Crítica: Noche de paz

Un Fernet descansando en una mesa. Un decadente árbol navideño brillando a medias. Postales del gauchito gil rodeadas de velas. Una mujer mayor que quiere ser abuela. Un hombre mayor –su marido- que tiene problemas para respirar. El hijo de ambos cuya pareja no quiere ser madre. Y una embarazada que nadie entiende muy bien de dónde salió. Así comienza Noche de ¿paz?

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A Beti la desesperan dos cosas, poder ser abuela y no quedarse sola. Su esposo, Antonio, cada vez le cuesta más respirar, y parece quedarle poco de vida.

En la guardia de un hospital, el inesperado encuentro con Cilda, una extranjera embarazada, hará que en ella se despierte el convencimiento de que los milagros existen.

Beti decide alojar a la futura madre en su casa, y dar marcha a un plan secreto en el que incluirá a Josema, su hijo, quien está por llegar de visita junto a su pareja, Margarita, para pasar la navidad.

 

El angustiante intento del padre por armar un aparato de oxigeno usado; la lucha de Josema por no perder a su mujer en un concurso de baile, y las acciones delirantes de Beti para ver cumplidos sus sueños, harán que la nochebuena termine por convertirse, para algunos, en la última cena.

La obra se desarrolla en el amplio espacio que dispone el Chacarerean Teatre y cuenta con una bellísima y gran escenografía que recrea el living de un hogar que debe destacarse, así como vestuarios que dan cuenta perfectamente de los personajes. Esta, dirigida y escrita por Maximiliano Prioriello, se caracteriza por su dinamismo; sus numerosas entradas y salidas dan como resultado que siempre esté sucediendo algo. El humor y el patetismo de los vínculos familiares amarrados únicamente por la sangre y una historia común  generan momentos hilarantes que el texto no hace más que acompañar: “Sos tan vivo para meterme los cuernos y tan pelotudo para todo lo demás”

 

Noche de paz es protagonizada por Cristina Martinez Osses, cuyo personaje (Bea) desoye todo deseo ajeno, se centra en sí misma y manipula a los demás para lograr sus objetivos. Ella es quien se encuentra con la embarazada y la lleva a su hogar cuando se le apareció como “una virgen, como una nueva vida” ella es quien quiere que su hijo deje a esa mujer con la que hace tanto sale porque le recuerda a un travesti, ella es quien detesta a su marido a quien no se atreve a dejar… ella, ella, ella, ella. Su manipulación desencadena el conflicto en el entramado familiar que la rodea. Su actuación debe ser destacada. Los demás actores la acompañan de un modo parejo, atravesando diversos estados, logrando hacernos reír y a la vez sentir pena por ellos.
Noche de paz es una obra que detrás de una máscara de simplicidad y humor logra indagar en vínculos familiares desdibujados y conmover.

Ficha técnica

Elenco: Vicky Alsúa, Antonio Germano, Cristina Martinez Osses, Santiago Vicchi, Carolina Villanueva.

Voz Presentador: Eduardo Romero.

Diseño de Escenografía:Luisina Mellao, Maxi Prioriello.

Realización de escenografía: Daniel Gimenez.

DhCardell / ArteBarbados

3D escenografía: Nadia Pappalardo.

Vestuario: Sabrina Hovhannessian.

Asistente de vestuario: Mariana de Sancho.

Diseño de Arte & Gráfica: Luisina Mellao.

Diseño de Luces: Pablo Gómez.

Prensa: Susan Lonetti.

Asistente de dirección: Jonas Giaco.

Producción Ejecutiva: Ezequiel Paredes.

Autor y Dirección: Maxi Prioriello.

Funciones Domingos 20hs                          Entradas: $220.

CHACAREREAN teatre – Nicaragua 5565 (Palermo) – 4775-9010

Entradas en venta por Plateanet www.plateanet.com, Alternativa Teatralwww.alternativateatral.com

 y en la boletería del teatro.

