El lanzamiento del demo gratuito de Final Fantasy VII Remake Intergrade para Nintendo Switch 2 y Xbox Series marca la llegada oficial de este esperado remake a nuevas plataformas. Los jugadores pueden probar el famoso primer capítulo ambientado en Midgar y, por primera vez, transferir su progreso guardado a la versión completa del juego.

El título, cuyo lanzamiento está previsto para el 22 de enero de 2026 en ambas consolas, viene acompañado de diversas bonificaciones por reserva y novedades relacionadas con la estrategia multiplataforma de Square Enix.

El demo gratuito lanzado por Square Enix incluye el capítulo inicial de Final Fantasy VII Remake Intergrade. Este episodio se desarrolla en la ciudad de Midgar y permite a los jugadores tomar el control de Cloud Strife, un exsoldado que ahora forma parte del grupo Avalanche, en su misión para sabotear uno de los reactores de mako de la corporación Shinra. Considerado uno de los capítulos más emblemáticos de la saga, este segmento actúa como introducción al universo ampliado del remake. Al finalizar el demo y utilizar el archivo guardado en la versión final, los usuarios obtendrán recompensas exclusivas como Revival Earrings y el Survival Set.

La edición Intergrade del remake también incorpora Episode INTERmission, una expansión centrada en el personaje Yuffie Kisaragi. Este contenido adicional narra, de forma paralela, una infiltración liderada por la ninja de Wutai y su compañera Sonon en Midgar, ampliando la perspectiva y la jugabilidad en comparación con el juego base. Esta expansión ya estaba disponible en PlayStation 5 y PC, pero ahora estará incluida para los nuevos usuarios de Nintendo Switch 2 y Xbox Series.

Por Jorge Marchisio

Y por fin llegó el día, donde por fin podemos probar S.T.A.L.K.E.R. 2: Heart of Chernobyl en nuestra querida PS5. Y es que la verdad, parecía que los consumidores de la consola de Sony, nunca íbamos a poder disfrutar de esta experiencia. Pero ahora que ya la tenemos con nosotros, veamos que tal salió el juego.

GSC nos lleva de nuevo a La Zona, pero esta vez de forma distinta. Y es que esta vez nuestro personaje, si puede interferir en lo que está sucediendo dentro de la misma, pudiendo unirse o enemistarse con diferentes facciones, aparte de poder desbloquear varios finales diferentes dependiendo las decisiones que vayamos teniendo a lo largo de nuestra aventura. El factor rejugable es un hecho.

La historia puede ser bastante simple, pero donde gana puntos S.T.A.L.K.E.R. 2: Heart of Chernobyl es en todo el mundo que se construye dentro de La Zona. Estamos ante uno de esos casos donde nosotros no somos el centro del juego, sino una pieza más de un universo con vida propia, al que nosotros podemos entrar de la manera que más nos plazca.

En ese sentido, podemos jugar como mejor nos sintamos, ya sea atacando con sigilo, ir directo, o esquivar los conflictos siempre que podamos. Y esa libertad, también se nos da en el equipo que queremos usar. Al no tener un árbol de evolución, va a ser gracias a las armas y atuendo que llevemos, lo que va a determinar qué tan poderosos seamos. Así que atentos a lo que van a llevar en la mochila.

En cuanto a los apartados técnicos, creo que es donde más destaca S.T.A.L.K.E.R. 2: Heart of Chernobyl. A nivel visual, se siente el upgrade con respecto a sus predecesores, en especial, cuando se dan las tormentas eléctricas. Y en cuanto a lo sonoro, lo mismo; muy bien manejado el sonido proveniente fuera de campo, en especial, en zonas oscuras donde dependemos puramente de nuestra linterna.

Para ir cerrando, S.T.A.L.K.E.R. 2: Heart of Chernobyl es un gran juego, de eso no cabe dudas. Quizás que no se defina como un shooter clásico, ni un juego de rol perse, termine no cerrándole a más de uno, pero eso no quita que estamos ante una de las mejores opciones en este tramo final del 2025.

