Pasiones peligrosas

Henrik Ibsen fue el dramaturgo noruego que revolucionó la manera de ver el teatro a finales del siglo XIX en Europa. El hablar de affairs, violencia, obsesiones, estafas y divorcios; es decir: temas reales, puso a Ibsen en la lupa pero también en la polémica. El abordar el lado oscuro de las relaciones humanas con un grado de realismo sincero, dio paso a un teatro menos idílico y más centrado.

Hedda Gabler fue estrenada en 1891 con cierto pudor, el solo hecho de representar a una mujer obsesionada, desequilibrada y manipuladora ya movía la opinión pública. El personaje de Hedda recuerda a los momentos finales de Anna Karenina, la diferencia es que Ibsen le da un toque más radical. Patricia Suárez entiende la idea del dramaturgo noruego y la adapta en El Estropicio.

»Hedda, hija del difunto Capitán Gabler, acaba de contraer matrimonio con un hombre a quien no ama: Jorge Tesman. Luego de una luna de miel poco romántica, Tesman pugnará por una cátedra junto a Lovborg -antiguo amante de Hedda-. Ella, con absoluta frialdad, aprovecha la fragilidad de Lovborg para provocarlo y luego rechazarlo. Esto será tan solo el inicio del derrumbamiento de sí misma». Es la sinopsis de la obra de Suárez la cual es dirigida por Mariano Dossena.

Federico Dopico, Marcos Horrisberger y Lucia Tapiola son los protagonistas de esta tragedia de pasiones desbordadas. El trío de jóvenes actores interpreta un triángulo amoroso de aristas afiladas y venenosas. Lucía Tapiola sabe cómo interpretar a Hedda dándole matices para poder entender su desequilibrio mental, pero a su vez nos entrega una interpretación hilarante con sus momentos de humor ácido que alivian la densidad de la trama. Es un deleite verla actuar.

La puesta en escena de Nicolás Nanni conforma una paleta de negros, oscuros que le dan un aspecto lugubre y deprimente. Un círculo de rosas marchitas y cadenas colgando del escenario. Una muestra del deterioro del amor y el abismo de la mente. La música original de Rony Kaselman es de efecto thriller, estamos envueltos en sus notas trémulas y misteriosas. Es un suspenso sonoro ideal para noches de espanto.

El estropicio es una adaptación libre de Hedda Hegler que le rinde homenaje a Ibsen. Un drama que se puede trasladar al presente pues el amor puede llevarnos a cometer locuras, pero la locura puede distorsionar al amor.

Disponible los viernes a las 20:30 en el Mètodo Kairòs.

Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

El chongo de cada día

La palabra Chongo tiene distintos significados en la jerga latinoamericana. Si nos centramos en la región del Río de la Plata, tomando el antiguo lunfardo. tenemos que Chongo deriva del linaje kimbundu, utilizado por los esclavos africanos a finales de siglo XIX, »hombre robusto de buenas condiciones físicas para el trabajo forzado, semental».

La etimología cambia según la época y el chongo se le atribuye al sujeto masculino, viril o »macho» dentro de la comunidad gay, también al amante pasajero para las mujeres o deriva el verbo chonguear, salir de forma casual con alguien. Hernán Cuevas (quien triunfó recientemente en la serie de Netflix División Palermo) nos trae Chongos, una comedia interactiva.



»Está por terminar el año 2003 y en la televisión sucede el clásico de la caja boba, la elección del «míster chongo» de cada año. Este año Mike, «el presentador», nos invita a conocer a los cinco participantes que deberán pasar las pruebas más exigentes para llegar al tan ansiado premio. La coronación como rey significa para cada uno de ellos algo distinto pero muy deseado y harán lo que sea por llegar a su meta». Así se describe la obra dirigida, escrita y protagonizada por Cuevas.



Mauro Angemi, Agustín Sola, Maximiliano Nolasco, Ángel Baez y Santiago Castellano forman parte de estos chongos. Jóvenes hegemónicos que rondan la media de 35 años, morochos argentinos acuerpados, viriles y macanudos que caen en la perfecta definición de la palabra.




