profundidad a la interpretación de los personajes.

Avenida Q es una gran obra musical que está llena de nuestro talento y que logra darnos un gran espectáculo con un sello propio y que brilla tanto por su puesta en escena como por su encantador relato que nos hace reír y emocionarnos a la vez. Tengo que decir que es uno de los espectáculos imperdibles que se puede ver los martes en el hermoso teatro maipo.

ELENCO:

Princeton/Rod: Nacho Pérez Cortes

Kate/Lucy: Lali Vidal

Trekkie/Nicky: Manu Victoria

Manu: Manu Ntaka

Brian: Julián Rubino

Osito/Bulbaseca: Stefi Ribisich

Osito: Juan Martín Giménez

Kimchi: Andy Cho

Ensamble: Caro Liask, James Cowan y Joaco Catarineu

FUNCIONES

MARTES 20.30 HS

Teatro Maipo, Esmeralda 443, CABA

Entradas desde $ 9.000 – Sistema y link de venta:

https://www.plateanet.com/obra/27990

Por Lorena Arcaro

Hacer el amor en el refugio atómico tiene como únicos actores y protagonistas a una pareja joven que aparentemente se llevan bien pero ella  se obsesiona con comprar un refugio atómico para protegerse de las bombas nucleares según el contexto que se vive en ese momento.

El personaje termina por convencer a su pareja de obtenerlo y quedan como los únicos sobrevivientes gracias a eso. Luego las cosas se complican porque cada dia que pasa es mas aburrido en el refugio  y si bien tenian el sueño de ser papas ahora todo se desvanece, para que sirve vivir si no hay mas vida.. una obra que te muestra la importancia de muchas cosas que damos por sentado como la luz, la gente, la televisión, el agua, la comodidad y lo vulnerable que es el ser humano cuando lo invade la soledad.

Es admirable que los actores nunca salgan de escena y con muy poco en la escena cuentan una historia más profunda de lo que parece en un comienzo, todo se transforma pero nunca dejan de amarse.

Ficha artístico – técnica:
Texto: Álvaro Menen Desleal
Adaptación: Oscar Suncín
Actúan: Florencia Calvi y Facundo Cohen
Diseño de iluminación: Gabriela O’russo
Fotografía: Ollantay Sánchez Valle
Arte visual: Maria Florencia Calvi y Guillermo Llauradó
Diseño gráfico: Gerson Soto
Prensa y redes: Pablito Lancone
Dirección: Oscar Suncín

Entradas por Alternativa
https://www.alternativateatral.com/obra85099-hacer-el-amor-en-el-refugio-atomico


Redes sociales de la obra:
@refugioatomico.obra @fleurcalvi @facucohen.ok @oscar.suncin

Por Sofía Luna Roberts

Que controversial se transforman nuestros pensamientos cuando tratamos de entender e incorporar a nuestra cotidianidad de que, como así podemos romantizar la vida en general, también existe ese lado B al que muy pocos se atreven a estetizar de la misma manera. La reflexión acerca de la muerte como ese lugar al que nadie quiere acceder, pero de alguna u otra manera, se vuelve inevitable puede ser una oportunidad para el crecimiento personal y para darle un giro a los conceptos preestablecidos. Manuel Guirao nos presenta una obra singular que explora la experiencia de la enfermedad con una perspectiva poética y humorística. “Enfermo” expone su tercera temporada en el Espacio Callejón, Humahuaca 3759, en el barrio de Almagro.

Con dramaturgia y dirección de Manuel Guirao, la obra nos muestra la experiencia de Víctor, un artista escénico que enfrenta un diagnóstico de cáncer y decide convertir su lucha y dolor en una conferencia poética, en una denuncia artística. Mientras, al comienzo de la obra, Víctor intenta subir unos escalones para “estar a la altura” de su monólogo, su cuerpo frágil toma presencia. Su pesadez lo inmortaliza como en una fotografía y comienza a recitar sus profundas reflexiones sobre la vida y la condición humana que tanto lo limitan a él.