 

Grace Ulloa

Reseña: Bollywood, de José María Muscari

Esta semana se ha tenido el gran placer de asistir a la función de Bollywood, una industria sin estrellas, una obra de teatro que toma el concepto de la famosa industria del cine hindú para presentarnos un show con mucho baile, humor  y artistas desconocidos. La obra de José María Muscari ha encontrado una nueva fórmula del éxito brindando un espectáculo con una gran producción pero donde la gente es la que le pone el precio a lo que ha visto.

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Como espectador tenemos el placer de disfrutar del show desde el momento que ingresamos a la sala para ubicarnos en los asientos, un grupo de bailarines ya nos están esperando desde un principio para que el ingreso sea como una fiesta, siendo un gran acierto para que esa entrada que puede llegar a tardar unos diez quince minutos se disfrute . Una vez que todos estamos comodamente en nuestros asientos, José María Muscari será el encargado de presentarnos el show a traves de una pantalla en el escenario, así comenzamos a conocer la importancia del concepto de Bollywood en relación a este espectáculo,  que si bien tiene algunos elementos relacionados a la industria del cine hindú,  el término de Bollywood es más bien usado para presentarnos a un elenco sin estrellas pero que aun así su finalidad es transmitir alegría. Es así como un grupo de actores y bailarines nos relatan sus experiencias, contándonos lo que realmente quieren ser a pesar de no tener la suerte de la fama, pero que tienen talento para triunfar en el ambiente del off.

Son 50 artistas los que se presentan en la sala del Teatro IFT , todos ellos fueron seleccionados a través de un masivo casting con la intención de producir un show de grandes dimensiones con artistas desconocidos. Todos ellos realizan un excelente trabajo , donde cada uno tiene algo para aportar en la obra tanto los actores como los bailarines. El concepto de bollywood se utiliza también para denotar la miseria  que existe en la india en cuanto a la pobreza y los dilemas sociales, estos artistas llegan a identificarse con aquellas miserias en cuanto a su profesión pero aún así logran llenarse de alegría haciendo teatro, del mismo modos en que todos los hindúes son felices con el cine de bollywood.

toca destacar la puesta de Muscari es una producción en el que se ha invertido mucho en vestuarios y aspectos técnicos, pero que su retribución depende totalmente del aporte del público. Si bien su entrada es libre y gratuita, la salida no lo es, la gente es la que debe ponerle precio a lo que ha visto y que será el pago por el trabajo a una gran cantidad de artistas y al equipo que está detrás de escena. La obra realmente vale devolverles el aporte sobre el entretenido show que nos han brindado aunque siempre quedará a conciencia del público que dependerá si el show le ha gustado y el dinero que se encuentra a su alcance para aportar a la gorra.

Bollywood es el nuevo y gran espectáculo de José María Muscari, que nos trae el concepto y la alegría de la industria Bollywoodense al teatro en el barrio de Once. Lleno de música, baile y humor, esta propuesta es ideal para pasar una entretenida noche. El público tiene el poder y el deber de otorgarle el valor a un show,  que de seguro no defraudará a nadie.

ELENCO COMPLETO

Mariela Asensio – Emiliano Figueredo

Johan Alexander Alvarado, Daiana Bellendier, Agustina Beluchi, Cami Berman, Joel Castañeda, Sasha Lis Cerrini, Walter Collia, Cecilia De Paoli, Desireé Du Val, Morena Esperón, Manuel Etchebarne, Nico Figueroa, Ayelén Ford, María Forte, Miranda Ghirimoldi, Lara González, Angy Jaume, Ronad Jenki, Esteban Lamarque, Fernando Liao, Facundo López, Ignacio Lopez Diez, Bianca Loponte, Mauro Martinak, Nacho Mena, Mateo Misael, Benjamín Morelli, Jonatan Nugnes, Ale Ordoñez, Santiago Paciullo, Amarú Patrono, Josefina Pittelli, Constanza Raffaeta, Andrés Reyes, Gisela Rietti, Andy Rinaldi, César Riveros, Pili Rubí, Julián Siliberto, Belu Spenser, Mariana Szuchmacher, Colo Vargas, Jesi Videla, Bianca Vilouta Rando.

