Por Raúl Meoz

Mujer de ciencia. Mujer de fe.

La pugna entre realidad y fantasía ha sido un constante en el escenario, desde La vida es sueño de Calderón hasta Melocotón en almíbar de Miguel Mihura son incontables las obras que se han adentrado en esta dualidad.  En realidad, es normal, pues se trata de un tema que nos interpela directamente: ¿debemos vivir la vida que tenemos o la vida que queremos? En Memorias de una maga tienen clara la respuesta.

Este texto escrito por Leni González se centra en la historia (real) de Kamia, la primera maga argentina. En aproximadamente una hora el público es testigo de cómo pasa de ser una bióloga a toda una eminencia en el mundo de las ilusiones. Los dos espacios de trabajo de Kami representan la realidad y la fantasía; la ciencia y la magia. Por un lado, un laboratorio anodino, por el otro, un mundo lleno de purpurina. En esta historia la protagonista se da cuenta de que su vida no le llena como persona, así que decide dedicarse a aquello que siempre la ha movido desde el interior, ha vivir la vida como ella quiere vivirla. Abandona la ciencia para habitar en la fe (o mejor dicho, en las ilusiones).

La dramaturgia, por su parte, es rompedora con el esquema clásico, pues el conflicto principal aparece de forma muy sutil: Kamia sabe lo que quiere y no va a dejar que nada se interponga en su camino. Si bien es cierto que hay pinceladas (situación política del país en la época de Perón, un trabajo convencional que domina al ser humano, todas las normas sociales a las que las mujeres tenían que hacerle frente a mediados del siglo XX o la figura de un padre exitoso que ejerce presión a su hija), la fuerza del personaje las anula por completo. La mayor dificultad a la que se enfrente ella es la del dominio de un arte que no ha practicado anteriormente. Es un tipo de viaje que no se suele ser muy frecuente sobre el escenario, aunque se agradece verlo de vez en cuando.

Eugenia Alonso ofrece una interpretación decidida, firme y, sobre todo carismática, pues una maga ha de contar una personalidad arrolladora. A pesar de que esta historia podría perfectamente prestarse a contar con más personajes, ella no necesita a nadie para despertar el interés en el espectador e invitarnos a su espectáculo. Los trucos de magia, hilo conductor de la historia, son sencillos pero efectivos (recordemos que es una obra de teatro y no un espectáculo de magia al uso). De hecho, si no estuviesen, se echarían de menos. Además, el acompañamiento de Pablo Viotti enriquece todavía más la experiencia, ya que su música sumerge a Kamia en el mundo de lentejuelas que ella tanto ansía.

Ficha artística:

Dramaturgia: Leni González
Interpretación: Eugenia Alonso
Música en vivo: Pablo Viotti
Dirección: Cecilia Meijide
Asistencia artística: Julieta Kvasina
Diseño de escenografía y vestuario: Gabriella Gerdelics
Diseño de iluminación: Ricardo Sica
Fotografía: Juan Ferrari
Asesoramiento en magia: Pablo Kusnetzoff
Prensa: Carolina Alonso
Producción: Pablo López
Sábados 17hs en Teatro El Extranjero.

Todos los sábados a las 20 horas en La Carpintería sucede “Las Juanas, una herejía cósmica”, el viajado y reconocido unipersonal creado por la compañía santafesina Toia & Calacci.

Un eco, un viaje. Juana Manso, Juana La loca, Juana de Arco, Juana Azurduy, La Papisa Juana, Giovanna Marturano, Juana de Ibarboreau y Sor Juana Inés de la Cruz, espectros que gritan al presente. Las une la sangre, el olvido, la condena.
Poesía y declaración. Un unipersonal mutante en donde cada momento corresponde a una Juana distinta. Un texto que sacude, que es tierno y crudo a la vez.

Agustina Toia es quien es todas ellas. Para aplaudir de pie la versatilidad de la actriz que construye todas estas otredades que la habitan en este (no)espacio y (no)tiempo. Toia es, también, quien modifica, a la vista del público, la escenografía para cada una de las Juanas que la poseen. Ella baila, se golpea, maneja los objetos con delicadeza y precisión. Toia se entrega al juego de ser portadora de esas otras, da cauce a una catarata expresiva que necesita salir.

La obra es visualmente potente. Inteligentes decisiones de luces, texturas, colores, vestuario, objetos, máscaras. La escenografía es versátil y se transforma. Una obra que es pura metáfora y a la vez no.  Todo narra y apela a un mundo sensible. Lo sonoro no puede quedar afuera. La obra es un ritual.
En “Las Juanas, una herejía cósmica”, los elementos de la puesta crean ese algo secreto, efímero, único. El público sale movilizado por el qué se cuenta y el cómo. Una obra que no deja de sorprender, que retumba y grita.

