Declarada de interés cultural y varias veces premiada, “La Falcón” comienza su cuarta temporada en el teatro El Extranjero todos los viernes a las 20:30.

Buenos Aires, años ´30. La propuesta de un viaje basado en la vida de Ada Falcón, “La Emperatriz”, una de las cantantes más importantes y relevantes de la historia del tango. 

La obra escrita por Augusto Patané, recorre la vida de Ada, centrándose en la relación amorosa y prohibida entre la cantante y el célebre Francisco Canaro y en cómo esta repercutió en el reconocimiento, la fama y la retirada de la cantante. La obra expone la relación entre Ada y su público, el vínculo con su hermana menor y su madre, con la esposa de Canaro, con Canaro mismo y, finalmente, con su propio hacer y profesión. 

“La Falcón” es un musical, pues entre momentos dramáticos y otros de tinte biográfico encarnados por la madre- narradora, se cuela un repertorio de las canciones más famosas interpretadas por Ada, como «Yo no sé qué me han hecho tus ojos» y «La morocha». Este repertorio se interpreta con guitarras en vivo ejecutadas con gran calidad. Los arreglos que Carlos Ledrag y Florencia Craien realizaron son exquisitos. Suenan las canciones y quienes están en el público y conocen, cantan; quienes no, se entregan al viaje.

El vestuario y la escenografía recrean con  precisión los años ´30. El espacio está dispuesto como si el propio público asistiera a la transmisión en vivo de Radio El Mundo, donde Ada se presentó innumerables veces junto a su mentor, Canaro. En ese mismo espacio ocurren las escenas que dan cuenta del devenir de su carrera. Mesas con lamparitas alrededor del espacio, un cortinado adamascado, un micrófono de época, vestidos antiguos, todo lleva hacia un tiempo otro. 

El elenco está conformado por  María Colloca, Florencia Craien, Mónica Driollet, Federico Justo, Carlos Ledrag, Victoria Paez. María  combina lo lírico y lo popular, encarnando, así, una Ada elegante que llama la atención y despierta curiosidad. Carlos es Canaro, en la obra actúa, canta y toca la guitarra con gran virtuosismo. Florencia demuestra versatilidad, es música y también por momentos se transforma para ser la esposa engañada de Canaro. Tanto Florencia como Federico, deslumbran por su talento y calidad en las guitarras. Victoria y Mónica son los personajes que se dedican exclusivamente a la actuación y llevan con entereza los roles de hermana y madre, respectivamente, dando aire y dinamismo a la obra. 

La Falcón propone, entonces, un viaje hacia la vida de esta cantante oculta por la historia. Su retiro a un convento en Córdoba fue repentino, su silencio abrupto le dio a su carrera un tinte misterioso. La obra invita al disfrute tanto a los conocedores de la vida de “La Emperatriz” como a quienes por primera vez escuchan de ella. “Tus ojos para mí son luces de ilusión, que alumbran la pasión que albergo para tí (…)”, del teatro se sale queriendo saber más y tarareando, por qué no. 

FICHA TÉCNICA

Dramaturgia: Augusto Patané/ Actúan: María Colloca, Florencia Craien, Mónica Driollet, Federico Justo, Carlos Ledrag, Victoria Paez/ Músicos: Federico Justo/ Diseño de vestuario: Paula Molina/ Diseño y realización de escenografia: Victor Salvatore/ Realización de vestuario: Paula Molina/ Diseño De Iluminación: Cintia Miraglia/ Fotografía:Nacho Lunadei/Prensa: Natalia Bocca/ Arreglos musicales: Florencia Craien, Carlos Ledrag/ Producción ejecutiva: Carambola Artes Escénicas/ Producción: Augusto Patané /Dirección: Cintia Miraglia

“La Falcón”- Teatro El Extranjero (Valentín Gómez 3378)- Viernes – 20:00 hs (Hasta el 29/03/2024) /Sábado – 20:00 hs (Del 13/04/2024 al 04/05/2024)

