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Hermosa interpretación de la gran obra escrita por Ibsen Henrik, un dramaturno noruego del siglo XIX.
Nora es madre, esposa y parece cumplir con lo que se espera de ella: es el gran adorno de su casa, la alegría del hogar. Pero Nora tiene un secreto que va a enfrentarla con quién es ella y quiénes son los demás en realidad. Esta es la historia de una mujer, como tantas otras, que advierte lo injusto del mundo a su alrededor. Y una vez que esto sucede, permanecer indiferente no es una opción. Nora se parece a muchas. Existe hace muchos años. Y todavía se sigue escribiendo.
Se destaca en sí (tras el personaje de Nora, quien es la protagonísta de la historia), la fuerza y voluntad de desprenderse del circulo social donde uno no puede ser quien es y lograr así encontrar su propio ser y su propia felicidad.
Muy bien logrado en cuanto a la interpretación de la letra, los diversos matices tras el transcurso de la obra y los actores muy comprometidos con sus personajes.
La super recomiendo!.
«Casa de muñecas» puede verse los días viernes a las 22:30 horas en La Pausa Teatral (Luis Viale 625). Las reservas puede hacerse a través de Alternativa Teatral.
En la actualidad se ha deconstruido la idea de la maternidad abnegada y divina. La idea de la bendición de tener un hijo, criarlo y protegerlo no es lineal y atraviesa diferentes tipos de crisis: Emocional, física, hormonal y social. ¿Ser madre es un regalo o una condena?
Marisa Villar expone la maternidad en Mamá peluda, una obra perfomatica donde las expresiones hablan más que mil palabras.
Mamá peluda consiste en dos actrices caracterizadas de igual manera, una es el complemento de la otra y ambas poseen una cabellera caótica (cómo la maternidad misma).
Lola Capua, Cecilia Capuzzuello y la misma Marisa Villar hacen el perfomance de Mamá peluda. Una muestra dónde más allá de saber expresar la angustia, el desequilibrio, el estrés y el miedo; las actrices deben bailar tap, boleros y danza interpretativa. Esta coreografía es propiedad del trío artístico, lo cuál demuestra una entrega total.
Estela Cristiani es la codirectora de la obra pero también la encargada del diseño y dirección audiovisual, esta se proyectará al fondo del escenario e irá marcando el acompañamiento de la escena, siendo retazos de dibujos animados, documentales y filmaciones artísticas que componen el guión.
Mamá peluda es un espectáculo que pone en jaque a la maternidad más que adorarla, no es un reproche ni condena sino una muestra de cómo se lleva este largo y difícil proceso para las mujeres, más allá de la endulcorada visión que la sociedad, la religión y el cine han retratado.
Mamá peluda está disponible los viernes a las 22 horas en el Espacio Callejón.
«Como todos los días» es una encantadora adaptación de un musical del off de Broadway que transporta al espectador a la apasionante ciudad de Nueva York. A través de la historia de cuatro personajes, la obra nos invita a reflexionar sobre nuestras propias vidas y deseos, además que sacarnos más de una sonrisa.
En primer lugar, nos encontramos con una joven preocupada por su futuro, quien pierde el cuaderno con las anotaciones para su tesis. Esta situación desencadena una serie de eventos inesperados que conectan a los personajes de manera sorprendente. Por otro lado, tenemos a un asistente de un artista que se debate entre diferentes caminos a seguir en su vida, mientras trabaja para un artista encarcelado. La forma en que ambos personajes se encuentran y la manera en que se desenvuelven a lo largo de la trama es cautivadora.
La obra también nos presenta a una pareja que se encuentra en una etapa crucial de su relación: el momento de dar el paso de vivir juntos. Sin embargo, los miedos e inseguridades de cada uno generan conflictos y tensiones que deben ser superados. Esta parte de la historia es especialmente interesante, ya que nos permite reflexionar sobre nuestras propias relaciones y los temores que pueden surgir a la hora de comprometerse.
«Como todos los días» es un musical simpático que cuenta con melodías muy interesantes. La música, combinada con un componente de humor, crea una atmósfera alegre y relajada. Sin embargo, más allá de su lado divertido, la obra también invita a la reflexión sobre nuestros propios sueños y aspiraciones. En particular, el personaje que debe devolver el cuaderno a la joven desesperada por terminar su tesis destaca por su capacidad para transmitir la importancia de perseguir nuestros sueños y no dejarlos de lado.