Chongos es una comedia interactiva que nos muestra una época decadente (comienzos del 2000) en un certamen artificial donde más que ganar, es demostrar quién es superior al otro. Esta competencia de belleza y presencia nos muestra que los mandatos no han cambiado, veinte años en el futuro, la hegemonía prevalece y sigue creando a más chongos. Los actores muestran toda la onda sobre las tablas, además de ser un colirio visual, son talentosos y encarnan bien el papel que se les otorga.

La obra de Cuevas nos lleva a los sketchs musicales, rompe la cuarta pared y el público forma parte de este concurso de Misters, uno elige quien es el mejor Chongo pero también, participa en esta cosificación intencional. Chongos es una apuesta divertida, refrescante, llena de colirio y testosterona ideal para disfrutar en Av. Corrientes.



Disponible los martes a las 20:30 en el Teatro Picadilly.

La sala de el Caras y Caretas se estremece de risa con “Modelo Vivo Muerto”, el nuevo espectáculo de los Bla Bla & Cía al que se puede asistir viernes y sábados a las 22:30hs.

Un día crucial, es el examen de fin de curso para los alumnos de la escuela de arte. Deben copiar un modelo vivo que repentinamente aparece muerto. El misterio se instala: ha ocurrido un crimen. La investigación comienza y no frena hasta encontrar al culpable, si es que de un culpable se trata… 

El grupo de humor conformado en 2010, los Bla Bla, vuelve con nuevos integrantes y un cambio de nombre, son ahora Bla Bla & Cía y han incorporado a Carola Oyarbide, quien se destaca por su actuación;  la dirección y colaboración artística de Francisca Ure y la colaboración en dramaturgia de Gustavo Lista. Además, el grupo reconocido por sus obras varieté y sus sketches, ha decidido apostar por un nuevo formato: se trata de una obra de tres actos que mantiene la esencia de los Bla Bla y le aporta algo más. 

El elenco se apropia del escenario que se transforma en espacio vivo de disfrute y no puede generar otra cosa más que el contagio en el público que no para de reír. Química, timing, gags, amor por el juego, manejo del gesto a un nivel milimétrico. Por momentos, las situaciones tienen un aire a coreografía, un funcionamiento de reloj que no deja de tener presente lo espontáneo. “Modelo vivo muerto” combina humor y relatos policiales y pone en crisis el concepto de “final”, dialoga con las lógicas narrativas y las critica desde un lugar genuino. 

La música, siempre presente, está a cargo del mágico Furman. También hay momentos musicales individuales y corales que muestran la versatilidad del elenco listo para todo. Además, y para destacar, la escenografía caricaturesca y el manejo de luces que enfatizan y conducen la atención según la historia lo requiera. 

“Modelo vivo muerto” es un espectáculo inteligente, filoso, vivo. Una vuelta del grupo renovado, una obra que mantiene activo a quien mira. Una defensa del teatro y del trabajo en equipo, a la risa como posibilidad de repensarse y purgar. 

Ficha técnico artística

Actuación: Pablo Fusco, Tincho Lups, Manu Fanego, Julián Lucero, Sebastián Furman y Carola Oyarbide// Colaboración artística y dirección de actores: Francisca Ure// Música: Sebastian Furman// Diseño de escenografía: Sol Soto// Vestuario: Sandra Szwarcberg// Diseño de luces: Gustavo Lista// Colaboración coreográfica: Jorge Thefs// Diseño gráfico: Manu Fanego y Patricio Vegezzi// Redes sociales: Diego Bocha Fernandez// Colaboración en dramaturgia: Gustavo Lista// Prensa: Mutuverría PR// Producción: Maribel Villarosa

“Modelo vivo muerto”- CARAS Y CARETAS 2037 (Sarmiento 2037) – Viernes y Sábado – 22:30 hs

Escribió: Micaela Steinbach

El jueves pasado tuvimos la oportunida de asistir a la obra «Daniel: Voy a ser el gay más famoso de Chile» en el Teatro Beckett. En esta puesta nos adentramos en una historia conmovedora y cruda que aborda un tema relevante y lamentable: Un crimen de odio por homofobia

La obra nos muestra la vida de Daniel, la víctima, desde una mirada personal, revelando sus sueños de ser modelo y su caótica relación con la familia y sus propios deseos. La puesta en escena es interesante y las actuaciones son destacables, permitiéndonos sumergirnos en los acontecimientos que llevaron a su trágica pérdida. La obra logra generar una reflexión profunda sobre la discriminación y la necesidad de luchar por la igualdad y el respeto a la diversidad en la sociedad chilena y que también es necesario mostrarlo en nuestra región.

