Por Jhon Wolf

‘Godzilla y Kong: El nuevo imperio’ ofrece una experiencia cinematográfica épica que lleva a los espectadores a un emocionante viaje por todo el mundo, donde los colosos titanes, Godzilla y King Kong, dominan la pantalla con su imponente presencia. Con una trama centrada en la acción y la espectacularidad visual, esta película es un festín para los amantes del género, ofreciendo emocionantes combates y momentos inolvidables que cautivarán a la audiencia desde el primer momento hasta el último.

Lo que nos gustó:

La película ofrece una experiencia visual impresionante, con combates épicos entre Godzilla y King Kong que mantienen al espectador pegado a la pantalla. Las escenas de acción son intensas y emocionantes, y el director, Adam Wingward, logra capturar la esencia de estos titanes de manera magistral. Además, el cambio en el enfoque de la trama, dándole más protagonismo a los monstruos y menos a los personajes humanos, resulta acertado y contribuye a mantener la atención del público.

Lo que no nos gustó:

Aunque el cambio en el enfoque de la trama es positivo en términos generales, algunos personajes humanos pueden resultar un tanto cliché o poco desarrollados. Además, la película podría haber profundizado más en la historia de los monstruos y en su relación con el mundo que los rodea. Algunos espectadores podrían echar de menos un mayor desarrollo de los aspectos emocionales de los personajes no monstruosos.

¿A quién recomendamos ir a ver esta peli?

Recomendamos esta película a los amantes del género de monstruos y a aquellos que disfrutan de espectáculos visuales impactantes. También es una buena opción para quienes buscan una experiencia de entretenimiento puro y sin complicaciones, con emocionantes peleas y efectos especiales impresionantes.

Avenida Q es un musical que se estrenó por el año 2003 en el off de Broadway y que fue todo un suceso al presentar una historia en la que incluyen marionetas, que son peluches al estilo de plaza sésamo, conviviendo con humanos y con situaciones cómicas dirigidas al público adulto. En 2010 se hizo la primera adaptación en Argentina y es ahora cuando regresa para demostrar lo ingenioso que es este espectáculo y lo que el talento de nuestro país puede hacer para hacer de esta obra tan cerca y tan actual.

Hay que poner en contexto, pensemos que estamos en una especie de plaza sésamo pero que ahí conviven tanto muñecos afelpados, peludos y también seres humanos de forma natural. Todos tienen trabajos, tienen que vivir en una sociedad, pagar la renta y demás temas de cualquier vida adulta. La avenida Q es un sitio de una gran ciudad (pensemos en Nueva York) donde van a vivir aquellos que no tienen para pagar un alquiler costoso y es el asilo de aquellos que son pobres y desempleados. Es así como conocemos en un principio a Princeton, quien se muda a esta dichosa avenida y es el disparador para que podamos conocer a los personajes que integran la obra. En cuanto a la historia de Princeton, tenemos a un joven recién recibido y que quiere encontrar la meta para su vida, y que también tiene una relación Kate Monster, una joven docente que quiere abrir una escuela para estos muñecos peludos llamados Monsters. Tenemos a la pareja de humanos que viven peleando pero aún así tienen una intensa relación, a un residente que no logra salir del closet y está enamorado de su compañero, un Monster que solo piensa en pornografia, y un encargado que antes fue una estrella de la música.

Si bien esta obra no cuenta con una historia macro que engloba todo el espectáculo, sino más bien se centra en los personajes, dándole tal vez más protagonismo a Princeton y Kate Monster. El atractivo de la obra son los dramas invididuales de cada uno de los personajes, que en muchas ocasiones estos se cruzan generando momentos muy divertidos. Tenemos grandes momentos musicales, como la canción dedicada al porno, o la del show cabaret de una de las muñecas que sirve para denotar que no se trata de un show infantil aunque nos encontremos con una puesta colorida y con tiernos peluches.

