La Butaca Web. El sitio de difusión de arte y cultura de Buenos Aires y España Reseñas, noticias, críticas en video y mucho más. Visitanos en www.labutacaweb.com ó en alguna de nuestras plataformas. Contacto labutacawebar@gmail.com
The Amy Winehouse Band, la banda original de Amy Winehouse, liderada por su director musical, bajista e íntimo amigo, Dale Davis, llega por primera vez al país con un espectáculo excepcional y único.
El concierto es una celebración de su música, manteniendo vivo su espíritu, su legado y el sonido de una era marcada por la voz inconfundible de Amy. Con la vocalista Bronte Shandé y con imágenes en pantalla y metraje único, el show se ha convertido en una experiencia inolvidable para el público de todas las edades, con entradas agotadas en el Reino Unido y Europa. Este año llega a Sudamérica y se embarcará en una gira por Estados Unidos.
Amy Winehouse fue la mejor voz femenina que haya surgido del Reino Unido, un tesoro nacional y para muchos la mejor artista de su generación, extrañada por todos los que la amaban a ella y a su música.
The Amy Winehouse Band es un viaje alegre y emotivo que celebra el increíble cancionero de Amy con los músicos y la banda que mejor la conocieron, que estuvieron junto a ella en los escenarios de todo el mundo y ayudaron a crear su sonido atemporal, tanto en vivo como en el estudio.
El repertorio incluye todos los éxitos y obras maestras de Amy, de los álbumes ganadores de múltiples premios, Back To Black, Frank and Lioness… ‘Rehab’, ‘Valerie’, ‘Back To Black’, ‘Love Is A Losing Game’, ‘Tears Dry On Their Own’, ‘I’m No Good’ y muchos más.
DOMINGO 11 DE MAYO, 19HS
TEATRO VORTERIX entradas a la venta únicamente en allaccess.com.ar
Universal+ anuncia el estreno en Latinoamérica, el 9 de mayo, de la segunda temporada de Poker Face, la serie de comedia, misterio y asesinatos creada, escrita, dirigida y producida por el cineasta nominado al Oscar® Rian Johnson (Knives Out, Glass Onion).
Este esperado regreso consta de 12 episodios en los que la intrépida detective Charlie Cale interpretada por Natasha Lyonne (Orange Is the New Black) vuelve a subirse a su Plymouth Barracuda para recorrer Estados Unidos y resolver crímenes en los lugares menos pensados. “Este es un lote de episodios realmente especial; estoy emocionado por verlos en sus televisores», adelantó Rian Johnson sobre la anticipada segunda temporada que tuvo una presentación especial en el Paley Fest, el reconocido festival en el que se brindaron detalles de la vuelta a la pantalla de una de las comedias murder mystery más aclamadas por la crítica y el público.
“La idea no era desarrollar una mitología más grande ni ver cómo Charlie profundizaba en su arco argumental”, explicó Johnson durante el panel del PaleyFest en el Dolby Theatre. “La idea era simplemente: ‘Hagamos episodios realmente geniales y probemos algo diferente en cada uno’. Así que cada vez que aparecen los créditos al principio, el espectador no sabe qué va a encontrar”. Además, el creador de la serie reveló que Poker Face vuelve con historias más intensas que pondrán a prueba a Charlie: “Nos divertimos muchísimo haciendo la primera temporada. Siento que en la segunda, lo principal que quería era repetir lo que hicimos en la primera, pero con más intensidad”.
LAS PELÍCULAS QUE SIRVIERON DE INSPIRACION Y LOS INESPERADOS LUGARES DONDE CHARLIE (NATASHA LYONNE) RESUELVE CRÍMENES: LOS DATOS MÁS JUGOSOS DE LA SEGUNDA TEMPORADA DE POKER FACE
El cine, fuente inagotable de referencias. Según explicaron Rian Johnson y Natasha Lyonne, esta segunda temporada tiene muchísimas influencias de importantes cineastas, pero también está anclada en el mundo televisivo del que forma parte. “Para dar vida a la segunda temporada, nos inspiramos visualmente en el cine estadounidense de los 70, con personajes que nos encantan, como Robert Altman, Bob Rafelson y Peter Bogdanovich. Pero la base de esta serie es la televisión: la que vimos de pequeños, con episodios de la semana como Columbo, The Rockford Files y Quantum Leap”, revelaron, asegurando que cada capítulo es “como una mini película con su único tono, vibra y rockstars”, en alusión a las estrellas secundarias.
