Reseña: Galletitas de animalitos



Un hombre errante camina sin que nada le importe, salvo morir de sed. Toca la puerta de la primera casa que encuentra, una mujer lo invita a pasar. El hombre no sabe que allí dentro ella convive con animales. La casa es una especie de zoológico, una trinchera. Entre esas paredes se desarrolla un mundo alternativo opuesto al ahogo del afuera, otra forma de vida en contacto con la naturaleza, los animales y el deseo. Después de su entrada a la casa, la vida del hombre tomará otro color y no volverá a ser como antes.



“Galletitas de animalitos” es una puesta donde los elementos visuales, actorales y sonoros conviven en armonía. Un texto que se dirige al público, la narración de una historia que por momentos se hace presente en escena y va del humor al drama, de lo terrenal a lo onírico.

Jose Maria Barrios Hermosa (el hombre) habla desde las entrañas. En él habitan la ternura y la ira, el impulso irracional y la calma. Similar a lo que ocurre con Florencia Fiori (la dueña del zoo) quien encarna lo siniestro a la vez que lo hogareño y acogedor. Daniel Cukierblat, Ariel Dabbah, Mara González son los animales y cada uno juega un animal distinto con un tono muscular y una forma particular del habla. Todo el elenco sostiene con química y dinámica el relato de este hombre a quien pedir un vaso de agua, le cambió la vida.

Es interesante la austeridad de elementos escenográficos. Cubos y bastidores de tela translúcida forman el todo. Detrás de eso que se percibe y no se ve pasan los sueños, lo imaginado, el goce, el horror, lo rechazado y lo atractivo. La iluminación y el sonido también construyen el adentro y el afuera, lo que pertenece al mundo del recuerdo y de lo vívido. Mención especial al maquillaje y al vestuario que ayudan a la construcción de estos animales-humanos y a los movimientos que estas corporalidades exigen.

Una obra que aborda, desde lo anecdótico, temáticas presentes en la actualidad. En el relato están el hartazgo hacia un mundo de relaciones rotas, la posibilidad de algo nuevo, la reconexión con la naturaleza y la esperanza del amor.


Ficha:
Autoría y dirección: Martina Nikolle Córdoba Ansardi// Intérpretes: Jose Maria Barrios Hermosa, Daniel Cukierblat, Ariel Dabbah, Florencia Fiori, Mara González// Vestuario: Belén Gómez García, Priscila Raniolo// Maquillaje: Andrés Esteban Ceriani// Diseño de escenografía: Belén Gómez García, Priscila Raniolo// Realización de escenografía: Belén Gómez García, Priscila Raniolo// Asistencia De Producción: Matheus Gomes// Asistencia de dirección: Eloy Rossen//

“Galletitas de animalitos”- Teatro Azul (Av. Corrientes 5965)- Viernes 20:30hs.

Escribió: Micaela Steinbach

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Vuelve «Puto y Orquesta» al ND Ateneo

CARLOS CASELLA cantante y actor vuelve por tercera vez al ND con su espectáculo PUTO & ORQUESTA – Éxito total!!

CARLOS CASELLA cantante y actor de las artes escénicas presenta su espectáculo «PUTO Y ORQUESTA » sobre el amor y la masculinidad.


Este concierto de canciones icónicas de todos los géneros, renueva y actualiza su repertorio donde su mirada sobre el amor y la masculinidad es el hilo conductor. Haciendo uso de su característico sello artístico performático navega por clásicos universales y nuevas canciones compuestas especialmente para este evento donde su voz, su cuerpo y su imaginario lo resignifican todo de una manera sofisticada e irreverente.

Las entradas para «Puto y orquesta» se puede. Adquirir a través de plateanet.

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Reseña: Estropicio

Pasiones peligrosas

Henrik Ibsen fue el dramaturgo noruego que revolucionó la manera de ver el teatro a finales del siglo XIX en Europa. El hablar de affairs, violencia, obsesiones, estafas y divorcios; es decir: temas reales, puso a Ibsen en la lupa pero también en la polémica. El abordar el lado oscuro de las relaciones humanas con un grado de realismo sincero, dio paso a un teatro menos idílico y más centrado.



Hedda Gabler fue estrenada en 1891 con cierto pudor, el solo hecho de representar a una mujer obsesionada, desequilibrada y manipuladora ya movía la opinión pública. El personaje de Hedda recuerda a los momentos finales de Anna Karenina, la diferencia es que Ibsen le da un toque más radical. Patricia Suárez entiende la idea del dramaturgo noruego y la adapta en El Estropicio.

