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El martes pasado por la tarde, el Teatro Colón abrió sus puertas a la prensa para presentar oficialmente lo que será una de las noches más esperadas del año: la Gala por los 100 años del Ballet Estable que se celebra hoy, 7 de agosto, a las 20 h en el escenario principal.
El encuentro se llevó a cabo en el Centro de Experimentación del Teatro y reunió autoridades, artistas, periodistas y muchas emociones. Estuvieron presentes la Ministra de Cultura de la Ciudad, Gabriela Ricardes; el Director General del Colón, Gerardo Grieco; y la Directora Adjunta del Ballet, África Guzmán, quienes compartieron su entusiasmo por esta celebración que pone en valor un siglo de historia, arte y excelencia.
También participaron varias de las figuras que van a brillar esta noche: artistas argentinos que triunfan en el exterior como Marianela Núñez (The Royal Ballet), Herman Cornejo (American Ballet Theatre), María Celeste Losa (Teatro alla Scala), Ludmila Pagliero (Ópera National de París) y Sergio Neglia, entre otros/as. Asimismo, participarán invitados internacionales como Nicola Del Freo (Teatro alla Scala), Tiler Peck (New York City Ballet) y Viengsay Valdés (Ballet Nacional de Cuba), entre muchos otros nombres de primer nivel que formaron parte del Ballet Estable y hoy regresan al Colón para celebrar este aniversario tan especial.
Durante la presentación, las autoridades remarcaron que la Gala no sólo es un homenaje al pasado, sino también una declaración de futuro: “Esta gala es un grito artístico de lo que fuimos y lo que somos. Y una promesa de lo que vamos a seguir siendo”, dijo Gerardo Grieco. Por su parte, la Ministra Ricardes destacó que “cada bailarín y bailarina es un embajador cultural del Colón en el mundo”.
El programa de esta noche combina clásicos del repertorio como El lago de los cisnes, Paquita o Carmen, con obras contemporáneas tales como Chacona, Romance del Diablo y After the Rain. También se suman la Orquesta Estable, bajo la dirección de Beatrice Venezi y Manuel Coves, y el Coro Estable del Teatro.
Con entradas agotadas y una gran expectativa, la función promete ser un viaje emotivo y nostálgico por la historia del Ballet Estable, una compañía que no sólo forma parte del patrimonio cultural argentino, sino que sigue escribiendo su legado con cada paso, cada salto y cada función.
Sinopsis Una pareja fanática del cine de acción secuestra a su vecino al sospechar que se trata de un espía del Estado, por quien podrían exigir una importante recompensa. Esta circunstancia cargada de enredos, los llevará a situaciones extremas que revelaran lo que se oculta detrás de cada uno de los personajes.
Reseña Comedia de suspenso con gran dinamismo narrativo, llena de momentos intrépidos y un humor bien dosificado. El elenco, integrado por actores histriónicos y versátiles que saben encontrar el tiempo justo para desbordarse con sus personajes y generar situaciones desopilantes y bizarras sumamente encantadoras.
Leo Prestia sabe cómo ordenar historias para que, con el paso de los minutos, se vayan potenciando y den como resultado obras completas, bien construidas y con finales interesantes. Una de película es una comedia ingeniosa, entretenida y fresca que logra sostener la adrenalina, la emoción y el ritmo, dejando como resultado una obra entretenida con diálogos ocurrentes.
La puesta en escena se destaca por una escenografía eficaz, una iluminación bien lograda y una acertada musicalización que crea momentos interesantes propios de la trama de suspenso. Una obra con un guiño para los cinéfilos de corazón que llega como una opción ideal para reírse y dejarse sorprender.
Detalle Leo Prestia es también el director de Claveles rojos (Viernes 20.30 hs en Teatro El Ojo) un drama basado en hecho reales del que es imposible no enamorarse.