La narrativa toma un giro oscuro al presentar a cada uno de los agresores de Daniel, quienes relatan fríamente los acontecimientos de la noche del asesinato, sin mostrar remordimiento alguno. Este enfoque permite explorar la psicología de los antagonistas y si bien existen acciones de arrepentimientos en estos personajes, todo se debe a las consecuencias que tuvo el crimen con sus vidas y no por lo que le hicieron a Daniel.

La puesta tiene un excelente manejo de luces y todos los espacios del escenario para mostrar distintos ambientes, la casa familiar con sus conflictos, las escenas de discoteca con un añadido coreográfico y el espacio donde se llevó a cabo el crimen. Hay que destacar su desenlace de la historia, que resulta sumamente impactante y mantendrá al público atrapado por la crudeza de su final.

La obra tiene su momento para mostrar la foto de Daniel Zambudio, quien fue la victima real en el que se basó esta puesta teatral, acompañado de imagenes de otras victimas por homofobia. Sin duda, «Daniel: Voy a ser el gay mas famoso de chile» es una obra mas que interesante en toda su ejecución y que ademas invita a la reflexión y a la empatía hacia aquellos que han sido víctimas de la intolerancia y la violencia basada en su identidad de género u orientación sexual.

Ficha Técnica:

Dramaturgia: Ramón Mazuela Falchetti y Eduardo Meza Villanueva. Dirección: Ramón Mazuela Falchetti

Estreno en Argentina: Jueves 6 de Julio

Funciones: Jueves 21 hs. Teatro Beckett – Guardia Vieja 3556 –

Entradas: http://www.alternativateatral.com

Por Sofía Luna Roberts

La adolescencia es una etapa sensible que tiene múltiples vivencias y experiencias, así como también existen representaciones de “cómo atravesar la adolescencia” en términos demasiados generales que muchas veces se aleja de nuestra cotidianidad que nos convierte en únicos y especiales. Estas representaciones vienen de parte de medios que nos acompañaron durante nuestra infancia y nos mostraron los primeros personajes que “capaz” se asimilaban a nuestra realidad caótica. Estos vienen de la mano de las películas, series, novelas, libros, obras de teatro y musicales que consumimos durante toda nuestra vida y lo seguiremos haciendo. Las realidades ficcionales que presentaban nos hacían tomar consciencia de nuestras acciones y actitudes que teníamos con el otro. “Heathers, el musical” nos acerca a ese mundo ilusorio que muchas veces nos sentimos reflejados en cada escena que vemos.

Con autoría de Laurence O’ Keefe y Kevin Murphy y dirección de Fernando Dente, el musical aterriza en la Argentina con un estilo exclusivo en donde la estética actual y la temática clásica de los musicales off – Broadway se mezclan para generar un gran impacto en las calles de Av. Corrientes. La trama que relata lleva consigo una infinidad de temas y problemáticas que, si bien la obra fue hecha en la década de los ’80, no pasan de moda en la vida de cada persona sentada en el teatro. El acoso escolar, el bullying, los enamoramientos, el suicidio y las falsas amistades son algunos de los tópicos por los cuales la obra navega y nos muestra el lado cómico de tanta tragedia que se vivencia en la adolescencia.