                 

Lo mejor: la ambientación, esa sensación de que somos parte de algo más grande.

Lo peor: se hubiera agradecido un poco más de rol. Algún que otro bug.



Calificación 8/10

La serie SaGa siempre ha destacado por ofrecer una experiencia radicalmente distinta a la de los JRPG tradicionales, priorizando una libertad casi ilimitada en la forma en que los jugadores abordan la aventura. Romancing SaGa -Minstrel Song- Remastered, una actualización del remake de PlayStation 2 del original de Super Nintendo, trae de vuelta esta filosofía, presentando una curva de aprendizaje pronunciada y un sistema de combate implacable que solo recompensará a los aventureros más perseverantes.
Trama Desordenada y Desarrollo Superficial
La narrativa del juego gira en torno a ocho protagonistas entrelazados en el mundo de Mardias. La trama es notablemente breve y el juego rápidamente deja al jugador a su suerte, ofreciendo poca dirección. A pesar de preparar el escenario para un gran final, la ejecución del guion es a menudo torpe y poco ceremonial. Los momentos cruciales de tensión se disuelven de forma inesperada en favor de diálogos irrelevantes, y la falta de una narrativa central clara provoca que los puntos de la historia se experimenten fuera de una secuencia reconocible, resultando en un desarrollo insatisfactorio y, a menudo, confuso.

El Trovador epónimo actúa como el único eje central de esta narrativa desordenada. Depende del jugador encontrarlo y reconstruir sus relatos para acceder a la rica historia de fondo del juego. Si bien el mundo se beneficia enormemente de esta riqueza oculta, su presentación es rígida y discreta, por lo que muchos jugadores podrían pasarla por alto fácilmente.

Un Combate Único y Exigente
La exploración se intercala con el combate por turnos contra los innumerables monstruos que pueblan el mapa. El sistema de batalla se distingue por dos recursos clave: los Puntos de Batalla (PB), que se regeneran por turno para desatar las acciones más poderosas, y los Puntos de Durabilidad (PD), que representan la salud del arma y, una vez agotados, la inutilizan hasta que se repare. Equilibrar estas dos reservas es la base de un sistema de combate complejo y estratégico.
El aprendizaje de habilidades es característico de la serie, siendo un proceso casi aleatorio que ocurre mediante «Chispas» y «Destello» al usar habilidades básicas. La pérdida en combate es severa: si un personaje agota sus Puntos de Vida (PL), muere y abandona el grupo para siempre, lo que subraya la naturaleza implacable del desafío. Es un sistema profundo y sólido, aunque quizás menos pulido que el visto en entregas posteriores como SaGa Scarlet Grace Ambitions.

La Remasterización: Mejoras de Calidad de Vida
Esta versión es más una actualización que una renovación total del remake de 2005. Incluye gráficos HD brillantes y nuevos personajes jugables. Las mejoras en la jugabilidad son clave, destacando el modo de alta velocidad que permite ajustar la velocidad de exploración y combate (hasta 3x) por separado. Esta característica es esencial para un juego diseñado para la rejugabilidad y mitiga en parte la lentitud de los movimientos del personaje y el gran tamaño y vacío de algunas mazmorras. También se ha añadido un minimapa muy útil.
En el apartado visual, el juego es fiel al distintivo estilo chibi del original de PlayStation 2, un estilo que puede no convencer a todos los jugadores. Por otro lado, la banda sonora es indiscutiblemente un acierto, ya que el compositor Kenji Ito entrega otra excelente colección de melodías marca de la serie SaGa.

Conclusión: Profundidad que se confunde con Arbitrariedad
Romancing SaGa -Minstrel Song- Remastered es un título ambicioso con grandes ideas. Sin embargo, su mayor riesgo es que la inmensa variabilidad y multitud de sistemas puedan ser percibidos como aleatoriedad arbitraria en lugar de profundidad, especialmente para el «típico» aficionado a los JRPG.
La falta de dirección y la sensación de estar perdido llevarán a muchos a deambular por el mapa, intentando activar misiones secundarias para avanzar. Si bien el modo de velocidad 3x ayuda a aliviar las largas travesías y el backtracking constante, también puede crear una sensación de prisa involuntaria.