Los cuatro actores que protagonizan la obra se desenvuelven de manera impecable en sus respectivos roles. Cada uno logra transmitir la complejidad y las emociones de sus personajes de manera convincente, lo que contribuye a crear una experiencia teatral cautivadora.
El escenario, decorado con hermosas pinturas que representan imágenes característicos de la ciudad de Nueva York, y una escalera que permite el constante ir y venir de los personajes, añade un toque visualmente atractivo a la puesta en escena.
«Como todos los días» es una obra muy bonita que combina momentos de risa con momentos de reflexión. Es perfecta para disfrutar un viernes por la noche y te hará pensar en lo que realmente quieres para tu vida. Sin duda, es una experiencia teatral que vale la pena.
Funciones: Viernes a las 22:30 horas en el Teatro Border (Godoy Cruz 1838).
Libro, Letra y Música: Adam Gwon Adaptación: Marcos Micheloni, @fat_marcos Dirección General: Mario Micheloni, @maritomicheloni Dirección Musical: Facundo Cicciú, @facucicciu Dirección vocal: Victoria Giorello, @vgiorello Dirección de arte: Marcela Santantón, @marcelasantanton Diseños: Justo Santillan, @justosantillan Creación de contenidos: Pato Ariel, @patitoariel Puesta Original: Colton Pometta (Director de la versión presentada en 2018), @coltonjamespometta Comunicación y Prensa: Kevin Melgar (0KM Prensa), @0kmprensa
Fotografía: Mel Ercoli, @notyourshow.arg Producción Ejecutiva: Lula Rizzi, @lularizzi Producción General: Cincoemes Producciones, @cincoemes.producciones
Todos los sábados a las 21:30hs, “Cuatro (una cena)” habita la sala del Jufré Teatro Bar.
Como todos los años, una pareja va a cenar a la casa de otra pareja amiga para conmemorar a Ramiro, amigo en común. En la mesa son cuatro. La cena es el ritual, el evento que obliga el encuentro por y a pesar de todos. Los cuatro mantienen las apariencias. Todo está en ebullición.
La dramaturgia, a cargo de Pablo Bellocchio (también director), está plagada de flashbacks que juegan con el presente de “la cena”. El historial de cada personaje y de cada pareja se reconstruye a partir de estas vueltas al pasado. La conmemoración de Ramiro se carga de tensión, los vínculos entre personajes se profundizan, las líneas internas se develan de a poco y construyen un encuentro donde lo falso es el protagonista.
Guido Guarino, Déborah Monzón, Lulai Paulini, Maximiliano Ricciardi (elenco) llevan de forma dinámica y espeluznante las máscaras de estos que se aman y no, que se odian y no. Los cuerpos van acumulando ese pasado, es notable el manejo corporal y de objetos de todo el elenco. Los textos adquieren un ritmo vertiginoso que mantiene al espectador activo: diálogos picados, réplicas largas, silencios, cualquier cosa puede ser desenmascarada y desatar la catástrofe. Lo cierto es que todos están en peligro y el elenco lleva al extremo el ambiente tenso. Si cae uno, caen todos. Los cuatro al acecho. Entre risas y lágrimas, la amenaza.
Todos visten unos monos naranjas: todos podrían ser el otro en este mundo de apariencias y verdades ocultas. La escenografía es austera. Con apenas algunos elementos alusivos, se construye una casa entera. La puesta sorprende al púbico por su originalidad y su sencillez. Este espacio extraño, semi vacío, permite ese ir y venir, ese vagar entre lo que fue y lo que es (¿y será?). La música y los cambios de luz colaboran con esto último y generan las atmósferas de intimidad y recuerdo.
“Cuatro (la cena)” propone ser un encuentro entre quienes no quieren, pero deben (¿deben?) encontrarse. El público se entera de a poco del trasfondo y ríe, llora, se sorprende. Ellos cuatro viven con sus fantasmas, sus fantasías, sus presentes, sus alegrías, sus frustraciones. Más temprano que tarde, la basura debajo de la alfombra sale. Siempre sale.
Luego de 23 años sin presentarse, regresa Il Turco in Italia, la operetta de Giacocchino Rossini al Teatro Colón. El resultado fue una ovación total y una puesta en escena ambiciosa y detallista.