Escribió: Micaela Steinbach

«El Sentido de las Cosas», una obra deliciosa desde el minuto en que comienza. Escrita por Sandra Franzen, narra el encuentro ¿imaginario? entre un viejo y ermitaño poeta y un joven con sueños de convertirse en escritor, en una isla del Paraná durante una crecida implacable. Ambos personajes se encuentran perdidos y a la deriva, buscando su destino en medio de la inestabilidad, flotando y hundiéndose mientras reflexionan sobre el sentido de la vida. Con un texto simple, sencillo y maravilloso ¿acaso lo realmente importante de esta vida no es eso? ¿No está allí el sentido de las cosas? En la simpleza.

La trama sirve como pretexto para explorar tanto las penas como las alegrías que todos los seres humanos experimentamos en tiempos turbulentos, ofreciendo una visión esperanzadora en medio de la incertidumbre. Y el cierre nos devuelve una sonrisa, nos hace saltar de la butaca y aplaudir hasta que nos duelan las manos.

Dos artistas enormes (Víctor Laplace en el papel del poeta y Gastón Ricaud interpretando a Josecito) arriba de un escenario despojado, sólo con los elementos esenciales. El resto lo llenan estos dos actores, con un decir exquisito, en donde cada palabra encaja en un rompecabezas perfecto.

Las funciones serán los domingos a las 19.30hs en el Centro Cultural de la Cooperación – Sala Solidaridad, Av. Corrientes 1543, Ciudad de Buenos Aires.

FICHA TÉCNICA

El Poeta: Víctor Laplace

Josecito: Gastón Ricaud

Músico en Escena: Gonzalo Domínguez

Asistente de Escena: Adrián Rallap

Diseño de Escenografía: Carlos Di Pasquo APDEA

Diseño de Vestuario: Carlos Di Pasquo APDEA

Diseño de Iluminación: Horacio “CHINO” Novelle

Fotos: Nacho Lunadei

Diseño Gráfico: Sol Collantes

Prensa: Natalia Bocca

Operación Técnica: Ramiro García Zacarías

Asistente de Escena: Adrián Rallap

Productora Ejecutiva y Artística: Alejandra García

Dirección General: Andrés Bazzalo

Andrea Parise Calamera

Reseña: “La casa del río”


El domingo pasado tuvimos el gusto de asistir en Teatro Timbre 4 al reestreno(segunda temporada) de “La casa del río”, primera obra de Jorge Castaño como dramaturgo y director. Actúan Franco Campanela, Gustavo Ferrando, Claudia Fieg, Mateo Isetta, Antonella Jaime, Rita Nuñez, Verónica Vergottini.

Obra situada y ambientada en 1985 en Argentina, en una casa de verano junto a un río donde viven Olga(Verónica Vergottini) y su hija Miriam(Rita Nuñez). Ese verano reciben la visita de sus parientes porque así fue el deseo de la abuela(la suegra de Olga) que se busca respetar y honrar, que todos los veranos se reúna la familia en esa casa. El marido de Olga desapareció en la última dictadura militar. Drama de incógnitas, de secretos de familia, de silencio y de ruido.

Destaca el trabajo de escenografía, denota esfuerzo técnico y amor por la puesta. Una cocina construida, con una ventana que nos lleva con la imaginación al campo y al río. Empleo de maderas para las paredes; una cama; un juego de mesa y elementos de época como revistas, walkman, jarras, platos decorativos. Ambienta muy bien ese período que propone el guión y nos transmite sentimientos nostálgicos y pensamientos reflexivos sobre el tiempo y sus formas.

