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David Lebón despide el año con “Esencia Lebón” , un concierto íntimo en La Trastienda , donde el referente del rock argentino se reencontrará con su público en un formato cercano y especial. Será una noche con entradas limitadas , para disfrutarlo más cerca que nunca , con nuevas versiones y los clásicos de siempre.
En un formato distinto a lo que nos tiene acostumbrados, el show irá creciendo con la participación progresiva de sus músicos, logrando poco a poco una atmósfera única de conexión y calidez
Tal como lo indica su nombre, “Esencia Lebón” es una invitación a compartir con el artista su esencia más pura: la música, la emoción y la cercanía.
Después de un intenso 2025 con gran cantidad de recitales y con la publicación de su biografía La magia de estar aquí , escrita junto a Marcelo Fernández Bitar, Lebón prepara el cierre ideal.
Entre sus grandes hitos de este año, se cuentan el homenaje a Serú Girán, junto a Pedro Aznar, tanto en Quilmes Rock como en el Festival Cordillera de Bogotá, Colombia , más la presentación de Conexión en el Teatro Ópera y una gira nacional que pasó por Córdoba, Rosario, Junín, Río Cuarto, Paraná, Salta y Tucumán .
En septiembre fue distinguido con el Premio Konex de Platino como Solista de Rock , reconocimiento que el propio músico definió como “una emoción profunda que comparto con cada uno de ustedes, que me acompañan en este viaje lleno de música y amor”.
David Lebón se prepara también para compartir un nuevo capítulo de su historia: su próximo disco de estudio, fruto de meses de trabajo y emoción, que verá la luz el año que viene.
“Esencia Lebón” promete ser el broche de oro de un año brillante, un reencuentro íntimo entre una leyenda del rock nacional y su público fiel.
¿Se puede ser buena persona a la vez que un criminal? Esta peli intentará responder esa pregunta.
La historia: Jeff, interpretado por Channing Tatum, es un soldado que vuelve de la guerra y se da cuenta que tiene que proveer para su esposa e hija, por lo que decide aprovechar un defecto de seguridad de los restaurantes de comida rápida y meterse por el techo para robarlos sin violencia. Por esto los medios lo denominan roofman. Todo marcha bien hasta que la policía finalmente da con él y lo encierran en prisión. Desconectado de su familia y de su hija, decide escapar de allí y darse a la fuga, pero para no cometer el error de moverse, según el mismo dice, decide esconderse en una juguetería un mes para que dejen de buscarlo y pueda escapar al extranjero sin problemas. El plan marcha bien hasta que conoce a Leigh, Kirsten Dunst, y empieza a tener una relación con ella. ¿Podrá Jeff concretar su plan, o su amor por Leigh no lo dejará irse y se expondrá a que lo atrapen? Habrá que verla para descubrir, mientras tanto debajo vemos si vale la pena.
¿Qué me gustó? Creo que Channing Tatum está en un papel hecho para él, aprovechando esa cara de buen tipo, también su agilidad y sus abdominales bien marcados que todavía conserva. El hecho de que sea una historia real le suma un condimento a la historia también. Incluso uno se pone a pensar cuanto de lo que vemos es realidad y cuanto fue agregado para la película, cosa que descubrimos durante los créditos.
¿Qué no me gustó? Pese a que esta película se basa en un caso real, no es una historia que no hayamos visto en pantalla anteriormente, en particular tiene algunas similitudes con la película de Natalie Portman ¿Dónde quedó el amor? (2000). No sólo porque en un momento ambos protagonistas viven en un supermercado, sino también por la crítica social que implica esta vida ideal que se vende allí y que algunos no pueden comprar. También el tema principal queda algo inocente a medida que vemos a la gente que va afectando en el camino
¿A quién recomiendo esta peli? A todos los que disfruten de una buena comedia dramática con pequeños toques de acción, no van a salir decepcionados con esta entrega. También a los que les caiga simpático Channing Tatum, esta es una peli que se carga al hombre completamente y despliega todo su carisma.