Rossini le dio un giro jocoso a la estructurada y rígida ópera, si bien en sus operetas el uso de la comedia era frecuente, haciéndolas bufonas pero siempre dejando un espacio para el drama. Las oberturas y el uso del aria eran tan importantes como los coros, ya que los personajes brillaban sin necesidad de un equipo coral de soporte. Estrenada en 1814 en Milàn, la historia del acaudalado comerciante otomano que arriba a costas italianas y causa sensación entre las mujeres, supuso un èxito dentro de la carrera de Rossini luego de haber presentado el aclamado El Barbero de Sevilla (1775) y La Italiana en el Ángel (1810).
Bajo la dirección musical del maestro catalan Jordi Bernacer y la puesta en escena de Pablo Maritano, »El turco en Italia» consta de dos actos de 90 minutos cada uno.
La apertura melódica y acelerada de la ópera que Bernacer dirige es acompañada con créditos animados (original de Matias Otàlora), como si se tratara de un filme de los años cuarenta. Luego se abre el telón y se muestra la ambiciosa puesta en escena de Maritano: Un escenario que gira en 360 grados y que consta de cuatro partes del hotel donde se basa la historia: La recepción, el jardín de la pileta, las habitaciones y el espacio de la cocina y administración.
El uso de madera pulida, terciopelo, vinotintos pronunciados y hasta un elevador componen la recepción. El resto es el mínimo detalle para recrear el hotel. Los cantantes y el coro se irán desplazando entre habitaciones y pasillos, haciendo esto un set donde van a interactuar.Todos estos detalles de estructura y utilería de la escena fueron gracias Gonzalo Còrdoba Estevez.
Renata Schussheim confecciona los trajes de los personajes que iràn desde los empleados del hotel, los turistas y los habituè del lugar. Cada uno està definido y poseen un estilo acorde al holllywood clàsico donde los colores amarillo. violeta, negro y rojo destacan.
El gran reparto de voces nacionales e internacionales que se reparten entre las funciones, ejecutan un perfomance digno de todos los aplausos. Los artistas saben cómo actuar con la picardía necesaria para una obra de Rossini, a su vez, sus dotes vocales son capaces de deleitar a todos y aun asi, saben como hacer reir al publico. Selim fue interpretado por Erwin Schrott y Marko Mimica. Fiorilla por Irina Lungu y Constanza Díaz Falú.
El Turco en Italia fue un regreso necesario de Rossini al Colòn, el cual significa un respiro entre las clásicas tragedias y los shows posmodernistas. Un clásico sobre el amor libre y sus enredos que no envejece.
«Antigona en el baño» es una divertida comedia teatral que cuenta con un elenco estelar compuesto por Verónica Llinás, Héctor Díaz y Esteban Lamothe. Ambientada en un baño, la obra nos sumerge en la vida de una exitosa actriz de televisión, interpretada brillantemente por Llinás, quien se encuentra ensayando el papel de Antígona para volver al teatro.
La trama gira en torno a la relación de la actriz con su joven y despreocupado manager (Lamothe) y las tensiones sexuales que se desatan entre ellos, a pesar de llevarse mal. A medida que se acerca el día del estreno, la protagonista sufre una crisis, sintiendo que no está a la altura del personaje de Antígona, lo que la lleva a considerar suspender nuevamente la función. Para resolver esta situación, deciden buscar la ayuda de un terapeuta.
«Antigona en el baño» destaca por su desenfado y situaciones disparatadas que provocan risas constantes en el público. La trama guarda ciertas similitudes con la obra clásica de Antígona y la tragedia de Edipo y Yocasta, lo que agrega una capa interesante a la historia.
El talento de Verónica Llinás brilla en esta producción, demostrando su gran habilidad para la comedia. Su interpretación es encantadora y logra conectar fácilmente con el espectador, mostrando una amplia gama de emociones a lo largo de la obra. Además, Héctor Díaz y Esteban Lamothe complementan de manera eficiente las locuras de Llinás, aportando su propio humor y buen desempeño actoral.
La puesta en escena también merece mencionarse, con un buen trabajo de luces que contribuye a la ambientación del baño, lugar donde transcurren todos los hechos. Este elemento escenográfico ayuda a sumergir al espectador en la intimidad de los personajes y a crear un ambiente propicio para el desarrollo de la comedia.