 

FICHA TECNICA

Diseño de vestuario: Gustavo Alderete para La Polilla de Vestuario

Diseño de luces: Gisela Marchetti

Diseño de video: Cande Serra

Selección musical: Guillermo Salvador

Fotos: Fuentes2Fernández

Diseño gráfico: Lucila Gejtman

Prensa: Agencia AB – Alejandra Benevento

Operador de luces y sonido: Fernando Martín Sanz

Stage manager: Giuliana Betta

Asistente de coreografía: Victoria Broggi

Colaboradores: Joaquín Duhalde Longhi, Ariel Dabbah, Carina Torre, Taisa Isola, Micaela Ayala, Victoria Membrado Capó, Lourdes Boy Arditi, Carmen López Contreras y Lucía Adúriz

Realización de vestuario: Natalia González, Rodrigo Lico Lorente, Laura Martínez, Guillermo Corujo y Florencia Tonel

Asistentes de escenario: Sabrina Rado y Gimena González.

Asistente de dirección: Paola Luttini

Producción ejecutiva: Roni Isola y Enrique Jauregui

Coordinación de producción: Maxi Bartfeld

Coreografía: Magui Bravi

Dramaturgia y dirección: José María Muscari

 

Funciones

Viernes 22hs, Sábados 22 y 00hs, Domingos 20hs

(las entradas se retiran desde 2hs antes de cada función)

NUEVO ESPACIO IFT

Boulogne Sur Mer 549

El pequeño poni

El término “Bullying” es un concepto reciente que se asocia a un tipo de abuso del que hace mucho tiempo sucede. En la actualidad se ha tomado mucha conciencia sobre esta problemática que debe tenerse en cuenta en todo tipo de ambiente, siendo el escolar, uno de los lugares más predominantes que ataca a muchos niños en sentimiento de vulnerabilidad. El pequeño poni habla sobre el mismo bullying desde la mirada de unos padres que deben vivir en carne propia el sufrimiento de su hijo ¿Es posible proteger a los que más amamos aún cuando somos parte de ese problema?.

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Una obra sobre el acoso escolar, esa dolorosa realidad en la que viven atrapados cada vez más niños y niñas de todo el mundo; una reflexión acerca de la libertad, el miedo y el instinto de protección; un retrato de la ceguera, la ineptitud y los prejuicios sociales de los adultos.

Alejandro Awada y Melina Petriella interpretan a dos padres que reciben la noticia de que su hijo de diez años es víctima de abuso en la escuela, este suceso aparentemente se debe a que el niño asiste al colegio todos los días con una mochila de la famosa serie My Little Pony. Un objeto tan simple resulta motivo de burlas de todo el ambiente escolar y sus padres se encuentran en la obligación de hacer algo para solucionar ello, el problema es que en la pareja no hay acuerdo mutuo en la forma que deben actuar por el bien del chico. A medida que la obra y las dificultades del escolar avanzan , surge el dilema en que si el problema es la víctima o el victimario. Si para estar bien hay que seguir la corriente de la mayoría o realmente las minorías tienen un motivo para merecer el maltrato que reciben, y son ellos los que deben cambiar de actitud. La importancia del relato recae en el peso que tienen los padres en cuanto al bienestar de sus hijos, es la toma de decisiones un elemento vital que puede ayudar a corregir el problema o ser parte de el. Su argumento se encuentra muy bien planteado, mientras que la referencia a la serie infantil se utiliza como un símbolo para conectar una historia que trata de la unión y la amistad con su contracara en nuestra realidad.

El peso de la obra también recae en las actuaciones de Awada y Petriella, ellos son solo una parte de la problemática que va mas allá de lo que pueden pensar o sentir. El público ve la historia desde el reflejo que aporta la mirada de estos personajes, el niño, la escuela y todo el entorno están presentes pero a través de ellos. Entre estas dos personas existe una competencia sobre la razón y cuál es el pensamiento correcto, las discusiones cobran el sentido de que ambos tienen sus argumentos para defender aunque el otro no esté de acuerdo y que además, sea perjudicial en cuanto al bienestar de su hijo. El vaivén de emociones hace que ellos logren bajar a tierra y reflexionar sobre lo que han hecho realmente mal y que para poder seguir adelante deben unirse. El trabajo actoral esta perfectamente marcado en esta cuestiones y se obtiene lo que buscaba ser.