Lucas Baca Cau, Martina Bajour, Leandro Casas Silva, Victoria Casellas, Emilce Olguin Ramírez, Santiago Ponce, Leandro Sartoretti y Juan Manuel Trentini realizan trabajos actorales destacables dentro de la historia. Se mimetizan en la piel de estos personajes que rodean a Víctor y representan distintas perspectivas sobre la enfermedad y la muerte que ponen en puja los propios miedos del protagonista. La ambientación está muy bien lograda, los personajes recorren el espacio escénico con gran ligereza adueñándose de la experiencia teatral y desafiando al espectador constantemente.

Es interesante la estructura no lineal de la narrativa que toma el director. Nos obliga a salir de los márgenes predispuestos y comenzar a observar nuevas formas de temporalidad y narración. La pieza está compuesta por fragmentos poéticos, flashbacks y oníricos creando una atmósfera surrealista que refleja el estado mental del protagonista. El uso de recursos audiovisuales me parece un toque muy acertado, el paralelismo que se genera entre el “aquí y ahora” del teatro y la atemporalidad del video envuelve al espectador en esta tensa nube de temporalidades que ayuda a mantener la expectación.

Es una obra teatral profunda en donde se logran abordar temas complejos con humor, poesía y sensibilidad. La utilización del humor negro es un elemento fundamental, permite que tanto los personajes como el público puedan afrontar las temáticas con cierta ligereza y descomprensión. La risa es contrastada con la belleza de las imágenes poéticas que se crean y construye un mecanismo de liberación ante la densidad de estos conceptos. “Enfermo” es recomendable para aquellos que buscan una experiencia teatral diferente y desafiante que, sin duda, puede dejar una huella profunda en aquellos que se animen a verla.

Comencemos por aclarar que es la segunda parte de «Las encadenadas» obra estrenada en el 2018 que contó con numerosos premios. También es importante aclarar que funciona en forma independiente de su predecesora, quiero decir que pueden ver esta sola porque la historia cierra .

El relato transcurre una noche tormentosa en un inhóspito lugar (la sala crematoria del pueblo de Epecuèn) donde las dos empleadas y su jefe se encuentran en una situación de alta tensión, que por momentos, por lo intenso de la acción y el relato, cuesta seguirle el hilo, sobre todo me imagino que para los que no tuvieron la suerte de ver la primera parte.

A este vertiginoso y atrapante inicio, donde hechos accidentales y otros que no llevan a tomar decisiones equivocadas y trascendentales, con la aparición del policía se empieza a jugar otra obra podría decirse. A ritmo mucho mas lento, el relato atrapa por lo sugerente, por lo no dicho y por el clima de misterio e incertidumbre que se va armando.
No voy a adelantar el final, solo comentar que es correcto y convincente el modo en que Juan Mako (Autor y director) cierra el relato. Muy sugerente y apropiado el diseño escenográfico, le da el marco preciso a la historia. Un elenco parejo y ajustado le agrega dramatismo a las acciones, muy sugerente la composición que realiza Diego Torben con un policía lleno de matices y ambigüedades que desorienta y atrapa al espectador.

Una obra interesante que atrapa y entretiene, vale la pena verla.

Abasto social club, sábados 21 hs.
A.R.

Verdaderamente una joya del teatro independiente, un espectáculo redondo por donde se lo mire, encantador. Adaptación del cuento «Mariquita Sánchez» del libro «Pollera Pantalón, cuentos de género» de la escritora Paula Jiménez España.

Este unipersonal nos narra una imaginaria situación en donde una aparición inesperada trastoca los planes musicales de Vicente López y Planes (poniendo en riesgo la composición de nuestro himno nacional) y revoluciona  las emociones desconocidas de la protagonista. Con momentos desopilantes,  emocionantes y también musicales se va haciendo verosímil este relato lleno de teatralidad y buen gusto.

