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METAL GEAR SOLID Δ: SNAKE EATER vuelve a presentar a una nueva generación de jugadores y fanáticos veteranos de la serie para una experiencia de juego inolvidable con inclusiones de accesibilidad mejoradas
• Más juegos especiales desde el lanzamiento, con contenido adicional disponible próximamente
Konami Digital Entertainment, Inc. (KONAMI) anunció que METAL GEAR SOLID Δ: SNAKE EATER está disponible en PlayStation®5, Xbox Series X|S y Steam®. METAL GEAR SOLID Δ: SNAKE EATER, una nueva versión fiel de Metal Gear Solid 3: Snake Eater, que se lanzó originalmente en 2004 para PlayStation®2, presenta a una nueva generación de jugadores, y a los fanáticos de siempre, los orígenes de la saga Metal Gear.
El agente de FOX con nombre en clave “Naked Snake” se infiltra en territorio enemigo para evitar un conflicto nuclear entre superpotencias en plena Guerra Fría. Su misión rápidamente se convierte en una lucha por la supervivencia en un entorno duro e implacable donde Snake debe enfrentar la prueba final. En la nueva versión, aparecen los personajes de voz originales, una rica historia y amplias características de supervivencia en combate evolucionadas con gráficos sin precedentes y sonido envolvente.
El pasado lunes, el Teatro Ítaca nos abrió sus puertas para presenciar una obra teatral fascinante y sumamente interesante: «Incógnito», dirigida por Marcelo Moncarz. Esta pieza es una exploración brillante y vertiginosa de la identidad humana y la naturaleza de la conciencia, un desafío intelectual que deleita y exige al espectador en igual medida.
«Incógnito» entrelaza tres narrativas aparentemente dispares en un tapiz complejo y no lineal. En Princeton, 1955, el doctor Thomas Stoltz Harvey realiza la autopsia de Albert Einstein y roba su cerebro para la ciencia. Paralelamente, en Bath, 1953, Henry se somete a una cirugía cerebral pionera que le cambia la vida y marca un hito en la neurociencia. Finalmente, en el Londres actual, la neuropsicóloga clínica Martha lidia con el colapso de su matrimonio, lo que la impulsa a tomar decisiones radicalmente diferentes. A medida que avanza la obra, estas historias se van conectando, revelando que el cerebro, con su habilidad para construir narrativas, es la clave para entender la ilusión del «yo» y la compleja relación entre memoria e identidad.
Lo que hace que «Incógnito» sea una experiencia teatral tan memorable es la audacia de su puesta en escena. La escenografía, sencilla pero efectiva, presenta un dibujo de un cerebro en el suelo que sirve como mapa de este viaje temporal. La música en vivo, a cargo de Herlene Mattos, es una partitura que se fusiona perfectamente con la obra, en sintonía con cada escena. El diseño de iluminación de Ricardo Sica añade detalle y sensibilidad, realzando la atmósfera de cada momento.
Pero el corazón de la obra son sus intérpretes: Mateo Chiarino, Tom CL, Cecilia Cósero y Anna Fantoni. Cada uno asume múltiples personajes con una plasticidad exquisita, entrando y saliendo de ellos sin preámbulos. Su capacidad para transitar entre las distintas tramas, caracterizando a cada personaje con matices únicos, es lo que permite que el espectador no se pierda en este fascinante laberinto narrativo. Su trabajo es de una profundidad notable, resultado de una elaboración minuciosa de cada rol.
En sus casi dos horas de duración, «Incógnito» es un espectáculo movilizador y pensante que respeta la inteligencia del público, invitándolo a mantenerse concentrado y expectante. La recompensa es un final satisfactorio que une todas las piezas de este complejo rompecabezas. Es una obra de calidad que definitivamente vale la pena ver.
Bob Odenkirk vuelve con más acción, humor negro y adrenalina
Descripción breve: La secuela de Nadie regresa con más violencia estilizada, coreografías espectaculares y un Bob Odenkirk que confirma su lugar como héroe de acción inesperado.