»Hedda, hija del difunto Capitán Gabler, acaba de contraer matrimonio con un hombre a quien no ama: Jorge Tesman. Luego de una luna de miel poco romántica, Tesman pugnará por una cátedra junto a Lovborg -antiguo amante de Hedda-. Ella, con absoluta frialdad, aprovecha la fragilidad de Lovborg para provocarlo y luego rechazarlo. Esto será tan solo el inicio del derrumbamiento de sí misma». Es la sinopsis de la obra de Suárez la cual es dirigida por Mariano Dossena.

Federico Dopico, Marcos Horrisberger y Lucia Tapiola son los protagonistas de esta tragedia de pasiones desbordadas. El trío de jóvenes actores interpreta un triángulo amoroso de aristas afiladas y venenosas. Lucía Tapiola sabe cómo interpretar a Hedda dándole matices para poder entender su desequilibrio mental, pero a su vez nos entrega una interpretación hilarante con sus momentos de humor ácido que alivian la densidad de la trama. Es un deleite verla actuar.

La puesta en escena de Nicolás Nanni conforma una paleta de negros, oscuros que le dan un aspecto lugubre y deprimente. Un círculo de rosas marchitas y cadenas colgando del escenario. Una muestra del deterioro del amor y el abismo de la mente. La música original de Rony Kaselman es de efecto thriller, estamos envueltos en sus notas trémulas y misteriosas. Es un suspenso sonoro ideal para noches de espanto.

El estropicio es una adaptación libre de Hedda Hegler que le rinde homenaje a Ibsen. Un drama que se puede trasladar al presente pues el amor puede llevarnos a cometer locuras, pero la locura puede distorsionar al amor.

Disponible los viernes a las 20:30 en el Mètodo Kairòs.

Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

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Análisis de: Ratchet & Clank: Una dimensión aparte para PC

Por Alejandro Corell


Ratchet ya no sólo atraviesa el espacio y el tiempo, también las plataformas.



El primer juego que compré por decisión propia fue Splinter Cell. Todavía acompañado y vigilado por mi madre, me vi cautivado por aquella portada y sin pensármelo dos veces me acerqué a caja, monedas preparadas y ojos listos para leer el manual en el trayecto de vuelta a casa. Recuerdo aquella primera compra, para la PS2 que teníamos en casa. La recuerdo sobre todo porque fue el día que descubrí que no sólo existía una consola. Al introducir el disco en el lector, un mensaje de error me informaba de la incompatibilidad presente, un rato más tarde, entendí que había comprado un juego de Xbox.
Ante aquella situación, mi madre decidió que todavía no estaba preparado para elegir mis propios videojuegos y, de vuelta a la tienda, se tomó la potestad para aconsejarme en las siguientes decisiones. “Oye, este se ve bonito, el perro que sale en la portada es muy gracioso”. Perro o lombax, poco importaba la morfología, el comentario fue suficiente para que la siguiente vuelta a casa fuera la antesala de la entrada de Ratchet y Clank en mi vida. Desde entonces, he crecido disfrutando de las aventuras de tan improbable duo, a través de todas las consolas de Sony. Algunas mejores, otras más regulares, pero nunca existió la duda, siempre supe que al coger el mando me esperaban largas horas de diversión.
Con la llegada de PS5, uno de los pocos juegos que se presentaban como catálogo inicial de la consola era esta nueva entrega. Ratchet & Clank: Una dimensión aparte aparecía como la vuelta de la saga a nuestras manos. Si bien en la anterior generación también estuvieron presentes, lo hicieron de una forma más anecdótica, con un reboot de la primera entrega, planteado para aprovechar el lanzamiento de su película.



Mis ganas de meterle mano a esta nueva entrega eran grandes, pero los problemas con la distribución y fabricación de consolas de nueva generación impidieron que pudiera hacerme con una en su momento. Ahora, tras varios años desde su llegada, los jugadores de PC podemos entrar por primera vez a esta aventura intergaláctica gracias a su nuevo port para ordenadores, el cual se suma al resto de exclusivos de Sony que siguieron el mismo camino.
Ratchet & Clank empezó como un plataformero con escenas de disparos, pero no tardó demasiadas entregas en apostar más por la pólvora y los casquetes que por las acrobacias imposibles. Esta nueva entrega se corona como el sumun del baleo. El continuo espacio-tiempo pende de un hilo y para salvar el universo una vez más deberemos armarnos con un arsenal gigantesco y enfrentarnos a un nuevo Doctor Nefarius, más poderoso y menos nefarioso.
La nueva incorporación al título serán los portales, presentados en un principio como resultado de la rápida velocidad de carga de los discos duros en estado sólido de las nuevas consolas. Es verdad que en algunos momentos nos llevan a transiciones imposibles en sistemas anteriores, pero más allá de esos instantes, una suerte de cinemáticas interactivas, estos agujeros servirán para desplazarnos unos cuantos metros en el campo de batalla y poco más.



