Por Sofía Luna Roberts
“Eva Duarte, una verdad que incomoda” es una obra con dramaturgia de Susana Barbato y dirección de Martín Hache que nos propone una versión original sobre la vida de Eva Duarte. La pieza comienza a cuestionarse si su figura realmente ha muerto o sigue vive como los seres que son elegidos para un destino superior; hay un gran balance entre la vida y la muerte, la salud y la enfermedad, los derechos humanos y la opresión. La obra se va a presentar todos los domingos a las 16 hs en el Beckett Teatro (Guardia Vieja 3556).

Lo que se presenta en escena son las distintas facetas del cuerpo y la vida de ella. Ya que, desde el título de la pieza, podemos presentir que nos vamos a encontrar con la vida de Eva antes de convertirse en la Evita del pueblo. Si bien, se alude a una misma persona, los nombres no significan lo mismo. Pienso que la obra nos quiere enseñar eso, que las etapas de la vida de Eva Duarte van mutando y evolucionando hasta la Santa Eva que todos conocemos. Esto se puede corroborar gracias a los simbolismos que se presentan en las diferentes versiones de la persona: de niña con su actitud ya desafiante que la va acompañar durante toda su vida, de adulta siendo una referente política que pisa fuerte en la toma de decisiones siempre en beneficio del pueblo culminando con una Eva enferma y angustiada porque su cuerpo no va al mismo ritmo que sus convicciones.

Maria Ines Alvarez, Mayra Blaiotta, Rocío Estévez, Lourdes Fargi, Alejandra Figueras, Max Flügel, Martin Hache y Kevin Agustin Lanza se ponen en la piel de los personajes de una manera auténtica, interpretando figuras importantes en la historia argentina, con una tonalidad dramática y nostálgica que embellece la pieza en sí. La delicadeza y fuerza que le dan al cuerpo de Eva traspasa el espacio escénico y llega al espectador de una manera única dándonos a entender la importancia de su figura tanto en su trayectoria como después de ella.

Es muy interesante cómo su corporalidad va mutando a la par que su vida ya que, con el tiempo, va cobrando cada vez más dolor por las propias exigencias que carga a lo largo de su vida política. Es cautivador el detalle que le dan a los pies de Eva, ya que desde la portada de la obra nos llama la atención la presencia en primer plano de esos pies que dejan atrás los zapatos cotidianos. Durante el desarrollo de la obra, la primera aparición de ella es descalza en búsqueda de aquella pequeña Eva en la que está comenzando a germinar el espíritu de la rebeldía Se puede arriesgar en interpretar que esos pies dejaron de estar calzados cuando el cuerpo de Evita se convierte en una persona santificada que deja atrás la vida civil (esos zapatos negros) para quedarse eternamente tanto en la historia argentina como en los corazones de cada ciudadano que pudo gozar de los derechos que ella tanto defendió.

Juventud steampunk

El futuro significa juventud. El teatro forma un portal donde el ayer y el mañana se juntan, en eso también confluyen las ideas de dos generaciones, aunque no quede grabado como un largometraje, se preserva la puesta en escena y el libreto.

Todos estos pensamientos surgieron al ver la obra »La mula endiablada» presentada el pasado sábado en el Teatro Num. Gonzalo Bourren, Daira Agustina Escalera y Mercedes Sevares son las jovencísimas promesas encargadas de dirigir, escribir y protagonizar esta historia. Una perfecta sincronía de tres para llevar a cabo un proyecto refrescante.

»Una fantasía surreal donde Mónica, German y Claudia comparten un viaje a Lomas de Zamora. Su propósito: grabar un episodio de misterio en la naturaleza. Una expedición constante que se verá atravesada por la soledad, la amistad y el trabajo.». Es la premisa de la obra musical de este trío juvenil.

Con recursos tecnológicos involucrados dentro de la puesta en escena, donde proyecciones, luces y efectos confluyen para darle más dinamismo y electricidad a la obra, La mula endiablada aporta ideas interesantes y que estimulan al ojo del espectador.

