Reseña: “Sugar”, en el Teatro Lola Membrives .

Hemos tenido el placer de ir al teatro Lola Membrives y disfrutar de la obra Sugar, que ha estrenado el año pasado con mucho éxito, teniendo a Susana Giménez en la producción y con las actuaciones de Griselda Siciliani, Federico D’elia y Nicolás Cabré. Desde hace poco , el rol de Sugar lo ocupa “Laurita” Fernández, una grata sorpresa que se une a una comedia desopilante y con un gran nivel del producción.


La historia está ubicada en Chicago en 1929, durante el periodo de la ley seca norteamericana, cuando dos músicos se ven obligados a dejar la ciudad después de ser testigos de un enfrentamiento entre dos bandas de gángsters

Es imposible no quedarse encantado con el nivel de producción que existe desde un principio, que va desde lo escenográfico, los vestuarios y el notable ensamble con que la obra cuenta y eso solo es el inicio. La historia es bastante simple pero resulta efectiva en cuanto al espectáculo que se quiere montar , por un lado una comedia de tono absurdo y por el otro un show lleno de música y glamour. Aunque la obra se llame Sugar , el protagonismo le sigue a dos hombres que son testigos de un asesinato por parte de gangsters americanos y para poder escapar se disfrazan de mujeres y se unen a una orquesta compuesta solo por Señoritas. Allí se encuentran con Sugar , quien es la gran estrella del show , hermosa y talentosa , pero quizá algo despistada y “tonta” cuando hablamos de amor. Estos dos hombres que solo usan vestidos, pelucas y algo de maquillaje (uno bastante mal maquillado) quedan encantado con esta chica , al punto de intentar ligar con ella , acercándose desde el lado de “amigas”. La puesta resulta divertida por la soltura en que se desempeñan los personajes , de lo absurdo que en momentos llegan a mostrarse , dejando espacio para reírse también de ellos mismos junto al público. Después la historia se las arregla sola para tener la excusa para montar un show musical , notorio y al mejor estilo de Broadway.

En cuanto a las actuaciones , la dupla Nicolás Cabré y Federico D’Elia funcionan perfectamente en la comedia , como mujeres son terribles pero en ningún momento se busca la personificación femenina de forma ideal , sino que esa manera absurda en que se visten es lo que hacen graciosos a sus números , se podría hacer una comparación con los hombres que se visten de rubias en aquella película que siempre suelen repetir en la televisión. Cabe destacar que Cabré roba varias escenas , maneja su humor característico y funciona.

Párrafo aparte para hablar sobre la participación de Laura Fernández en el show. Ella canta baila y actúa con gran soltura , si bien su personaje es más bien es el hilo que conduce la historia de los otros dos personajes , pero aún así tiene su momento para brillar. Brilla en los números musicales , acompañada por un ensamble que le permite lucirse. Grata sorpresa por la nueva incorporación.

Sugar es un más que agradable show , que vislumbra gracias al nivel de producción que posee, pasando por distintos escenarios y vestuarios que nos llevan a un lugar colorido y glamoroso. Su historia es sencilla pero cumple con su cometido que es entretener , buen trabajo de todo el equipo que compone esta obra musical.

Elenco:
Sugar Kane: Laura Fernández
Jerry/Violeta: Nicolás Cabré
Joe/Josephine: Federico D’Elía
Sir Osgood: Gustavo Monje
Pandora: Gipsy Bonafina
Lince/Norton: Leo Trento
Polainas: Rodrigo Pedreira
Daysy: Florencia Viterbo
Dolores: Evangelina Bourbon
Mary Lou: Romina Cecchettini
Rosella: Julia Montiliengo
Monkey: Pablo Juin
Secuaces de Polainas:
Ariel Juin
Nicolás Villalba
Ezequiel Carrone