Ficha Técnica Dirección: Leo Prestia Reparto: Alfredo Castellani, Irene Almus, Pablo Finamore, Florencia Patiño Duración: 70 minutos Funciones: Lunes 20 hs en el Teatro Del Pueblo, ubicado en Lavalle 3636
Después de tres funciones en el mes de julio, el miércoles 6 de agosto vuelve “Menos detalles” al Galpón de Guevara.
Madre e hija. Un viaje. Parten las dos. Vuelve sólo una, la hija. La vida dada vuelta. La pérdida, la ausencia hecha sombra, el recuerdo borroso, el intento imposible por comunicar. Silencio. Silencio. Silencio. Por favor, menos detalles.
“Menos detalles” apuesta por contar una historia con la menor cantidad de palabras posibles. ¿Cómo narrar la ausencia? ¿Cómo describir la contundencia de una vida que cambia radicalmente? ¿Y el dolor? ¿Y la pérdida? Teatro de objetos, teatro de sombras, humor y drama, canción. Ella ahí, en soledad, se vale de todo lo posible para dar vida al recuerdo. En cuanto el fluir de la palabra asoma, pausa. El afuera pide menos. Siempre al borde del llanto que no sale, la risa que brota y frena, Carolina Saade encarna a la niña- mujer- hija que vaga en este nuevo presente. De un viaje que prometía ser maravilloso a una realidad marcada por el desconcierto y la oscuridad, la actriz encuentra el humor sutil con el cual abordar esa, su nueva vida. Carolina Saade baila, canta, actúa en distintos registros, construye la densidad de un momento lúgubre para pasar a la alegría inocente de quien aún no se ha dado cuenta de que debajo del mar navega un monstruo por momentos horrible, por momentos hermoso… Como la memoria, quizás. Carolina no está sola, comparte el escenario con Gerardo Porión, responsable del manejo de objetos y marionetas en escena. Entre ambos, logran dar vida a los extraños con los que esta hija se va encontrando: un elenco formado por hombres de goma eva, peces monstruosos, gatos negros. Sola y no tanto.
Casi no hay información concreta, datos. En los huecos, el relato silenciado surge de otro modo por y a pesar del entorno que pide “Por favor, menos detalles”. El silencio, lo que no se dice, encuentra su cauce en otros lenguajes escénicos que se combinan para narrar el todo. El aspecto visual cautiva y sorprende. Además de los objetos y marionetas, la obra exprime las posibilidades del teatro de sombras, creando un espacio onírico propio del recuerdo. La sombra, también como modo de abordar la ausencia, lo fantasmal: siempre presentes a la vez que intangibles. La música y el sonido también tienen un lugar especial. Las canciones dan aire y cuentan. Canciones jugadas, canciones que atraviesan, canciones que se hacen propias. La obra se construye como un material con fuerte identidad visual, sonora y actoral.
Espacio de ensueño, de inanimados animados, de recuerdo hecho cuerpo y canción, de imágenes y climas, de fantasmas que sólo hablan a través del yo que los convoca. “Menos detalles” y el dolor, la pérdida, el humor, la magia y la ilusión. Una forma otra de narrar en escena.
FICHA ARTÍSTICO- TÉCNICA Guión: Gustavo Tarrío// Texto: Rocío Gómez Cantero// Actúan:Gerardo Porión, Carolina Saade// Vestuario: Paola Delgado// Diseño de arte: Paola Delgado// Diseño de títeres: Gerardo Porión// Realización de escenografia: Francisco Arando, Agustin Valle// Canciones: Gustavo Tarrío, Pablo Viotti// Realización de títeres: Gerardo Porión// Música original: Pablo Viotti// Diseño De Iluminación: Fernando Berreta// Fotografía: Nacho Lunadei// Comunicación: Rebeca Crespo Diaz// Diseño gráfico: Estudio Gráfico Trineo// Asistencia de dirección: Julian Gimenez Zapiola// Prensa: Marisol Cambre// Producción general: Valeria Casielles, Rocío Gómez Cantero// Diseño de movimientos: Milva Leonardi// Dirección: Gustavo Tarrío
Sinopsis Abre tus alas es el nuevo espectáculo del Circo Anima creado por Flavio Mendoza. Un show plagado de magia, color y música, que reúne a talentosos acróbatas, trapecistas, contorsionistas y artistas de múltiples disciplinas. Una propuesta interesante que no puede faltar en tu agenda, para estas vacaciones de invierno.