En lo musical la puesta es sencilla pero funcional. Una guitarra con algunos acordes; un cajón peruano con rítmica de redoblante que ambienta unipersonales a tenue luz; y una canción. Todo esto en vivo e interpretado por los mismos actores. También es de felicitar el trabajo de fotografía en la preproducción de la obra, sesión de fotos de todo el elenco en un escenario natural.
El elenco hizo buena actuación, es un equipo donde todos se complementan bien y se llevan bien. Es una obra emotiva, con temáticas que tal vez ya se han hecho y explorado mucho pero que logra frescura y propuesta. Una obra que nos regaló un momento muy lindo. Destaco las imágenes poéticas del río, del campo y los caballos. Se pasó muy bien y se recomienda! Las funciones son domingos 18 hs. en Timbre 4.



Matías Vanacor para La Butaca Web

Por Andrea Parise

El emperador (tres noches)», la obra escrita y dirigida por Clara Charrúa estrenó el 10 de marzo su segunda temporada en el Teatro ÑaCa (Julián Álvarez 924, Villa Crespo). Protagonizada por Andrés Terigi, se presentará los domingos de marzo y abril a las 19h.

Una vez más, Clara Charrúa nos sumerge en un universo cargado de emociones y reflexiones sobre el amor y los desencuentros. Inspirada por las palabras de Barthes en «Fragmentos de un discurso amoroso», la obra nos invita a explorar los matices del sentir y pensar en alguien, donde la ausencia se convierte en un relato vívido de presencia.

Y así nos adentramos en la mente de Tomás, quien se debate entre el deseo y la incertidumbre durante tres días y tres noches. Entre tangos que evocan pasiones ocultas, conversaciones cargadas de significado con amigos, y hasta tiradas de tarot en busca de saber su destino, Tomás se enfrenta a esa dolorosa realidad de no ser correspondido por la persona que ama.

«El Emperador (tres noches)» es mucho más que un simple unipersonal. Es un viaje emocional que nos lleva a cuestionarnos sobre la naturaleza misma del amor y la constancia en medio de la inconstancia. ¿Es posible amar en la incertidumbre? ¿Cómo enfrentar el desencuentro cuando el deseo es tan intenso?
A través de diálogos llenos de frases urbana, guiños con el espectador, miradas y silencios cómplices, la obra es una baldazo de realidad que nos invita a reflexionar sobre nuestras propias experiencias sentimentales y nos confronta con las complejidades de los vínculos humanos de hoy, en este mundo marcado por la fugacidad y la búsqueda constante de conexiones genuinas.

Su protagonista Andrés Terigi despliega su talento enorme y nos regala una experiencia teatral para reír, emocionarse y, sobre todo, pensar. ¿Qué significa el amor para cada uno de nosotros? ¿qué esperamos de la persona amada? Y ¿que le damos nosotros a esa persona?

Dramaturgia: Clara Charrúa
Actúa: Andres Terigi
Fotografía: Santiago Mai
Sonido y utilería: Emilia Costagliola
Community Manager y Prensa: Alexis Mazzitelli
Diseño gráfico: Julieta Garros
Asistencia de dirección: Ana Laura Castañiza
Dirección: Clara Charrúa

Bien, intentare explicar en esta breve reseña lo que es esta singular experiencia teatral; digo experiencia porque es mucho mas que una obra o espectáculo, es un sumatorio de distintas texturas que estimulan los sentidos a lo largo de la noche.

La primera parte se titula S.D.D.S., una obra corta, aparentemente gestada como creación colectiva que parodia sobre el funcionamiento burocrático en una dependencia gubernamental. Sofía Farias Alves; Antonella Bataglia y Jésica Moreno conforman un trío que se entienden muy bien arriba del escenario y con un trabajo muy elaborado, desde la composición de los personajes hasta la impronta corporal que le imprimen; van tejiendo una seguidilla de situaciones hilarantes que terminan de redondear un producto más que agradable.

Llega el momento de la «Experiencia wino» mientras en el escenario se desarrolla un algo gracioso monologo sobre las vicisitudes de un sommelier, se invita a los espectadores a degustar de exquisitos vinos muy bien acompañados de una tabla de quesos; convirtiéndose en una experiencia teatral interesante que abarca de los sentidos.