Es muy interesante la construcción de los personajes, ya que hay una articulación especial con el cuerpo a través de la exageración de los gestos y movimientos para lograr la caricaturización de los personajes. Tanto actores como actrices se destacan por su gran despliegue en el escenario acompañado por coreografías casi acrobáticas y muy precisas que nos cuentan, mediante el cuerpo, aquellas relaciones que se van dando en la historia. La construcción del relato va muy de la mano del humor negro, con el objetivo de ofrecer otra lectura a la desgracia. Esta reinterpretación de las dolencias y poder generar humor de aquello que en algún momento nos causó tristeza, logra conectar de una manera fresca y directa con los espectadores.

Esta producción rítmica del humor, en conjunto a la banda sonora y canciones, busca parodiar los hechos para descomprimir y hacer más efectiva esa confraternización con el público llevándolo al gran éxito que está teniendo. Es muy acertado la armonía que existe entre los cuadros, la escenografía deambula de una manera precisa y coherente que juega con la abstracción y nos ayuda a la concretización de la ficción. Hay un trabajo llamativo en la creación de ambientes sensibles y que, al mismo tiempo, se conviertan en un cuadro tenso en el cual se genera un conflicto.

“Heather, el musical” nos invita a ser parte del mundo de la Westerberg High School donde los estereotipos, deseos prohibidos y prejuicios nos invaden en un cien por ciento. Nos cuenta la historia de adolescentes que tratan de sobrevivir el día a día a todas estas problemáticas y poder ser alguien, más allá de lo que digan los demás. No dejarse consumir por las críticas y buscar la autenticidad en uno mismo es el gran lema que nos enseña la obra, pero para lograrlo, habrá que hacer ciertos sacrificios. Y vos, ¿te unirías al clan?

El chisme alimenta

Cuando caminamos por los barrios porteños, notamos en las casas chorizo una puerta cancel, esta  sirve de contrapuerta de cristal donde podemos ver hacia el fondo del pasillo  o sala. Sin querer nos convertimos en espectadores involuntarios de aquella intimidad que se expone a la calle, pareciera que nuestros pasos se desaceleran cuando notamos estos portales y nuestras orejas se acercan buscando algún chisme. Por suerte el teatro nos sirve de Puerta cancel para muchas historias.

»Puerta cancel es símbolo de esa puerta que doblemente protege la intimidad del hogar, pero que, a la vez es metáfora herida que supone la defensa del otro como “enemigo”que viene a sacarme lo que me es propio. Estas cuatro obras breves de humor unidas por un hilo conductor musical y temático: el dinero como factor determinante en los vínculos humanos». Esta es la reseña del conjunto de obras presentadas en el Tinglado. Dirigidas por Florencia Aroldi, Julian Belleggia, Julia Funari y Claudio Veliz; Puerta Cancel es una muestra de microteatro de comedia bien picante. Presentadas en cuatro obras que van desde relaciones familiares,comerciales y sexuales.

Río de la Plata: Con los actores Natalia Chiesi y Johanna Deleppe
y dirigida por Florencia Aroldi.

Cuchara de Madera: Protagonizada por Victoria Rodríguez Montes y Luciana Procaccini y dirigida por Claudio Veliz.

Heteroflexible: Con Cristina Fernández, Emanuel Cacace y Marcos Díaz  y la dirección: Julián Belleggia.Por último 

Pestañame: Ingrid Mosches, Inés Cejas y María Fernanda Garibi actúan y Julia Funari dirige.Puerta  Cancel es un jocoso espectáculo microteatral en la cual la idea principal atraviesa todas las obras, estas tienen una continuidad y relación: El chisme. Somos testigos de historias cotidianas llevadas al humor más simple.
Estos diez actores dan todo de sí en esta performance grupal, se sincronizan para no tropezarse en la transición de las obras. Juegan con la utilería para que esta se adapte a la siguiente puesta y en cuestión de un segundo, entran en personaje. 

Emanuel Cacace, Johanna Deleppe y  Rober Segura son los músicos que están presentes en la tabla, son el perfecto acompañante musical para la risa del público. Puerta Cancel es un show divertido de miércoles de la noche para cortar la semana con risas  y chismes.