Fernanda Vilella es la encargada de la escena y con la ayuda de Franco Vega Valiente (luces), generan el impacto visual apropiado para el mensaje que los chicos quieren decir. Además de luces, proyecciones en vivo y efectos, la parte sonora a cargo de Gabriel Waisbein y la composición en escena de Augusto Alvarez, son la cobertura y la cereza del pastel de La Mula endiablada. El espectador estará en constante alerta y con las orejas paradas ante los sonidos de los artistas.

El trío de actores es expresivo y dinámico, ofrecen chistes y referencias que son sacadas de quicio pero que funcionan ante lo endiablado que es su mula.

La Mula endiablada es divertida, jovial y refrescante, una comedia steampunk creada por jóvenes pero no para jóvenes exclusivamente, el público hace acto inmersivo y disfruta por igual. Una muestra de que el teatro es algo más que texto. La mula endiablada estuvo disponible en el Teatro Num los sábados a las 18:30.

Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

Hay que hacer caso a nuestra intuición

Los traumas del pasado emergen en momentos de angustia; cuando se expone el cuerpo al peligro y ante la hostilidad de la naturaleza. El tiempo se desdibuja y todo parece repetirse, es un ciclo al que estos personajes se ven enfrentados, ¿Harán caso a ese presentimiento?

»Dos hombres desde hace un tiempo indefinido se encuentran varados en un
refugio de una montaña nevada. Uno de ellos está preocupado por un
presentimiento, el otro se conforma con sentirse atado al destino» Es la breve sinopsis de la obra de Miguel Àngel Diani presentada en el Complejo Itaca.

El dúo de actores veteranos Omar Lopardo y Alfredo Noberasco protagonizan este drama psicológico compuesto de un solo acto. Uno es la remanencia y otro la resignación. Tanto Lopardo como Noberasco entienden a sus personajes y el vortex en que se encuentran, conjugan una química en escena pues ambos poseen una relación simbiótica soportada por un mal presagio y la paralización del tiempo.


Carlos DI Pasqueo es el encargado de la escenografía y el vestuario. El artista compone la madera y el abandono de un refugio patagónico donde nunca ha pasado la tecnología, también las desgastadas ropas de los personajes.

Marcelo Mangone sabe cómo llevar este drama sin hacerlo denso, para ello se apoya en la comedia del libreto de Diani, aun así consigue conservar la tensión y la extrañeza; esto es difícil pues los personajes no tienen grandes cambios, lo que vimos pudo haber pasado en una hora o en días, se nota un buen manejo del tiempo. El director sabe leer las capas de estos personajes perdidos no tanto en una nevada patagónica, sino en sus recuerdos.

El presentimiento es una tragicomedia de distintos tonos. Una retahíla de sucesos que llevarán al mismo punto de partida. La razón por la cual hay que hacerle caso a nuestra intuición.

Disponible los jueves a las 21 horas en el Complejo Itaca.

Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

Todos los sábados a las 21hs Rescatate se adueña del escenario de NOAVESTRUZ.

Suenan los gritos, las balas, el vidrio roto, las amenazas. Tres jóvenes del Bajo Flores deciden robar un RapiPago para transformar la realidad en la que viven. La televisión, la cumbia, el espectáculo, la madre que llora, la policía, el negocio y los millones que van y vienen. Final inesperado, ¿quién es víctima y quién victimario?