Cierra la noche «Burlesque» un viaje al erotismo, a la sensualidad, al dejarse llevar a un terreno donde lo sensorial le gana a la razón. Sin una estructura dramática,se van sucediendo números de burlesque con un tono de modernidad, con diversidad de cuerpos y bellezas que no responden a hegemonías, pero con mucha sensualidad y en un clima festivo. Mención especial para el musical final, brillante como cierre.

En fin, una experiencia distinta a la que vale la pena entregarse.

Teatro El alambique.  A.R.

Con dramaturgia y dirección Merceditas Elordi nos llega esta tragedia rural que nos increpa en lo profundo sobre nuestras raíces. Situada en lugar no especifico de la frontera sur de la provincia de Buenos Aires, en épocas de ataques indios y donde la historia se escribía a punta de facón y muertes; se va tejiendo este relato sencillo pero intenso y emotivo.

Con personajes muy bien delimitados va dejando en evidencia el relato varios temas a tratar: el abuso de poder, la marginalidad de la pobreza, el amor, el temor al abandono, los lazos fraternales y la violencia sexual.
Bien resuelta desde la puesta, con una escenografía sugerente que integra los distintos espacios con naturalidad y con todo el elenco en escena casi todo el tiempo; los cuadros se van sucediendo en continuado, favoreciendo el fluir del relato.

Un texto duro, áspero y muy acorde a lo que reclama el relato, cuenta con un elenco muy solido y parejo ( Juli de Moura, Mauricio Mendez, Pablo Pieretti, Mariel Rueda y Edgardo Rosini) que resuelve con intensidad y entrega, dándole verosimilitud al relato.
Un acierto la musicalizacion en vivo, aporta muchísimo al aire campestre de la puesta. En fin, los espectadores amantes de las historias fuertes, de los textos profundos y las actuaciones intensas no van a salir defraudados, por el contrario en mi caso muy agradecido.

Teatro del pueblo, sábados 20 hs. A.R.

Por Ignacio Asseph

Tu escena no es la mía es una obra que se desarrolla en el living de una casa, allí  transcurren dos historias que se involucran entre si.

Sus protagonistas son cuatro seres solitarios que, casi sin darse cuenta, se ven implicados en sólidos encuentros amorosos.
Bajo está premisa se cuenta una historia llena de bellos recuerdos, de la familia, del amor,de los que ya no están, de los tiempos que pasaron y ya no volverán, pero también del presente, de la belleza de lo simple, de la amistad y las buenas compañías. Una obra que te hará recordar los tiempos de niñez junto a tus padres y abuelos, te hará querer y empatizar a los personajes como pocas veces.

Cuidada hasta en los detalles más mínimos, con buena musicalización e iluminación y excelentes actores, Tu escena no es la mía es un excelente espectáculo que nadie debería dejar pasar.

Actúan: Mercedes Fraile, Daniel Goglino, Gabriela Izcovich, Mauricio Minetti
Música original: Lucas Fridman
Diseño de iluminación: Ricardo Sica
Asistencia de dirección: Milagros Previgliano
Ilustración Rafael Landea

Dirección general: Gabriela Izcovich

viernes 20 30 hrs
MOSCÚ TEATRO
Ramirez de Velasco 535

Entradas: $7000
Descuentos a estudiantes y jubilados, para alumnes de la Escuela del teatro  y para sub 28 
👉Entradas y más info en Alternativateatral

La obra de teatro «Cero en conducta» es una propuesta divertida y sorprendente que logra captar la atención del público desde el inicio. Con una trama inicial aparentemente centrada en la comedia adolescente y los primeros pasos en la vida sexual de los protagonistas, la historia se va desarrollando de una manera inesperada y profunda, manteniendo al espectador en suspenso.