Calificación: 7,5/10 Duración: 107 minutos Estrena el 6 de noviembre en cines
La historia: Dek es un Yautja, así se llama la raza de los depredadores, que está a punto de realizar su iniciación pero su padre tiene otros planes para él, la muerte. Antes de que esto suceda su hermano lo envía a otro planeta a cazar una criatura desconocida que es un depredador letal, sólo cazándolo Dek podrá ganarse el respeto de su tribu y su padre. Pero cuando llega al planeta pronto se da cuenta que todo está en su contra y necesitará la ayuda de una androide llamada Thia, fabricado por Weyland-Yutani la malvada corporación de Alien, para salvarlo. Aunque a este sintético le faltan las piernas, tiene la información necesaria para dar con esta peligrosa criatura. ¿Podrá Dek lograr su objetivo y regresar con su presa a casa, o el cazador finalmente será casado? Habrá que verla para enterarse. Hablamos debajo si vale la pena.
¿Qué me gustó? La historia amplía el universo de depredador y lo conecta con el universo de Alien, pero de una manera bastante más orgánica que la película Alien vs Depredador (2004), donde todo se sentía más marketinero y forzado. En este caso vemos la historia desde el punto de vista del depredador o Yautja y conocemos su planeta de origen Yautja Prime, totalmente inexplorado hasta esta entrega. La relación entre el depredador y el androide es bastante divertida y ayuda a llevar la película de una forma más amena. También es interesante la relación que encontraron con la primer entrega de la saga, no la adelanto para no spoilear
¿Qué no me gustó? La historia en si no está mal, pero en mi opinión hubiese sido mejor hacer una continuación de Prey (2022), pero entiendo que en este caso se priorizo construir el camino para hacer una futura entrega de Alien contra Depredador.
¿A quién recomiendo esta peli? A los que siguen la saga por supuesto, quizás no sea tan buena como Prey pero tiene lo suyo y no van a salir decepcionados.
Calificación: 8/10 Duración: 107 minutos Estrena el 6 de noviembre en cines
Tener un hijo puede ser lo más lindo que te pase en la vida, también puede ser lo que libere a todos tus fantasmas.
La historia: Jennifer Lawrence interpreta a Grace, una madre primeriza que claramente no logra acomodarse a su nuevo rol, cosa que Jackson, su pareja interpretada por Robert Pattinson, no nota en absoluto y desaparece casi todo el día sin prestarle demasiada atención a lo que ocurre en la casa. Grace es una escritora que intenta volver a trabajar en su material pero se aleja cada vez más de su arte para sumergirse en la locura y en hacerse daño a sí misma, hasta que finalmente la fantasía la alcanza en forma de psicosis. ¿Podrá Grace superar sus dificultades y adaptarse a su familia o la locura la terminará consumiendo? El título quizás nos dé una pista, si vale la pena o no lo analizamos debajo.
¿Qué me gustó? Los actores están muy comprometidos con la trama, especialmente Jennifer Lawrence que es la protagonista absoluta y realmente se juega por el rol. También Robert Pattinson está muy bien, hay que decirlo, adaptándose y potenciando lo que propone su contraparte. El tema principal en sí, la psicosis, se trató varias veces en pantalla, pero quizás no con este enfoque en particular, donde la mirada de los demás hacia estas dificultades y como a veces se tratan de normalizar e incluso negar; y recién se busca ayuda cuando es demasiado tarde.
¿Qué no me gustó? Narrativamente la película abre muchas puertas que no termina de cerrar y termina siendo una sucesión de situaciones que van siendo cada vez más y más extremas hasta llegar a una conclusión final, algo cantada la verdad.
¿A qué género pertenece? Podríamos decir que esta película es un drama con ciertos elementos del absurdo.
¿A quién recomiendo esta peli? Tiene ciertas reminiscencias a Madre (2017), aunque allí el personaje de Jennifer era el cuerdo frente a un mundo totalmente desquiciado. También me hizo acordar mucho a Sólo un sueño (2008) en cuanto al tema de cómo la rutina y las obligaciones pueden afectar a la pareja en general y a un miembro de esa pareja en particular.
Dato: Esta película está basada en una novela homónima escrita por la escritora argentina Ariana Harwicz, lo que no significa nada per se pero le aporta esa cuotita de argentinidad que tanto nos gusta ver afuera.
Calificación: 6/10 Duración: 118 minutos Estrena el 6 de noviembre en cines
Wander Stars, desarrollado por Paper Castle Games y publicado por Fellow Traveller, es un RPG por turnos que rinde un vibrante y nostálgico homenaje a las series de anime de ópera espacial y shōnen de los años 90. Con una estética visual que transporta directamente a esa época y una estructura narrativa serializada dividida en diez «episodios», el juego se siente inequívocamente vintage. Su concepto central es ambicioso y atractivo: un sistema de combate que permite a los jugadores crear ataques únicos combinando palabras.