Nuevos crímenes, nuevos escenarios. En esta segunda temporada, Charlie Cale se ha echado nuevamente la fuga. “Llevamos la historia a otro nivel, un misterio de asesinato a la vez”, contó Lyonne. Desde las ligas menores de béisbol hasta las grandes superficies, desde funerarias hasta granjas de caimanes e incluso un concurso de talentos de primaria, Charlie navega en su viaje existencial por la resolución de crímenes con ingenio, empatía humana y su característica y asombrosa capacidad para detectar mentiras.
Natasha Lyonne, delante y detrás de cámara. La actriz vuelve a dirigir un episodio de Poker Face en este regreso. Así cómo lo hizo en la primera temporada con el brillante “The Orpheus Syndrome”, en esta ocasión lo hace con el segundo capítulo, coescrito por ella misma junto a Alice Ju (Russian Doll). Además, Rian Johnson dirige el primer episodio con guion de Laura Deeley (Ozark, The Crown). “Nunca había visto a Rian tan en su salsa”, adelantó Lyonne en PaleyFest. “Diría que el episodio que dirigió, ‘The Game is a Foot’, es posiblemente lo más Rian Johnson que haya hecho jamás. Tenía 87 pantallas dentro de otras pantallas para descifrar cómo funcionaría todo el juego y el truco de magia. Fue increíble».
En la segunda temporada volvemos a ver numerosas figuras invitadas con reveladores roles, como Cynthia Erivo (Wicked), Giancarlo Esposito (Breaking Bad, Better Call Saul, Parish), Katie Holmes (Dawson’s Creek, Batman Begins, Ray Donovan), Kumail Nanjiani (Welcome to Chippendales, Only Murders in the Building), John Mulaney (Saturday Night Live), Awkwafina (The Farewell, Ocean’s 8), Melanie Lynskey (The Last of Us, Yellowjackets), Cliff “Method Man” Smith (The Wire), y Taylor Schilling, quien se reencuentra con Lyonne en esta comedia luego de haber trabajado juntas en pantalla en Orange is the New Black. Asimismo, también forman parte de la Segunda entrega Haley Joel Osment (The Sixth Sense), Gaby Hoffmann (Transparent, Eric), Justin Theroux (The Leftovers, Running Point), y Simon Rex (Red Rocket).
Poker Face recibió múltiples nominaciones a los premios Emmy®, incluyendo Mejor Diseño de Vestuario, Mejor Actriz Invitada en una Serie de Comedia (Judith Light) y Mejor Actriz en una Serie de Comedia para Natasha Lyonne.
El showrunner Tony Tost es el productor ejecutivo de la segunda temporada junto con el creador, guionista, director y productor ejecutivo Rian Johnson, Natasha Lyonne, Ram Bergman, Nena Rodrigue, Adam Arkin, Nora Zuckerman y Lilla Zuckerman. Poker Face es la primera serie de televisión de Johnson y Bergman de T-Street y está producida por MRC, junto con Natasha Lyonne, bajo su sello de producción Animal Pictures.
Poker Face está disponible en Universal Premiere, uno de los canales lineales que integran el paquete de canales llamado Universal+ que incluye Universal Premiere, Universal Cinema, Universal Crime, Universal Comedy y Universal Reality.
«Infierno en el pantano» es una película que se presenta con una premisa sencilla en la que un grupo de náufragos aéreos debe luchar por su supervivencia en un humedal infestado de cocodrilos letales. La película introduce un elemento adicional que busca justificar la agresividad inusual de los depredadores: una contaminación del río producto de una redada antidrogas. Esta excusa argumental establece que los cocodrilos no solo atacan por instinto, sino por una sed de sangre.