En cuanto a las actuaciones hay que destacar la labor de todo el elenco, tanto de aquellos que hacen su personaje caracterizados como humanos y a aquellos que tienen una o más marionetas en su interpretación. Las coreografías están perfectamente sincronizadas y los actores también aportan sus dotes actorales al lado de su contaparte muñeco, aportando mayor profundidad a la interpretación de los personajes.

Avenida Q es una gran obra musical que está llena de nuestro talento y que logra darnos un gran espectáculo con un sello propio y que brilla tanto por su puesta en escena como por su encantador relato que nos hace reír y emocionarnos a la vez. Tengo que decir que es uno de los espectáculos imperdibles que se puede ver los martes en el hermoso teatro maipo.

ELENCO:

Princeton/Rod: Nacho Pérez Cortes

Kate/Lucy: Lali Vidal

Trekkie/Nicky: Manu Victoria

Manu: Manu Ntaka

Brian: Julián Rubino

Osito/Bulbaseca: Stefi Ribisich

Osito: Juan Martín Giménez

Kimchi: Andy Cho

Ensamble: Caro Liask, James Cowan y Joaco Catarineu

FUNCIONES

MARTES 20.30 HS

Teatro Maipo, Esmeralda 443, CABA

Entradas desde $ 9.000 – Sistema y link de venta:

https://www.plateanet.com/obra/27990

Por Lorena Arcaro

Hacer el amor en el refugio atómico tiene como únicos actores y protagonistas a una pareja joven que aparentemente se llevan bien pero ella  se obsesiona con comprar un refugio atómico para protegerse de las bombas nucleares según el contexto que se vive en ese momento.

El personaje termina por convencer a su pareja de obtenerlo y quedan como los únicos sobrevivientes gracias a eso. Luego las cosas se complican porque cada dia que pasa es mas aburrido en el refugio  y si bien tenian el sueño de ser papas ahora todo se desvanece, para que sirve vivir si no hay mas vida.. una obra que te muestra la importancia de muchas cosas que damos por sentado como la luz, la gente, la televisión, el agua, la comodidad y lo vulnerable que es el ser humano cuando lo invade la soledad.

Es admirable que los actores nunca salgan de escena y con muy poco en la escena cuentan una historia más profunda de lo que parece en un comienzo, todo se transforma pero nunca dejan de amarse.

Ficha artístico – técnica:
Texto: Álvaro Menen Desleal
Adaptación: Oscar Suncín
Actúan: Florencia Calvi y Facundo Cohen
Diseño de iluminación: Gabriela O’russo
Fotografía: Ollantay Sánchez Valle
Arte visual: Maria Florencia Calvi y Guillermo Llauradó
Diseño gráfico: Gerson Soto
Prensa y redes: Pablito Lancone
Dirección: Oscar Suncín

Entradas por Alternativa
https://www.alternativateatral.com/obra85099-hacer-el-amor-en-el-refugio-atomico


Redes sociales de la obra:
@refugioatomico.obra @fleurcalvi @facucohen.ok @oscar.suncin

Por Sofía Luna Roberts

Que controversial se transforman nuestros pensamientos cuando tratamos de entender e incorporar a nuestra cotidianidad de que, como así podemos romantizar la vida en general, también existe ese lado B al que muy pocos se atreven a estetizar de la misma manera. La reflexión acerca de la muerte como ese lugar al que nadie quiere acceder, pero de alguna u otra manera, se vuelve inevitable puede ser una oportunidad para el crecimiento personal y para darle un giro a los conceptos preestablecidos. Manuel Guirao nos presenta una obra singular que explora la experiencia de la enfermedad con una perspectiva poética y humorística. “Enfermo” expone su tercera temporada en el Espacio Callejón, Humahuaca 3759, en el barrio de Almagro.

Con dramaturgia y dirección de Manuel Guirao, la obra nos muestra la experiencia de Víctor, un artista escénico que enfrenta un diagnóstico de cáncer y decide convertir su lucha y dolor en una conferencia poética, en una denuncia artística. Mientras, al comienzo de la obra, Víctor intenta subir unos escalones para “estar a la altura” de su monólogo, su cuerpo frágil toma presencia. Su pesadez lo inmortaliza como en una fotografía y comienza a recitar sus profundas reflexiones sobre la vida y la condición humana que tanto lo limitan a él.