Reseña Escandalosamente atractivo, provocador e irreverente. Un cachetazo de belleza visual, tallado con la calidad estética y el cuidado tan característico de Flavio Mendoza. Sí, Flavio Mendoza, un profesional capaz de provocar asombro y emoción no solo a niños, sino también, a adultos fascinados ante esta puesta en escena.
Con un vestuario que deslumbra y se destaca en calidad y extravagancia. Desde una estética visual que cuida el detalle de los pequeños momentos, en donde cada elemento cobra vida detrás de un artista, con coreografías que derrochan talento y se atreven a ir a jugar con el riesgo. La presencia de Flavio Mendoza enaltece cada instante que está en escena; siempre es grato descubrirlo en su constante búsqueda de la perfección, transmitiendo su entrega absoluta a todo lo que ofrece. Sin temor a las alturas, a la adrenalina, a cada truco con obstáculo que enfrenta desafiante, es hermoso encontrarlo entregándose a cada disciplina.
Todo en el universo de Circo Anima respira vida propia, y lo atractivo de ese movimiento constante lo hace bellamente pretencioso, no deja de sorprender desde todos los ángulos que es posible que todo pase y nos lleve a su universo inmersivo.
Pero hay algo mejor, entender el motivo que mueve la pasión e impulsa a un espectáculo que, en la calma del final, cuando en lo simple, se encuentra al artista hablando del verdadero sentido de todo. En ese pequeño instante de emoción uno entiende lo que mueve a un protagonista capaz de crear su propio mundo y compartirlo con los que quieran apreciar la belleza y su universo de magia.
Ficha Técnica Dirección: Flavio Mendoza Reparto: Acompañan a Flavio Mendoza en el espectáculo músicos, cantantes, bailarines y artistas que se desempeñan en múltiples disciplinas.
Duración: 120 minutos Funciones: De Miércoles a Viernes a las 20 hs, Sábados y Domingos doble función a las 17 y a las 20 hs. en la Carpa instalada en el predio del Casino de Puerto Madero, Avenida Elvira Rawson de Dellepiane 1.
Bajo el impulso visionario de Julio Bocca, el Teatro Colón ha presentado una revitalización de «Don Quijote» que trasciende la mera representación para erigirse como un hito en la recuperación del ballet clásico. Esta nueva producción, que ha capturado la atención de la élite cultural de Buenos Aires, se alinea con una línea de trabajo que busca honrar y reinterpretar las obras fundacionales del ballet académico, infundiéndoles una vitalidad contemporánea sin sacrificar la excelencia técnica que define a las grandes tradiciones.
La dirección coreográfica de Silvia Bazilis y Raúl Candal, anclada en la versión seminal de Marius Petipa, es una demostración de erudición y destreza. Su interpretación respeta la estructura y el espíritu originales, mientras que la incorporación de la icónica Variación de las copas de Mikhail Baryshnikov en la Taberna no es un mero adorno, sino un puente que conecta el rigor de la tradición con la innovación de las grandes figuras del ballet mundial. Este diálogo entre épocas y estilos, mediado por la repositora invitada Lorena Fernandez Saez y la producción del Sodre, eleva la obra a una esfera de sofisticación artística que deleita tanto al conocedor como al neófito. El corazón pulsante de esta producción, sin embargo, es el formidable trabajo del cuerpo de ballet del Teatro Colón. Su cohesión y precisión, su capacidad para ejecutar con una sincronía casi telegráfica las complejidades de la coreografía, son un testimonio de su dedicación y del alto nivel de entrenamiento. No se limitan a ser un telón de fondo para los solistas, sino que se convierten en una fuerza dramática por derecho propio, un coro griego que comenta y amplifica la acción principal. Cada movimiento, cada arabesque, está imbuido de una musicalidad y una intención que demuestran una profunda comprensión del lenguaje coreográfico.