El texto de Gustavo Bouzas es una sátira. En clave de humor se aborda la hipermediatización contemporánea, la violencia, el complot. Personajes caricaturizados que se burlan de los estereotipos sociales y culturales impuestos. Rescatate apunta y pregunta sobre el hoy: ¿cómo se construye realidad?
Una puesta dividida en tres espacios y tiempos distintos que confluyen en un todo donde el caos y la traición: el canal de televisión que entrevista a la madre desesperada y decide qué (no)contar, los preparativos del crimen y su consumación, la cotidianeidad del RapiPago. Los cambios de luces (Fernando Acosta) dinamizan este pasaje de espacios y tiempos y mantienen al público atento al avance de la obra.
Sofía Anka, Rodri Barrios (actor y director), Soledad Correa, Tamara Paganini, Federico Paulucci, Gabriel Ulla y Joaquin Zaiat son los integrantes del elenco. Sus cuerpos y voces están puestos al servicio del estereotipo que cada quien encarna. El humor los atraviesa sin dejar de sostener y construir el ambiente violento y asfixiante en el que viven. El público ríe y calla, acompaña.

“Soy parte de un negocio que nadie puso y que todos usan./ En la ruleta rusa, yo soy la bala que te tocó./ Cargo con un linaje acumulativo, de mishiadura/ y un alma que supura veneno de otra generación”, suena sobre el final “La violencia” de Agarrate Catalina. Rescatate, una obra que ríe y llora, tira el pase a la platea, agita y pregunta. Dónde la verdad y a qué costo.

“Rescatate”- NOAVESTRUZ ESPACIO DE CULTURA (Humboldt 1857)- Sábado – 21:00 hs

Escribió: Micaela Steinbach

Cría cuervos

»Crìa cuervos y te sacarán los ojos», así dice el refràn que se refiere a los hijos ingratos, estos que rompen la orden natural de agradecer y respetar a sus padres, pero si un cuervo es el que cría, ¿Qué se espera de su descendencia?

Madre solo hay una pero con Vassa, no dan ganas de tener a una progenitora. Es una mujer bestial, dominante, colérica y manipuladora. »Quiero que dependan de mí toda la vida», así menciona el personaje interpretado por Tortonesse durante la mitad de esta comedia trágica bien criolla. Con los refranes ya mencionados se puede armar un esquema de lo que es Vassa.

Escrita por Maxim Gorkin en 1910 y representada de vuelta en 1935, Vassa es un retrato pre y post revolución soviètica, pero en vez de mostrarnos a los bolcheviques, nos muestra a la burguesía luchando entre sí por las pocas riquezas que quedan. Una familia destrozada desde sus cimientos no solo por el contexto sociopolítico, sino por su estructura y relaciones. Una batalla campal de una madre contra sus hijos. Si trasladamos este contexto a una Argentina 2001 tenemos la adaptación de Felicitas Kamien, Walter Jakob y Agustin Mendilaharzu.

Humberto Tortonesse nació para interpretar a Vassa. El legendario actor del parakultural es un tsunami dentro del teatro, su sola presencia impacta ya que de por sí su personaje es explosivo. Está sostenido por el elenco de estrellas argentinas Horacio Marassi, Anabella Bacigalupo, Javier Pedersoli, Mariano Sayavedra, Andrea Nussembaum, Darío Levy, Viviana Vázquez, Rita Gonzalez y Diego Báez. El reparto es el pelotòn de batalla que irá contra Vassa, son las estructuras sociales para comprender el trasfondo.

Vassa no es Vassa sin el gran talento técnico que permitió toda la puesta en escena. Desde la milimétrica escenografía de Cecilia Zuvialde la cual sabe cómo recrear una casa de familia de clase media alta de zona norte, dándole aportes de set de TV. El diseño y banda sonora de Carmen Baliero le da los tintes thriller junto a la iluminación de Agnese Lozupone: Terror para esta comedia negra. Los vestidos que Magda Banach confecciona para Tortonesse desde los tapados, bufandas y tacones, saben como ponerle la piel a la obra.

Vassa es una obra producida y dirigida por mujeres pero que no habla sobre una mujer políticamente correcta, más bien nos muestra un monstruo de personaje, salida totalmente de sus cabales y determinada a depredar a quien se cruce, sin importar si estos son sus hijos.