La dirección está a cargo de Nelson Valente (Reconocido por la exitosa obra El loco y la camisa), su intención es destacar la puesta a través de sus actores, con una simple escenografía logra contar más de lo que puede verse. Un recurso escenográfico destacable ha sido el uso de un cuadro del niño, que en los cambios de escena , su rostro se transforma reflejando también el estado emocional general a medida que la obra avanza. Esto permite que los actores y el público puedan identificar los cambios de tiempo y espacio, mientras se reflexiona sobre los actos ocurrido anteriormente.

El pequeño poni es una interesante propuesta que nos permite reflexionar sobre este tipo de abuso pero desde otra mirada, la de los adultos que son responsables, ya que sus decisiones son vitales para poder afrontar esta problemática como debe ser. Con las destacadas actuaciones de Melina Petriella y Alejandro Awada estamos ante un polémico drama, que invita al espectador a disfrutar de buen teatro, con la posibilidad de pensar un poco mas sobre un tema que nos afecta como sociedad desde siempre y que resulta necesario tomar conciencia de ello.

Melina Petriella – Alejandro Awada

AUTOR: Paco Bezerra
ADAPTACIÓN: Ignacio Gómez Bustamante
DIRECCIÓN: Nelson Valente

DIRECTORA ASISTENTE: Nayla Pose
DISEÑO DE ESCENOGRAFÍA Y VIDEO: Maxi Vecco
DISEÑO DE ILUMINACIÓN: Marcelo Cuervo
DISEÑO DE VESTUARIO: Daniela Dearti
OPERADOR DE VIDEO: Mariano Luna
DISEÑO GRÁFICO: Diego Heras
FOTOS: Alejandra López
PRENSA: SMW
PRODUCCIÓN EJECUTIVA: Luciano Greco
COORDINACIÓN TÉCNICA: Alberto López
COORDINACIÓN DE PRODUCCIÓN: Romina Chepe

Funciones: Sábados 22.15 hs, Domingos 18 hs

Entradas: $ 450. En boletería del teatro o por www.plateanet.com

Daniel Alvarez

Crítica: El mar de noche

El Mar de Noche es un grito ahogado. El desamor diseccionado. La soledad escandalosa con la que se topa un hombre lejos. La espera y su agonía. Los intentos antes de hundirse. El silencio que retumba después de cada palabra. No poder nombrar, porque lo que queda cuando el amor se ha retirado es un campo arrasado, escombros, la nada, un hueco.

el mar de noche - crédito Alejandra López

Un hombre sentado en un sillón, a medio vestir, en un cuarto de hotel ubicado en alguna playa, allí recibe el sonido del mar rompiendo sus olas. Se percibe una desolación, un malestar, algo pasa aunque no sepamos qué. Busca una crema para curar una mancha en su cuerpo, pero al no encontrarla se pone nervioso y el relato se va transformando en algo más profundo, en una historia de amor, de desconsuelo. No diferencia el miedo de la angustia, pero sabe que el miedo se va y la angustia permanece. Espera a alguien, a un joven que lo ha dejado, y a pesar de la tristeza lo seguirá esperando hasta apagarse.

El relato contado con una voz que siente cada palabra que dice y la sutileza en los gestos va dibujando la muerte lenta del personaje. No hay ira, no hay odio, no hay culpa, no hay gritos, ni resentimientos, sólo unas lágrimas atravesadas por el agotamiento y dolor de una persona que es un desecho de lo que era, un hombre marcado por el desamor que necesita dejar de sentir tanta angustia, un cuerpo dejado en la agonía esperando la muerte.