El apartado visual es uno de los puntos más fuertes del juego. Los gráficos estilo anime son magníficos, con un diseño de personajes y animaciones de batalla fluidas que evocan la exagerada contundencia de las mañanas de dibujos animados. La historia sigue a Ringo, una joven artista marcial, y a Wolfe, un lobo parlante con un pasado misterioso, en su reacia colaboración para encontrar los fragmentos del mítico Mapa Wanderstar.
La narrativa, que avanza a través de escenas cinemáticas de novela visual y diálogos extensos, oscila entre el humor absurdo (como forcejear con una capibara sexy) y el drama emocional. Este desarrollo a través de actos, presentado como un mapa de juego de mesa al estilo de Super Mario World entre batallas, encaja perfectamente con la temática episódica del anime, a pesar de que la trama en sí no siempre resulte cautivadora. La banda sonora, con tintes de los 80 e instrumentación moderna, complementa la acción, aunque algunos temas de combate básico pueden volverse repetitivos.
El sistema de batalla por turnos es, sin duda, la joya de la corona, ofreciendo una capa estratégica novedosa. Los ataques se componen de una secuencia de «palabras»: una palabra de acción (Puñetazo), un elemento (Fuego) y un modificador (Súper, Extra). Esto da lugar a movimientos como «Súper Cabezazo de Fuego Especial», permitiendo golpear debilidades, infligir daño adicional o atacar a múltiples objetivos. La progresión se basa en la colección y gestión de estas palabras, así como en un interesante sistema de pacificación o «puntos de ruptura». En lugar de noquear a los enemigos, se anima a los jugadores a reducir su salud hasta un umbral específico y luego perdonarlos, ganando así Honor (la moneda para comprar mejoras) y pasivas equipables. Esta mecánica añade un toque estratégico, obligando a los jugadores a ser cautelosos y a realizar cálculos mentales, ya que el juego no siempre muestra el daño total de forma clara.
El sistema a veces se confunde sobre dónde debe ir una palabra, lo que frustra la creación de combos. Las secuencias de palabras generadas a veces resultan antinaturales («Special Fire Super Punch» en lugar de algo más fluido). El juego presenta errores que pueden ser frustrantes, incluyendo la desaparición de objetos del inventario y, lo más crítico, fallos que causan la pérdida de progreso, ya que el autoguardado solo ocurre al inicio de cada mapa. El inventario está severamente limitado a solo cinco espacios, obligando al jugador a consumir objetos curativos a regañadientes.
Conclusión Wander Stars es un auténtico placer para los fans del anime de batallas clásico y los RPG con mecánicas ingeniosas. Su corazón está en el lugar correcto: es un trabajo hecho con cariño y un sincero homenaje. La emoción de crear un ataque épico con palabras y la satisfacción de perdonar a un oponente para ganar una ventaja son los verdaderos atractivos. Sin embargo, su potencial se ve mermado por una ejecución a veces clunky y errores técnicos que entorpecen la experiencia. Es un juego genial, pero necesita pulirse para que sea del gusto de todos.
Battlefield 6 llega prometiendo una visión moderna del combate a gran escala, y tras más de 50 horas de juego, puedo decir que este nuevo capítulo cumple —y por momentos, supera— esa ambición. La experiencia vuelve a centrarse en lo que la saga mejor sabe hacer: batallas colosales, mapas amplios y dinámicos, y un ritmo frenético que combina estrategia, caos y momentos épicos que solo Battlefield puede generar.
La propuesta se siente como una evolución clara de la fórmula clásica. Las armas responden con contundencia, el movimiento es más fluido que nunca y los enfrentamientos tienen ese peso táctico donde cada decisión importa. No hay sensación de “arena shooter”, sino guerra total: frentes que se mueven, aliados que coordinan ofensivas, vehículos que cambian el curso de la batalla, y un entorno que respira tensión. Battlefield 6 consigue que cada partida cuente su propia historia, llena de momentos inesperados, revividas milagrosas y emboscadas improvisadas. Una experiencia enorme y viva Los mapas son uno de los puntos más fuertes. Amplios, verticales y llenos de oportunidades para flanquear, defender objetivos clave o controlar territorio desde posiciones ventajosas. La destrucción vuelve a ser protagonista: edificios que se vienen abajo, coberturas que desaparecen segundos después de que las uses, y un campo de combate que literalmente cambia con el desarrollo de la partida. Cada enfrentamiento se siente dinámico, impredecible y, sobre todo, vivo.