La música de Ludwig Minkus, bajo la magistral batuta de Manuel Coves al frente de la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires, es el cimiento sonoro de esta proeza. Coves dirige con un pulso enérgico y una sensibilidad que extrae toda la riqueza de la partitura, creando una atmósfera vibrante que impulsa la danza. La sinergia entre la orquesta y los bailarines es palpable, una conversación armoniosa que culmina en un espectáculo total. El diseño de escenografía y vestuario de Hugo Millán, sumado a la iluminación de Pablo Pulido, completa este cuadro de excelencia. La estética visual, que evoca la España quijotesca con un toque de modernidad, no es un mero decorado, sino un elemento integral que contribuye a la narrativa.
En suma, esta producción de «Don Quijote» en el Teatro Colón es más que una simple reposición. Es una declaración de principios artísticos, una afirmación del compromiso del teatro con la preservación y la evolución de una de las formas de arte más sublimes. Es, sobre todo, una celebración del talento inigualable de su cuerpo de ballet, cuya labor incansable y deslumbrante ha elevado esta obra a la categoría de acontecimiento cultural imperdible.
El pasado miércoles, tuve la oportunidad de asistir al unipersonal de Emmanuel Maximiliano ‘Pedro entre páginas’. Una adaptación de Peer Gynt de Henrik Ibsen; una ingeniosa forma de condensar este clásico noruego en un drama cercano a nosotros.
»Pedro Giménez es un bibliotecario que, cansado de su rutina y atrapado en sus pensamientos, se sumerge en una fantasía donde su vida comienza a entrelazarse con la historia de Peer Gynt. Como si emergiera de las páginas de los libros que lo rodean, Pedro se embarca en una búsqueda de aventuras sin notar que lo valioso siempre estuvo cerca». Esta es la sinopsis del unipersonal dirigido por Mariano Terré.
El actor está encerrado en un círculo, torres de libros lo rodean. Mariano Terré es la encargada de llevar la escena de Pedro entre páginas bajo una puesta simple pero que entiende el material y lo vuelve físico.
Una fortaleza que no lo dejará salir del costumbrismo de su vida y su obsesión con el pasado. Emmanuel Maximiliano construye una narrativa personal que evoca al pasado, a aquello que fue bueno y que ya no está y aquello que pudimos tener y que lamentamos hoy.
Pedro es un hombre cualquiera, uno que vive historias ajenas de autores latinoamericanos y universales pero que no vive la suya, ¿Hay algo más que páginas polvorientas? El eterno dilema del pensador: Vive por los pensamientos para sobrepasar la realidad.
Lo interesante de Pedro entre páginas es la habilidad para transmitir los sentimientos de un personaje complejo, la forma en que entiende a Peer Gynt y lo adapta para hacerlo menos ajeno usando una comedia seca y escenarios locales.Una dirección más cercana de aquellos dilemas existenciales que hemos atravesado.
Pedro entre páginas está disponible los miércoles a las 20 horas en Teatro Ítaca.
“Borges y yo. Recuerdo de un amigo futuro” no es una obra tradicional y eso se siente desde el primer minuto. No es una historia concreta, ni una narración con principio y fin. La obra pone en escena una selección de cuentos cortos del escritor proponiendo una experiencia escénica íntima y profundamente sensible, que se construye a partir del universo literario de Jorge Luis Borges, pero no desde la lógica de una biografía ni del homenaje clásico. Bajo la dirección de Hanna Schygulla, la puesta despliega una exploración poética en la que Borges es evocado como una presencia fantasmática, casi onírica que habita en los bordes de la memoria y el deseo.