Resumen: En Nadie 2, Hutch Mansell (Bob Odenkirk) intenta dejar atrás la violencia para saldar una deuda y retirarse en paz. Pero durante unas vacaciones familiares en un parque acuático de Plumerville, el pasado lo alcanza y lo obliga a regresar a la acción. Dirigida por Timo Tjahjanto, la película mantiene la esencia de la primera entrega con escenas de acción creativas, humor negro y un ritmo trepidante. Aunque carece del factor sorpresa del original y la trama es sencilla, la incorporación de la familia en la acción y el estilo visual le otorgan frescura a esta secuela.
Lo que me gustó: Lo más destacado es cómo la película logra que toda la familia de Hutch tenga un rol activo en la historia. La esposa, los hijos, su hermano y su padre no son simples espectadores, sino que encuentran en la violencia un canal de liberación de sus tensiones. Esto no solo refuerza la idea de que debajo de la fachada de una familia feliz existe un cúmulo de instintos reprimidos, sino que además le da un giro entretenido y hasta catártico a la trama.
Las coreografías de acción diseñadas por Timo Tjahjanto son otro punto alto: creativas, vertiginosas y con ese toque de humor negro que evita que la violencia resulte solemne. También destaca la banda sonora, que juega de forma ingeniosa con clásicos musicales como contrapunto a los combates, lo que potencia la experiencia visual y sonora. Y, por supuesto, Bob Odenkirk, que una vez más demuestra que puede cargar con el peso de un personaje contradictorio y fascinante: un don nadie que, en realidad, es mucho más.
Lo que no me gustó: Si bien la película cumple con lo prometido, pierde parte de la sorpresa que tuvo la primera entrega. El humor, aunque presente, se siente menos fresco y algunas situaciones parecen más previsibles. También resulta una oportunidad desaprovechada el hecho de no profundizar demasiado en personajes secundarios de lujo como Sharon Stone o Christopher Lloyd, que podrían haber aportado todavía más a la trama. La historia en sí es bastante básica y funciona más como excusa para las secuencias de acción que como un relato sólido por sí mismo.
Recomendado para: Amantes del cine de acción estilizado, fans de Bob Odenkirk y de la primera Nadie, y quienes disfrutan de películas con violencia catártica, humor negro y un estilo visual atractivo. Es ideal para quienes buscan entretenimiento directo, cargado de adrenalina, con una familia que demuestra que bajo la fachada de normalidad se esconden instintos mucho más oscuros.
Hace menos de un mes, el Teatro San Martín tuvo la oportunidad de recibir al grupo catalán »La calórica». El público porteño recibió con abrazos abiertos y con carcajadas la propuesta de la adaptación de »Las aves» de Aristófanes. Anoche, Madrid tuvo la oportunidad de presentar con 4×4, cuatro obras del grupo Ron lalá.
Ron Lalá, compañía madrileña de teatro, humor y música fundada en 1996, regresa a Buenos Aires con una retrospectiva de sus primeros cuatro espectáculos. Con música en vivo, humor crítico y poesía escénica, los “ronlaleros” presentan su inconfundible estilo. Sus productores y creadores son Ron Lalá y Emilia Yagüe.
Juan Cañas, Miguel Magdalena, Diego Morales, Luis Retana y Daniel Rovalher son los actores en escena, los primeros cuatro, miembros originales; además de interpretar, son músicos en escena. El talento y energía es incomparable y el público se dará cuenta apenas se abra el telón.
Con poca utilería y un escenario austero, los actores se las ingenian para desarrollar la narrativa frenética e hilarante que se les propone. Los instrumentos musicales suben el nivel pero los ligeros cambios de vestuario junto al plausible diseño de luces, complementan la puesta en escena,
Cuatro obras al mejor estilo del microteatro interactivo: La primera habla sobre el poder las palabras y las personas capicúas, la segunda relata el fin del mundo, la tercera los últimos minutos de una flor recién cortada y una abeja y la última es una parodia a la España del siglo de oro.
El humor absurdo, las onomatopeyas, rompimiento de la cuarta pared, la improvisación y el clown son los elementos actorales que podemos ver en Ron lalá 4×4. Es una retrospectiva y homenaje al grupo que, a sus casi treinta años, sigue haciendo largar carcajadas a los espectadores y ahora, Buenos Aires es la ciudad que más ríe en Avenida Corrientes.