Dirección: Arturo Puig

Asistente de dirección: Max Otranto

Dirección musical: Gerardo Gardelín

Diseño de escenografía: Alberto Negrin

Diseño de vestuario: Renata Schussheim

Diseño de coreografía: Gustavo Wons

Diseño de luces: Mariano Demaría

Producción general: RGB Entertaiment

Nicolás TadioliDirección: Arturo Puig

Asistente de dirección: Max Otranto

Dirección musical: Gerardo Gardelín

Diseño de escenografía: Alberto Negrin

Diseño de vestuario: Renata Schussheim

Diseño de coreografía: Gustavo Wons

Diseño de luces: Mariano Demaría

Producción general: RGB Entertaiment

TEATRO LOLA MEMBRIVES – Av. Corrientes 1280 – CABA
Funciones: Jueves y Viernes 21.00 hs. – Sábados 20.00 y 22.30 hs. – Domingos 20.30 hs.
Localidades: $1.000 – $950 – $850 – $800 – $750 – $500
https://www.tuentrada.com

Reseña: Ver y no Ver

Ver y no ver” de Brian Friel, el título original es “Molly Sweeny” indaga en los miedos de una mujer quien ha convivido con la ceguera desde la niñez. En un mundo de capacidades diferentes pero suyo. Ese mundo entra en conflicto cuando surge la posibilidad de ser operada y recuperar la vista.

La obra original es de Brian Patrick Fiel (1929-2015), dramaturgo irlandés considerado el más importe del siglo XX, conocido como “La voz universal de Irlanda” y con puntos de encuentros con el estilo literario de Chejov.

La obra está basada en una historia real, la del brillante neurofisiólogo inglés Oliver Sacks del cual era gran amigo de Brian Friel. En la ficción toma el nombre de Martin Sweeny. La adaptación, traducción y dirección han sido a cargo del prestigioso Hugo Urquijo.

El personaje de Martin Sweeny es interpretado por Arturo Bonín. Un hombre perdidamente enamorado de su esposa. A pesar del amor que le profesa, se encierra en su necesidad de que ella vuelva a ver, discapacitado para compartir con ella, sus miedos y angustias. Esta impotencia es solamente porque es un ser humano, que vive otra capacidad, la de haber nacido viendo y que asume que ella no puede ser feliz en el mundo que vive.

La esposa ciega Any Sweeny es interpretado por Graciela Dufau y un tercer personaje el oftalmólogo en la ficción el Dr Vasserman interpretado por el actor Nelson Rueda.

La obra gira sobre el análisis del dilema entre el ver y el comprender. Donde cada uno, se mueve como un ente aislado, en su eje, con su visión propia y no intenta salir de ella para conocer y compartir la del resto.

El personaje del oftalmólogo, con insomnio el día previo a la operación, porque tiene miedo que fracase. Una mujer obsesionada en cancelar la operación, porque su mundo, el de la ceguera es perfecto y un marido que no puede entender que su mujer sea completa en ese mundo.

No contaremos más de la historia, pero a esta problemática, el valor agregado de cada personaje, se lo dan tres excelentes intérpretes. Graciela Dufau, con una dicción perfecta, con un dominio del escenario, en su rol de ciega, chocando con sillas y con miedos. Un Arturo Bonin, dinámico, sentándose en un escalón preparado para la puesta donde sus reflexiones las comparte con el público de una manera tan verosímil, que me sentí como si estuviese tomando un café con Martin Sweeny y él contando sus angustias. Un oftalmólogo que permanece de pie, porque es la postura distante, la del equilibrio del profesional, un equilibrio que nunca llega a demostrar porque además de médico es un ser humano, que debe remar contra las dudas, los miedos propios y del paciente, además de las esperanzas depositadas en él, por parte de su amigo.

La obra se da en el Teatro La Comedia, los días miércoles (21 hs) y sábados / domingos a las 18 hs. Tengan en cuenta, que va a estar en cartel solamente en mayo, habiendo una función de despedida el 25 de mayo.

No se la pierdan. Al finalizar los llevará a la reflexión, aplicando perfecto la frase de Antoine de Saint Exupéry que dice: “Para ver claro, basta con cambiar la dirección de la mirada”.