Andrea Bonelli no interpreta a Borges ni cuenta su vida. Lo recuerda, lo imagina, le habla. A veces parece estar sola en escena; otras, acompañada por ese “amigo futuro” que es el Borges que dejó su huella. Su actuación es sutil, sin exageraciones pero con una profundidad emocional que te envuelve. Hay momentos donde lo que dice parece ser más un susurro hacia adentro que un discurso hacia el público.
Uno de los grandes aciertos de la puesta es cómo combina los distintos dispositivos escénicos para construir una narración pluralizada: la palabra actoral convive con la voz en off (a veces en alemán, con acento borgeano), las proyecciones de video aportan capas visuales que expanden la intimidad de lo dicho y la música en vivo (a cargo de Shino Ohnaga en el piano y Cristina Titi Chiappero en el violoncello) le otorga un espesor emocional que va desde lo melancólico hasta lo introspectivo. Incluso el tango como signo borgeano, pero también como marca cultural que le da textura a lo que pasa en escena. Todo esto no está ahí presente para adornar, sino para sumar capas, para hacer que la obra se sienta más como un estado que como una historia.
La escenografía es mínima, pero todo está pensado con precisión: luces tenues, silencios largos, movimientos medidos. No hay nada de más. Es interesante porque el escenario se vuelve un espacio de memoria, una especie de cápsula del tiempo donde los recuerdos se mezclan con las fantasías y los textos con los susurros. Schygulla construye una poética visual donde lo importante no es lo que sucede sino lo que se recuerda, lo que se pierde y lo que permanece.
“Borges y yo” se transforma en una conversación con el propio recuerdo, con lo que no está pero insiste. No busca entretener ni explicar. Es una invitación a entrar en un clima, a escuchar con otros sentidos, a quedarse en lo sutil. El encuentro que sucede en escena con Borges no está solamente en la oralidad de los textos: está en el aire, en la música, en la emoción que te queda cuando salís de la sala.
“Borges y yo. Recuerdo de un amigo futuro” se presenta todos los domingos a las 20 h en el Teatro Hasta Trilce (Maza 177, CABA).
La adaptación del musical «Despertar de Primavera» dirigida por Fer Dente se erige como una puesta en escena renovada y vibrante de una obra icónica, que ya en 2010 cautivó al público argentino con Dente mismo como protagonista. Esta nueva versión, producto de un casting abierto que buscó talento joven y a la altura, logra una reinterpretación profunda y conmovedora de la obra de Steven Sater.
Ambientada en la Alemania de finales del siglo XIX, la narrativa nos sumerge en las vidas de jóvenes como Wendla, Melchior y Moritz, quienes luchan contra las complejidades del despertar sexual, la identidad y las abrumadoras presiones parentales y educativas. La obra no teme abordar temas delicados como la represión sexual, la falta de comunicación intergeneracional, el abuso infantil, el suicidio y la incansable búsqueda de identidad en la adolescencia. Es un crudo retrato de una juventud que anhela libertad en un mundo que les exige conformidad y les niega la exploración de sus propios cuerpos y deseos.
La dirección de Dente imprime una visión distintiva y lúgubre. El escenario presenta una estructura giratoria que, funcionando como atril y transformándose para cada escena, acompaña el devenir de los personajes. Detrás, una pintura de paisaje en tonos grises refuerza la atmósfera oscura, generando un impactante contraste con los vivos colores de los vestuarios de los protagonistas. Esta puesta en escena logra destacar las diversas historias entrelazadas: la de Melchior, eje del caos adolescente; la de Moritz, que, aunque aporta humor, es arrastrado al trauma por las presiones; y la de Wendla, cuya poderosa interacción con Melchior aborda un tema aún tabú. La obra también da espacio a personajes como Martha, cuyo conflicto intrafamiliar es central en su desarrollo. Aunque contextualizada en otra época, el abordaje de la adolescencia, las presiones sociales y la sexualidad resulta sorprendentemente actual.