Lucas Baca Cau, Martina Bajour, Leandro Casas Silva, Victoria Casellas, Emilce Olguin Ramírez, Santiago Ponce, Leandro Sartoretti y Juan Manuel Trentini realizan trabajos actorales destacables dentro de la historia. Se mimetizan en la piel de estos personajes que rodean a Víctor y representan distintas perspectivas sobre la enfermedad y la muerte que ponen en puja los propios miedos del protagonista. La ambientación está muy bien lograda, los personajes recorren el espacio escénico con gran ligereza adueñándose de la experiencia teatral y desafiando al espectador constantemente.

Es interesante la estructura no lineal de la narrativa que toma el director. Nos obliga a salir de los márgenes predispuestos y comenzar a observar nuevas formas de temporalidad y narración. La pieza está compuesta por fragmentos poéticos, flashbacks y oníricos creando una atmósfera surrealista que refleja el estado mental del protagonista. El uso de recursos audiovisuales me parece un toque muy acertado, el paralelismo que se genera entre el “aquí y ahora” del teatro y la atemporalidad del video envuelve al espectador en esta tensa nube de temporalidades que ayuda a mantener la expectación.

Es una obra teatral profunda en donde se logran abordar temas complejos con humor, poesía y sensibilidad. La utilización del humor negro es un elemento fundamental, permite que tanto los personajes como el público puedan afrontar las temáticas con cierta ligereza y descomprensión. La risa es contrastada con la belleza de las imágenes poéticas que se crean y construye un mecanismo de liberación ante la densidad de estos conceptos. “Enfermo” es recomendable para aquellos que buscan una experiencia teatral diferente y desafiante que, sin duda, puede dejar una huella profunda en aquellos que se animen a verla.

Comencemos por aclarar que es la segunda parte de «Las encadenadas» obra estrenada en el 2018 que contó con numerosos premios. También es importante aclarar que funciona en forma independiente de su predecesora, quiero decir que pueden ver esta sola porque la historia cierra .

El relato transcurre una noche tormentosa en un inhóspito lugar (la sala crematoria del pueblo de Epecuèn) donde las dos empleadas y su jefe se encuentran en una situación de alta tensión, que por momentos, por lo intenso de la acción y el relato, cuesta seguirle el hilo, sobre todo me imagino que para los que no tuvieron la suerte de ver la primera parte.

A este vertiginoso y atrapante inicio, donde hechos accidentales y otros que no llevan a tomar decisiones equivocadas y trascendentales, con la aparición del policía se empieza a jugar otra obra podría decirse. A ritmo mucho mas lento, el relato atrapa por lo sugerente, por lo no dicho y por el clima de misterio e incertidumbre que se va armando.
No voy a adelantar el final, solo comentar que es correcto y convincente el modo en que Juan Mako (Autor y director) cierra el relato. Muy sugerente y apropiado el diseño escenográfico, le da el marco preciso a la historia. Un elenco parejo y ajustado le agrega dramatismo a las acciones, muy sugerente la composición que realiza Diego Torben con un policía lleno de matices y ambigüedades que desorienta y atrapa al espectador.

Una obra interesante que atrapa y entretiene, vale la pena verla.

Abasto social club, sábados 21 hs.
A.R.

Verdaderamente una joya del teatro independiente, un espectáculo redondo por donde se lo mire, encantador. Adaptación del cuento «Mariquita Sánchez» del libro «Pollera Pantalón, cuentos de género» de la escritora Paula Jiménez España.

Este unipersonal nos narra una imaginaria situación en donde una aparición inesperada trastoca los planes musicales de Vicente López y Planes (poniendo en riesgo la composición de nuestro himno nacional) y revoluciona  las emociones desconocidas de la protagonista. Con momentos desopilantes,  emocionantes y también musicales se va haciendo verosímil este relato lleno de teatralidad y buen gusto.