Ficha técnico artística

TEATRO LA COMEDIA
Rodriguez Peña 1062
Capital Federal – Buenos Aires – Argentina
Teléfonos: 4815-5665 / 4812-4228
Web: http://www.lacomedia.com.ar
Sábado – 18:00 hs – Hasta el 19/05/2018
Domingo – 18:00 hs – Hasta el 20/05/2018
Miércoles – 21:00 hs – Hasta el 16/05/2018
Viernes – 18:00 hs – 25/05/2018


Reseña Diana Decunto

Reseña: Sunset Boulevard

Sunset Boulevard es una obra de teatro musical que ha sabido cautivar al público en Broadway, contando la historia de una actriz en decadencia que no ha sabido encontrarse luego de aquel histórico traspaso del cine mudo al hablado. Esta adaptación de un film del mismo nombre responde a un espectáculo con la firma del gran Andrew Lloyd Webber, con el protagónico de Glenn Close en su versión original. Aquí tenemos a Valeria Lynch en el papel de Norma Desmond, un personaje que está a la altura de esta artista con un impresionante registro vocal, y cuya interpretación ha resultado sorpresivo y muy interesante. Tampoco debemos olvidarnos del gran elenco que la acompaña…

Dejemos de lado a Norma Desmond por un momento , ya que la historia en realidad se centra en Joe Gillis, un guionista que parece estar destinado al fracaso dentro de una industria tan imponente como exigente. Una serie de sucesos hace que Joe termine en la mansión de una actriz que ha sido muy importante para el cine mudo pero que actualmente no se la ve en pantalla, ella es Norma Desmond. La actriz incapaz de aceptar que sus días de gloria ya pasaron, sueña con su retorno triunfante en la gran pantalla para lo que requerirá la ayuda de su guionista caído del cielo. Este hombre toma el trabajo como vía de escape de los problemas económicos que posee, se aprovecha de la situación desesperada de la millonaria actriz convirtiéndose en amantes , algo que terminará en una relación obsesiva y peligrosa.

Mariano Chiesa interpreta al personaje que sirve como hilo conductor de esta historia, un hombre que a pesar de sus constantes decisiones erróneas , tiene sueños y fantasías en si mismo , plasmadas en las historias que esconde bajo su pluma. Su encuentro casi accidental con la actriz norma Desmond en un principio sirve como una vía de escape , hasta que ciertos sentimientos se cruzan , aunque no es amor lo que sienten ninguno de los dos , es más bien el confort que existe al salir de una situación desesperada. Este personaje sirve también para recorrer el mundo del cine en aquella época, sus pasos por los estudios cinematográficos, la relación con amigos que son parte del ambiente y el amor que surge con alguien inesperado y prohibido. Todo este recorrido funciona también para mostrar una puesta con mucho color y música , algo característico de aquella llamada época dorada del cine. Y en su contraste tenemos el drama , la decadencia en persona, esa actriz si bien sigue vigente con sus sueños de gloria vive dentro de un pozo del que nunca a podido salir y así se ve reflejada en la relación con el guionista.

Ambos actores se lucen en sus papeles , Mariano Chiesa ha sabido dirigir el curso de la historia , el carisma y el talento que posee en el terreno del musical es algo que logra verse con notoriedad y se ve reflejado en la química con su contraparte femenina. Valeria Lynch logra acaparar la atención en sus escena , tal como debe ser la actriz , la artista se come dicho personaje sorprende tanto en su registro vocal como en lo interpretativo. Vayamos a lo claro , Norma es una mujer que en su locura que ha comido el personaje de estrella de cine, pero no es capaz de razonar fuera de su fantasía y es eso lo que lleva a que todo pueda terminar en tragedia. El resto del elenco está puesto para hacer brillar el espectáculo , en aquellos momentos donde se monta aquel mundo del cine , la ambientación de la época y sobre todo la alegría en su música. Los actores en escena son más que experimentados en el género musical y su presencia está a la altura de las circunstancias.

Algo que también es imprescindible destacar es el nivel de producción que se ha montado en el hermoso escenario del teatro Maipo. Desde la escenografía hasta cada uno de los vestuarios que posee Norma Desmond y todos los personajes denotan la calidad artística y la inversión que se ha hecho en este producto. El trabajo de adaptación también está bien resuelto , claramente las canciones están traducidas, para los que conocen la obra original el cambio es bastante sutil.

Sunset Boulevard es una obra que merece ser vista , primero por su impecable producción , que no tiene mucho que envidiarle a Broadway. Luego por la participación de artistas como Mariano Chiesa, Rodolfo Valss y sobre todo la gran Valeria Lynch , quien se anima a poner su imponente voz y también el cuerpo a una mujer fuerte y llamativa, aún en su locura. Un musical completo e impecable al que debemos prestarle mucha atención , y disfrutar desde nuestro papel de espectador.