En última instancia, para el tipo de jugador muy específico que aprecia la libertad, el desafío y la complejidad sin guías, el juego es encantador. Para el resto, podría resultar en una experiencia confusa y frustrante. Es una pena, pues el juego parece tener un gran potencial, pero necesitaba una mano que simplificara la experiencia para hacer el conjunto más coherente y accesible.

Calificación 7/10

Hoy volvemos con los videojuegos de corte retro con quizás uno de los más frenéticos que salieron en este 2025. Porque eso es lo que nos ofrecen los amigos de Microids al traernos Space Adventure Cobra-The Awekening. En esta ocasión, lo probamos en una PS5. Veamos de qué trata.

La historia es bastante simple. En un futuro muy lejano, Cobra, un cazarrecompensas espacial, se vuelve el objetivo de varios criminales, por eso decide someterse a una operación que no solo lo va a cambiar físicamente, sino que le va a resetear la memoria (lo que justifica que empecemos con nuestras habilidades desde cero).

Para aquellos que son jóvenes en el mundo gamer, vale aclarar que Cobra, es digamos, el padre espiritual de Samus Aran, la protagonista de la saga Metroid. Y es que solo basta ver el gameplay de dicha franquicia y compararla con la original entrega de Cobra, para notar las más que obvias similitudes.

Este juego adapta el primer gran arco del anime, así que, si tenemos fans de dicho personaje, van a estar felices de ver sus aventuras trasladadas casi de forma calcada al formato videojuegos.

Pero pasando a lo que nos compete, por desgracia el resultado final no es del todo redondo como nos hubiera gustado que sea. Y el mayor problema que presenta Space Adventure Cobra-The Awekening son sus controles. Y no solo a la hora del combate, si no en general. Y es que tanto a la hora de disparar, como cuando debemos dar saltos milimétricos, tanto la precisión, como la velocidad de respuesta de nuestro personaje, no corresponde a un juego estrenado en pleno 2025 para una PS5.

A esto hay que agregarle que el juego es mucho más fácil de lo que a prior parece. No hay casi puzles, y sacando la dificultad no buscada de los controles, no tendremos muchos rompederos de cabeza. De hecho, el factor metroidvania es casi inexistente siendo Space Adventure Cobra-The Awekening una experiencia bastante lineal.

Space Adventure Cobra-The Awekening es un juego entretenido, y ya. Podría haber sido de los mejores plataformeros del año, pero quizás la falta de ambición y un control poco pulido, lo hace quedar como eso, un simple juego y ya.



Lo mejor: la ambientación, el carisma del protagonista.

Lo peor: los controles.

Calificación 6/10

Echoes of the End es un juego de acción y aventura en tercera persona desarrollado por Myrkur Games, un estudio islandés que ha logrado crear un juego que se destaca en muchos aspectos. La historia sigue a Ryn, una joven con poderes mágicos conocidos como «Vestigios», que se embarca en una misión para rescatar a su hermano secuestrado por un imperio autoritario.

La jugabilidad es una de las fortalezas del juego, ofreciendo una mezcla de combate, exploración y resolución de puzles que mantiene al jugador comprometido y entretenido. Ryn puede utilizar sus poderes mágicos para manipular objetos y enemigos, y también cuenta con habilidades de combate cuerpo a cuerpo que se sienten fluidas y satisfactorias. El juego tiene un sistema de dificultad ajustable, lo que lo hace accesible para jugadores de todos los niveles.
El combate es uno de los aspectos más destacados del juego, con una variedad de habilidades y combos que se pueden realizar. Los enemigos son variados y desafiantes, y el juego te obliga a pensar estratégicamente para derrotarlos. Sin embargo, en ocasiones puede sentirse un poco lineal y predecible, lo que puede hacer que el juego se sienta un poco repetitivo.

La exploración es también una parte importante del juego, ya que Ryn puede utilizar sus poderes para acceder a áreas ocultas y descubrir secretos. El mundo del juego es grande y detallado, y hay mucho que ver y hacer.