Si bien se trata de una mecánica útil para salir con vida de algunos encuentros frente a las innumerables hordas de enemigos que nos asediarán todo el tiempo, este sistema no suele ser necesario gracias a la frenética movilidad del título, posiblemente la más pulida y disfrutable de toda la saga. Para no morir cada dos por tres, no podremos parar de saltar, deslizarnos, impulsarnos, volar… (introducir aquí todo tipo de desplazamientos). Moverse por los distintos planetas que exploraremos se siente genial, tanto que camufla la falta de calidad en el contenido secundario, que aparece principalmente en forma de coleccionables y objetos escondidos. Pero a quién le importa el fin, si el medio es tan bueno.
Más allá de sus sistemas jugables, estamos ante uno de los mayores exponentes audiovisuales de la generación. Este Ratchet & Clank se ve y se escucha increíble. Es sorprendente como puede sostener el nivel y no explotar por todas partes cada vez que nos sumergimos en una lluvia de explosiones y partículas. Es innegable que el mejor rendimiento es el propio de la consola madre, pero el port de Nixxes ofrece una versión mucho más que digna, que cuenta con una multitud de opciones de configuración gráfica, lo que le permite funcionar en sistemas más modestos (con cuidado, ya que requiere una potencia mínima considerable) de forma fluida, así como ofrecer experiencias técnicamente inmejorables en ordenadores de gama alta. No estamos delante del port mejor desarrollado (esta corona es posiblemente para Spiderman), pero tampoco hay demasiados fallos que echarle en cara.



En conclusión, con Ratchet & Clank: Una dimensión aparte nos encontramos con una más que digna vuelta a la franquicia. Tras una generación sin avances en la trama principal, volver a disfrutar de nuevas aventuras de mi lombax favorito ha sido una experiencia maravillosa. El factor nostalgia es grande, desde luego, pero lo cortés no quita lo valiente y de valentía, tanto animal como máquina tienen mucha.

Calificación 8.5/10

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Reseña: Chongos

El chongo de cada día

La palabra Chongo tiene distintos significados en la jerga latinoamericana. Si nos centramos en la región del Río de la Plata, tomando el antiguo lunfardo. tenemos que Chongo deriva del linaje kimbundu, utilizado por los esclavos africanos a finales de siglo XIX, »hombre robusto de buenas condiciones físicas para el trabajo forzado, semental».





La etimología cambia según la época y el chongo se le atribuye al sujeto masculino, viril o »macho» dentro de la comunidad gay, también al amante pasajero para las mujeres o deriva el verbo chonguear, salir de forma casual con alguien. Hernán Cuevas (quien triunfó recientemente en la serie de Netflix División Palermo) nos trae Chongos, una comedia interactiva.



»Está por terminar el año 2003 y en la televisión sucede el clásico de la caja boba, la elección del «míster chongo» de cada año. Este año Mike, «el presentador», nos invita a conocer a los cinco participantes que deberán pasar las pruebas más exigentes para llegar al tan ansiado premio. La coronación como rey significa para cada uno de ellos algo distinto pero muy deseado y harán lo que sea por llegar a su meta». Así se describe la obra dirigida, escrita y protagonizada por Cuevas.



Mauro Angemi, Agustín Sola, Maximiliano Nolasco, Ángel Baez y Santiago Castellano forman parte de estos chongos. Jóvenes hegemónicos que rondan la media de 35 años, morochos argentinos acuerpados, viriles y macanudos que caen en la perfecta definición de la palabra.




Chongos es una comedia interactiva que nos muestra una época decadente (comienzos del 2000) en un certamen artificial donde más que ganar, es demostrar quién es superior al otro. Esta competencia de belleza y presencia nos muestra que los mandatos no han cambiado, veinte años en el futuro, la hegemonía prevalece y sigue creando a más chongos. Los actores muestran toda la onda sobre las tablas, además de ser un colirio visual, son talentosos y encarnan bien el papel que se les otorga.