Disponible los miércoles  a las 21 en el Tinglado Teatro. Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

Del 29 de junio al 2 de julio, el Teatro Coliseo fue escenario de Il Campanello, compuesta por Gaetano Donizetti, con la dirección musical de César Bustamante, la dirección de escena de Mariana Ciolfi y la participación de la Orquesta y el Coro del Instituto Superior de Arte del Teatro Colón.

En colaboración con el Teatro Colón, la Embajada de Italia en Buenos Aires y el Instituto Italiano di Cultura de Buenos Aires, se organizó “Divina Italia”, la temporada dedicada a recorrer el legado del arte musical italiano y establecer un diálogo entre éste y la escena contemporánea local. En este marco se inscribió la versión de Il Campanello (estrenada en 1836 en Nápoles) presentada en el Teatro Coliseo el pasado fin de semana.

El viejo doctor Pistacchio se casa con la joven Serafina. En la fiesta de bodas está Enrico, ex- pareja de la joven. Durante la noche, el timbre suena una y otra vez, es Enrico disfrazado dispuesto a inventar lo que sea para recuperar a Serafina y separarla de su reciente marido.

La puesta realizada en el Teatro Coliseo presentó elementos innovadores en distintos niveles. En cuanto a lo visual, la escenografía (Matías Otálora) recreaba la casa del viejo Pistacchio. Las paredes y muebles eran de color verde pistacho, sobre ellas se apilaban cajas y cajas de medicamentos. Los muebles eran cubos móviles que construían los distintos momentos de esta ópera corta en un acto: la fiesta, la noche, la habitación. Elementos pop, vestuarios brillantes y coloridos (Stella Maris Müller), juegos con sombras y luces (Fabricio Ballerati), bolas de boliche, todo acompañó a esta reversión contemporánea.

Esta actualización del Il Campanello también se hizo visible en los distintos personajes que Enrico encarnó para engañar al viejo doctor: Felipe Carelli llevó con maestría a Enrico, a Luis XVI, a Freddie Mercury, al Doctor Chapatín. El público rió al reconocerlos por la imitación gestual y vocal, así como por el vestuario. Siguiendo con las interpretaciones, todo el elenco trabajó en sintonía y unicidad. Para destacar, Victoria Sambuelli (Serafina) con su voz dulce y clara y la gran Guadalupe Barrientos (Madama Rosa), quien, con cada una de sus entradas, provocó la risa entre el público. El coro se instaló orgánicamente y se desplazó como en una coreografía cómica que también generó humor y simpatía.

Una ópera amable y corta, llena de juegos y pasajes cómicos. Gran labor del equipo técnico, creativo, del elenco, de la orquesta. Una reversión que buscó y busca cómo actualizar la ópera y los efectos de lo bufo en la contemporaneidad.

Escribió: Micaela Steinbach

A veces pensamos que el país está caótico, pero ¿y el 2001?

Nación Alambre nos traslada a la Casa Rosada de ese año, donde María llega a trabajar luego de que renuncia el presidente.

21 de diciembre de 2001, día posterior a la renuncia del entonces presidente argentino. Oficina de un secretario presidencial en la Casa Rosada en plan desarme. Afuera se escuchan estruendos, explosiones, bombos, ruido de cacerolas furiosas y canciones de protesta. La gente canta el himno. Adentro las máquinas de picar papel trituran cuánta evidencia pudiera quedar. María, una joven asustada pero entusiasmada por la tarea –recibir al próximo presidente –, llega a la casa de gobierno. Apenas si sabe qué tiene que hacer en medio de ese caos nacional. Y la realidad supera lo que jamás hubiera podido esperar. Una hilarante comedia basada en dolorosos hechos reales.

La oficina nueva de María es un desastre, llena de papeles rotos o para romper. Desde lejos se escuchan los cacerolazos y un sonido inquietante que no parece cesar. El caos se apodera de cada uno de los personajes, una locura cómica que nos hace olvidar del verdadero problema: el exterior. Ocurren desmayos, peleas y respuestas hilarantes que te harán soltar una carcajada. Cada personaje tiene su toque especial, sin duda.

Pero el tiempo no se detuvo, el pueblo sigue manifestándose y todos se preguntan si el jilguero volverá a su árbol a cantar. No pierdas el tiempo y ve a mirar Nación Alambre los viernes a las 21:30 en el Astrolabio Teatro (Terrero 1456).