En conclusión, «Antigona en el baño» es una comedia teatral que cumple su objetivo de hacer reír y relajar al público. Con un elenco destacado, situaciones disparatadas y un toque de similitud con obras clásicas, la obra logra entretener y mantener la atención del espectador durante toda la función. Una propuesta teatral ideal para disfrutar y desconectar del día a día.
Tuvimos el placer de asistir a una de las funciones de «Dora, un ingrediente especial» Se trata de una obra muy hermosa que provoca muchas risas, llantos y emociones. Guionada y dirigida por Martín Goldber y protagonizada por Cristina Maresca.
Dora es una mujer mayor de edad que vive su vida en relación a su entorno: la casa, su cocina, su familia y cercanos lo todo para ella. Lo que más quiere es que estén bien y no preocuparlos ante alguna situación.
El guion me pareció muy dinámico y llevadero, su trama remonta a la famosa frase “cualquier parecido con la realidad es pura coincidencia”.Le puede generar al espectador mucha empatía y catarsis ante las situaciones dadas trasmitiendo en sí un mix de emociones.
Los personajes no solo interactúan con el cuerpo a través de sus reacciones y gestos sino también utilizan tanto todo el espacio en sí como los recursos a su alcance. Me pareció interesante porque conyebaban movimientos a las escenas, aunque el único medio donde transcurre la obra es en la cocina de Dora.
Una obra dinámica, llevadera y entretenida que resigna en un mundo muy habitual y ocasional. La súper recomiendo <3.
El teatro convencional es concebido como una experiencia donde el espectador necesita estar quieto, no emitir sonidos y estar atento ante la puesta en escena. Un espacio donde los únicos en constante movimiento son los actores pero, ¿Si se saca esa fórmula y las tablas se vuelven una fiesta electrónica?
Carla Di Grazia tuvo la idea junto a Kchi Homeless de crear Donn warp, bajo una premisa que no revela nada pues el proyecto es una experiencia que cada uno vive a su forma:
»La Historia es una serie de intrigas rápidas que se repiten gritando sin parar. Este Universo es un tejido de imágenes ilusorias, retazos de recuerdos inventados, escombros del pasado, fugaces visiones».
Donn Warp es Carla Di Grazia elevada a la potencia de n. La artista nos regala una interpretación completa, su imaginario y su fuerza en una hora donde la música electrónica, las pantallas y las luces consonantes serán los agregados de esta fiesta.
Kchi Homeless es quien compone la música original del reventón que Di Grazia toca en una tabla de DJ, la artista va hacia el techno, progresivo y coquetea con la música clásica electrónica. Por su parte, todo el apartado físico: luces, artefactos y puesta en escena está a cargo de Lucio Bazzalo.
Bazzalo ofrece una puesta post punk e industrial donde las estructuras de hierro serán el enclave de Di Grazia. La bailarina irá directamente hacia ellas manejandolas a su antojo y mostrando su fuerza, luego jugará con las pantallas y el resto de la utilería para crear el espectáculo.
Di Grazia organiza una fiesta donde el espectador decide ser observante o participador. La energía joven y eléctrica se transmite en toda la sala la cual fue adaptada para el disfrute y poder moverse, mientras hace la premezcla el público va entrando a la propuesta de la bailarina.
En Donn Warp no hay reglas. El espectador es parte de la fiesta y Di Grazia demuestra todo su talento, nos arroja su energía house, electro y postmodernista. Donn Warp está disponible los viernes de septiembre a las 21 horas en el Maquinal Espacio Cultural.
Después de tres temporadas, vuelve al escenario “Una historia más de amor” en el Espacio Cultural Savia todos los domingos a las 20hs.
¿Amor?, ¿cómo se habla?, ¿qué palabras se usan?, ¿qué del cuerpo propio?, ¿y del ajeno?, ¿y del tiempo? Dos se encuentran y construyen su lenguaje, su código. Esos dos y el deseo, el sufrimiento, la duda, la certeza. Esos dos y tanto tanto y tanto poco. ¿Una historia más?, ¿una historia como otras?