Los gráficos son impresionantes, con un mundo detallado y hermoso inspirado en la naturaleza islandesa. La banda sonora es igualmente impresionante, con una mezcla de música épica y emotiva que se adapta perfectamente al tono del juego.
La dirección de arte es destacada, con un estilo visual único y una atención al detalle impresionante. Los personajes y los entornos están bien diseñados y tienen un aspecto muy realista.
La historia es emocionante y bien estructurada, con personajes bien desarrollados y una trama que se va desvelando a medida que avanzas. La relación entre Ryn y su compañero Abram es especialmente destacada, y la forma en que se desarrolla a lo largo del juego es muy emotiva.
Los personajes secundarios también están bien desarrollados y tienen sus propias motivaciones y conflictos. La trama principal es interesante y tiene algunos giros inesperados, aunque puede sentirse un poco predecible en ocasiones.

La resolución dinámica equilibra bien la calidad y el rendimiento, manteniendo detalles clave en personajes y paisajes. La tasa de frames se mantiene estable en 60fps, incluso en combates intensos y escenarios cargados de efectos. Los tiempos de carga son prácticamente inexistentes gracias al SSD de la PS5.

Conclusión
Si eres un fan de la acción y la aventura, y estás buscando un juego que te ofrezca una experiencia emocionante y satisfactoria, entonces Echoes of the End es una excelente opción. Sin embargo, si estás buscando un juego con un diseño de niveles más abierto o una dificultad más desafiante, entonces puede que no sea el juego para ti.
En general, Echoes of the End es un juego sólido y disfrutable que ofrece una experiencia de juego emocionante y satisfactoria. Aunque tiene algunos problemas técnicos y de diseño, es un juego que vale la pena jugar, especialmente para los fans de la acción y la aventura.
El juego tiene una duración de aproximadamente 10-15 horas, dependiendo del nivel de dificultad y del estilo de juego del jugador.
El juego aprovecha el controlador DualSense, con vibración háptica y gatillos adaptativos en ataques cargados.

Calificación 7.5/10

KONAMI DIGITAL ENTERTAINMENT INC. (KONAMI) anunció hoy que SILENT HILL 2, la nueva versión galardonada de 2024 del juego de terror psicológico de 2001, ahora está disponible en Xbox Series X|S. Para celebrar el lanzamiento, los jugadores de Xbox y Windows PC pueden sumergirse en la niebla con SILENT HILL 2 con un descuento de hasta el 50 % sobre el precio estándar de la plataforma.

Además, un paquete especial con SILENT HILL f, nominado este año en tres categorías principales para The Game Awards, también está disponible con hasta un 30% de descuento.

Ofertas del Black Friday:

21 de noviembre – SILENT HILL f ya está disponible con un 30% de descuento en la PlayStation Store y un 20% de descuento en las tiendas Xbox por primera vez.

25 de noviembre – SILENT HILL f saldrá a la venta con un 20% de descuento en Steam, Epic y GOG.

25 de noviembre – SILENT HILL 2 saldrá a la venta con un 50% de descuento en consolas.

*El calendario de las ofertas y los productos varían según las tiendas. Consulta la página de cada tienda para conocer los detalles.

Visita la página de la oferta aquí: https://www.konami.com/games/silenthill/f/sale/us/en/


Novedades de la última actualización de SILENT HILL f:

La última actualización de SILENT HILL f, parche 1.10, se lanzó el 13 de noviembre e introdujo una nueva dificultad para el juego, la cual ofrece una experiencia casual a los jugadores. En la actualización también se incluyó la opción de omitir secciones en Nueva Partida +, lo que mejora la rejugabilidad y varias correcciones de errores.


Para mantenerte al día con las noticias sobre SILENT HILL, sigue los canales oficiales de KONAMI: 

• https://twitter.com/SilentHillSILENT HILL

• https://www.facebook.com/silenthill

• https://www.konami.com/games/silenthill/

Por Jorge Marchisio

Seguimos con los juegos hack´n slash de scroll lateral, y esta vez nos llega Possessor(s), de los amigos de Heart Machine (Hyper Light Drifter). Y contrario a lo que podría parecer, no estamos ante un juego más de este subgénero. Así que veamos de qué trata y que nos ofrece Possessor(s).