Vassa no es solo una familia, es el reflejo de la decadencia de una sociedad ante las crisis económicas y la pérdida de valores. Una muestra radical de grotesco rioplatense que más allá de hacernos reír de incomodidad, perturba y nos hará agradecer no haber sido criados por una madre cuervo.

¡Bravo Vassa!

Disponible los martes a las 20:30 en el Teatro Metropolitan.

Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

Un hombre errante camina sin que nada le importe, salvo morir de sed. Toca la puerta de la primera casa que encuentra, una mujer lo invita a pasar. El hombre no sabe que allí dentro ella convive con animales. La casa es una especie de zoológico, una trinchera. Entre esas paredes se desarrolla un mundo alternativo opuesto al ahogo del afuera, otra forma de vida en contacto con la naturaleza, los animales y el deseo. Después de su entrada a la casa, la vida del hombre tomará otro color y no volverá a ser como antes.

“Galletitas de animalitos” es una puesta donde los elementos visuales, actorales y sonoros conviven en armonía. Un texto que se dirige al público, la narración de una historia que por momentos se hace presente en escena y va del humor al drama, de lo terrenal a lo onírico.

Jose Maria Barrios Hermosa (el hombre) habla desde las entrañas. En él habitan la ternura y la ira, el impulso irracional y la calma. Similar a lo que ocurre con Florencia Fiori (la dueña del zoo) quien encarna lo siniestro a la vez que lo hogareño y acogedor. Daniel Cukierblat, Ariel Dabbah, Mara González son los animales y cada uno juega un animal distinto con un tono muscular y una forma particular del habla. Todo el elenco sostiene con química y dinámica el relato de este hombre a quien pedir un vaso de agua, le cambió la vida.

Es interesante la austeridad de elementos escenográficos. Cubos y bastidores de tela translúcida forman el todo. Detrás de eso que se percibe y no se ve pasan los sueños, lo imaginado, el goce, el horror, lo rechazado y lo atractivo. La iluminación y el sonido también construyen el adentro y el afuera, lo que pertenece al mundo del recuerdo y de lo vívido. Mención especial al maquillaje y al vestuario que ayudan a la construcción de estos animales-humanos y a los movimientos que estas corporalidades exigen.

Una obra que aborda, desde lo anecdótico, temáticas presentes en la actualidad. En el relato están el hartazgo hacia un mundo de relaciones rotas, la posibilidad de algo nuevo, la reconexión con la naturaleza y la esperanza del amor.


Ficha:
Autoría y dirección: Martina Nikolle Córdoba Ansardi// Intérpretes: Jose Maria Barrios Hermosa, Daniel Cukierblat, Ariel Dabbah, Florencia Fiori, Mara González// Vestuario: Belén Gómez García, Priscila Raniolo// Maquillaje: Andrés Esteban Ceriani// Diseño de escenografía: Belén Gómez García, Priscila Raniolo// Realización de escenografía: Belén Gómez García, Priscila Raniolo// Asistencia De Producción: Matheus Gomes// Asistencia de dirección: Eloy Rossen//

“Galletitas de animalitos”- Teatro Azul (Av. Corrientes 5965)- Viernes 20:30hs.

Escribió: Micaela Steinbach

CARLOS CASELLA cantante y actor vuelve por tercera vez al ND con su espectáculo PUTO & ORQUESTA – Éxito total!!

CARLOS CASELLA cantante y actor de las artes escénicas presenta su espectáculo «PUTO Y ORQUESTA » sobre el amor y la masculinidad.

Este concierto de canciones icónicas de todos los géneros, renueva y actualiza su repertorio donde su mirada sobre el amor y la masculinidad es el hilo conductor. Haciendo uso de su característico sello artístico performático navega por clásicos universales y nuevas canciones compuestas especialmente para este evento donde su voz, su cuerpo y su imaginario lo resignifican todo de una manera sofisticada e irreverente.

Las entradas para «Puto y orquesta» se puede. Adquirir a través de plateanet.