FICHA TÉCNICO ARTÍSTICA
Dramaturgia y actuación:Agustina Toia/ Voz en Off: Neli Ramello/ Vestuario: Rosa Arena, Kitty Di Bártolo, Laura Perales/ Escenografía: Lucas Comparetto/ Máscaras: Cristián Medrano/ Música: Sol Gabetta/ Sonido: Ernesto Figge/ Fotografía: Pane Marucco/ Arte Gráfico: Adriano DI Mauro/ Producción general: Toia&callaci/  Puesta en escena: Severo Callaci / Dirección: Severo Callaci
“Las Juanas, una herejía cósmica”- LA CARPINTERÍA (Jean Jaures 858)- Sábado – 20:00 hs – Hasta el 06/04/2024
Escribió: Micaela Steinbach

Por Ignacio Asseph

Perdidamente es una comedia de carácter dramático, que se desarrolla en el living de una lujosa casa.

La historia comienza cuando una jueza de la nación al ver que su memoria no es la misma de antes decide juntar a las 4 mujeres más importantes de su vida, su hija, su mejor amiga y abogada , su empleada doméstica y su hermana.

En el transcurso de la historia se van mostrando cuáles son los verdaderos intereses de cada una de estas mujeres, sus verdades y secretos, sus penas y sus miedos.
Una obra que te invita a pensar y reflexionar sobre lo importante de recordar, de la familia y la amistad y de lo importante de esta vida.

De excelente actuación y interpretación de estás 5 grandes actrices, sonoramente y escenicamente excelente, Perdidamente es una comedia para todo público que te hará pasar un excelente momento y te hará reflexionar.

Funciones de Miércoles a Domingos en Multiteatro Comafi , entradas en boleterias o por Plateanet.

El pasado 29 de marzo tuvimos la oportunidad de asistir al hermoso Teatro El Picadero para disfrutar del estreno de «Comienzo», una obra protagonizada por Gaston Cocchiarale y Vanesa González. Dos personas se conocen en una noche de fiesta, ellos no sabiendo nada del otro comparten una velada en el departamento donde acabó de terminar el festejo. La atracción se hace presente pero también las inseguridades, secretos e intenciones ocultas que forman parte de esta interesante propuesta.

La obra inicia en un departamento, donde se nota que hubo una celebración que ya terminó, se quedan dos personas ahí, la anfitriona del departamento y un amigo de un invitado que terminó quedándose para terminar de tomar unas cervezas y luego irse. Ellos comentan sobre la atracción que han tenido durante la fiesta, mientras ella directamente comunica sus intenciones de pasar la noche con el, el comienza a tener actos torpes debido a los nervios que trae consigo. Todo esto lleva a que los personajes comiencen a expresar cosas más profundas, como su vida sentimental, laboral y también económica. Hacia el último tramo de la obra, esta toma un giro donde se revelan otras intenciones que los personajes tenían de un inicio y que sirve también para responder el porque esta cita seguía en pie a pesar de las diferencias.

La obra resulta muy interesante gracias también a la labor que hacen los actores, más allá de los diálogos y la expresividad que estos manejan, lo que más valor se da es la química que existe entre los intérpretes, que a pesar de ser personajes que cuentan con muchas diferencias, se hace creíble la conexión que ellos tienen.

Comienzo es una obra más que interesante, con una historia que parece ser una comedia romántica en un principio, pero que luego va tomando forma para profundizar las emociones de los personajes y el porqué se encuentran ellos y no más que ellos en una noche donde la conexión es el comienzo de todo.

La obra tendrá funciones todos los sábados a partir de las 22 horas y los domingos desde las 18, con entradas que se podrán adquirir en la boletería del recinto ubicado sobre el Pasaje Enrique Santos Discépolo 1857 o bien por el sistema PlateaNet.

Mi hermano, mi compañero, mi amigo

Los hermanos son los compañeros de la vida, un vínculo de sangre que jamás se rompe… A veces son nuestros rivales y las personas más opuestas a nosotros mismos. Tener seis hermanos significa preferencia por algunos y distancia con otros, por suerte solo tuve una hermana la cual quiero mucho pero no logro entenderla. Brotherhood describe todo este caos familiar pero en el fondo, el amor se esconde.

»Brotherhood es un momento en la vida de siete hermanos, el momento en que los padres comienzan su etapa de deterioro. Los siete enfrentarán la pérdida desde la vivencia que cada uno tuvo como hijo, desde los lugares que ocupan, sus propios miedos, egos, inseguridades, y vivencias». Es la sinopsis de la obra original de Anahí Ribero la cual se presenta en el Teatro Beckett.