Loza ha confesado que comenzó este trabajo con dos materiales como punto de partida: De Profundis, de Oscar Wilde, y Muerte en Venecia, de Thomas Mann. Y la idea de lo que puede provocar la falta de amor. El material fue escrito en distintas etapas. El texto le llegó luego a Cacace.

En la sala Apacheta, logran demostrar que menos es más, con la luz del ventanal que da a la calle, sentado en ese sillón, con una hermosa e incómoda intimidad, Machin se luce en una actuación majestuosa y logra sumergirnos en una pieza de amor desgarradora, no necesita nada más para contarnos ese fracaso amoroso, el cuál sacude al espectador con ese texto tan poéticamente desolador. Una obra que conmueve, que toca distintos aspectos que todos alguna vez hemos travesado, dedicada a solitarios, a quién alguna vez fue abandonado, insomne y sobreviviente del desamor.

Autor: Santiago Loza

Dirección: Guillermo Cacace

Actuación: Luis Machín

Diseño de vestuario: Magda Banach

Diseño de iluminación: David Seldes

Asistente de iluminación: Estefanía Piotrkowski

Diseño sonoro: Patricia Casares

Diseño gráfico: Leandro Ibarra

Fotografía: Alejandra López

Prensa: Duche&Zárate

Asistencia de dirección: Gastón Re

Producción comercial: Marcelo Riva

Dirección de producción: Romina Chepe

2 Funciones: Viernes a las 23 hs. y domingos a las 18 hs.

Entradas: $ 310.- Jubilados y estudiantes: $ 250.- / Reservas por Alternativa Teatral

Apacheta Sala Estudio – Pasco 623 – CABA / 4943-7900

Julieta Ale

Teatro: La madre que los parió

Sábado a la medianoche, es la hora ideal para la previa antes de salir en una ciudad tan nocturna como Buenos Aires. El teatro es una gran opción tanto para iniciar la noche o culminar un largo día,  lo imprescindible es divertirse. La madre que los parió es una comedia que toma la amistad como punto de partida para mostrarnos un conflicto donde se han roto los códigos. Estos amigos recomponen de manera desopilante los hechos tratando de encontrar al culpable, y sobre todo hacer reir al público