Estética Minimalista y un elenco brillante desde el punto de vista técnico, la decisión de adoptar una estética minimalista y oscura es un acierto. A pesar de la escasez de elementos escenográficos, cada detalle está cuidadosamente trabajado. El contraste entre los uniformes y el fondo gris, la iluminación precisa y el impactante rojo presente en los personajes adultos, contribuyen a una experiencia visual potente. Las coreografías están impecablemente implementadas, resaltando a los personajes que lideran cada número. El uso del micrófono de mano para que los personajes «desaten sus verdades» en conjunto con el ensamble es un recurso ingenioso y efectivo.
El elenco es, sin duda, uno de los pilares de esta producción. Se evidencia el éxito del casting, que reunió a una nueva generación de jóvenes talentos, muchos de ellos ya con trayectoria en el teatro musical. Octavio Murillo (Melchior), Trini Montiel (Wendla) y Tomás Wicz (Moritz) lideran este conjunto con interpretaciones vibrantes y conmovedoras. El universo adolescente se completa con destacadas actuaciones de Paz Gutierrez (Ilse), Joaquín Scotta (Hanschen), Valentina Pergolini (Anna), Mariel Percossi (Martha), Felipe Paissanidis (Georg), Lare (Otto), Marto Rodríguez (Ernst) y Sol Tobías Córdoba (Thea). Las figuras adultas, interpretadas por Vanesa Butera e Iñaky Agustín Baldassarre.
En definitiva, «Despertar de Primavera» es una gran obra musical cuya adaptación, hecha propia por Dente, ofrece una experiencia teatral inolvidable. Es un placer disfrutar de esta producción en la cartelera porteña, resultado de un gran trabajo de todo el elenco y una historia que, a pesar del tiempo, resuena con una innegable actualidad.
ÚLTIMAS 4 FUNCIONES: Viernes 25 de julio – 20 hs Sábado 26 de julio – 20 hs Domingo 27 de julio – 20 hs Sábado 2 de agosto – 20 hs – Despedida Teatro Opera Entradas en venta únicamente a través de http://www.ticketek.com.ar
FICHA TÉCNICA
ELENCO: TRINI MONTIEL “WENDLA” OCTAVIO MURILLO “MELCHIOR” TOMAS WICZ “MORITZ” PAZ GUTIERREZ “ILSE” VANESA BUTERA “ROLES ADULTOS FEMENINOS” IÑAKY AGUSTÍN “ROLES ADULTOS MASCULINOS» MARIEL PERCOSSI “MARTHA” JOAQUIN SCOTA “HANSCHEN” MARTO RODRIGUEZ “ERNST” VALENTINA PERGOLINI “ANNA” SOL TOBIAS CORDOVA “THEA” LARE “OTTO” FELIPE PAISSANIDIS “GEORG” AZUL MAZZEO SWING SANTIAGO TOLEDO SWING
MÚSICOS: Piano- Giuliana Sosa,Teclado- Pedro Sosa,Bajo electrico- Francisco Sarmiento,Guitarras acústicas y eléctricas – Nicolás Valese,Percusión – Federico Taboada Bateria- Juan Pablo Sosa,Violin- Lucia Cuesta,Viola- Juan Pablo Gómez Zurita Violonchelo- Titi Chiappero, Contrabajo- Fernando Oviedo