Pasiones peligrosas

Henrik Ibsen fue el dramaturgo noruego que revolucionó la manera de ver el teatro a finales del siglo XIX en Europa. El hablar de affairs, violencia, obsesiones, estafas y divorcios; es decir: temas reales, puso a Ibsen en la lupa pero también en la polémica. El abordar el lado oscuro de las relaciones humanas con un grado de realismo sincero, dio paso a un teatro menos idílico y más centrado.

Hedda Gabler fue estrenada en 1891 con cierto pudor, el solo hecho de representar a una mujer obsesionada, desequilibrada y manipuladora ya movía la opinión pública. El personaje de Hedda recuerda a los momentos finales de Anna Karenina, la diferencia es que Ibsen le da un toque más radical. Patricia Suárez entiende la idea del dramaturgo noruego y la adapta en El Estropicio.

»Hedda, hija del difunto Capitán Gabler, acaba de contraer matrimonio con un hombre a quien no ama: Jorge Tesman. Luego de una luna de miel poco romántica, Tesman pugnará por una cátedra junto a Lovborg -antiguo amante de Hedda-. Ella, con absoluta frialdad, aprovecha la fragilidad de Lovborg para provocarlo y luego rechazarlo. Esto será tan solo el inicio del derrumbamiento de sí misma». Es la sinopsis de la obra de Suárez la cual es dirigida por Mariano Dossena.

Federico Dopico, Marcos Horrisberger y Lucia Tapiola son los protagonistas de esta tragedia de pasiones desbordadas. El trío de jóvenes actores interpreta un triángulo amoroso de aristas afiladas y venenosas. Lucía Tapiola sabe cómo interpretar a Hedda dándole matices para poder entender su desequilibrio mental, pero a su vez nos entrega una interpretación hilarante con sus momentos de humor ácido que alivian la densidad de la trama. Es un deleite verla actuar.

La puesta en escena de Nicolás Nanni conforma una paleta de negros, oscuros que le dan un aspecto lugubre y deprimente. Un círculo de rosas marchitas y cadenas colgando del escenario. Una muestra del deterioro del amor y el abismo de la mente. La música original de Rony Kaselman es de efecto thriller, estamos envueltos en sus notas trémulas y misteriosas. Es un suspenso sonoro ideal para noches de espanto.

El estropicio es una adaptación libre de Hedda Hegler que le rinde homenaje a Ibsen. Un drama que se puede trasladar al presente pues el amor puede llevarnos a cometer locuras, pero la locura puede distorsionar al amor.

Disponible los viernes a las 20:30 en el Mètodo Kairòs.

Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

El chongo de cada día

La palabra Chongo tiene distintos significados en la jerga latinoamericana. Si nos centramos en la región del Río de la Plata, tomando el antiguo lunfardo. tenemos que Chongo deriva del linaje kimbundu, utilizado por los esclavos africanos a finales de siglo XIX, »hombre robusto de buenas condiciones físicas para el trabajo forzado, semental».

La etimología cambia según la época y el chongo se le atribuye al sujeto masculino, viril o »macho» dentro de la comunidad gay, también al amante pasajero para las mujeres o deriva el verbo chonguear, salir de forma casual con alguien. Hernán Cuevas (quien triunfó recientemente en la serie de Netflix División Palermo) nos trae Chongos, una comedia interactiva.



»Está por terminar el año 2003 y en la televisión sucede el clásico de la caja boba, la elección del «míster chongo» de cada año. Este año Mike, «el presentador», nos invita a conocer a los cinco participantes que deberán pasar las pruebas más exigentes para llegar al tan ansiado premio. La coronación como rey significa para cada uno de ellos algo distinto pero muy deseado y harán lo que sea por llegar a su meta». Así se describe la obra dirigida, escrita y protagonizada por Cuevas.



Mauro Angemi, Agustín Sola, Maximiliano Nolasco, Ángel Baez y Santiago Castellano forman parte de estos chongos. Jóvenes hegemónicos que rondan la media de 35 años, morochos argentinos acuerpados, viriles y macanudos que caen en la perfecta definición de la palabra.