El gunplay brilla con precisión y contundencia. Las armas tienen una personalidad marcada, con retrocesos realistas, sonidos potentes y una variedad que invita a experimentar. Se nota un cuidado especial en el equilibrio del arsenal, y aunque todavía hay detalles por pulir, el combate es intenso y satisfactorio. A esto se suma un sistema de progresión más coherente, que premia el juego en equipo y el cumplimiento de objetivos, reforzando la esencia colaborativa de la serie.
El clásico caos Battlefield —pero más pulido
Si hay algo que Battlefield 6 entiende bien es su identidad. No intenta ser otro shooter competitivo; es un juego donde la guerra es caótica, impredecible y espectacular. Los vehículos siguen siendo una pieza clave: tanques que aterrorizan al frente enemigo, helicópteros que dominan el cielo hasta que un lanzamisiles bien colocado los hace caer en picada, y transportes blindados que permiten flujos constantes de tropas. Aquí, cooperar no es opcional: es la diferencia entre avanzar o quedar atrapado en fuego enemigo. Las clases también aportan frescura: roles claros, herramientas específicas y mecánicas que fomentan la colaboración. Sanitar a compañeros bajo fuego, reponer munición en un punto clave o reparar un tanque que es la única línea defensiva se sienten como acciones significativas. Jugar con amigos multiplica la experiencia, pero incluso con desconocidos el juego te empuja naturalmente a trabajar en conjunto.
Gráficos, rendimiento y audio —potencia total
A nivel audiovisual, Battlefield 6 es un espectáculo. Los efectos de luz, las partículas, el detalle en los entornos y la destrucción dinámica construyen un campo de batalla impresionante. El sonido merece mención especial: explosiones que sacuden, disparos con identidad propia y un trabajo ambiental que te sumerge por completo en la guerra moderna. Se nota un esfuerzo en hacer que cada efecto transmita peso y escala. En cuanto al rendimiento, la experiencia ha sido mayormente sólida. Hay áreas donde todavía puede afinarse, especialmente en sesiones muy cargadas, pero globalmente el título se ejecuta con fluidez y estabilidad. Es un lanzamiento grande, ambicioso, y aun así mantiene un equilibrio notable entre calidad y rendimiento.
Conclusión Battlefield 6 logra capturar la esencia de lo que hace grande a la saga, modernizando su fórmula y ofreciendo una experiencia sólida, inmersiva y memorable. Es un retorno a la escala total, al juego en equipo como ingrediente central y a ese caos organizado donde cada partida crea historias únicas. Si sos fan de Battlefield, acá vas a sentirte en casa desde el primer disparo. Si venís de otros shooters, vas a encontrar una experiencia diferente, más estratégica y cinematográfica, donde el trabajo en conjunto pesa más que la habilidad individual.
Es imperfecto, sí —hay ajustes por hacer— pero pocos juegos logran este nivel de adrenalina y escala. Battlefield 6 no solo revive el espíritu clásico: lo lleva a un nuevo terreno, más intenso, más dinámico y más auténtico.
La fiesta del artista fue sumamente exclusiva y contó con la presencia de figuras reconocidas de la escena local y personalidades cercanas a Dillom, en una nueva edición del evento que ya se volvió un clásico de Halloween.
Halloween en Buenos Aires tuvo uno de sus momentos más comentados cuando Dillom llegó en su propia fiesta en una llamativa limosina naranja, caracterizado como el Joven Manos de Tijera. Por segundo año consecutivo, el artista organizó su festejo de Halloween, que reunió a músicos, influencers y referentes de la escena local. Pero esta vez, la llegada del anfitrión fue mucho más que una puesta en escena: DiDi, la plataforma de movilidad, lo llevó en su “Limo del Pueblo”, que durante octubre hizo circular por Buenos Aires con el objetivo de acercar una experiencia distinta a sus usuarios.
Durante semanas, diferentes vecinos compartieron imágenes del llamativo vehículo recorriendo la ciudad. La aparición final —con Dillom como protagonista— coronó una propuesta que combinó participación ciudadana, cultura popular y un toque de ironía, en línea con el espíritu del artista y de la marca.
En redes, Dillom publicó un intercambio con DiDi que retomaba con humor una vieja historia conocida por sus seguidores de X. Según mostró en sus historias, la app le ofreció “La Limo del Pueblo” para llegar a su fiesta en el vehículo más llamativo de la Argentina. La secuencia concluyó con él y su grupo de amigos bajando del auto, todos disfrazados para Halloween e inspirados en distintos personajes.