Con un elenco de siete hermanos o más bien actores, conformado por Agustin Corsi, María Forni, Julia Funari, Bárbara Majnemer, Ingrid Mosches, Mariano Sacco, Alfredo Sánchez. Cada uno diferente entre sí, en edad, morfología y trasfondo pero con un mismo problema: ¿Quién se hará cargo de cuidar a los padres?

En Brothethood se juegan los recuerdos de la infancia y las vivencias del hoy. Siete adultos emparentados pero distantes, muchas excusas y peleas, secretos que salen a la luz y muy en el fondo, el difícil amor de hermanos. Ribero sabe como capturar el clima familiar que consiste en tener padres de tercera edad  en un ambiente de disputas de mesa. Cada actor estará sentado de frente en una silla e irá soltando todo lo que sienten y sin mirar al otro, los pensamientos se hacen altavoz.


Demián Ledesma Becerra es el encargado de la puesta en escena. Esta se basa en una animación que irá detrás de una pared en blanco donde están sentados los actores. El diseño gráfico irá acompañado con emoticones, chats de WhatsApp y efectos para cada personaje. Esta apuesta es ingeniosa y divertida, ayuda a darle más dinamismo  a la obra.

Brotherhood es una comedia dramática que nos hará reflexionar sobre el vínculo que tenemos con nuestros hermanos, los recuerdos que traemos desde la infancia y las risas que se vuelven cómplices en momentos difíciles. Una obra cargada de energía, humor, lágrimas  y mucha hermandad.

Disponible los jueves a las 21 horas en el Teatro Beckett.

Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

“Antígona en el baño”: una comedia que despierta la risa de los Dioses.

La trama de la obra se desarrolla íntegramente en un baño – cabe destacar una escenografía perfecta – donde Ignacia, una famosa diva de la televisión sufre una crisis de nervios antes de su regreso al teatro después de años de hacer solo televisión. Y nada menos que con el papel de Antígona. A pesar de considerar su presentación teatral como un evento de gran importancia para toda Latinoamérica, la protagonista se encuentra completamente desorientada y confunde los nombres de los personajes de la obra en un divertido trabalenguas que despierta carcajadas entre el público.

En este espacio íntimo y privado como es el baño, solo su asistente y un terapeuta excéntrico tienen acceso, intentando calmarla mientras la tragedia griega irrumpe en sus vidas.El acierto de la obra radica en cómo el contexto de la tragedia griega se entrelaza con la vida de una estrella de otros tiempos, cuya búsqueda de legitimidad artística se ve contrastada con la frivolidad de la fama y la exposición mediática.

El primer acto transcurre entre la protagonista (Verónica Llinás) y su asistente (Esteban Lamothe) que intenta calmarla con métodos poco convencionales. Y el ritmo de la obra se intensifica con la llegada del terapeuta (Héctor Díaz) un coach ontológico quien ofrece extraños métodos para calmar los nervios de la actriz, añadiendo un elemento de surrealismo a la trama.
Los tres brillan cada uno en su papel, generando momentos de humor catártico gracias a sus interpretaciones. Risas aseguradas por casi 75 minutos!!

TEATRO ASTRAL: Av. Corrientes 1639, Buenos Aires, CABA
PROTAGONISTAS:
• Verónica Llinás
• Esteban Lamothe
• Héctor Díaz
FICHA TÉCNICA:
• LIBRO: Facundo Zilberberg – Verónica Llinás
• DIRECCION: Laura Paredes – Verónica Llinás
• ESCENOGRAFÍA: Julieta Ascar
• VESTUARIO: Sofía Di Nunzio
• ILUMINACIÓN: Eli Sirlin
• PRENSA: Raquel Flotta
• COMUNICACION: Raquel Flotta
• PRODUCCIÓN GENERAL: Juan Manuel Caballé – Ricardo y José Luis Gallo

ANDREA PARISE CALAMERA

Por María Barci

“Un día de mayo de 1975, el famoso cazador de nazis Simón Wiesental recibió una inesperada visita en su oficina del Centro de Documentación de Viena. Su visitante era nada menos que Albert Speer, el ex arquitecto y ministro de Armamentos de Hitler.
¿Cuál era el motivo de este encuentro? ¿De qué hablaron? Qué se dijeron? ¿Qué diálogo era posible entre un victimario y una víctima del Holocausto?