Esta versión viva y desacartonada de este personaje casi decorativo de nuestra historia se encuentra genialmente narrada. Con escasos recursos técnicos,pero muy bien aprovechados desde la dirección ( Ariel Hall), va despertando el imaginario del espectador a cada momento y no dejando nunca de sorprender por la variedad de recursos. Una suma de decisiones acertadas desde la dirección en cuanto al tono, el vestuario y la musicalizacion completan un espectáculo maravilloso y súper recomendable.

Párrafo aparte para Rafaela Gamba, una actriz no muy conocida en el medio porteño, pero con una cantidad de recursos actorales notable. Va pasando de personaje en personaje con maestría, llenando de verosimilitud el relato, conmoviendo al espectador y completando un trabajo mas que meritorio que emociona profundamente.
Toda una experiencia teatral, donde los detalles estéticos y actorales están cuidados al detalle, donde se nota la dedicación, el compromiso y el tiempo de trabajo; dando por resultado un producto de máxima la calidad. Imperdible para los amantes del buen teatro.

Espacio Polonia, viernes 20:30hs.
A.R.

El O Fortuna de Carmina Burana abre la temporada 2024 del Teatro Colón


Fuerza, solemnidad, escalofríos, terror y admiración son parte de las emociones que se transmiten al escuchar el O Fortuna de la composición Carl Orff de Carmina Burana.
Carmina Burana consiste en la colección de canticos laicos medievales encontrados en Benediktbeuern (Bura) en la región de Baviera en Alemania. El códex fue escrito por Los Goliardos, un grupo de monjes excomulgados por su estilo de vida libertina. En estos cantos se puede ver el enfoque de Los Goliardos en temas como la suerte, el amor, los placeres y mensajes contra la iglesia.

Con la llegada del siglo XX y las nuevas tecnologías de difusión, el compositor alemán Carl Orff, en 1937, decide darles música a cuatro de los cantos de Carmina Burana: Fortuna Imperatrix Mundi, Primo Vere, In Taberna y Cours d’amours. En 1998 el coreógrafo argentino Mauricio Wainrot estrena en Bélgica su versión contemporánea de Ballet de esta gran pieza, aportando así, vanguardia y estilo.

El Teatro Colón tiene el orgullo de abrir su temporada 2024 con el Ballet de Carmina Burna de Mauricio Wainrot. Una puesta en escena donde el coro y los bailarines llevan la batuta de este clásico reciente.
Bajo la dirección de orquesta de Carlos Calleja y Sebastiano De Fillippi y la dirección de coro de Miguel Martínez, inicia con fuerza el O Fortuna desde el segundo uno el espectador recibirá la avalancha que significa esta pieza. Los estímulos serán ensordecedores, pero en el buen sentido.

Abajo la orquesta, del lado izquierdo, pero en el palco lateral el coro masculino, del lado izquierdo el femenino y en el palco presidencial el coro infantil que tendrá presencia en el canto Cours d’amours.
La puesta de escena de Carlos Gallardo es sencilla pero eficiente para el total desenvolvimiento de los bailarines. Se conforma de persianas que van develando a los interpretes y carretillas para transportarlos. Gallardo también es responsable del vestuario el cual es conformado por estilos distintos para cada canto como faldas largas de colores pasteles y moda hollywoodense de los cincuenta.
Laura Pisani y Laura Rizzo son las sopranos del espectáculo junto a los contratenores Martín Oro y Fernando Ursino y los barítonos Alfonso Mujica y Cristian Maldonado. Los cantantes liricos se encuentran en el palco presidencial derecho y destacan en los momentos solistas.


Carmina Burana de Mauricio Wainrot fue la elección perfecta del Teatro Colón para arrancar esta temporada 2024. Una muestra solemne y sobria de la composición de Carl Orff. Es capaz de capturar los cantos goliardos y llevarlo a los pasos de los siempre talentosos bailarines.

Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

Declarada de interés cultural y varias veces premiada, “La Falcón” comienza su cuarta temporada en el teatro El Extranjero todos los viernes a las 20:30.

Buenos Aires, años ´30. La propuesta de un viaje basado en la vida de Ada Falcón, “La Emperatriz”, una de las cantantes más importantes y relevantes de la historia del tango. 