Por María Florencia Gorini.

<<Un 29 de Agosto lo conoció y un 29 de Agosto, murió>>.

Un unipersonal ubicado en el Teatro Border y actuado por la talentosa Liliana Pécora: Actriz argentina muy influenciada en el roll de la comedia, pero aquí se puede apreciar un ambiente más trágico que cómico.
La trama es a través de una investigación basada en hechos reales, habla de Emilia Llanos quien era una mujer que no solo amaba a Federico García Lorca, sino que era su amiga y se preocupaba por la situación que estaba pasando tras las circunstancias de esa época: España, un poder a la fuerza que terminó desencadenando una guerra civil en ella.

El personaje muy bien expuesto tanto en sus movimientos, pausas, miradas, suposición de la voz y sobre todo un valorable y muy bien logrado acento español. Sin embargo la velocidad de la transición entre una escena a otra es tan vertiginosa que puede no permitir a algún espectador sentir las emociones plenamente.

El maquillaje, el vestuario, la música y la escenografía en escena nos traslada a la época y lugar que en que transcurre.
El manejo de las luces y sonidos está muy bien logrado ya que el pasaje de los colores entre cada escena nos permiten acompañar el sentimiento de los momentos evocados por el personaje.

Es una obra muy linda, para disfrutar donde uno puede conocer más sobre la historia de esta gran mujer y al menos en mi caso, te da intriga investigar más sobre ella. Aunque aquí te dan mucha información valiosa y se expresa de manera muy linda. La super recomiendo.

Funciones: Viernes a las 20hs.

Teatro Border

Godoy Cruz 1838. CABA

Entrada General: $3500 en boletería del teatro o por Alternativa Teatral



https://publico.alternativateatral.com/entradas78260-la-novia-de-lorca?o=14

Duración: 50 minutos

Pasión, Patria y encierro

La historia oficial ya fue contada, lo que aprendimos en clase o que nos queda aunque sin embargo, hay detalles que no son relevantes dentro de la cátedra, más bien son omitidos, historias de mártires y héroes anónimos. Personas que dieron su vida y libertad por una sola pasión: La Patria.

El dúo de Paul Caballero y Cristian Mariani trae el monólogo »Adriano bajo la Puna», según palabras de los propios autores, la obra se resume con la sinopsis siguiente:
»En los albores del siglo XIX, Patricio un poeta de clase alta termina encarcelado en las islas Malvinas por no cumplir una promesa de amor. Gracias a una carta de San Martín en la que ofrece la libertad de todos los presos que se unan al Ejército de los Andes, atravesará toda una nación para enfrentarse a la mayor de las batallas y reencontrarse con el amor de su vida».

Adriano no es un hombre, es la historia de personas que sufrieron el encierro por seguir sus ideales. En cautiverio la cordura se debilita y aquellas proezas a la Patria desaparecen. Mariani interpreta a estos Adrianos y lo hace de una forma plausible.

Cristian Mariani le da una intensidad imparable a su papel, este personaje habla mediante el cuerpo y la intensidad de la voz, vemos cómo se fractura y toma fuerza. Mariani acapara todo el escenario y lo hace suyo, la luz y el sonido acompañan esa interpretación la cual transita entre lo solemne y lo lúgubre.

Adriano bajo la Puna no es solo una buena dirección de actor, también es un excelente engranaje técnico encargado por Miguel Solowej y una musicalización adecuada para el concepto que quiere llevar Caballero, el músico es Marco Senno.

Mariani es el escenario y las voces de Adriano. Pone el pecho en el piso y se adueña de la luz. La obra de Paul Caballero juega con el misterio que esconde la historia y le da un toque solemne, suspenso y performance.

El unipersonal que presentan Paul Caballero y Cristian Mariani en Area623, significa el trabajo más maduro y diferente de este dúo artístico, una experiencia abrumadora. Disponible los sábados a las 21 horas en Area623.

Escribió Sebastian Arismendi para la Butaca Web.