PRODUCCIÓN GENERAL: CLUB MEDIA junto a VE8 y ALEPH MEDIA
DIRECCIÓN GENERAL : FER DENTE DIRECCIÓN COREOGRÁFICA: VANESA GARCÍA MILLÁN DIRECCIÓN VOCAL: EUGENIA GIL RODRÍGUEZ DIRECCIÓN MUSICAL: GIULIANA SOSSA DISEÑO DE ESCENOGRAFÍA: GONZALO CORDOBA ESTEVEZ DISEÑO DE VESTUARIO: LA POLILLA DISEÑO DE SONIDO: GASTÓN BRISKI DISEÑO DE LUCES: LUCAS GABRIEL GRINGAS
DISEÑO DE MAKEUP : GUILLERMINA FERNANDEZ DISEÑO DE PEINADOS: CLAUDIA ZUCCHI y MIGUEL ÁNGEL GONZÁLEZ PARA MB SALON
PRODUCCIÓN CLUB MEDIA: TOMÁS BRU MASSA PRODUCCIÓN EJECUTIVA: STELLA MARIS BLANCO PRODUCCIÓN DE CONTENIDOS Y COMUNICACIÓN: M.CECILIA CALLES MANAGEMENT DE PRODUCCIÓN: SEBASTIÁN VÁZQUEZ – M. EUGENIA SANCHO GOÑALONS – TOMAS BRU MASSA ADMINISTRACIÓN CLUB MEDIA SIMARAY REVERÓN COMPANY MANAGER: MÓNICA SVARINSKI DIRECCIÓN DE PRODUCCIÓN TÉCNICA JUAN MANUEL RIPARI PRODUCCIÓN TÉCNICA: FER “FELPA” ESCOBAR PRODUCCIÓN MUSICAL: SANTI CAVALLERO – FEDE CAVALLERO TRADUCCIÓN: MARCELO KOTLIAR
ASISTENTE DE DIRECCIÓN: AGUSTINA VERA COORDINADORA DE INTIMIDAD: TATI ROJAS COACH ACTORAL: NAYLA POSE ASISTENTE COREOGRAFÍA: SANTIAGO TOLEDO ASISTENTE VOCAL: FRANCISCA BODAS ASISTENTE DE ESCENOGRAFÍA: URIEL CISTARO ASISTENTE DE COMUNICACIÓN Y PRODUCCIÓN: ANTONIA MASSA ASISTENTE DE PRODUCCIÓN : ALMENDRA SARUBBI- MILAGROS CIPRES PERNIA EQUIPO LA POLILLA: Gustavo Alderete, Rodrigo Lico Lorente, María Pía Marino,Brian Bustos, Nicolás Conte, Laura Martínez, Ezequiel Endelman, Juan Martín Icardo. Realización de sombreros: Cecilia Denegrí Pérez. Agradecimientos Vestuario: Victoria Wallace, Gabriel Dávila, El Rey del Pantalón, Maximiliano Ponti.
JEFE DE MAQUINISTAS: RAUL VILLAVERDE- MAQUINISTAS: MIGUEL VILLAVERDE- ALEJANDRO DANIEL PERALTA ASISTENTE DE ESCENARIO: DARIO MENDOZA UTILERÍA: NORMA “KICHI” GATTI OPERADOR DE SONIDO: PABLO AIDELMAN MICROFONISTA: SOHAR HERNAN SAAVEDRA OPERADORES DE LUCES: STEFANIA NELA BONATO SEGUIDORISTAS: OMAR CIPRÉS – VESTUARISTAS: AILIN GUTIERREZ “PINA” – JUAN POMILLO PEINADOS Y PELUCAS: CLAUDIA ZUCCHI Y MIGUEL ÁNGEL GONZÁLEZ SET ELECTRIC – ELÉCTRICO DE PISO: GUSTAVO ¨OSO¨ SEQUEIRA
REALIZACIÓN DE ESCENOGRAFÍA: TRAMOYISTAS FOTOGRAFÍA: BRUNO ILUSORIO FOTOGRAFÍA PARA REDES y REALIZACIÓN AUDIOVISUAL: TAMARA GALEANO y LAILA MAUGERI DISEÑO GRÁFICO: LUCAS PRENSA Y COMUNICACIÓN: LOLA BARREDO
Sinopsis Una actriz en crisis entra por voluntad propia a una clínica de rehabilitación para enfrentar sus adicciones. En su intento por recuperar el control de su vida, atraviesa un viaje crudo, conmovedor y profundamente humano de aprendizaje. Un relato valiente sobre como alejarse de las personas, lugares y cosas que nos lastiman contado con inteligencia y sensibilidad.