Buenos Aires tiene mucho del alma de Madrid: Noches interminables, cultura, amigos, fiesta, cenas de casi medianoche y teatro, mucho teatro; por suerte el acento madrileño no es impedimento pues, el porteño también comparte algo de este humor tosco; lo más importante es que el público gozó cada minuto de la obra.
4×4 de Ron lalá, se presentó el 29, 30 y 31 de agosto en la maravillosa sala Casacuberta del Teatro San Martín.
Volvemos con las reseñas y hoy toca hablar de Echoes of the end, que nos llega de la mano de Myrkur Game Studio y que busca colarse en el mundo de los hack ´n lash al más puro estilo God of War en su versión nórdica. Veamos qué tal salió esta ópera prima.
La historia se centra en Ryn, quien, junto a su aprendiz, deben embarcarse en una travesía para salvar lo que queda de un mundo, que pese a desprender magia por todos lados, se está corrompiendo y cayendo a pedazos poco a poco.
Si, la historia no es la gran cosa, y si bien siempre tratamos de ser buenos con todos los estudios, en especial, con aquellos que recién están empezando. Pero Echoes of the end, por desgracia, creo que no llega a destacar en casi ningún apartado. Aunque irónicamente, tampoco es un desastre en los mismos.
Empecemos por los gráficos y todo lo referente al mismo. Echoes of the end fue probado en una PS5, y no lo parece. No queremos decir que a nivel gráfico pareciera de hace dos generaciones, pero lo que sí lo parece, es su sistema de colisiones. Ya se ve feo que en pleno 2025, los personajes se atraviesen entre sí cuando chocan. Esperemos que esto termine siendo arreglado en futuras actualizaciones.
En cuanto al sistema de combate, es bastante básico. Apenas un botón para esquivar, otro para bloquear (y hacer parry), atacar y magia, que, combinado con otros botones, podemos tener diferentes resultados. Y ya. Al menos en gran parte del juego no podemos cambiar de armas, ni subir de nivel la que tenemos. Eso sí, podemos darle comandos a nuestro compañero, todos muy simples.
En lo personal no creo que estemos ante un mal juego, pero si ante uno, que, por desgracia, no destaca en casi nada. Tanto a nivel diseño y jugable, recuerda bastante a otros exponentes del hack´n lash. Lo mejor que podrías decirles, es que se guarden alguna rebaja y ahí sí aprovechen para darle una oportunidad a Echoes of the end.
La historia: Cuenta la leyenda que un arca antigua emergerá de las profundidades y dentro hay mucha maldad pero también muchas riquezas. Detrás de ellas están un fugitivo, un hombre rico con un importante ejército y una pareja de guardianes de la luz. Y en medio de todo eso, un pequeño niño que sólo quiere llamar “papá” a su padre adoptivo. Cuando llega la el arca deciden ir en su búsqueda pero descubren que hay seres que viven en ella y están poseídos por una extraña sustancia. Ambos son alcanzados por este virus y deben consumir un pequeño hongo azul para poder curarse. En ese momento llega el ejército en busca de riquezas y complica todo. ¿Podrán este padre adoptivo y su hijo sobrevivir a todos sus problemas y llevarse alguna riqueza en el camino o terminaran coptados por las fuerzas de la oscuridad? Tendrán que verla para enterarse.
¿Qué me gustó? La película es visualmente interesante, pero es inevitable comparar esta animación China con la animación japonesa, particularmente al estudio Ghibli responsable de películas como Mi vecino Totoro (1988) o El viaje de Chihiro (2001), y realmente no hay punto de comparación posible. Ambas se centran en mundos cotidianos o reconocibles intervenidos por elementos fantásticos, pero ahí terminan las similitudes. El mensaje final de la peli, que refleja que cada momento de oscuridad genera algo de luz que eventualmente se acumulará y equilibrará a la otra fuerza.