Con esta acción, DiDi reafirma su vínculo con la cultura urbana y su usuarios, participando de una de las noches más icónicas del año.
Tras siete años de ausencia, Linkin Park regresó a la Argentina con un show de alto voltaje que deslumbró en el Parque de la Ciudad. Bajo la producción de DF Entertainment, el debut local del From Zero World Tour fue un reencuentro emotivo y visualmente impactante que ratificó el renacimiento de la banda. La audiencia, encendida desde el primer momento, vibró con una mezcla equilibrada de himnos atemporales y la frescura de su nuevo disco, From Zero.
🇦🇷 Emily Armstrong: Una Nueva Voz con Espíritu Argentino
La noche comenzó con una nota de color y homenaje local: la nueva vocalista, Emily Armstrong, subió al escenario disfrazada, ni más ni menos, que de Diego Armando Maradona, un guiño que encendió aún más el entusiasmo del público. Armstrong demostró ser la elección perfecta para liderar esta nueva etapa: su voz se mostró poderosa, precisa y conmovedora en cada interpretación. A su lado, el cofundador Mike Shinoda volvió a lucir su versatilidad, alternando entre raps, teclados y guitarras, mientras que Phoenix, Joe Hahn y Colin Brittain completaron una formación que se sintió perfectamente cohesionada para este comeback.
🎸 Un Viaje de Clásicos y Novedades
Pasadas las nueve de la noche, el Parque se oscureció y los primeros acordes de «Somewhere I Belong» (Meteora, 2003) encendieron la euforia, seguidos por «Lying From You». La banda sentó inmediatamente las bases de su propuesta: un recorrido completo por toda su discografía y la presentación de su nuevo material. El aire de renovación llegó con «Up From The Bottom», un single de From Zero, seguido por el mega hit «New Divide», que enardeció a todos. Temas nuevos como «The Emptiness Machine» y «Cut the Bridge» fueron coreados con la misma euforia que clásicos como «The Catalyst» y «Burn It Down». La noche fue una montaña rusa de energía: «Castle of Glass» ofreció una pausa introspectiva con una puesta visual envolvente, antes de que «Two Faced» y «Casualty» volvieran a subir los decibeles, con riffs crudos que provocaron pogos interminables entre la audiencia. La intensidad continuó con «One Step Closer» y «Lost», uno de los lanzamientos más comentados de los últimos tiempos. «Good Things Go», otra de las nuevas canciones, sumó una atmósfera distinta, más electrónica, justo antes del estallido total con «What I’ve Done».
🌟 El Cierre Triunfal El tramo final se acercaba con “Overflow”, una pieza hipnótica que fue la antesala perfecta para el himno “Numb”, interpretada con su clásico encore instrumental. Sin dar respiro, la banda encadenó “A Place for My Head” e “In the End”, tras la cual las luces se apagaron en medio de una ovación. Luego de los cánticos de rigor, los bises llegaron con el poder de “Faint” y “Heavy Is the Crown”, consolidando el protagonismo del nuevo material. El broche de oro fue una versión extendida y festiva de “Bleed It Out”, que dejó al Parque de la Ciudad en euforia total. Para el recuerdo, la banda se tomó varios minutos finales para abrazar la bandera argentina y acercar regalos a sus fieles fans, coronando una noche inolvidable.
Descripción: Scott Derrickson regresa al universo de The Black Phone con una secuela tan inquietante como ambiciosa, que mezcla terror psicológico, simbolismo onírico y referencias al horror clásico. Aunque no alcanza el impacto del original, Black Phone 2 logra sostener una atmósfera perturbadora y un par de escenas memorables.
Resumen: Ambientada en 1982, Black Phone 2 sigue a Finney (Mason Thames), marcado por los traumas del pasado, y a su hermana Gwen (Madeleine McGraw), quien ahora toma el protagonismo gracias a sus visiones proféticas. El secuestro de su hermano a manos del temible Grabber —interpretado nuevamente por Ethan Hawke— se convierte en una experiencia donde el miedo trasciende los límites de la realidad. Derrickson transforma al villano en una figura sobrenatural que invade los sueños, creando una historia donde el terror se mezcla con la memoria, la culpa y la redención.