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Luego del fenómeno de “Chicos Católicos” llega “La Madre que los Parió”, una comedia irreverente, picante, delirante y muy divertida que integra reflexiones acerca de la amistad, la lealtad, sus reglas y sus códigos. El espectáculo transita su segunda temporada, es una experiencia altamente cómica en la que se destaca la versatilidad con la que los protagonistas cambian de personaje en tan sólo segundos, para ponerse en la piel de los integrantes de la misteriosa fiesta que tuvo lugar la noche anterior.
Seis amigos, un traidor… ¿Hasta dónde somos capaces de perdonar a un amigo?.
Miguel, Ricky, Brian, Bruce y David son convocados por Dennis a su departamento. Desconocen la razón de la cita. Son las once de la mañana de un Domingo y la noche anterior, en ese mismo lugar, hubo una fiesta de las que suele ofrecer el anfitrión habitualmente. Pero en esa fiesta algo sucedió, algo que puede poner en peligro la amistad de este grupo de amigos, el Grupo de los Seis. El relato avanza entre un anfitrión en busca del culpable y una serie de flashbacks que recomponen escenas de la noche anterior. Y en su transcurso, irán emergiendo voces, disputas, sospechas cruzadas y un estricto sistema de códigos que regula la amistad de este grupo. El misterio se irá develando, como un rompecabezas. ¿Alguien rompió en esa fiesta el peor de los códigos? ¿Son inocentes hasta que se demuestre lo contrario ó son culpables, hasta que se demuestre su inocencia?
Un grupo de amigos que se conocen desde la infancia, están pasando por un momento de tensión al enterarse que una copa (El cáliz que ha sido símbolo de su amistad ) se ha roto, y uno de los integrantes del grupo es el culpable. Dennis, una persona excesivamente dramática, es quien se horroriza por los hechos que han sucedido y obliga a sus amigos a recrear la fiesta que ha tenido lugar la noche anterior , y así poder encontrar al traidor que rompió aquel preciado cáliz.  A través de flashbacks, los muchachos recrean esa dichosa fiesta personificando a todos aquellos que estuvieron presentes, tantos personajes femeninos como masculinos. En esa noche el descontrol se ha desatado, y es eso , lo que más disfrutamos de la obra ya que nos muestran con mucho humor una alocada fiesta que ha terminado en “tragedia”.
En cuanto a las actuaciones, a muchos de ellos se los ha visto antes en la obra Chicos católicos, apostólicos y romanos, como en el caso de Agustín Sierra, Juan Paya y Juan Guilera; que han aprovechado de su anterior comedia para realizar una obra en la que han llegado a superarse a sí mismos , brindando su característico humor.  Los nuevos integrantes del equipo son Andrés Rovetto, Federico Barón y Lucas Merayo, siendo grandes aciertos en los que cada uno de ellos aporta lo necesario para hacer de esta obra desopilante y muy entretenida. Todas estas personas forman parte de un grupo heterogéneo de amigos, en los que cada uno tienen sus personalidades definidas y totalmente diferente a los demás, notando las diferencias en cuanto a las clases sociales y tipo de orientación sexual. Aún así la manada se complementa perfectamente, donde las cosas que los distinguen sirve para burlarse y reírse de ellos mismos, algo que típicamente sucede en cualquier grupo de amigos.
Además del innegable humor que esta puesta posee, unos de los aspectos más destacables en la obra, es la estructura que se ha creado para contar esta historia de principio a fin. Existen momentos en que se rompe la cuarta pared y la linea del argumento al servicio de la historia, para relatar aquella fiesta donde la locura se ha desatado y conectarlo perfectamente con el presente, teniendo como objetivo principal encontrar al traidor.
La madre que los parió es una ingeniosa y muy divertida obra que celebra la amistad a partir de un conflicto típico de esta relación.  Con grandes actuaciones y una estructura a modo de flashbacks, esta obra tiene aseguradas muchas risas por parte del público, siendo participe de las locuras de estos agradables amigos. Es una obra ideal para distenderse un fin de semama tanto para una previa antes de salir como para culminar un largo día con riendo.

ELENCO
Federico Barón
Juan Guilera
Lucas Merayo
Juan Paya
Agustín Sierra
Andres Rovetto
FICHA TÉCNICA
AUTOR: Juan Paya
DISEÑO DE LUCES: Lucas Balestrino
ARREGLOS MUSICALES: Nicolás Sanmartí
DISEÑO GRÁFICO Y COMUNICACIÓN VISUAL: Juan Paya
ESCENOGRAFIA: Augusto Latorraca
FOTOGRAFIAS: Nacho Lunadei
STAGE MANAGER: Julieta Rossi
STAGE MANAGER/ACTOR ASISTENTE: Diego Sanchez
PRODUCCIÓN COMERCIAL: Patricia Jiménez para ESCENA
CATORCE
PRODUCCIÓN EJECUTIVA: Karen Barg
COORDINACIÓN DE PRODUCCIÓN: Agustina Granja
ASISTENTES DE DIRECCIÓN: Florencia Morelli
DIRECCIÓN: Héctor Díaz

Funciones : Viernes 23hs y     
Sábados 0: 30hs
Teatro Metropolitan Sura ( Av Corrientes 1353)
 
Entradas por Plateanet

Crítica: Pequeñas infidelidades

La obra de Mario Diament ausculta en los recovecos espiralados de una pareja,
esa sociedad (¿De dos?) que acostumbra compartir “sueños, cama y macarrones”
(Serrat dixit). Hay pocos mundos que contengan más misterio intrínseco que ese convenio llamado “matrimonio”. Se habla, se escribe, se canta en derredor de él, ¿Pero cuánto se sabe? ¿Qué tanto se ignora?Esta clave es la que parece proponernos la obra.

pequeñas infidelidades

Veinte años después de su divorcio, Emma y Alejandro se encuentran por casualidad. A la sorpresa le siguen las preguntas, y lo que comienza como una inocente conversación, se transforma gradualmente en una inquietante indagación de su fracasada relación.