Autoría y Letras: Don Black y Christopher Hampton

Música: Andrew Lloyd Webber

Dirección: Claudio Tolcachir

ELENCO

VALERIA LYNCH

MARIANO CHIESA– RODOLFO VALSS – CARLA DEL HUERTO

MARIANO ZITO – JORGE PRIANO – RODRIGO SEGURA

JIMENA GONZALES – MARCELO DE PAULA – CRISTIAN CENTURIÓN

SILVINA NIETO – WALLY CANELLA – EMMANUEL ROBLEDO ORTIZ

MARIANO CONDOLUCI – PATRICIO WITIS – PABLO GARCÍA

KARINA BARDA – LAURA MONTINI – ANA DURAÑONA

MARÍA HERNÁNDEZ – MENELIK CAMBIASSO – IRINA RAMIREZ

BELÉN CABRERA – FACUNDO MAGRANÉ

HORARIOS

DE MIÉRCOLES A VIERNES 20.30 HORAS

SÁBADOS 19.00 Y 22.30 HORAS

DOMINGOS 19.00 HORAS

LOCALIDADES DESDE $300

TEATRO MAIPO

Esmeralda 443 – CABA

Reseña: El violinista en el tejado

Este gran clásico de la religión judía vuelve a Buenos Aires a la calle Corrientes, mas precisamente en el Teatro Astral, de la mano del director Gustavo Zajac, con Raul Lavie como cabeza protagónica de la obra y gran elencos.

Esta historia se sitúa en Rusia, en un pequeño pueblito de Anatevka, en el siglo XIX. Allí encontramos a Tavye, un trabajador lechero con su esposa y tres hijas en plena adolescencia. El conflicto de la obra es mantener la tradición como siempre lo fue en esa época y el futuro matrimonio de sus hijas, que es casarse con su misma religión, al padre se le debe pedir la mano de la hija, y que el futuro marido tenga un buen pasar económico para que ella tenga una vida feliz. Pero todo sale al revés. Debe lidiar con un joven rebelde que es nuevo en el pueblo, la felicidad de su hija que no va con la tradición judía y enfrentarse con sus vecinos. En si, enfrentar pensamientos distintos.

Con un gran elenco de actores, cantantes y bailarines, la obra con un intervalo de por medio, es muy entretenida. Voces como Raul Lavie y Florencia Otero destacan en la puesta . Además, le suma mucho la escenografía para demostrar ese entorno antiguo, de pueblo con mucha historia con revoluciones a su alrededor. Con una sola escena y puesta de luces alcanza a contar toda la historia.Los bailes y canciones con estilo judío, te ayuda a entrar en clima y ser parte de ella.

Esta obra con una buena producción, e interpretes con experiencia que saben cómo desenvolverse en un musical. Es un recomendable espectáculo que invita al público a ser parte de una clásica historia de forma renovada .

Crítica: Callback

Larry (Martín Bacigalupo) es un ferviente cristiano evangélico que vive en Nueva York y trabaja como mozo de mudanzas, aunque su gran aspiración es convertirse en actor profesional de anuncios publicitarios. Vive inmerso en una solitaria rutina de traslados en casas ajenas, disputas con su jefe (Larry Fessenden) y continuos castings, a la espera de una oportunidad. Su suerte parece cambiar el día que Alexandra (Lilli Stein) entra en su vida, sin embargo, pronto las cosas empezarán a torcerse. Cada vez más…..

Convengamos que Callback es una película inquietante , que hasta momentos puede resultar algo desagradable, pero es una historia interesante de ver. El film sigue a un hombre , aparentemente común y corriente, pero que más bien es alguien que vive en el fracaso tanto en lo profesional como personalmente. Un día llega una chica a la que le ha alquilado su habitación por medio de Couchsurfing , su rutina cambia , pero también despierta sus morbo, dejando una obsesiva forma de actuar para con su inquilina. Ahí es donde podemos llegar a ver a lo más desagradable del personaje , alguien que actúa con total naturalidad, a nuestros ojos hace cosas aberrantes y de a poco el espectador pierde esa lastima y empatía que sentía hacia el personaje.