Esta vez encarnamos a Luca, luego de que su ciudad explote y una ola de demonios queden sueltos, es salvada por uno de ellos, Rhem. Ahora dotada de poderes y habilidades demoníacos, tendrá que salvar a los suyos mientras ayuda a su benefactor a volver a su hogar.

Una de las cosas que me llamó la atención desde un inicio en Possessor(s), es lo mundano que puede ser nuestro arsenal. Cuchillos de cocina, sartenes, mouse de pc con sus cables, látigos, casi cualquier utensilio de una casa, puede ser empuñado como objeto de ataque o asistencia para Luca. En este sentido, y aparte, por su nivel gráfico tradicional, el juego cuenta con bastante personalidad.

Lo que, si no tiene mucha personalidad, es lo poco precisos que son los controles. A la hora de esquivar los ataques (ya sea evitando o saltando) o la parte de plataformas, el juego es muy impreciso, al grado que al inicio me costó bastante avanzar, porque sumado a esto, a los dos o tres guamazos que nos comemos, ya perderemos y hay que volver al checkpoint. Si no tienen paciencia, vamos mal encaminados.

Si, se que son las reglas del metroidvania clásico, lo de ir, volver, aprender de los errores y que no nos den el juego en modo fácil pese a estar jugando en normal. Pero en este caso se siente más como un fallo de la productora, con una dificultad que no fue planeada; más que como un verdadero desafío.

Pero pasemos a lo positivo, y es el nivel artístico del videojuego. El apartado visual podría recordar bastante al visto en el anime/manga de Chainsaw Man, y es que la historia del pibe motosierra, es bastante similar, resumiéndose a un demonio dándole poderes a un ser humano. Y eso dota a los gráficos de un carisma que se agradece.

También vale destacar el carisma de Luca y Rhem. Ambos caen bien desde el inicio, y muchas veces nos dan ganas de seguir jugando, solo para saber en que termina su aventura, mientras cruzamos los dedos de que nada malo le pase al tándem humano/demonio.

Possessor(s) es un juego con personalidad, eso no se puede negar. Pero los controles tan poco pulidos pueden alejar a los jugadores casuales, debido, sobre todo, porque al mismo tiempo, la experiencia es exigente. Como dije, si tienen paciencia, adelante; si no, mejor esperen alguna rebaja.

Lo bueno: la estética, la personalidad que desprende el juego.

Lo peor: los controles.





Calificación 6/10

A Pizza Delivery es un título que, aunque corto y bastante lineal, se las ingenia para dejar una impresión visual y narrativa memorable, a pesar de sus evidentes fallos jugables. Encarnas a B, un repartidor de pizzas cuya misión comienza de forma rutinaria al recibir una llamada de su jefe en una cabina telefónica, pero que rápidamente se convierte en un viaje inesperado, transportándote a un mundo que ya no es Kansas.

El juego te sitúa en tercera persona y se enfoca más en la narrativa que en la complejidad mecánica. Casi todos los elementos del escenario sirven a la historia o se entrelazan con ella. B lleva consigo su fiel ciclomotor y, por supuesto, la pizza.
El viaje está lleno de instrucciones crípticas del jefe («Sigue las luces de colores», «No te sientes en los bancos»), lo que añade un aire de misterio al desarrollo. Aunque se te anima a compartir un trozo de pizza con los vagabundos y desconocidos que encuentras, esto no es obligatorio, sino un medio para «romper el hielo y conectar» con la gente.

La mecánica más distintiva gira en torno a la pizza: no se puede girar ni mojar. Esto introduce el «desafío de la humedad», obligándote a correr bajo cubierta cuando llueve (ya que un indicador de humedad se llena rápidamente) o arriesgarte a reiniciar el juego. Para avanzar, a veces tendrás que ingeniártelas, colocando la pizza sobre repisas o cintas transportadoras, manteniendo el objetivo de llevarla seca del punto A al B.