Con un incisivo rigor que no excluye el humor ni la ironía, el autor de “Cita a ciegas”, “Un informe sobre la banalidad del amor”, “Franz y Albert” y “Tierra del fuego”, indaga en algunos de los secretos más íntimos e inconfesables de la relación de pareja.

El texto, que se desgrana como una novela de suspenso, provocará seguramente conmoción, sonrisas y complicidad. 
Emma y Alejandro fueron pareja, hace de esto ya 20 años de su separación, y
un encuentro fortuito los cruza en el derrotero de sus caminos: él busca
departamento porque se está separando de su actual pareja y ella, casualmente,
está mostrando uno para alquilar. Reencuentro, charla amena, sonrisas, whisky, anécdotas,confesiones, risas, descubrimientos, zonas en penumbras, etc.
Como capas de una cebolla conyugal, se van develando instancias desconocidas,
risueñas unas, dolorosas otras… La obra, al final, tiene una vuelta de tuerca
sorpresiva, que la acerca a los tópicos del policial y que predispone al espectador a una charla pos espectáculo, ¿Con quién? Con su pareja….o con quien haya
compartido.
Marcela Ferradás y Horacio Peña encarnan los vaivenes de esta pareja con naturalidad y logran la complicidad del público. La escenografía, conceptualmente aséptica, resulta funcional al relato, y la
iluminación,tanto como el sonido, contribuyen al ritmo fluido de la historia.
La dirección de Manuel González Gil es minimalista en su puesta en escena y
sobria en la dirección actoral, para que el relato fluya con ritmo preciso y se
despliegue.
Es para tener en cuenta lo interesante que es inmiscuirse en un mundo que posee tantas facetas, maravillosas e inquietantes, como es el de la pareja… que no es la de uno. Conste que estoy escribiendo “bajito”: no quiero que me escuchen….

Director: Manuel González Gil
Autor: Mario Diament
Actúan: Horacio Peña y Marcela Ferradás
Diseño gráfico: Nahuel Lamoglia
Producción ejecutiva: Flavia Vitale
Vestuario: Pepe Uría
Dirección: Manuel González Gil
Teatro el Tinglado Mario Bravo 948
Sabados 20 y 22hs

A. R. Belano

Teatro: Soy una canción

Una mujer está “pegada” a un sillón. Ensaya un discurso contra la persona que durante su vida no ha hecho más que maltratarla. Necesita dar un final a su inmenso dolor, a su tristeza. Un dolor tan profundo que le impide reconocerse en toda su integridad. Una mujer con dos manos, dos piernas, una belleza singular y el deseo desesperado y desenfrenado por encontrar la felicidad

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Soy una Canción, es un monologo escrito por Paula Marull, dirigido por  Marcelo Moncarz, que trata sobre una mujer depresiva, que ensaya un discurso para decirle a la persona que ama que deje de maltratarla. Una mujer atravesada por un dolor tan profundo que la imposibilita de salir de ese sillón, ya no tiene fuerzas siquiera de parase. Necesita que la miren, la escuchen, que la reconozcan. Volver a sentirse fuerte, útil y capaz, volver a tener ganas de vivir. Acá no se habla de golpes ni de violencia, sino de un maltrato psicológico, de la violencia que se puede ver reflejada en un gesto, en una mirada, o en la falta de palabras, situaciones diarias que pueden destruir al otro. En esta obra, Laura Conforte nos permite ser parte de su mundo, de dejarnos llevar por ese discurso tan poético y doloroso de un personaje  que aunque vive en un mundo agresivo, ella puede diferenciarse y volver a ser feliz solo con un gesto de buen trato, en el cuál es imposible no sensibilizarse.