Sin embargo, este potencial se ve rápidamente empañado por una caracterización de personajes que roza la parodia. El texto describe acertadamente un desfile de estereotipos andantes: el piloto alcohólico redimido por el instinto de supervivencia, la joven traumatizada convertida en experta en supervivencia, la chica insoportable cuyo destino fatal todos deseamos, y el ejecutivo obsesionado con su teléfono móvil. En resumen, personajes planos y predecibles. Sus diálogos son ridículos y no hacen más que acentuar la superficialidad de la narrativa.
No obstante, el film rescata un aspecto positivo: la efectividad de los sustos. A pesar de sus carencias narrativas y de personajes, «Infierno en el pantano» logra generar momentos de tensión y sobresalto gracias a la imprevisibilidad de los ataques de los cocodrilos, con escenas de muerte inesperadas que cumplen su función de mantener al espectador, al menos parcialmente, enganchado.
En definitiva, «Infierno en el pantano» es una película fallida en muchos aspectos, principalmente en su desarrollo de personajes y diálogos. Sin embargo, su capacidad para generar sustos y sus momentos involuntariamente cómicos le otorgan un valor de entretenimiento básico. La ambientación del humedal cumple su cometido, pero la recomendación final es clara: si tienes la oportunidad de evitarla, hazlo. No obstante, si te encuentras atrapado en una sala de cine proyectando esta película, puedes estar tranquilo de que, al menos, no te aburrirás hasta el punto de quedarte dormido.
«La desgracia» se erige como un brillante exponente del talento musical que florece en Buenos Aires, demostrando la capacidad local para crear adaptaciones de musicales con la calidad de Broadway y que ya se encuentra en su octava temporada. Esta obra se destaca por su audaz propuesta narrativa: una historia que, si bien absurda, se convierte en el vehículo perfecto para desatar una explosión de números musicales ingeniosos y divertidos, todo bajo una dirección meticulosa y con un elenco actoral que deslumbra.
La trama nos sumerge en el peculiar pueblo de Terranova, asediado por una misteriosa enfermedad de transmisión sexual bautizada como «La desgracia». En una sociedad conservadora y religiosa, esta dolencia se convierte en un estigma, una condena para quienes sucumben al «pecado» carnal. El punto de inflexión llega cuando la hija de la intendenta contrae esta desgracia, desencadenando un viaje de rebeldía, confinamiento junto a un grupo de moribundas excéntricas en el hospital local y una serie de situaciones disparatadas.
La narración se articula a través de Nora, la enfermera del pueblo, personificada con aires de diva y una ética profesional cuestionable. La incorporación de Ángel Hernández en este papel para esta octava temporada se revela como un golpe de genio. Su Nora se adueña del escenario, cautivando al público con una presencia imponente y una voz excepcional que da vida a esta enfermera tan peculiar. Patricio Wittis también sobresale como el doctor, un personaje que irradia atractivo y que tiene la oportunidad de lucir su amplio registro vocal en la festiva canción «La cura». Mariel Percossi y Andrea Lovera encarnan a madre e hija, respectivamente, impulsando el conflicto central de la obra y regalando momentos de gran intensidad dramática. Merece una mención especial Georgina Tirotta, quien en su penúltima función dejó una huella imborrable con su interpretación de una de las enfermas, un personaje de personalidad arrolladora y hasta psicótica que genera carcajadas en el público
La dirección de la obra se distingue por su atención al detalle y su valentía al fusionar géneros diversos. Se incorporan elementos de tap y pasajes de tango para ilustrar el romance idealizado de Nora con el doctor, y la escena festiva en la iglesia no escapa a una sátira mordaz y efectiva.
En definitiva, «La desgracia» se presenta como el gran musical argentino que actualmente decora la cartelera porteña. Más allá de su trama alocada que garantiza las risas del público, la producción rebosa talento en cada uno de sus aspectos, desde las interpretaciones actorales y la destreza de los músicos hasta la impecable puesta en escena que asegura una experiencia teatral memorable.
Estar en regla con los impuestos parece requerir más habilidades de las que pensábamos.