Si bien esta idea es novedosa e interesante, la reseña señala que solo se utiliza en tres ocasiones. El resto del contenido jugable se completa con puzles visuales, una persecución, un minijuego de lanzar piedras planas sobre el agua, y un inusual desafío de destreza basado en pulsar botones del mando. En general, se siente que las mecánicas innovadoras son escasas y el contenido jugable es limitado.

Donde A Pizza Delivery realmente brilla es en su apartado audiovisual. Los gráficos son bellos, con una hermosa cualidad onírica que se ve reforzada por una animación preciosa, destacando la hierba alta ondulante y unas auroras boreales brillantes. Los personajes, aunque de aspecto caricaturesco, están maravillosamente animados y son muy expresivos. La música también se menciona como un punto positivo.
La narrativa, a pesar de ser a veces vaga logra su objetivo de ayudar a B a conectar con los demás y sentirse de nuevo en el centro. Los objetos coleccionables actúan como recuerdos que revelan el pasado de B o de otros personajes. Sin embargo, la historia abusa del recurso «ya sabrás cuál es tu propósito cuando llegue el momento» para un cierre algo superficial, aunque la esencia de la historia es inspiradora.
Lamentablemente, la experiencia se ve entorpecida por problemas técnicos. El juego se describe como un poco caótico y algo tosco. Aunque el ciclomotor es el principal medio de transporte, se siente brusco y poco cómodo de conducir.

A Pizza Delivery es un juego con una premisa interesante y una excelente ejecución narrativa y visual que lo convierten en una experiencia artística notable. Sin embargo, los fallos jugables y la falta de control de calidad entorpecen significativamente el disfrute.
Es un título corto y económico, lo que permite que sus puntos fuertes (gráficos, música, y una historia conmovedora) destaquen por encima de sus errores. Al final, es un juego que te invita a juzgar por ti mismo si el viaje, a pesar de los baches, vale la pena.

Calificación 6.5/10

Godbreakers, el elegante roguelike de acción con modo cooperativo del equipo de To The Sky, aterriza con éxito, ofreciendo una experiencia que es a la vez fresca, emocionante y, sobre todo, muy divertida. Si eres fanático del género, este título de 2025 es uno que definitivamente no querrás perderte.
El juego te sumerge en la misión literal de destruir deidades tiranas para liberar varios mundos, con la entidad inmensamente poderosa conocida como Monad como tu objetivo final.

Una partida completa te lleva a través de tres planetas antes de enfrentarte al jefe final en la Mónada. Una característica bienvenida es la posibilidad de elegir entre dos caminos planetarios en los dos primeros biomas, lo que te permite evitar entornos o tipos de enemigos que no te gusten.

La jugabilidad central se mantiene intensa: te abres camino a través de oleadas de enemigos, te enfrentas a minijefes, y luego al jefe de zona, recogiendo equipo y mejoras. Sin embargo, el incremento de estadísticas por Esencia es gradual y, para muchos, las partidas no son lo suficientemente largas como para que estos pequeños aumentos tengan un impacto significativo en una sola run.

El verdadero corazón de Godbreakers reside en su mecánica distintiva: la Ruptura Divina (o Godbreak). Al debilitar a un enemigo y acumular energía Fuente, puedes pulsar un botón para absorberlo y robar su poder único. Este ataque de un solo uso, que puede ser desde un rayo láser potente hasta un golpe de área devastador, no solo inflige un daño considerable, sino que también aturde al enemigo, ofreciendo un respiro táctico. La satisfacción de usar el arma de un jefe en su contra es inigualable, y con amigos, una Ruptura Divina bien coordinada puede ser devastadora.

Técnicamente, el juego se siente pulido. La fluidez del control del personaje y la cámara es excelente, facilitando el fijado de objetivo y el manejo en combate.
La bandas sonoras es implacable, trepidante y caótica, mantiene la adrenalina a tope y otorga a cada combate de jefe una sensación cinematográfica, complementada por el satisfactorio golpe, silbido y estallido de tus poderes.