Pierina es la mejor alumna del colegio y no puede ver el mundo de otra manera. Darío, en cambio, es un caso perdido y está a punto de repetir el año. A pesar de sus diferencias, él acepta visitarla para estudiar química juntos, sin saber que esa noche perderá la virginidad y será parte de un oscuro plan.



La buena química entre los actores en escena es evidente, lo que se traduce en una actuación convincente y llena de energía. Los números musicales son destacables, tanto en actuaciones individuales como en dúos, aportando dinamismo y emoción a la trama. En la dirección de Nicolás Sorrivas se hace notar  la creatividad y el talento demostrado en la obra, con un escenario que logra transmitir la ambientación de una habitación y una sala de detención de forma efectiva. La autoría de Mario Mendoza y Sergio Cavero se ve en escena con una historia que parece simple pero resulta ingeniosa y sobre todo divertida.

El uso de luces y sonido complementa de manera acertada la narrativa visual de la obra, creando un ambiente inmersivo para el espectador. Las canciones, en especial la canción de clímax, son pegajosas y aportan un elemento adicional de diversión a la comedia.

Cero en conducta es una obra que ofrece una experiencia teatral completa, combinando comedia, música y sorpresas argumentales de manera efectiva. Una propuesta que garantiza una noche amena y entretenida en el teatro, dejando al público satisfecho y con más de una sonrisa en el rostro.

Ficha técnica:

CERO EN CONDUCTA
de Mario Mendoza y Sergio Cavero

Con: Martina Ruda Bart y Guido Encinas
Covers: Luz Navarro y Gerónimo Esthirle (saldrán juntos en la función del 7/3)
Dirección: Nicolás Sorrivas
Dirección vocal: Lucía Berraud
Puesta en escena y dirección de actores: Nicolás Sorrivas y Cecilia Miserere
Coreografías: Nazarena Asciutto
Diseño de luces: Julieta Schwartz
Diseño de escenografía y vestuario: Nicolás Sorrivas
Escenografía y vestuario: Carolina Pintus
Stage manager: Natalia Ríos
Asist. dirección: Marina Biondi
Producción: Matcha Contenidos

JUEVES 21:00 HS – EL MÉTODO KAIRÓS
El Salvador 4530, CABA
Entradas en venta por Alternativa Teatral

La obra, que desde 2017 viene presentándose en distintas salas del circuito teatral porteño, vuelve este 2024 al Camarín de las Musas los sábados a las 20:30hs. 

Un árbol, un banco. Ella de ciudad, él de campo. Esos dos que temen y, a la vez, quieren acercarse. El tiempo pasa en la plaza, el mate va y viene, las palabras van y vienen. El encuentro entre ambos se vuelve corto, enredado y, quizás, posible.
Leandro Airaldo, dramaturgo y director, crea un texto que respira su propio tiempo. El encuentro entre Ana y Pedro es gradual, el deseo va despertando a través del diálogo. Llenar el silencio y no abordar de frente eso que realmente se quiere decir. El texto juega, está plagado de diálogos picados y cortos que tropiezan y se enredan. El encuentro con la otredad y todo su misterio es, quizás, posible. El amor surge en ese tiempo de intercambio. La palabra se vuelve cuerpo, abrazo, beso.
Ana, una chica que se siente fea y “cuerpo- anónimo” e invisible en ese ambiente urbano, y Pedro, un hombre viudo de campo que ceba y ceba mate, son encarnados de forma sutil y precisa por Sol Rodríguez Seoane y Emiliano Diaz. Ambos logran matices en el decir que vuelven atractivo y vertiginoso al diálogo. Por momentos tímidos, por momentos alzados, por momentos con giros clownescos, un elenco que despliega versatilidad y encanto. Las corporalidades tan distintas en ambos, rectitud (ella), cuerpo encorvado por el trabajo en el campo (él), terminan acercándose lento hasta encontrar la unidad híbrida. Ambos actores abordan un presente en el que conviven el humor, las ansias de futuro, el deseo y el recuerdo de un pasado triste y también feliz. Todo contradictorio, todo enredado, como el intento del yo por acercarse a ese otro. “Enamorarse es hablar corto y enredado” humaniza a estos dos personajes que tanto se han estereotipado a lo largo de la historia. Los actores les dan vida de forma propia y original.
La escenografía (Miguel Nigro) es inteligente, simple y ajustada: un árbol, un banco de plaza que gira sobre sí mismo y da aire al cuadro fijo en el que se desarrolla la acción de la obra permitiendo, a su vez, tener distintos puntos de vista sobre el encuentro de Ana y Pedro. Las luces cálidas, los sonidos de calle y de pájaros volando terminan de crear el espacio donde el encuentro se produce.
Una mariposa se cruza varias veces e interrumpe el diálogo. “Enamorarse es hablar corto y enredado” plantea un tiempo en donde el deseo por comprenderse y acercarse se desarrolla como una oruga. Una obra tierna y poco predecible que mantiene al público activo a la espera de qué ocurrirá con esos dos que se entienden y no. Por y a pesar de todo lo misterioso, diferente y confuso de la otredad, el encuentro es aún posible .
FICHA TÉCNICO ARTÍSTICA