Loreto Luco Ferrada y Nahuel Cuadrelli son los directores, productores y actores de “Una historia más de amor”. Entre ambos narran un encuentro fortuito , fatal y vital. A través de distintos cuadros desarrollan las aristas de una relación: el cotidiano, el miedo, la alegría, la ternura, el pasado, la reflexión. Dos cuerpos en escena que se someten a todo lo placentero y sufriente de ese otro. La escucha, el manejo del tiempo, el humor, las pausas, los juegos escénicos, la comunicación con el público: fluye la energía en escena, los cuadros de esta relación se suceden y producen expectativa y ganas de acompañar.
Narración, actuación, danza, teatro- físico, música. “Una historia más de amor” se sirve de distintas disciplinas para poner en escena esta historia. Una forma original de dar cauce a uno de los temas más teorizados, tratados y, paradójicamente, inagotables de la historia.
Nada de utilería ni de escenografía. El espacio se delimita por el público dispuesto en círculo. Los cambios de luces generan dinamismo y ayudan a entrar y salir de cada uno de los climas.
“Una historia más de amor” es un rito. El amor se produce entre ellos dos, pero también en el propio teatro que habilita el encuentro íntimo y colectivo. Las preguntas quedan en el aire, ¿una historia más? Acaso, quizás, una de tantas y, a la vez, única e inenarrable, salvo de esta forma mágica: el teatro.
“Una historia más de amor” – Savia Espacio Cultural (Jufré 127)- Domingo 20hs.
«Personas que se encuentran en lugares» es una encantadora obra de teatro en formato de musical que logra conquistar al público con su originalidad y su capacidad de conectarnos con situaciones de encuentros fortuitos de personas que simplemente se topan por alguna razon. La trama gira en torno a dos actores, quienes asumen múltiples roles y nos transportan a diferentes espacios y momentos.
Lo que destaca de esta obra es la maestría con la que los actores logran dar vida a estos personajes variados y únicos. Michel Hersch y Sabrina Samiter encantan con sus interpretaciones, Desde el primer momento, nos sumergimos en la narrativa de la obra y nos vemos envueltos en las emociones de cada personaje. Su habilidad para cambiar de un personaje a otro sin perder la esencia de cada uno es admirable y muestra su talento actoral.
Además de la actuación, la música desempeña un papel fundamental en «Personas que se encuentran en lugares». Las melodías pegajosas y los momentos musicales nos envuelven en la trama y resaltan las emociones de los personajes. Acompañados por un tecladista en vivo, los actores nos deleitan con sus voces y nos hacen sentir aún más cerca de cada situación.
La obra es llevada a cabo por la dupla de Ignacio Olivera y Juan Pablo Schapira, quienes han realizado grandes obras referentes del teatro musical off en Buenos Aires, como «Mamá está más chiquita» y «Caso de éxito», entre otras. Con una propuesta fresca, Olivera nos muestra un gran trabajo en la dirección y en las letras, mientras que Schapira destaca por una impecable dirección musical, además de ser coautor de las canciones de la obra. Por eso que es muy importante seguir a esta dupla para aquellos amantes de los musicales en Buenos Aires.
No puedo evitar mencionar el impacto que esta obra tuvo en mi estado de ánimo. Salí del teatro con una sonrisa en un domingo gris y lluvioso. La combinación de la comedia y la ternura presentes en «Personas que se encuentran en lugares» logra tocar las fibras sensibles del espectador y nos brinda un oasis de felicidad en medio de la rutina diaria.
Ficha técnico-artística
Libro, letras y dirección: Ignacio Olivera
Letras, música y dirección musical y vocal: Juan Pablo Schapira
Actúan: Michel Hersch y Sabrina Samiter
Piano: Juan Pablo Schapira
Asistencia de dirección y producción: Augusto Moreno
Asistencia general: Rocío de León
Vestuario: Marisol Castañeda
Diseño de luces: Samir Carrillo
Diseño de escenografía: Vanessa Giraldo y Giuliano Benedetti
Realización de escenografía: Giuliano Benedetti
Utilería: Solange Gasquet
Sonido: Augusto Moreno y Joaquín Santiago
Diseño gráfico: Milagros Borches
Fotografía y audiovisuales: Camila Uset
Gestión de públicos: Emiliana di Pasquo
Funciones: Domingos 18 hs / El Método Kairós Teatro (El Salvador 4530, CABA). Entradas: $3500, a través de alternativateatral.com Duración: 85 minutos
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