Reseña Una propuesta inteligente, con una puesta en escena que irrumpe y provoca. Entiende como contar el humor en medio de una historia dramática que nos busca volverse rosa, sino que eleva la apuesta abriendo un camino sin anestesia a la reflexión personal. Humana y profunda; cruda y honesta. La narración te sumerge en una trama dinámica, visualmente lograda e ingeniosa, con un recorrido escénico interesante sin momentos forzados. La obra tiene una duración de 2:30 que entretienen y atrapan, con el tiempo preciso muy bien estructurado. Flor Otero, tiene el poder de traspasar la escena, dejándose llevar por un personaje complejo que atraviesa todos los estadios difíciles de una desintoxicación. Hay un trabajo cuidado que le permite arriesgarse a vivir los diferentes climas emocionales que tiene su interpretación con mucha soltura y naturalidad.
Cada uno de los artistas que acompañan y contienen a la protagonista son empáticos, divertidos y se animan a jugar entre los espacios emocionales y el humor negro. Resulta interesante que la obra se atreva a abordar un tema tan difícil de una manera atractiva y equilibrada. Como en la vida misma los finales no siempre son cerrados ni felices. Sin embargo, el camino está ahí, para arriesgarnos a vivir de la mejor manera que somos capaces de animarnos en el día a día.
Detalle La obra tiene un intermedio en el que se invita al a público que desea a subir a bailar en el escenario con un dj en vivo. La idea que se recibe con entusiasmo y le sienta perfecto al momento.
Ficha Técnica Dirección: Julio Panno Reparto: Flor Otero, Carlos Kaspar, Nelson Rueda, Estela Garelli, Santiago Racca, Fiore Provenzano, María Latzina, Rocco Sáenz, Diana Santini Duración: 150 minutos Funciones: Martes 20 hs en el Teatro Astral, ubicado en Avenida Corrientes 1639
Mayumana regresó a la Argentina y presentó «Currents”. El colectivo de percusión y danza, logró fusionar la magia clásica del mundo Mayumana con nuevas piezas para crear un show único e interactivo. Ver la música y escuchar el movimiento es el lema de este show.
Currents es un espectáculo que combina música en vivo, percusión, danza, humor y acrobacia. El estreno de prensa con alfombra roja se realizó en el Teatro Broadway y conto con reconocidos artistas del mundo del arte y espectáculo como Graciela Alfano, Anamá Ferreira y José María Muscari. Tras recorrer más de 40 países, Mayumana se presentará en Buenos Aires, todos los miércoles de julio. Ocho artistas en escena con elementos simples como tubos de PVC, tachos de basura, bolsas y baldes crean sonidos que derivan en música que es acompañada con coreografías y recursos visuales de alto impacto. A su vez, las pantallas ubicadas estratégicamente en escenario acompañan el ritmo y los movimientos de los protagonistas. Durante la función, el público, interactúa en ciertos momentos con los artistas, logrando así un show dinámico, colaborativo, divertido, apto y entretenido para la familia. La duración es de 75 minutos, que transcurren con rapidez,ya que la atención del público no se pierde por un instante. Los movimientos y detalles sonoros hacen de Mayunana unos de los espectáculos más reconocidos del mundo. El show posee un formato no verbal que invita al público a utilizar diferentes sentidos. Basado en la histórica “guerra de las corrientes” entre Nikola Tesla y Thomas Edison, la propuesta en el escenario representa esa batalla de energías desde lo físico, lo sonoro y lo visual.
Mayumana significa habilidad o destreza y como compañía de danza ha sido reconocida por su estilo inconfundible que lo demuestra en cada show. Esta compañía fue fundada en Israel en 1997, ya ha visitado nuestro país en los años 2003, 2006 y el 2010, sin dejar de sorprender en ninguna de estas ocasiones. Para concluir el show, el elenco de Mayumana salió a la vereda del teatro a pura percusión, junto al público y bailando en plena calle Corrientes. Las personas que paseaban por la puerta del teatro se sumaron a esta fiesta de batucada, como broche de oro, finalizó en la vereda con una invitada de lujo como Graciela Alfano, quien se sumo bailando al ritmo de tambores de Mayunana.
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