Esta versión viva y desacartonada de este personaje casi decorativo de nuestra historia se encuentra genialmente narrada. Con escasos recursos técnicos,pero muy bien aprovechados desde la dirección ( Ariel Hall), va despertando el imaginario del espectador a cada momento y no dejando nunca de sorprender por la variedad de recursos. Una suma de decisiones acertadas desde la dirección en cuanto al tono, el vestuario y la musicalizacion completan un espectáculo maravilloso y súper recomendable.

Párrafo aparte para Rafaela Gamba, una actriz no muy conocida en el medio porteño, pero con una cantidad de recursos actorales notable. Va pasando de personaje en personaje con maestría, llenando de verosimilitud el relato, conmoviendo al espectador y completando un trabajo mas que meritorio que emociona profundamente.
Toda una experiencia teatral, donde los detalles estéticos y actorales están cuidados al detalle, donde se nota la dedicación, el compromiso y el tiempo de trabajo; dando por resultado un producto de máxima la calidad. Imperdible para los amantes del buen teatro.

Espacio Polonia, viernes 20:30hs.
A.R.

El O Fortuna de Carmina Burana abre la temporada 2024 del Teatro Colón


Fuerza, solemnidad, escalofríos, terror y admiración son parte de las emociones que se transmiten al escuchar el O Fortuna de la composición Carl Orff de Carmina Burana.
Carmina Burana consiste en la colección de canticos laicos medievales encontrados en Benediktbeuern (Bura) en la región de Baviera en Alemania. El códex fue escrito por Los Goliardos, un grupo de monjes excomulgados por su estilo de vida libertina. En estos cantos se puede ver el enfoque de Los Goliardos en temas como la suerte, el amor, los placeres y mensajes contra la iglesia.

Con la llegada del siglo XX y las nuevas tecnologías de difusión, el compositor alemán Carl Orff, en 1937, decide darles música a cuatro de los cantos de Carmina Burana: Fortuna Imperatrix Mundi, Primo Vere, In Taberna y Cours d’amours. En 1998 el coreógrafo argentino Mauricio Wainrot estrena en Bélgica su versión contemporánea de Ballet de esta gran pieza, aportando así, vanguardia y estilo.

El Teatro Colón tiene el orgullo de abrir su temporada 2024 con el Ballet de Carmina Burna de Mauricio Wainrot. Una puesta en escena donde el coro y los bailarines llevan la batuta de este clásico reciente.
Bajo la dirección de orquesta de Carlos Calleja y Sebastiano De Fillippi y la dirección de coro de Miguel Martínez, inicia con fuerza el O Fortuna desde el segundo uno el espectador recibirá la avalancha que significa esta pieza. Los estímulos serán ensordecedores, pero en el buen sentido.

Abajo la orquesta, del lado izquierdo, pero en el palco lateral el coro masculino, del lado izquierdo el femenino y en el palco presidencial el coro infantil que tendrá presencia en el canto Cours d’amours.
La puesta de escena de Carlos Gallardo es sencilla pero eficiente para el total desenvolvimiento de los bailarines. Se conforma de persianas que van develando a los interpretes y carretillas para transportarlos. Gallardo también es responsable del vestuario el cual es conformado por estilos distintos para cada canto como faldas largas de colores pasteles y moda hollywoodense de los cincuenta.
Laura Pisani y Laura Rizzo son las sopranos del espectáculo junto a los contratenores Martín Oro y Fernando Ursino y los barítonos Alfonso Mujica y Cristian Maldonado. Los cantantes liricos se encuentran en el palco presidencial derecho y destacan en los momentos solistas.


Carmina Burana de Mauricio Wainrot fue la elección perfecta del Teatro Colón para arrancar esta temporada 2024. Una muestra solemne y sobria de la composición de Carl Orff. Es capaz de capturar los cantos goliardos y llevarlo a los pasos de los siempre talentosos bailarines.

Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.