La obra de Cuevas nos lleva a los sketchs musicales, rompe la cuarta pared y el público forma parte de este concurso de Misters, uno elige quien es el mejor Chongo pero también, participa en esta cosificación intencional. Chongos es una apuesta divertida, refrescante, llena de colirio y testosterona ideal para disfrutar en Av. Corrientes.



Disponible los martes a las 20:30 en el Teatro Picadilly.

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Reseña: La segunda muerte de Juan Moreira


Por Sofía Luna Roberts


Los contextos históricos en los cuales se crean las obras de teatro se vuelven fundamentales a la hora de comprender el verdadero mensaje que se encuentra entre los diálogos y las actuaciones de los personajes. Con esto en mente, es interesante saber que de los años 1884 a 1930, en la Argentina comenzó una etapa conocida como la “emancipación cultural”, época en la que se considera como el nacimiento de la primera obra de teatro nacional: “Juan Moreira”, de Eduardo Gutiérrez, creado junto al empresario teatral José Podestá, en 1879. Se trata de un teatro criollista, de un teatro que tiene como objetivo hablar de la identidad del pueblo. “La segunda muerte de Juan Moreira” nos muestra una alternativa cómica que no deja de asombrar. La obra se presenta en el Teatro del Pueblo (Lavalle 3636, CABA) con funciones los domingos a las 17 horas.



Escrita y dirigida por Raúl Brambilla, esta comedia criolla nos transporta hacia el año 1930, días antes de que caiga el golpe de Estado encabezado por el general José Félix Uriburu que derrocó al gobierno constitucional de Hipólito Yrigoyen. La historia trata de un grupo de actores que fueron expulsados del circo al que pertenecen y dan comienzo a su gira independiente representando una única obra: “Juan Moreira”. En el transcurso van atravesando situaciones y controversias internas que los obliga a pensar alternativas para seguir adelante con sus funciones a pesar de los impedimentos por parte de la iglesia y de ellos mismos. Con actuaciones de Leandro Cóccaro, Fernando Caride, Miguel Polizzi, Juan Manuel Romero, Susana Martínez, Paula Rubinsztein, Enrique O’Zanibelli y Fabián Mattos. Ellos les dan vida a los típicos personajes del teatro nacional popular.

Es interesante el nivel de protagonismo que logran todos los personajes, debido a que la construcción de cada uno se destaca por distintas modalidades, gestos o formas en el habla que lo convierten en único e irrepetible. La solidez de estos personajes se ve reflejado también en la solidez de sus creencias y valores con respecto a la identidad nacional. En la historia, la idea de unión y fraternidad está representada por lo que “Juan Moreira” significa para cada uno. En varias ocasiones, ese sentimiento se ve invadido por los personajes que representan a los distintos sistemas que nos rigen como la iglesia, el Estado o la policía. A lo largo de la obra nos damos cuenta de que todos terminamos siendo víctimas de un sistema, al igual que Juan Moreira, y es por esto que se genera un sentimiento de pertenencia entre los personajes produciéndose una rebelión para que cambien las cosas.

En esta mezcla de géneros teatrales que va desde vodevil hasta los aspectos trágicos de lo grotesco, el humor criollo de “La segunda muerte de Juan Moreira” le da el toque especial para causar, en el espectador, un sentido nacional que se refuerza cada vez más. Las costumbres y mandatos pueblerinos dejan en exposición el origen de nuestros valores de hoy en día. Las risas y el asombro son los ingredientes cruciales, en donde la tradición popular de la figura del criollo rebelde desafiando a la autoridad una y otra vez nos anima a involucrarnos y decir al unísono, junto los personajes, “Yo también soy Juan Moreira”.

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Reseña: Modelo vivo muerto

La sala de el Caras y Caretas se estremece de risa con “Modelo Vivo Muerto”, el nuevo espectáculo de los Bla Bla & Cía al que se puede asistir viernes y sábados a las 22:30hs.

 

Un día crucial, es el examen de fin de curso para los alumnos de la escuela de arte. Deben copiar un modelo vivo que repentinamente aparece muerto. El misterio se instala: ha ocurrido un crimen. La investigación comienza y no frena hasta encontrar al culpable, si es que de un culpable se trata… 

El grupo de humor conformado en 2010, los Bla Bla, vuelve con nuevos integrantes y un cambio de nombre, son ahora Bla Bla & Cía y han incorporado a Carola Oyarbide, quien se destaca por su actuación;  la dirección y colaboración artística de Francisca Ure y la colaboración en dramaturgia de Gustavo Lista. Además, el grupo reconocido por sus obras varieté y sus sketches, ha decidido apostar por un nuevo formato: se trata de una obra de tres actos que mantiene la esencia de los Bla Bla y le aporta algo más. 