Esta hermosa obra es protagonizada por dos grandes actores, Jean-Pierre Noher (como el cazador) y Ernesto Claudio (como el buen nazi)

Es una obra emocionante, dolorosa, que te deja pensando en la impunidad de los psicópatas para asumir sus culpas y en la fortaleza de los sobrevivientes.

Dos grandes actores que se sacan chispas, ellos solos, en casi una hora y media de función, en un contrapunto realmente interesante y muy ejemplificador.

El encuentro sucede en las oficinas de Simon Wiesental (el cazador) adonde llega una tarde Albert Speer, después de haber estado en prisión por haber pertenecido al régimen de Hitler.

Hay una carta con una confesión que sale a la luz en ese momento y de la que Speer no se hizo cargo en su juicio y que cambió radicalmente su condena, pero no quiero adelantar nada más, porque tienen que verla. Van a ver a dos actores muy creíbles en sus personajes, con una historia excelentemente contada y con una gran dirección de Daniel Marcove.

Muy emocionantes las palabras finales de Jean-Pierre Noher  cuando cuenta que esta historia le toca realmente muy de cerca al actor y ya no al personaje, algo que tampoco quiero adelantar pero que les aseguro  que es tan emocionante como todo lo que pasa arriba del escenario.

Están en su tercera temporada, esta vez en el Teatro Metropolitan (antes estuvieron entre otros lugares en El Tinglado)

No se la pierdan, vean buen teatro, vean a gente talentosa que honra el escenario

ACTUAN: Jean-Pierre Noher y Ernesto Claudio

AUTORIA: Mario Diament

DISEÑO ESCENOGRAFÍA: Héctor Calmet

DISEÑO GRAFICO: Nahuel Lamoglia

DISEÑO ILUMINACIÓN: Miguel Morales

DISEÑO VESTUARIO: Daniela Taiana

PRENSA: Marcos Mutuverría

PRODUCCIÓN EJECUTIVA: Mauro J. Pérez – Alberto Teper

FOTOGRAFÍA: Gianni Mestichelli

ASISTENTE DE DIRECCIÓN: Christian De Miguel

MUSICALIZACION: Jean Pierre Noher

DIRECCION: Daniel Marcove

REALIZACIÓN DE VESTUARIO: Volodymyr Hlavadskyy

REALIZACIÓN DE ESCENOGRAFÍA: Paula Molina

VOZ EN OFF: Gabriela Licht

Teatro Metropolitan

Av. Corrientes 1343

Funciones: domingos 17 hs

Por Jhon Wolf

‘Godzilla y Kong: El nuevo imperio’ ofrece una experiencia cinematográfica épica que lleva a los espectadores a un emocionante viaje por todo el mundo, donde los colosos titanes, Godzilla y King Kong, dominan la pantalla con su imponente presencia. Con una trama centrada en la acción y la espectacularidad visual, esta película es un festín para los amantes del género, ofreciendo emocionantes combates y momentos inolvidables que cautivarán a la audiencia desde el primer momento hasta el último.

Lo que nos gustó:

La película ofrece una experiencia visual impresionante, con combates épicos entre Godzilla y King Kong que mantienen al espectador pegado a la pantalla. Las escenas de acción son intensas y emocionantes, y el director, Adam Wingward, logra capturar la esencia de estos titanes de manera magistral. Además, el cambio en el enfoque de la trama, dándole más protagonismo a los monstruos y menos a los personajes humanos, resulta acertado y contribuye a mantener la atención del público.

Lo que no nos gustó:

Aunque el cambio en el enfoque de la trama es positivo en términos generales, algunos personajes humanos pueden resultar un tanto cliché o poco desarrollados. Además, la película podría haber profundizado más en la historia de los monstruos y en su relación con el mundo que los rodea. Algunos espectadores podrían echar de menos un mayor desarrollo de los aspectos emocionales de los personajes no monstruosos.

¿A quién recomendamos ir a ver esta peli?

Recomendamos esta película a los amantes del género de monstruos y a aquellos que disfrutan de espectáculos visuales impactantes. También es una buena opción para quienes buscan una experiencia de entretenimiento puro y sin complicaciones, con emocionantes peleas y efectos especiales impresionantes.

Avenida Q es un musical que se estrenó por el año 2003 en el off de Broadway y que fue todo un suceso al presentar una historia en la que incluyen marionetas, que son peluches al estilo de plaza sésamo, conviviendo con humanos y con situaciones cómicas dirigidas al público adulto. En 2010 se hizo la primera adaptación en Argentina y es ahora cuando regresa para demostrar lo ingenioso que es este espectáculo y lo que el talento de nuestro país puede hacer para hacer de esta obra tan cerca y tan actual.