Si, es una historia incómoda, capaz eso la vuelve interesante viendo el actuar de alguien socialmente inadaptado. Martín Bacigalupo compone a un personaje que siendo una misma persona durante todo el film , transmite fuera de la pantalla distintos pensamientos que van desde la empatía, lastima hasta el odio y el asco sin cambiar su forma de ser.

Callback es un film peculiar que puede resultar incómodo de ver , pero que a pesar de todo es una interesante ejecución sobre un personaje que no logra adaptarse a lo moral y social. Película interesante en su temática.

Calificación 7/10

REPARTO:

Martín Bacigalupo: Larry

Lilli Stein: Alexandra

Larry Fessenden: Joe

Timothy Gibbs: Pastor

FICHA TÉCNICA

Director: Carles Torras

Guión: Carles Torras & Martín Bacigalupo

Dirección de fotografía: Juan Sebastián Vásquez

Montaje: Emanuele Tiziani

Montaje de sonido: Jordi CirbiánMezclas de sonido: Álex Pérez

Mezclas de sonido: Álex Pérez

Mezclas de sonido: Álex Pérez

Producción: Zabriskie FilmsProducción asociada: Glass Eye Pix, Visualsuspects, Timothy Gibbs, Martín BacigalupoProducción delegada TVC: Elisa PlazaCon el apoyo de: Televisió de Catalunya TVC, ICEC

Producción: Zabriskie FilmsProducción asociada: Glass Eye Pix, Visualsuspects, Timothy Gibbs, Martín BacigalupoProducción delegada TVC: Elisa PlazaCon el apoyo de: Televisió de Catalunya TVC, ICEC

Estreno 10 de mayo

URRAKA, Opera Prima

Reseña de Diana Decunto

En Ciudad Cultural Konex, estuve en la primera función del año 2018, el sábado 5 de mayo, viendo la propuesta renovada del grupo URRAKA presentando Opera Prima. Un espectáculo para todo público, liberadora de risas. Al cerrar telón, el público aplaudió de pie, ovacionándolos por tan maravilloso momento compartido.

A escena suben cinco hombres y una chica. El director general Emmanuel Calderón ha logrado de ellos lo mejor que se puede lograr en el arte del clown. La dirección musical a cargo de Roberto González, Juan Gudiño y Pedro Rodríguez logró con instrumentos no convencionales demostrar que todo sirve a la hora de dar brillo al ritmo e interpretación musical. Entre los recursos, podemos mencionar: tablas de lavar, tubos de plástico, chapitas de gaseosa, botellas de vidrio, barriles de plástico, etc.

La obra no tiene diálogo, no lo necesita, no hay una trama pero si un hilo conductor. Son tan particulares, solo ellos logran ser seis actores, subiendo siete personajes, a escena. Recurren a lo mejor de sus dotes de actores, músicos, clowns y bailarines. Cada uno tiene una participación principal en el escenario a medida que avanza el desarrollo. Es una puesta de dinámica permanente, manteniendo al público siempre atento.

Todos nos reímos, fue inevitable no hacerlo, apelan a elementos simples y ” blancos”. En música, nada tienen para envidiarle en calidad a los Le Luthiers.

El elenco joven formado por Agustin Alfonso, Emmanuel Calderón, Christian de Castro, Mariana Mariñelarena, Lucas Rivarola, Juan Gudiño y Pedro Rodríguez estuvieron un año y medio de ensayos. El producto final, es la evidencia del esfuerzo invertido y por eso recibe el cálido afecto del público.

En la cartelera del Konex, están anunciado, por el momento, 4 (cuatro) funciones, dos en mayo, la próxima función el día 26. En junio las funciones son los días: 9 y 23 siempre cae sábado a las 20 hs.

Urraka es un grupo que hace ya diez años que están en cartel, han estado también en Brasil, Chile y Uruguay en diversos festivales.