La historia: Tras el asesinato de Ray King el contador Christian Wolff, interpretado por Ben Affleck, es contactado por la directora Medina para que lo ayude a resolver el caso que Ray estaba investigando por su cuenta tratando de dar con el paradero de un chico de 13 años. Para esto, nuestro mago de los números solicita la ayuda de su hermano Braxton, interpretado por Jon Bernthal, cuyos métodos son bastante controversiales para la agente Medina. Gracias a esta combinación de talentos “no tradicionales” y pasar por alto algunas reglas, logran dar con una red de trata que tenía al chico pero que está fuertemente custodiada. ¿Lograrán rescatar al muchacho y salir con vida, o este será el último asiento contable que hagan? Hay que verla para enterarse.
¿Qué me gustó? Esa combinación de humor, policial y acción sigue funcionando. Esta vez está un poco más centrados en el humor, especialmente en la primer parte. Esta entrega le da mucho más espacio a la relación entre hermanos que en la primera película sólo aparecía al final. La contraposición entre estos dos funciona muy bien pasando de la comedia a las charlas profundas de forma muy orgánica. Lo que más me sorprendió fueron los dotes cómicos de ambos, hasta algunos pasajes por momentos parecen “la pareja dispareja”. Me gusta lo que hizo con su tiempo y recursos el personaje de Christian entre el final de la primera película y la segunda. No les voy a adelantar nada, véanlo ustedes, pero parece que tomo prestada alguna idea de los “x men”.
¿Qué no me gustó? Es bastante extensa y hay algunas escenas que podrían haber cortado sin perdernos nada importante, pero en general no se siente una película larga. Lamentablemente no volvemos a ver el personaje de Dana ni siquiera como un cameo, interpretado por Anna Kendrick, que conocimos en la primera entrega.
¿Aporta algo nuevo al género? Esta franquicia combina varios géneros, en especial el thriller, la comedia y la acción. En este caso cada género domina claramente un acto de la película: el primer acto domina la comedia, luego el thriller o policial y finalmente la acción. Me parece un buen merge que en este caso funciona bien.
¿A quién recomiendo ir a ver esta peli? A los que les gustó la primer peli, no van a salir decepcionados, incluso en algunos aspectos esta entrega es superior. A los que no la vieron y les gustan las películas de acción al estilo de John Wick (2014) o El Justiciero (2014), no se la pueden perder pero por supuesto empiecen por la primera.
Disponible el 24 de abril en cines Calificación: 8/10 Duración: 132 minutos
Para otras opiniones sobre cine y algún que otro cuentito seguirme en Instagram @cronicadeunavidacualquiera.
SlavicPunk: Oldtimer, desarrollado por Red Square Games, nos sumerge en un mundo cyberpunk basado en las obras del escritor polaco Michał Gołkowsk. Red Square Games, un estudio con sede en Cracovia, Polonia, ha expandido su experiencia desde proyectos para otras empresas hasta la creación de juegos de mesa y RPG.
El juego hereda la atmósfera sombría y opresiva característica del estilo de Michał Gołkowsk, conocido por sus mundos distópicos y post-apocalípticos que fusionan ciencia ficción y fantasía oscura. En SlavicPunk: Oldtimer, seguimos a Yanus, un detective privado con un pasado turbulento, mientras investiga un robo de datos en una ciudad decadente. A lo largo de su viaje, Yanus se enfrenta a sus demonios internos, pandillas urbanas y una corporación todopoderosa. Sin embargo, la narrativa, a pesar de tener una base sólida, carece de claridad y puede resultar confusa en ocasiones.
Visualmente, SlavicPunk: Oldtimer presenta una perspectiva isométrica al estilo Diablo, con una vista cenital clásica. Los entornos son detallados y variados, mostrando calles bulliciosas, pasajes subterráneos peligrosos, edificios abandonados y zonas comerciales en ruinas. No obstante, los efectos de iluminación, las texturas y las sombras carecen de realismo, lo que afecta la inmersión en la atmósfera del juego.