Dramaturgia y dirección: Leandro Airaldo// Actúan: Emiliano Diaz, Sol Rodríguez Seoane// Vestuario: Alicia Macchi // Escenografía: Miguel Nigro// Iluminación: Luciana Giacobbe// Realización de escenografia: Manuel Escudero// Música y sonido: Silvia Vives// Diseño: Nadia Estebanez, Veronica Lopez// Asistencia de dirección y producción: Nadia Estebanez.


“ENAMORASE ES HABLAR CORTO Y ENREDADO”- SÁBADOS 20:30HS- EL CAMARÍN DE LAS MUSAS (Mario Bravo 960)


Escribió: Micaela Steinbach

Los hilos del amor

El amor es un bordado que una vez que se deshace ya no tiene la misma forma, sin embargo prevalece la intención de formar una prenda que sirva para mantener la relación. Todos hilamos el sentimiento hasta que se vuelve una maraña y luego ensartar la aguja será imposible. Todas estas metáforas aplican para la comedia romántica »Las medidas».

»Mara y Pablo son una pareja descomponiéndose en convivencia. Ellos intentan rearmarse en medio de esta modernidad líquida. Habiendo agotado diferentes estrategias, deciden sumar a alguien a la pareja para revivir el fuego. El problema es saber si lo lograrán o no». Tomás Landa es el autor de esta obra la cual también dirige.

Las medidas son dos actores, un escenario repleto de telas y un resultado satisfactorio, una comedia que hará reír al público.

Pascual Carcavallo  y Rocio Hernandez son las protagonistas de esta obra. Ambos poseen una química irremplazable. Con mucha naturalidad enfrentan a dos personajes opuestos que intentan compaginar, el amor los une y el mogollón de telas también. La pareja de jóvenes promesas saben cómo ensartar la aguja para ofrecer un excelente perfomance.

El escenario consiste de una casa que se convierte en taller de costura, gracias al ingenio de Yamila Barreira. Las prendas que forman parte de la escena fueron donadas por el público y en cada función, cada asistente podrá donar una.

La obra cuenta con un invitado diferente cada función, este aparecerá en el momento más hilarante de la obra, pero no solo como factor sorpresa para el público sino para los mismos actores. Los intérpretes tendrán que improvisar y hacernos reir.

Las medidas es una obra divertida que nos lleva a la reflexión sobre la montaña de ropa que tenemos que acomodar. las medidas que tenemos que hacer para que encaje la nueva ropa, y las prendas que reparar; obviamente no hablo de textiles sino de los sentimientos de pareja.

Disponible los miércoles de marzo y abril a las 21 horas en el Teatro Num.

Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web