Merecen ser visto, es justo el aplauso, y como pasó en la primer función, el público siempre, les va a pedir “que no se vaya, una más”


Clasificaciones: Todo público


Ficha técnica

Actores: Agustin Alfonso, Emmanuel Calderón, Christian de Castro, Mariana Mariñelarena, Lucas Rivarola, Juan Gudiño y Pedro Rodríguez

Director general: Emmanuel Calderón

Dirección musical: Roberto González, Juan Gudiño y Pedro Rodríguez

Coreografía: Christian de Castro

Diseño y operación de iluminación: Gabriel Rivero y Emiliano López

Vestuario: Carlo Cappa

CIUDAD CULTURAL KONEX
Sarmiento 3131
Capital Federal – Buenos Aires – Argentina

Teléfonos: 4864-3200
Web: http://www.ciudadculturalkonex.org


Reseña Diana Decunto

Crítica: Rescate en Entebbe

Un acto impredecible de terrorismo que lleva a una de las misiones de rescate de rehenes más audaces en Rescate en Entebbe, un thriller fascinante inspirado en hechos reales.

En el verano de 1976, un avión de Air France que viajaba de Tel Aviv a París es tomado en pleno vuelo por cuatro secuestradores: dos palestinos y dos alemanes de izquierda radical. Cuando el avión es desviado a una terminal abandonada en el aeropuerto de Entebbe en Uganda, los aterrados pasajeros se convierten en moneda de cambio en un tira y afloje mortalmente político. A medida que la posibilidad de hallar una solución diplomática se desvanece, el gobierno israelí pone en marcha un plan extraordinario para liberar a los prisioneros antes de que se acabe el tiempo. Con una combinación de detalles históricos vívidos y suspenso que acelera la respiración, Rescate en Entebbe es un retrato poderoso de una crisis internacional que conmocionó al mundo.

Puede que muchos desconozcan el caso “Operación Entebbe” que ha sido el operativo militar de las fuerzas israelíes para rescatar a un grupo de personas que fueron secuestradas por terroristas palestinos y simpatizantes en un vuelo de Air France y llevados a Entebbe, Uganda. Esta historia muestra el reflejo de un conflicto que aún no ha cesado y el film intenta contar una vez más está historia desde adentro, con una puesta correcta en su ejecución pero que no logra desarrollar con profundidad a los personajes principales, también cayendo en situaciones cliché aunque en esta ocasión no esté presente la parafernarlia estadounidense.

Es interesante que se trate de una historia real , pero no siempre llega a reflejar la escencia de la historia cuando se la convierte en ficción. La participación de Daniel Brühl y Rosamund Pike suponía que se vería la experiencia de la historia desde su punto de vista , en momentos lo intenta , pero aunque en su interpretación ambos actores están correctos , ninguno de los personajes tiene la fuerza ni los motivos necesarios para sostener el peso dramático que requiere el film. Ellos no son más que unos rebeldes , en el cual no llegamos a entender de porque están metidos , aunque parece que el film es el que intenta mostrar ese conflicto interno que hay en sus intereses. El tema es que aquella subtrama logra que el film se desdibuje ,aunque el conflicto principal esté bien logrado.

Si, el secuestro y el rescate en Entebbe es lo que realmente importa en la cinta, que viene de la mano del operativo político para hacer frente a este acto de terrorismo. El problema es que luego de ello , existen rellenos que no aportan nada a la historia, que más bien están utilizados para generar cierta estética visual al film pero que no logra conectarse. Un ejemplo es una subtrama de uno de los soldados israelíes que será parte del operativo de rescate , no se desarrolla mucho el personaje pero si la historia de su novia que está en una presentación teatral que nos hace recordar a Fuerza Bruta. Dicha presentación es utilizada en momentos de importancia en la historia principal y nada cuaja realmente. Suponemos que el director José Padilha, que ha tenido en su haber el gran film Tropa de élite y la fallida remake de Robocop, ha querido darle una identidad en cuanto a la estética , que si bien no ha estado mal pero que se ha olvidado de lo que era realmente importante, el rescate que le da título a su película.

Rescate en Entebbe es una película que cumple si realmente estás interesado en ver algo más sobre este hecho histórico, aunque no dará más respuestas de las que puedes llegar a ver en algún documental sobre el tema. Si bien la historia mantiene el interés cuando se centra en el operativo de rescate y su conflicto político, es una lastima que se desperdicie la participación de dos buenos actores que parecen solo estar para la poster promocional. De todos modos entretiene e invita a reflexionar sobre un conflicto actual y que no se ha tocado tantas veces en cine.