SlavicPunk: Oldtimer es un Twin-Stick Shooter que ofrece un sistema de control bien implementado y divertido. Los jugadores avanzan por los escenarios eliminando enemigos, pero el juego se aleja del típico «looteo» del género. En cambio, solo se pueden recoger consumibles de vida, dinero e inyecciones para ralentizar el tiempo. El arsenal es limitado y las mejoras se obtienen en las tiendas a cambio de dinero. La ausencia de armaduras, equipamiento y un árbol de talentos restringe la jugabilidad. Por otro lado, el sistema de combate es uno de los puntos fuertes del juego. Los jugadores pueden usar rifles, revólveres y escopetas, además de aprovechar los objetos del entorno como cobertura. Un sistema de teletransporte corto añade dinamismo a los enfrentamientos.
SlavicPunk: Oldtimer combina una historia interesante con una narrativa que no termina de cuajar. La jugabilidad, aunque adictiva al principio, se vuelve repetitiva con el tiempo debido a la falta de profundidad en el sistema de progresión. Algunos errores técnicos, como los puntos de guardado, también afectan la experiencia general. A pesar de sus fallos, SlavicPunk: Oldtimer ofrece un diseño artístico atractivo y una ambientación lograda.
«Loco Motive» entra por los ojos gracias a su peculiar y atractivo pixel art. Si bien la estética retro domina escenarios y personajes, el juego se permite ciertas licencias modernas en menús e iconos, creando un contraste interesante. El estilo colorido y estilizado, con una marcada influencia art decó en la ambientación del tren de los años 30, es un auténtico deleite visual. Sin embargo, los personajes redondeados y de corte cartoon, con sus movimientos exagerados y cómicos – como el divertido efecto elástico al usar el inventario – le otorgan una personalidad juguetona y distintiva.
A pesar de la premisa de resolver el asesinato de Lady Unterwald, «Loco Motive» abraza un enfoque humorístico que recuerda, en espíritu más que en forma, a clásicos como «Monkey Island». Los personajes estereotípicos llevados al extremo, las soluciones de puzles alocadas y, sobre todo, los diálogos y situaciones hilarantes garantizan más de una sonrisa, e incluso alguna carcajada. El juego destila una personalidad propia y bien definida. En cuanto a la jugabilidad, «Loco Motive» se adhiere a controles clásicos de point-and-click, utilizando ambos botones del ratón para interactuar y obtener información. Se agradece la opción de resaltar los puntos de interacción cercanos, facilitando la exploración sin hacerla demasiado obvia. El inventario ilimitado es un estándar del género, donde acumularemos objetos cuyo uso futuro es, a menudo, una incógnita.
Una característica destacable es su duración considerable, alrededor de quince horas, algo inusual en este tipo de aventuras. Esto se justifica por la mecánica de controlar a tres personajes distintos: Arthur, el abogado; Herman, el detective; y Diana, cuya identidad y rol se desvelan progresivamente. Experimentar la trama desde sus diferentes perspectivas y situaciones añade profundidad a la narrativa. La mayor parte de la acción transcurre en el lujoso tren Reuss Express, el escenario principal del misterio. Aunque se echa en falta un sistema de viaje rápido entre vagones, la posibilidad de correr (con una animación cómica) alivia un poco los desplazamientos. El teléfono de a bordo se presenta como una ayuda integrada y bien diseñada, ofreciendo pistas con diferentes niveles de detalle sin interrumpir la inmersión. Sin embargo, su exclusividad al tren puede ser un inconveniente en las escasas ocasiones en las que nos movemos fuera de él, especialmente considerando que los puzles priorizan la originalidad y el humor sobre la lógica pura, lo que puede llevar a algún que otro atasco.
Un punto a tener en cuenta es la ausencia de traducción al español, lo que podría limitar la experiencia para algunos jugadores, aunque el inglés utilizado no parece excesivamente complejo. A su favor, el juego cuenta con un excelente doblaje en inglés que potencia el humor y la caracterización de los personajes. La banda sonora, con melodías de jazz acordes a la época, y los cuidadosos efectos de sonido – incluyendo sonidos únicos para cada objeto del inventario – son detalles que enriquecen la atmósfera del juego.