¿Qué no me gustó? La traducción no es buena, esta película sólo tiene versión en español, pero a veces se mezcla el audio original (por lo menos esto pasó en la función de prensa), aparte falta agregar sonido ambiente para que uno sienta que está en ese lugar rodeado de naturaleza. El mito en si es interesante pero algo visto, la lucha de la luz y la oscuridad ya fue representado de mil maneras, y esta historia no lo cuenta de una forma particularmente atractiva, ni siquiera está tan bien relatada para que la entiendan bien los más pequeños.
¿A quién recomiendo ir a ver esta peli? A los que disfruten del anime y quieran ver las diferencias con la animación China. Quizás para chicos también sea una linda historia pero tienen que tener en cuenta que se toma sus tiempos para hacer las cosas, no apta para ansiosos, y que no tiene la misma calidad que otras producciones que apuntan al mismo público.
Calificación: 6/10 Duración: 102 minutos Disponible 28 de agosto en cines
A veces la vida te lleva a jugar aunque te hayas quedado en el banco de suplentes.
La historia: Hank, interpretado por Austin Butler, es un ex jugador de beisbol devenido en barman que tiene una vida bastante tranquila, a diferencia de su vecino Russ que es un punk bien británico que debe viajar a su tierra natal de urgencia y le deja su gato a su cuidado.
Hank no estaba muy de acuerdo con eso, pero su novia Yvonne, interpetada por Zoe Kravitz, lo convence de cuidarlo, quizás con la idea de que se vuelva algo más responsable. Cosa que no sale bien cuando un grupo de mafiosos van a buscar a Russ para que pague una gran deuda y no se convencen de que Hank no sabe nada del tema. ¿Podrá este ex beisbolista salir vivo de este lio o se convertirá en un daño colateral? Habrá que verla para averiguarlo.
¿Qué me gustó? El personaje principal es interesantes y está bien construido, no se puede decir lo mismo de los personajes secundarios, más abajo desarrollo. Las referencias o los puntos de contacto entre la trama y el béisbol son interesantes y le dan cierta originalidad al film, tanto a nivel argumental como visualmente. Aunque hay que entender un poco este deporte para entender todas las referencias.
¿Qué no me gustó? Se siente un poco larga hacia el final, quizás se pudo haber reducido algunos minutos. Los personajes secundarios están muy bien interpretados por buenos actores, pero los personajes en si son funcionales a la trama, bastante estereotipados y sin mayor profundidad. Tiene que ver con el género pero los podrían haber desarrollado un poco más.
¿A quién recomiendo ir a ver esta peli? A los fans de los policiales, especialmente de los que hacia Guy Ritchie a fines de los noventas (Snatch, 2000 y Juegos, trampas y dos pistolas humeantes, 1998), casualmente en la época en que se desarrolla esta ficción. No es una copia exacta por supuesto, pero algo de los personajes extravagantes y el estilo visual hace rememorar a esas películas.
Calificación: 7/10 Duración: 107 minutos Disponible 28 de agosto en cines
Dicen que todo vale en la guerra y el amor, pero tampoco hay que abusar.
La historia: La pareja perfecta no existe, pero los Roses lo aparentan bastante. Theo, interpretado por Benedict Cumberbatch, es un gran arquitecto que lleva sus sueños a la realidad, mientras que su esposa Ivy, Olivia Colman, hace maravillas en la cocina para que se deleiten sus escasos clientes. Pero todo cambia una noche de tormenta cuando un osado diseño de este arquitecto colapsa, mientas que el pequeño restaurante de Ivy se llena por el temporal y una importante crítica le da una reseña muy favorable. Pronto la carrera de esta cocinera se vuelve muy exitosa y nadie quiere contratar a Theo que se queda en casa cuidando a los chicos. Lo que genera celos y problemas entre ambos. ¿Podrá esta pareja resolver sus diferencias pacíficamente o terminaran de la peor manera? Por supuesto que esto ya lo podemos intuir del trailer, pero la verdadera pregunta es ¿Vale la pena esta nueva versión o mejor nos quedamos con la versión original de 1989? Eso lo vemos debajo.