La obra escrita por Augusto Patané, recorre la vida de Ada, centrándose en la relación amorosa y prohibida entre la cantante y el célebre Francisco Canaro y en cómo esta repercutió en el reconocimiento, la fama y la retirada de la cantante. La obra expone la relación entre Ada y su público, el vínculo con su hermana menor y su madre, con la esposa de Canaro, con Canaro mismo y, finalmente, con su propio hacer y profesión. 

“La Falcón” es un musical, pues entre momentos dramáticos y otros de tinte biográfico encarnados por la madre- narradora, se cuela un repertorio de las canciones más famosas interpretadas por Ada, como «Yo no sé qué me han hecho tus ojos» y «La morocha». Este repertorio se interpreta con guitarras en vivo ejecutadas con gran calidad. Los arreglos que Carlos Ledrag y Florencia Craien realizaron son exquisitos. Suenan las canciones y quienes están en el público y conocen, cantan; quienes no, se entregan al viaje.

El vestuario y la escenografía recrean con  precisión los años ´30. El espacio está dispuesto como si el propio público asistiera a la transmisión en vivo de Radio El Mundo, donde Ada se presentó innumerables veces junto a su mentor, Canaro. En ese mismo espacio ocurren las escenas que dan cuenta del devenir de su carrera. Mesas con lamparitas alrededor del espacio, un cortinado adamascado, un micrófono de época, vestidos antiguos, todo lleva hacia un tiempo otro. 

El elenco está conformado por  María Colloca, Florencia Craien, Mónica Driollet, Federico Justo, Carlos Ledrag, Victoria Paez. María  combina lo lírico y lo popular, encarnando, así, una Ada elegante que llama la atención y despierta curiosidad. Carlos es Canaro, en la obra actúa, canta y toca la guitarra con gran virtuosismo. Florencia demuestra versatilidad, es música y también por momentos se transforma para ser la esposa engañada de Canaro. Tanto Florencia como Federico, deslumbran por su talento y calidad en las guitarras. Victoria y Mónica son los personajes que se dedican exclusivamente a la actuación y llevan con entereza los roles de hermana y madre, respectivamente, dando aire y dinamismo a la obra. 

La Falcón propone, entonces, un viaje hacia la vida de esta cantante oculta por la historia. Su retiro a un convento en Córdoba fue repentino, su silencio abrupto le dio a su carrera un tinte misterioso. La obra invita al disfrute tanto a los conocedores de la vida de “La Emperatriz” como a quienes por primera vez escuchan de ella. “Tus ojos para mí son luces de ilusión, que alumbran la pasión que albergo para tí (…)”, del teatro se sale queriendo saber más y tarareando, por qué no. 

FICHA TÉCNICA

Dramaturgia: Augusto Patané/ Actúan: María Colloca, Florencia Craien, Mónica Driollet, Federico Justo, Carlos Ledrag, Victoria Paez/ Músicos: Federico Justo/ Diseño de vestuario: Paula Molina/ Diseño y realización de escenografia: Victor Salvatore/ Realización de vestuario: Paula Molina/ Diseño De Iluminación: Cintia Miraglia/ Fotografía:Nacho Lunadei/Prensa: Natalia Bocca/ Arreglos musicales: Florencia Craien, Carlos Ledrag/ Producción ejecutiva: Carambola Artes Escénicas/ Producción: Augusto Patané /Dirección: Cintia Miraglia

“La Falcón”- Teatro El Extranjero (Valentín Gómez 3378)- Viernes – 20:00 hs (Hasta el 29/03/2024) /Sábado – 20:00 hs (Del 13/04/2024 al 04/05/2024)

Escribió: Micaela Steinbach

«El Sentido de las Cosas», una obra deliciosa desde el minuto en que comienza. Escrita por Sandra Franzen, narra el encuentro ¿imaginario? entre un viejo y ermitaño poeta y un joven con sueños de convertirse en escritor, en una isla del Paraná durante una crecida implacable. Ambos personajes se encuentran perdidos y a la deriva, buscando su destino en medio de la inestabilidad, flotando y hundiéndose mientras reflexionan sobre el sentido de la vida. Con un texto simple, sencillo y maravilloso ¿acaso lo realmente importante de esta vida no es eso? ¿No está allí el sentido de las cosas? En la simpleza.