El elenco se apropia del escenario que se transforma en espacio vivo de disfrute y no puede generar otra cosa más que el contagio en el público que no para de reír. Química, timing, gags, amor por el juego, manejo del gesto a un nivel milimétrico. Por momentos, las situaciones tienen un aire a coreografía, un funcionamiento de reloj que no deja de tener presente lo espontáneo. “Modelo vivo muerto” combina humor y relatos policiales y pone en crisis el concepto de “final”, dialoga con las lógicas narrativas y las critica desde un lugar genuino. 

La música, siempre presente, está a cargo del mágico Furman. También hay momentos musicales individuales y corales que muestran la versatilidad del elenco listo para todo. Además, y para destacar, la escenografía caricaturesca y el manejo de luces que enfatizan y conducen la atención según la historia lo requiera. 

“Modelo vivo muerto” es un espectáculo inteligente, filoso, vivo. Una vuelta del grupo renovado, una obra que mantiene activo a quien mira. Una defensa del teatro y del trabajo en equipo, a la risa como posibilidad de repensarse y purgar. 

Ficha técnico artística

Actuación: Pablo Fusco, Tincho Lups, Manu Fanego, Julián Lucero, Sebastián Furman y Carola Oyarbide// Colaboración artística y dirección de actores: Francisca Ure// Música: Sebastian Furman// Diseño de escenografía: Sol Soto// Vestuario: Sandra Szwarcberg// Diseño de luces: Gustavo Lista// Colaboración coreográfica: Jorge Thefs// Diseño gráfico: Manu Fanego y Patricio Vegezzi// Redes sociales: Diego Bocha Fernandez// Colaboración en dramaturgia: Gustavo Lista// Prensa: Mutuverría PR// Producción: Maribel Villarosa

“Modelo vivo muerto”- CARAS Y CARETAS 2037 (Sarmiento 2037) – Viernes y Sábado – 22:30 hs

Escribió: Micaela Steinbach

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Grupro Frontera: Arrasó en su primer visita a la Argentina con un Show único en Luna Park

El grupo Mexicano anunció hace apenas unas semanas atrás una fecha para presentarse en nuestro país, en el estadio Luna Park, en medio de una gira latinoamericana. El 26 de julio era la fecha apfa la primera presentación de la banda en el país, y que no ha tardado en agostarse, haciendo de este show toda una fiesta.

En su paso por el Luna, Grupo Frontera comenzó con la canción «No se va», aquel cover de Morat, que ha sonado tan bien al ritmo de cumbia, lo que ha hecho bailar al público desde el inicio del show. Su vocalista Payo, comentó que era la primera vez que pisaban suelo argentino, y que tenían ganas de regresar pronto para encontrarse con el público, pero también para visitar el país y quedarse unos días para disfrutar de todo lo que tiene Argentina.

Un momento musical también celebrado, fue la canción «Ojitos Rojos» que ha tenido una reciente colaboración con Ke Personajes. Claramente la canción más coreada fue «Un X100to» que ha sido el gran éxito que tuvieron junto a Bad Bunny, y que si bien la banda tiene su trayectoria y base de fans, ha sido un puntapié para el grupo a la hora de cruzar fronteras.

La noche terminó con una gran celebración junto al público, en el que han dado un homenaje a la artista Selena con temas coml «Como una Flor» y «Si una vez» . Grupo Frontera brindó un show completo con 29 canciones de su repertorio, que puso a bailar a todo el Luna Park y que ha hecho querer que sea pronto su regreso.

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Reseña: Daniel: Voy a ser el gay más famoso de Chile

El jueves pasado tuvimos la oportunida de asistir a la obra «Daniel: Voy a ser el gay más famoso de Chile» en el Teatro Beckett. En esta puesta nos adentramos en una historia conmovedora y cruda que aborda un tema relevante y lamentable: Un crimen de odio por homofobia

La obra nos muestra la vida de Daniel, la víctima, desde una mirada personal, revelando sus sueños de ser modelo y su caótica relación con la familia y sus propios deseos. La puesta en escena es interesante y las actuaciones son destacables, permitiéndonos sumergirnos en los acontecimientos que llevaron a su trágica pérdida. La obra logra generar una reflexión profunda sobre la discriminación y la necesidad de luchar por la igualdad y el respeto a la diversidad en la sociedad chilena y que también es necesario mostrarlo en nuestra región.