Calificación 6/10

Titulo Internacional: 7 Days in Entebbe
Género:Acción

Actores:Rosamund Pike, Daniel Brühl

Director:José Padilha

Fecha de estreno: 10 de Mayo de 2018

Crítica: Los extraños, cacería nocturna.

Crítica de Agustín Villegas

Una comedia involuntaria.

Una familia se va a visitar a unos parientes a un motel (o algo así) y terminan siendo víctimas de una familia de dementes que matan por matar.

Básicamente es eso, no hay grandes personajes ni grandes momentos, es solo una slasher movie que se suma a la moda ochentera mostrando asesinatos embolantes con musica retro de fondo. Los personajes intentan tener un desarrollo y terminan haciendo un papelón, ya que el guión es malo por donde se lo mire.

La primera parte fue interesante, estaba situada en un contexto mucho más complejo y los personajes se adecuaban más al mismo. En ésta secuela tenemos a una familia, compuesta por padres pendeviejos y adolescentes pretenciosos, que no paran de tomar decisiones que ningúna persona con dos dedos de frente tomaría. Los dialogos están totalmente fuera de lugar, en una escena (y no se si es spoiler o que pero en caso de que lo sea les estoy ahorrando el favor) que uno de los personajes está hecho percha y se pone a darle un discurso motivacional a uno de los pibes, todo mientras un gordo enmascarado viene corriendo a todo ritmo y sustancias con un facón listo para disfrazarlo de revuelto gramajo de tripas. El guión es tan malo que los protagonistas encuentran una pistola que podía ayudarlos a terminar con esta familia de enfermos enmascarados, pero como eso hubiese terminado la película muy rápido decidieron hacerla desaparecer sin dar ninguna explicación.

Otra inevitable comparación entre la primera parte y ésta “continuación” es que los villanos eran realmente terroríficos en la predecesora. Me creía la situación, empatizaba con la pareja que era víctima de éstos enfermos enmascarados. En ésta nueva entrega todo lo que hacen es ridículo, hasta los movimientos son malos, era como ver una ‘SCARY MOVIE’ basada en la versión de 2008.

El uso de música ochentosa fue tan poco sutil que dejo en evidencia la necesidad de prenderse en la moda actual, dejando escenas en las que la banda sonora no se adecua PARA NADA con la parte visual en sí. Ésto pudo haber sido un elemento interesante para el proyecto, pero la incompetencia de la producción no lo permitió.

“LOS EXTRAÑOS 2” hubiese quedado mejor con el título ‘MANUAL DE LO QUE NO HAY QUE HACER SI TE PERSIGUE UNA FAMILIA DE PSICOPATAS ENFACADOS’, pero bueno … había que flashar continuidad para que se vendan entradas. ¿¿la recomiendo?? ABSOLUTAMENTE NO; peeeero si quieren bajarse unas birras con amigos y cagarse de risa viendo algo absurdo quizás funcione para ustedes. Eso sí, por el bien de sus billeteras les aconsejo que ni en drogados gasten plata en una entrada para ésta bazofia … el cine está caro como para desperdiciar una salida.

Calificación 3/10

Reseña: Cualunque Tirano

Un dictador, líder de una nación muy peculiar, recibe un comunicado: la monarquía europea de la monarquía europea de Liechtenstein le ha declarado la guerra. Así arranca esta pieza teatral del dramaturgo y director, Darío Pianelli.


Erase de un remoto país (con antojadizas particularidades sudacas) que se encontraba bajo el mando del gran Tirano. Nada sucedía más allá de terror y la idiotez habitual hasta que la llegada de un comunicado modificará las cosas: La monarquía europea de Liechtenstein le declara la guerra. Desde entonces todo será paranoia y temor; la deslealtad acechando, los barcos enemigos anunciando la guerra, la soledad de un cualunque tirano y la ficción de su poder, desmoronándose.