En resumen, «Loco Motive» se presenta como una divertida y original aventura gráfica que combina un atractivo estilo visual pixel art con un humor inteligente y situaciones disparatadas. Su duración, impulsada por la perspectiva de tres personajes, y su cuidada ambientación sonora son puntos fuertes, aunque la ausencia de traducción al español y la naturaleza a veces ilógica de sus puzles podrían ser un pequeño obstáculo para algunos jugadores. Si buscas una experiencia point-and-click con una fuerte personalidad y muchas risas, «Loco Motive» podría ser tu próximo destino.
Hace unos años, «Mamá está más chiquita» conquistó al público en el Teatro La Comedia con su propuesta original y emotiva. Ahora, este encantador musical ha regresado a la vibrante calle Corrientes, instalándose en el Teatro Metropolitan para seguir tocando los corazones del público.
La obra nos sumerge en una historia dolorosa, la pérdida progresiva de un ser querido. Sin embargo, lejos de caer en el dramatismo puro, la narrativa se eleva gracias a la mirada inocente de Diego, uno de los personajes centrales. Esta persona, ante la enfermedad incurable de su madre, construye una peculiar fantasía, que ve en ella una «maldición» que la encoge día a día hasta desaparecer.
En el corazón de la trama encontramos a Diego, cuya necesidad de cuidados especiales por parte de su madre genera un sentimiento de abandono en su hermana. A través de los ojos de estos dos hermanos, somos testigos de la complejidad de la situación familiar. Mientras Diego se refugia en su mundo de fantasía, su hermana lidia con el resentimiento y, a medida que avanza la historia, experimenta una notable maduración.
La propuesta de «Mamá está más chiquita» es un crisol de emociones. La obra teje con habilidad momentos de comedia que alivian la tensión, pero no teme adentrarse en el drama profundo, llegando incluso a conmover hasta las lágrimas. La fantasía, lejos de ser un mero recurso, se entrelaza con la realidad de una manera poética y significativa.
La música juega un papel fundamental en la obra, con números musicales que enriquecen la narración. Canciones como la ocurrente y divertida «Tenés que elegir a mamá» y la emotiva «Llorar no arregla nada» (cuyo impacto resuena a lo largo de la historia) son solo una muestra del talento musical presente en la obra. (¡Un detalle importante, toda la música está disponible en Spotify!).
En cuanto a las actuaciones, el elenco en su totalidad brilla con intensidad. Sin embargo, es imprescindible destacar las interpretaciones de Tomas Wicz y Deborah Turza, quienes encarnan personajes clave para la esencia misma de la historia, aportando profundidad y autenticidad a sus roles.
En conclusión, «Mamá está más chiquita» es mucho más que un musical; es una experiencia teatral conmovedora y multifacética. Nos lleva de la risa a la tristeza, nos invita a reflexionar sobre la pérdida y la inocencia, y nos mantiene cautivados con su originalidad. Para aquellos que aún no han tenido la oportunidad de verla, me atrevo a decir que es uno de los musicales argentinos más valiosos y memorables de los últimos años.
Escrita y dirigida por Ignacio Sánchez Mestre, nos invita a reflexionar sobre la perdida de un ser querido,con maestría y un abanico de sentimientos, evitando golpes bajos; con buenas dosis de humor negro, transitamos esa despedida que no solo tiene que ser dolorosa, pero siempre parece necesaria, cuesta soltar y no intentar retener un poco mas algo que nos recuerde su presencia.
¿Que significa ser familia? Un conjunto de gente muy diferente con proyectos personales; pero con una historia en común que mas allá de los sentimientos que los liguen, los unifica y entrelaza. Si bien el tema de las familias disfuncionales esta bastante tratado en el teatro argentino, aquí se logra sumar una nueva propuesta, con una mirada distinta y que vale la pena considerar.