Lo que me gustó: Lo más destacable es la dirección de Scott Derrickson, que vuelve a demostrar su maestría para crear climas opresivos y visuales hipnóticos. La fotografía y el diseño de sonido construyen una atmósfera de pesadilla constante, donde la línea entre sueño y vigilia se diluye con elegancia. Ethan Hawke, sin mostrar nunca su rostro, mantiene intacta la inquietud de su personaje, mientras la joven Madeleine McGraw brilla como eje emocional de la historia. Algunas secuencias oníricas, como la de la cabina telefónica en medio de la nieve o los pasillos llenos de espectros, alcanzan un nivel estético digno del mejor cine de terror de autor.
Lo que no me gustó: La película peca de exceso explicativo. El guion intenta justificar demasiado la naturaleza del Grabber y los elementos sobrenaturales, rompiendo el misterio que hacía tan efectiva la primera entrega. En su afán por expandir la mitología, Black Phone 2 pierde parte de su poder sugestivo. Además, la subtrama religiosa queda a medio camino y la tensión se diluye en varios pasajes que se sienten forzados. Aunque el tono onírico es un acierto, a veces se convierte en una trampa que desconecta emocionalmente al espectador.
A quién se la recomiendo: A los fanáticos del terror psicológico y del cine de Scott Derrickson, que disfrutarán de una propuesta arriesgada y visualmente potente. También a quienes valoran las secuelas que intentan explorar nuevos caminos en lugar de repetir fórmulas. No obstante, quienes busquen una experiencia tan directa y aterradora como la del film original, podrían encontrar esta entrega más introspectiva que perturbadora.
Tras tres años de espera, Chainsaw Man vuelve con una película que no solo expande su universo, sino que lo eleva a nuevas alturas emocionales y visuales. El arco de Reze combina romance, acción desbordante y tragedia en una historia que confirma el enorme potencial de la saga creada por Tatsuki Fujimoto.
Resumen: Ambientada justo después de la primera temporada, Chainsaw Man: El arco de Reze sigue a Denji, el joven cazador de demonios que busca algo tan simple —y tan inalcanzable— como una vida normal. Su deseo de conquistar a Makima se ve interrumpido cuando conoce a Reze, una chica misteriosa que lo hace replantearse todo. Lo que empieza como un romance juvenil pronto se convierte en una historia de traición, violencia y autodescubrimiento. Mientras tanto, Aki Hayakawa continúa su alianza con el Demonio Ángel, y los enemigos en la sombra preparan un plan para apoderarse del corazón de Chainsaw. Lo que parecía una historia de amor se transforma en una montaña rusa de acción y dolor, con explosiones, sangre y caos al más puro estilo MAPPA.
Lo que me gustó: Lo primero que destaca es el ritmo narrativo, mucho más ajustado y orgánico que en la primera temporada. El formato cinematográfico le sienta de maravilla a esta historia: todo fluye sin relleno, con un equilibrio perfecto entre emoción, introspección y brutalidad. MAPPA demuestra nuevamente por qué es uno de los estudios más admirados del anime contemporáneo. La animación alcanza niveles de excelencia —los movimientos son fluidos, los encuadres cinematográficos y las secuencias de combate, simplemente espectaculares—. Las escenas de acción parecen coreografías imposibles, con una cámara que gira, acelera y respira junto a los personajes.
Además, El arco de Reze logra algo difícil: humanizar a Denji. Su historia, más allá del gore o los demonios, refleja la soledad y precariedad de alguien que apenas empieza a entender qué significa vivir. Entre carcajadas, golpes y sangre, Chainsaw Man sigue siendo una tragedia disfrazada de anime de acción. Lo que no me gustó: La película exige conocer la primera temporada, y eso puede alejar a nuevos espectadores. No hay recapitulaciones ni explicaciones: asume que el público ya sabe quién es quién y cómo funciona este mundo. Aunque esa decisión mantiene el ritmo, puede ser un obstáculo para los que llegan por primera vez.
Por otro lado, el tono romántico del inicio puede desconcertar a los fans que esperaban acción inmediata. Sin embargo, ese contraste termina siendo parte del encanto: el filme arranca como un romance juvenil solo para hundirse en la oscuridad más pura.
A quién se la recomiendo: A los fans de Chainsaw Man, sin duda. Pero también a quienes disfrutan de historias donde la violencia y la emoción conviven sin filtros. El arco de Reze demuestra que la franquicia no ha perdido ni su filo ni su alma, y que el formato de película podría ser el futuro ideal para este universo. Un regreso intenso, melancólico y espectacular que deja al público con el corazón roto… y con ganas de más.
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