Chongos es una comedia interactiva que nos muestra una época decadente (comienzos del 2000) en un certamen artificial donde más que ganar, es demostrar quién es superior al otro. Esta competencia de belleza y presencia nos muestra que los mandatos no han cambiado, veinte años en el futuro, la hegemonía prevalece y sigue creando a más chongos. Los actores muestran toda la onda sobre las tablas, además de ser un colirio visual, son talentosos y encarnan bien el papel que se les otorga.

La obra de Cuevas nos lleva a los sketchs musicales, rompe la cuarta pared y el público forma parte de este concurso de Misters, uno elige quien es el mejor Chongo pero también, participa en esta cosificación intencional. Chongos es una apuesta divertida, refrescante, llena de colirio y testosterona ideal para disfrutar en Av. Corrientes.



Disponible los martes a las 20:30 en el Teatro Picadilly.

La sala de el Caras y Caretas se estremece de risa con “Modelo Vivo Muerto”, el nuevo espectáculo de los Bla Bla & Cía al que se puede asistir viernes y sábados a las 22:30hs.

Un día crucial, es el examen de fin de curso para los alumnos de la escuela de arte. Deben copiar un modelo vivo que repentinamente aparece muerto. El misterio se instala: ha ocurrido un crimen. La investigación comienza y no frena hasta encontrar al culpable, si es que de un culpable se trata… 

El grupo de humor conformado en 2010, los Bla Bla, vuelve con nuevos integrantes y un cambio de nombre, son ahora Bla Bla & Cía y han incorporado a Carola Oyarbide, quien se destaca por su actuación;  la dirección y colaboración artística de Francisca Ure y la colaboración en dramaturgia de Gustavo Lista. Además, el grupo reconocido por sus obras varieté y sus sketches, ha decidido apostar por un nuevo formato: se trata de una obra de tres actos que mantiene la esencia de los Bla Bla y le aporta algo más. 

El elenco se apropia del escenario que se transforma en espacio vivo de disfrute y no puede generar otra cosa más que el contagio en el público que no para de reír. Química, timing, gags, amor por el juego, manejo del gesto a un nivel milimétrico. Por momentos, las situaciones tienen un aire a coreografía, un funcionamiento de reloj que no deja de tener presente lo espontáneo. “Modelo vivo muerto” combina humor y relatos policiales y pone en crisis el concepto de “final”, dialoga con las lógicas narrativas y las critica desde un lugar genuino. 

La música, siempre presente, está a cargo del mágico Furman. También hay momentos musicales individuales y corales que muestran la versatilidad del elenco listo para todo. Además, y para destacar, la escenografía caricaturesca y el manejo de luces que enfatizan y conducen la atención según la historia lo requiera. 

“Modelo vivo muerto” es un espectáculo inteligente, filoso, vivo. Una vuelta del grupo renovado, una obra que mantiene activo a quien mira. Una defensa del teatro y del trabajo en equipo, a la risa como posibilidad de repensarse y purgar. 

Ficha técnico artística

Actuación: Pablo Fusco, Tincho Lups, Manu Fanego, Julián Lucero, Sebastián Furman y Carola Oyarbide// Colaboración artística y dirección de actores: Francisca Ure// Música: Sebastian Furman// Diseño de escenografía: Sol Soto// Vestuario: Sandra Szwarcberg// Diseño de luces: Gustavo Lista// Colaboración coreográfica: Jorge Thefs// Diseño gráfico: Manu Fanego y Patricio Vegezzi// Redes sociales: Diego Bocha Fernandez// Colaboración en dramaturgia: Gustavo Lista// Prensa: Mutuverría PR// Producción: Maribel Villarosa

“Modelo vivo muerto”- CARAS Y CARETAS 2037 (Sarmiento 2037) – Viernes y Sábado – 22:30 hs

Escribió: Micaela Steinbach