La narrativa toma un giro oscuro al presentar a cada uno de los agresores de Daniel, quienes relatan fríamente los acontecimientos de la noche del asesinato, sin mostrar remordimiento alguno. Este enfoque permite explorar la psicología de los antagonistas y si bien existen acciones de arrepentimientos en estos personajes, todo se debe a las consecuencias que tuvo el crimen con sus vidas y no por lo que le hicieron a Daniel.

La puesta tiene un excelente manejo de luces y todos los espacios del escenario para mostrar distintos ambientes, la casa familiar con sus conflictos, las escenas de discoteca con un añadido coreográfico y el espacio donde se llevó a cabo el crimen. Hay que destacar su desenlace de la historia, que resulta sumamente impactante y mantendrá al público atrapado por la crudeza de su final.

La obra tiene su momento para mostrar la foto de Daniel Zambudio, quien fue la victima real en el que se basó esta puesta teatral, acompañado de imagenes de otras victimas por homofobia. Sin duda, «Daniel: Voy a ser el gay mas famoso de chile» es una obra mas que interesante en toda su ejecución y que ademas invita a la reflexión y a la empatía hacia aquellos que han sido víctimas de la intolerancia y la violencia basada en su identidad de género u orientación sexual.

Ficha Técnica:

Dramaturgia: Ramón Mazuela Falchetti y Eduardo Meza Villanueva. Dirección: Ramón Mazuela Falchetti

Estreno en Argentina: Jueves 6 de Julio

Funciones: Jueves 21 hs. Teatro Beckett – Guardia Vieja 3556 –

Entradas: http://www.alternativateatral.com

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Reseña: Waminix

Por Micaela Steinbach

De miércoles a domingo a las 19 horas en El Cultural San Martín sucede “Waminix”, una distopía teatral- circense para grandes y chicos.





Un futuro distópico en el que los “cabeza de tacho” gobiernan el mundo. Un grupo de sobrevivientes, los Waminix, se agrupan para resistir y enfrentar la deshumanización que los rodea. El baile, el canto, la música, el circo, el teatro son los lugares donde encuentran la fuerza para combatir.


“Waminix” es una nueva creación de Proyecto MIGRA bajo la dirección de Osqui Guzmán y de Leticia González de Lellis. Desde sus inicios, por el año 2015, Proyecto MIGRA busca aunar el circo con la danza, el teatro y la música. En sus espectáculos no hay una búsqueda de lucimiento individual, la historia prima, la destreza deviene de ella y, así, se conforman obras dinámicas, atractivas, que mantienen al público activo. Además el grupo es reconocido por la gestión y creación, junto con El Galpón de Guevara, del F.I.C.I. (Festival Internacional de Circo Independiente).
En la misma línea de sus proyectos anteriores se encuentra “Waminix”. La escenografía y el vestuario son funcionales a los números circenses sin dejar de tener una unidad estética en pos de la historia y un atractivo visual que cautiva. La iluminación y el sonido mantienen atentos a los espectadores de variada edad que asisten al espectáculo.
Un elenco que sorprende, una narradora que hila los momentos sin caer en una enunciación explicativa por demás, una música que absorbe, acrobacia de piso, tango, manipulación de objetos, clown, música en vivo, aros, malabares. Frente al universo distópico, los Wanimix se plantan con las banderas del arte, del humor y del trabajo en conjunto, colectivo.


FICHA TÉCNICA:
Dramaturgia: Creación colectiva// Elenco: Leticia Vetrano, Sofía Ivy, Paz Cogorno, Víctor Miñón, Johnatan Uriarte, Martín Orchessi.// Diseño de escenografía: Proyecto Migra, Duilio Della Pittima// Realización de estructura y escenografía: Duilio Della Pittima// Diseño de vestuario: Jorge López// Diseño de muñeco: Alfredo Iriarte// Música original: Tomás Rodríguez// Diseño lumínico: Adrián Cintioli// Identidad y diseño gráfico: Lima
Producción general: Proyecto MIGRA//Producción ejecutiva: Analía Cabanne
Prensa: Marisol Cambre// Redes: Florencia Valeri// Dirección: Leticia González De Lellis, Osqui Guzmán
WANIMIX- Centro Cultural San Martín – Sala B (Sarmiento 1551) – Miércoles a domingo a las 19

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