¿Qué me gustó? La pareja protagónica, realmente no les tenía tanta fe en la comedia pero lo que les puede faltar en erotismo lo ganan en ingenio e ironía bien inglesa. Es interesante el planteo que hace sobre la vida matrimonial, no sólo a través de la pareja protagónica, sino también con los personajes secundarios que funcionan como la representación de otros tipos de matrimonios. Un buen disparador para tener una buena discusión después de la peli sobre qué pareja quieren ser.
¿Qué no me gustó? La violencia física en la película aparece más hacia el final, a diferencia de la original, lo que hace el final algo abrupto y no justificado, a diferencia de la versión de 1989.
¿A quién recomiendo ir a ver esta peli? Creo que es una película especial para las parejas. Las de mucho tiempo y las que están hace poquito, para que vean lo que les espera. ¿Podría ser para una primera cita? Tal vez. Claramente la película muestra es extremo de a dónde se puede llegar, pero la base de los conflictos es bastante real. Una linda película para ver con tu pareja y después analizarla con una porción de pizza de por medio.
Calificación: 8/10 Duración: 105 minutos Disponible 28 de agosto en cines
El relanzamiento de los icónicos Heretic y Hexen en consolas actuales, cortesía de Nightdive Studios, es un deleite para los aficionados a los shooters retro. Este paquete, que llega tres décadas después del debut de los originales, no solo hace que estos clásicos estén más accesibles que nunca, sino que los presenta en su versión definitiva.
Nightdive Studios, con su ya reconocida experiencia en la actualización de juegos de esta época, ha remasterizado ambos títulos de forma casi perfecta. El resultado es un paquete robusto que incluye los dos juegos originales, la expansión Deathkings of the Dark Citadel para Hexen, dos expansiones nuevas (Heretic: Faith Renewed y Hexen: Vestiges of Grandeur), una banda sonora totalmente nueva compuesta por Andrew Hulshult y un museo con material de desarrollo inédito. Además, se han añadido funciones modernas como multijugador en línea y opciones de reequilibrio de la jugabilidad que se pueden activar o desactivar al gusto del jugador.
Un viaje a un mundo de fantasía oscura Heretic, el más antiguo de los dos, se siente como una versión fantástica de Doom, manteniendo la acción trepidante del clásico de id Software, pero con un arsenal de espadas, varitas y ballestas. Este juego de disparos en primera persona (FPS) de ritmo rápido ofrece una serie de niveles sencillos y directos. Por otro lado, Hexen intenta una experiencia más orientada al RPG, con un mundo central que conecta los mapas, lo que le da un ritmo más lento y un mayor énfasis en la exploración. Si bien este enfoque puede resultar frustrante por su diseño de laberintos, que a veces se siente más como una búsqueda interminable que un desafío, los puristas pueden disfrutar de esta versión de los 90.
Una de las adiciones más notables de este relanzamiento es la nueva expansión de Heretic, Faith Renewed, que destaca por sus emocionantes escenarios de combate y su diseño de niveles inteligentemente laberíntico. Esto, junto con los ajustes de accesibilidad —como marcadores de objetivos opcionales en el mapa y un reequilibrio de armas y enemigos—, hace que la experiencia sea más fluida sin traicionar los originales. Lo bueno, lo no tan bueno y el veredicto final El trabajo de Nightdive es, en su mayoría, impecable. La remasterización eleva la resolución manteniendo la esencia visual de la «pixel block-o-vision», y la banda sonora de Andrew Hulshult es una excelente remezcla de las melodías originales, aunque no alcanza el nivel de la memorable música de Doom. También se han incluido las escenas de corte originales de la versión de PlayStation de Hexen, que han sido mejoradas y limpiadas. El único punto débil de esta colección es la interfaz de usuario. Las opciones disponibles, una completamente nueva y otra basada en las fuentes originales, se sienten de baja calidad y desentonan con la pulcritud del resto de la remasterización. Sin embargo, este es un problema menor en un paquete que, por lo demás, es excepcional.
En resumen, Heretic + Hexen es un lanzamiento muy recomendable, especialmente para los usuarios que aprecian los juegos retro. Heretic por sí solo es motivo suficiente para la compra, y la gran cantidad de contenido adicional y mejoras hacen de este relanzamiento la forma definitiva de disfrutar de estos clásicos.
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