A pesar de una narrativa quizás algo vaga, Godbreakers brilla en su acción pura. La combinación de acción fluida, la posibilidad de cancelar ataques para esquivar y la habilidad Godbreaker, que complementa perfectamente tus acciones principales, crea una experiencia de combate adictiva.
Visualmente, el juego es sólido, destacando un diseño de personajes que fusiona una estética futurista de ciencia ficción y unos enemigos y jefes creativos.

Wander Stars, desarrollado por Paper Castle Games y publicado por Fellow Traveller, es un RPG por turnos que rinde un vibrante y nostálgico homenaje a las series de anime de ópera espacial y shōnen de los años 90. Con una estética visual que transporta directamente a esa época y una estructura narrativa serializada dividida en diez «episodios», el juego se siente inequívocamente vintage. Su concepto central es ambicioso y atractivo: un sistema de combate que permite a los jugadores crear ataques únicos combinando palabras.

El apartado visual es uno de los puntos más fuertes del juego. Los gráficos estilo anime son magníficos, con un diseño de personajes y animaciones de batalla fluidas que evocan la exagerada contundencia de las mañanas de dibujos animados. La historia sigue a Ringo, una joven artista marcial, y a Wolfe, un lobo parlante con un pasado misterioso, en su reacia colaboración para encontrar los fragmentos del mítico Mapa Wanderstar.

La narrativa, que avanza a través de escenas cinemáticas de novela visual y diálogos extensos, oscila entre el humor absurdo (como forcejear con una capibara sexy) y el drama emocional. Este desarrollo a través de actos, presentado como un mapa de juego de mesa al estilo de Super Mario World entre batallas, encaja perfectamente con la temática episódica del anime, a pesar de que la trama en sí no siempre resulte cautivadora. La banda sonora, con tintes de los 80 e instrumentación moderna, complementa la acción, aunque algunos temas de combate básico pueden volverse repetitivos.

El sistema de batalla por turnos es, sin duda, la joya de la corona, ofreciendo una capa estratégica novedosa. Los ataques se componen de una secuencia de «palabras»: una palabra de acción (Puñetazo), un elemento (Fuego) y un modificador (Súper, Extra). Esto da lugar a movimientos como «Súper Cabezazo de Fuego Especial», permitiendo golpear debilidades, infligir daño adicional o atacar a múltiples objetivos.
La progresión se basa en la colección y gestión de estas palabras, así como en un interesante sistema de pacificación o «puntos de ruptura». En lugar de noquear a los enemigos, se anima a los jugadores a reducir su salud hasta un umbral específico y luego perdonarlos, ganando así Honor (la moneda para comprar mejoras) y pasivas equipables. Esta mecánica añade un toque estratégico, obligando a los jugadores a ser cautelosos y a realizar cálculos mentales, ya que el juego no siempre muestra el daño total de forma clara.

El sistema a veces se confunde sobre dónde debe ir una palabra, lo que frustra la creación de combos. Las secuencias de palabras generadas a veces resultan antinaturales («Special Fire Super Punch» en lugar de algo más fluido). El juego presenta errores que pueden ser frustrantes, incluyendo la desaparición de objetos del inventario y, lo más crítico, fallos que causan la pérdida de progreso, ya que el autoguardado solo ocurre al inicio de cada mapa. El inventario está severamente limitado a solo cinco espacios, obligando al jugador a consumir objetos curativos a regañadientes.

Conclusión
Wander Stars es un auténtico placer para los fans del anime de batallas clásico y los RPG con mecánicas ingeniosas. Su corazón está en el lugar correcto: es un trabajo hecho con cariño y un sincero homenaje. La emoción de crear un ataque épico con palabras y la satisfacción de perdonar a un oponente para ganar una ventaja son los verdaderos atractivos. Sin embargo, su potencial se ve mermado por una ejecución a veces clunky y errores técnicos que entorpecen la experiencia. Es un juego genial, pero necesita pulirse para que sea del gusto de todos.