Hay que poner en contexto, pensemos que estamos en una especie de plaza sésamo pero que ahí conviven tanto muñecos afelpados, peludos y también seres humanos de forma natural. Todos tienen trabajos, tienen que vivir en una sociedad, pagar la renta y demás temas de cualquier vida adulta. La avenida Q es un sitio de una gran ciudad (pensemos en Nueva York) donde van a vivir aquellos que no tienen para pagar un alquiler costoso y es el asilo de aquellos que son pobres y desempleados. Es así como conocemos en un principio a Princeton, quien se muda a esta dichosa avenida y es el disparador para que podamos conocer a los personajes que integran la obra. En cuanto a la historia de Princeton, tenemos a un joven recién recibido y que quiere encontrar la meta para su vida, y que también tiene una relación Kate Monster, una joven docente que quiere abrir una escuela para estos muñecos peludos llamados Monsters. Tenemos a la pareja de humanos que viven peleando pero aún así tienen una intensa relación, a un residente que no logra salir del closet y está enamorado de su compañero, un Monster que solo piensa en pornografia, y un encargado que antes fue una estrella de la música.

Si bien esta obra no cuenta con una historia macro que engloba todo el espectáculo, sino más bien se centra en los personajes, dándole tal vez más protagonismo a Princeton y Kate Monster. El atractivo de la obra son los dramas invididuales de cada uno de los personajes, que en muchas ocasiones estos se cruzan generando momentos muy divertidos. Tenemos grandes momentos musicales, como la canción dedicada al porno, o la del show cabaret de una de las muñecas que sirve para denotar que no se trata de un show infantil aunque nos encontremos con una puesta colorida y con tiernos peluches.

En cuanto a las actuaciones hay que destacar la labor de todo el elenco, tanto de aquellos que hacen su personaje caracterizados como humanos y a aquellos que tienen una o más marionetas en su interpretación. Las coreografías están perfectamente sincronizadas y los actores también aportan sus dotes actorales al lado de su contaparte muñeco, aportando mayor profundidad a la interpretación de los personajes.

Avenida Q es una gran obra musical que está llena de nuestro talento y que logra darnos un gran espectáculo con un sello propio y que brilla tanto por su puesta en escena como por su encantador relato que nos hace reír y emocionarnos a la vez. Tengo que decir que es uno de los espectáculos imperdibles que se puede ver los martes en el hermoso teatro maipo.

ELENCO:

Princeton/Rod: Nacho Pérez Cortes

Kate/Lucy: Lali Vidal

Trekkie/Nicky: Manu Victoria

Manu: Manu Ntaka

Brian: Julián Rubino

Osito/Bulbaseca: Stefi Ribisich

Osito: Juan Martín Giménez

Kimchi: Andy Cho

Ensamble: Caro Liask, James Cowan y Joaco Catarineu

FUNCIONES

MARTES 20.30 HS

Teatro Maipo, Esmeralda 443, CABA

Entradas desde $ 9.000 – Sistema y link de venta:

https://www.plateanet.com/obra/27990

Por Lorena Arcaro

Hacer el amor en el refugio atómico tiene como únicos actores y protagonistas a una pareja joven que aparentemente se llevan bien pero ella  se obsesiona con comprar un refugio atómico para protegerse de las bombas nucleares según el contexto que se vive en ese momento.

El personaje termina por convencer a su pareja de obtenerlo y quedan como los únicos sobrevivientes gracias a eso. Luego las cosas se complican porque cada dia que pasa es mas aburrido en el refugio  y si bien tenian el sueño de ser papas ahora todo se desvanece, para que sirve vivir si no hay mas vida.. una obra que te muestra la importancia de muchas cosas que damos por sentado como la luz, la gente, la televisión, el agua, la comodidad y lo vulnerable que es el ser humano cuando lo invade la soledad.

Es admirable que los actores nunca salgan de escena y con muy poco en la escena cuentan una historia más profunda de lo que parece en un comienzo, todo se transforma pero nunca dejan de amarse.

Ficha artístico – técnica:
Texto: Álvaro Menen Desleal
Adaptación: Oscar Suncín
Actúan: Florencia Calvi y Facundo Cohen
Diseño de iluminación: Gabriela O’russo
Fotografía: Ollantay Sánchez Valle
Arte visual: Maria Florencia Calvi y Guillermo Llauradó
Diseño gráfico: Gerson Soto
Prensa y redes: Pablito Lancone
Dirección: Oscar Suncín

Entradas por Alternativa
https://www.alternativateatral.com/obra85099-hacer-el-amor-en-el-refugio-atomico


Redes sociales de la obra:
@refugioatomico.obra @fleurcalvi @facucohen.ok @oscar.suncin