La trama sirve como pretexto para explorar tanto las penas como las alegrías que todos los seres humanos experimentamos en tiempos turbulentos, ofreciendo una visión esperanzadora en medio de la incertidumbre. Y el cierre nos devuelve una sonrisa, nos hace saltar de la butaca y aplaudir hasta que nos duelan las manos.

Dos artistas enormes (Víctor Laplace en el papel del poeta y Gastón Ricaud interpretando a Josecito) arriba de un escenario despojado, sólo con los elementos esenciales. El resto lo llenan estos dos actores, con un decir exquisito, en donde cada palabra encaja en un rompecabezas perfecto.

Las funciones serán los domingos a las 19.30hs en el Centro Cultural de la Cooperación – Sala Solidaridad, Av. Corrientes 1543, Ciudad de Buenos Aires.

FICHA TÉCNICA

El Poeta: Víctor Laplace

Josecito: Gastón Ricaud

Músico en Escena: Gonzalo Domínguez

Asistente de Escena: Adrián Rallap

Diseño de Escenografía: Carlos Di Pasquo APDEA

Diseño de Vestuario: Carlos Di Pasquo APDEA

Diseño de Iluminación: Horacio “CHINO” Novelle

Fotos: Nacho Lunadei

Diseño Gráfico: Sol Collantes

Prensa: Natalia Bocca

Operación Técnica: Ramiro García Zacarías

Asistente de Escena: Adrián Rallap

Productora Ejecutiva y Artística: Alejandra García

Dirección General: Andrés Bazzalo

Andrea Parise Calamera

Reseña: “La casa del río”


El domingo pasado tuvimos el gusto de asistir en Teatro Timbre 4 al reestreno(segunda temporada) de “La casa del río”, primera obra de Jorge Castaño como dramaturgo y director. Actúan Franco Campanela, Gustavo Ferrando, Claudia Fieg, Mateo Isetta, Antonella Jaime, Rita Nuñez, Verónica Vergottini.

Obra situada y ambientada en 1985 en Argentina, en una casa de verano junto a un río donde viven Olga(Verónica Vergottini) y su hija Miriam(Rita Nuñez). Ese verano reciben la visita de sus parientes porque así fue el deseo de la abuela(la suegra de Olga) que se busca respetar y honrar, que todos los veranos se reúna la familia en esa casa. El marido de Olga desapareció en la última dictadura militar. Drama de incógnitas, de secretos de familia, de silencio y de ruido.

Destaca el trabajo de escenografía, denota esfuerzo técnico y amor por la puesta. Una cocina construida, con una ventana que nos lleva con la imaginación al campo y al río. Empleo de maderas para las paredes; una cama; un juego de mesa y elementos de época como revistas, walkman, jarras, platos decorativos. Ambienta muy bien ese período que propone el guión y nos transmite sentimientos nostálgicos y pensamientos reflexivos sobre el tiempo y sus formas.

En lo musical la puesta es sencilla pero funcional. Una guitarra con algunos acordes; un cajón peruano con rítmica de redoblante que ambienta unipersonales a tenue luz; y una canción. Todo esto en vivo e interpretado por los mismos actores. También es de felicitar el trabajo de fotografía en la preproducción de la obra, sesión de fotos de todo el elenco en un escenario natural.
El elenco hizo buena actuación, es un equipo donde todos se complementan bien y se llevan bien. Es una obra emotiva, con temáticas que tal vez ya se han hecho y explorado mucho pero que logra frescura y propuesta. Una obra que nos regaló un momento muy lindo. Destaco las imágenes poéticas del río, del campo y los caballos. Se pasó muy bien y se recomienda! Las funciones son domingos 18 hs. en Timbre 4.



Matías Vanacor para La Butaca Web