Nos sumerge en un mundo onírico con ritmo,humor y mucho sentimiento. El juego teatral nos permite ver al muerto participar de una reunión familiar en su honor, mientras ellos por supuesto que no, reformulando todo y creando momentos desopilantes. Un elenco (Mara Bestelli, Walter Jakob, Daniela Korovsky, Maria Pilar Mestre, Andy Pruss, Monica Raiola, Sofía Saborido) solido y con mucha química, se acoplan como familia a la perfección, con mas o menos oficio,todos resuelven con naturalidad y redondean trabajos de alto nivel. Un vestuario que suma y mucho de Lara Sol Gaudini y una escenografía que acompaña y sugiere de manera ideal.
Súper recomendable, la magia del teatro en todo su esplendor,no se la pierdan. Martes a las 20hs.en EL GALPÓN DE GUEVARA (Guevara 326 C.A.B.A)
Por @soynancybenegas Actor, productor, director y sin dudas, una de las figuras que ha cambiado la forma de crear contenido para la televisión. Adrián Suar celebra el éxito de su segunda película Mazel Tov, luego de su destacado trabajo en “30 noches con mi ex”. La Butaca Web tuvo la oportunidad de entrevistarlo y conocer más sobre su mirada, su trabajo y los desafíos detrás de este proyecto.
Amable y carismático, responde mirando a los ojos con un tono de voz suave. Comienza diciendo que si bien Mazel Tov tiene cosas en común con su vida no es autobiográfica. Nos contó que priorizo en todo momento contar el valor de los vínculos familiares, a través de una historia que pueda, además de entretener, movilizar a quienes la ven. Pero ¿qué significa Mazel Tov? Es una expresión en hebreo que quiere decir buena suerte o felicidades. Se usa especialmente para celebrar momentos felices como casamientos, nacimientos o logros importantes. “Es un título que pensé mucho, de hecho, no iba a llamar así. Era difícil porque no todo el mundo sabe lo que significa y es difícil pronunciarlo; pero siento que el nombre le queda bien a una película que retrata los eventos de la vida cotidianas que atraviesan las familias. El nacimiento, el casamiento, la muerte y la herencia son cuatro rituales que pueden ser judíos, católicos, italianos, situaciones de la vida que van más allá de la religión de cada uno.”
Expresó amable “La intención que tuvimos es que la gente pase por muchas emociones, que rían, que se sientan identificadas. Tiene una temática muy popular, Mazel Tov es una película muy Argentina”. Pablo Solarz es el guionista de Mazel Tov y trabaja con Suar hace muchos años. Nos contó que, a lo largo de este tiempo compartido, se han hecho amigos y lograron una gran química laboral. “Nos entendemos muy bien, nos respetamos, estamos en un buen punto creativo con Pablo, un muy buen punto”. Sobre su futuro nos comentó: “Me veo en la tele gestionando una ficción. Son difíciles los costos, es difícil financiarlo, sale muy caro hacerlo. No se dan las condiciones para generar lo que se generaba, pero vamos a ver cómo se puede articular para poder producir de nuevo.”
Asegura que se lleva bien con la crítica en general, aunque admite que le afecta cuando los comentarios vienen con malas intenciones. Con el tiempo aprendió a distinguir entre una opinión sincera y una que quiere lastimar. Por más trayectoria que tenga, reconoce que aún se siente nervioso frente a los estrenos y que la intuición de que algo funcione siempre prima sobre la experiencia. “No he perdió el impacto de seguir estando curioso por las cosas. Curioso de aprender de ver que está bien, que está mal. Lo digo genuinamente, no es una pose sigo estando curioso. Tengo mucha experiencia, soy un médico que ya opero mucho, pero me gusta seguir aprendiendo”. Cerramos la entrevista preguntándole con quien le gustaría trabajar que no lo ha hecho hasta el momento, para alegría de los presentes aseguró “me gustaría hacer una película con Darin. Me debo una película con Ricardo.
Mazel Tov se estrenó el 17 de este mes con gran éxito. La película aborda la relación de cuatro hermanos que ante la muerte de su padre deben resolver viejos conflictos y secretos que salen a la luz, llevando a toda la familia a enfrentar secretos de su pasado. Una gran trama, muy bien contada. Como él mismos aseguró “es una historia con la que todos podemos identificarnos”.
La Butaca Web 