La obra , que mantiene un código de farsa, funciona como una parodia a las dictaduras que se han mantenido en los países sudamericanos, aunque también burlándose de cualquier régimen totalitario existente. Así, la amenaza de una guerra pone todo patas para arriba desde adentro del poder , aquel tirano que se creía todo poderoso siente la debilidad ante el miedo , la deslealtad y la traición, que se verá presente entre sus súbditos más cercanos. La puesta maneja un humor bastante particular , rozando el absurdo en la acciones de los personajes, donde al quedarse sin ese status de poder , realmente pierden los estribos.

Aunque la obra juegue con el humor desde lo absurdo , el contenido dramático siempre está presente. La crítica hacia la sociedad, la manipulación de los medios de comunicación y la forma en la que se identifican estos actores de la política responden a algo que muchos como sociedad conocen. Es interesante también que la puesta no responda a una nación en partícular , aunque usa referencias para identificar a algunos actores en escena.

Algo más en lo que se destaca Cualunque tirano es en sus actuaciones y en la conjunción que hay entre ellas y la puesta en escena. El espacio donde asistimos a este en encuentro es reducido , más bien íntimo , pero aún así logra desplegarse con grandeza. El manejo de luces, escenografía y el despliegue de los actores nos permite ver algo más grande , permitiendo que realmente el espectador se sienta dentro del lugar donde se toman las decisiones políticas, aunque sean erróneas.

Cualunque tirano es una interesante pieza teatral para observar y reflexionar sobre la política y la guerra , desde un punto de vista que usa la parodia y el absurdo como medio para hacer una crítica a la sociedad a lo largo de la historia. Es una obra que sobresale por sus actuaciones y la puesta en escena, que invita al espectador a ser parte de la caída de un gran tirano.

Ficha técnica:

Actores:

Tirano: Martín Rivero

Perro: Roco Saenz

Periquito: Emilio Dieguez

Galeb: Gonzalo Villareal

Diseño de Luces: Federico Leyenda

Diseño de Vestuario: Milena Amado

Diseño Gráfico: Juan Francisco Reato

Fotografía: Mariela Salaverry / Santiago Dropo

Prensa: Correydile

Asistente de Dirección: Malena Salicrú

Dramaturgia y Dirección: Darío Pianelli

Duración del espectáculo: 70 minutos

Sábados 20 horas

Teatro El Ópalo – Junín 380 –

Entrada general $180/ $150 (estudiantes y jubilados)

Reservas por Alternativa Teatral

Crítica: Jungla, de Greg McLean

Esta película dirigida por Greg McLean (Wolf Creek) que esta basada en una historia real, cuenta la experiencia de supervivencia de Yossi Ghinsberg, en la jungla salvaje Amazonas alrededor de Bolivia.

Yossi (Daniel Radcliffe) es un mochilero que ya recorrió Varias partes del mundo solo, haciéndose amigo de otros mochileros que están igualmente en busca de una aventura. Va hacia Bolivia a recorrer los pueblos para explorar las culturas de cada región, allí conoce a dos chicos: Kevin (Alex Russell) y Marcus (Joel Jackson) en donde deciden ir a un pueblo en la jungla que al parecer estuvo extinta durante varios años. Contratan a un misterioso y enigmático guía llamado Karl (Thomas Kretschmann) que solamente el conoce el mapa del camino para cruzar al “Infierno Verde” como dicen los lugareños del lugar.

Durante el transcurso del viaje, surgen etapas del ser humano al borde de la supervivencia, egoísmo, desconfianza, cansancio y delirio salen a flote. De lo único que trata de aferrarse, es en los recuerdos de su familia, a pesar de no haberlo apoyado en la decisión que tomo en dejarlo todo e irse a viajar. Se trata de un film interesante que mantiene en vilo al espectador, esperando la supervivencia de Daniel Radcliffe (Ahora mochilero) en esta lograda y peligrosa aventura.

ELENCO

Daniel Radcliffe

Thomas Kretschmann

Alex Russell

Joel Jackson

FICHA TECNICA

Dirección: Greg McLean

Guión: Yossi Ghinsberg (libro), Justin Monjo (adaptación)

Producción: Babber Films, Cutting Edge Group, Screen Australia

Fotografía: Stefan Duscio

Música: Johnny Klimek

Edición: Sean Lahiff

Duración: 115 minutos

Género: Autobiografía – Aventura – Drama

Estreno 3 de mayo

Calificación 7/10

Fernando Benitez