Formado con Julio Chávez y Augusto Fernándes, Moncarz ya lleva estrenadas muchas obras con elencos numerosos, pero en los últimos tiempos encara mayormente monólogos de mujeres atravesadas por el amor. Si en “Mi querida” su protagonista Olga necesitaba amar sin importar ser correspondida y en “La maldecida de Fedra” su protagonista Pelegrina buscaba desesperadamente al final de su vida al único amor que había tenido -un animal- para irse de este mundo con la caricia de ese ser amado, en “Soy una canción” Marcelo Moncarz y Laura Conforte se proponen contar hasta dónde es posible resistir el maltrato, la indiferencia, la ausencia. Cuánto dolor es capaz de soportar una mujer por amor, muy diferentes entre sí pero todos en relación directa con el sentimiento amoroso.

Los martes  a las 20hr en Hasta Trilce, podemos cortar la semana con esta obra, que a través de su poética, nos permite reflexionar sobre  el dolor y el deseo de encontrar la felicidad.

 

FICHA TÉCNICA

Actúa: Laura Conforte

Puesta en escena y dirección: Marcelo Moncarz

Asistente de dirección: Jimena Dozo

Vestuario y escenografía: Jorge López

Diseño e iluminación: Sergio Iriarte

Fotografía: Alejandra López

Concepto y diseño gráfico: Flor Bembihy

Prensa: Débora Lachter Comunicación

 

Martes 20:30 hs.
Entrada: $180
Estudiantes y jubilados: $150
2x: 300
Teatro Hasta Trilce (Maza 177),
                                    Julieta Ale

Reseña: El círculo de tiza caucasiano

La semana pasada se ha tenido el placer de asistir a un estreno y función de prensa a la vez , la obra en cuestión ha sido El círculo de tiza caucasiano. El espacio IFT es un teatro histórico que se está reconstruyendo, y que tiene el agrado de contar una obra clásica y completa en muchos sentidos, ideal para atraer a nuevos espectadores que desean disfrutar de buen teatro.

Durante una revuelta el gobernador y su esposa deben abandonar el palacio para salvar la vida y, en la prisa, abandonan al niño. Una joven sirvienta del palacio, se apiada del pequeño y se hace cargo de él. Con muchos sacrificios lo lleva a una aldea vecina y allí lo cría y lo cuida como si fuera suyo. La misma revolución convierte a Azdak, un borracho y pendenciero, en juez, y sus sentencias favorecen siempre a los pobres y desgraciados. Ante él comparecen un día Gruche y la esposa del gobernador, alegando ambas ser la verdadera madre del niño. Azdak no sabe la verdad y las somete a la Prueba del círculo de Tiza, para dar su veredicto. ¿Qué debe hacer el común de la gente para sobrevivir y conservar su sentido de lo humano en medio de convulsiones políticas y sociales? Y, sobre todo, ¿cómo conservar la bondad en medio de la crueldad circundante? Ya no nos basta comprender el mundo. Eso es apenas una condición imprescindible para poder modificarlo. ¿Puede el teatro contribuir a modificarlo? Esa obsesión recorre toda la práctica teatral de Brecht.

El círculo de tiza caucasiano cuenta la historia de una heroína que se gana el derecho a ser madre a golpe de cariño. En mitad de una guerra por el trono del Gran Duque, Grushe, su joven criada, debe hacerse cargo su bebé, el príncipe heredero, abandonado por la madre en su huida. Grushe, lo protegerá de los soldados, en medio de grandes dificultades que ponen en peligro su propia vida.La obra, inspirada una vieja leyenda china, plantea la esencia de la maternidad, de la justicia para un pueblo humillado por su aristocracia. Además de la historia de aquella madre que siente un amor genuino por un hijo que no es suyo, resalta la crítica a una sociedad en donde el derecho por sangre, tanto en aspectos sociales y económicos, suele estar ajeno a la verdadera justicia. Con perfecta comicidad, se prepara el desenlace mediante un juicio donde luchan las clases sociales y los intereses de ambas partes, esperando que el amor triunfe sobre la justicia de los privilegiados.

Se trata de una obra rica en personajes , donde resulta necesario que el trabajo actoral se encuentre a la par de lo que brinda el relato. Cada uno de los actores le otorga su carisma a los personajes que representan, si bien no se trata propiamente de una comedia en concreto, maneja el humor de manera audaz durante toda la obra y es algo que los artistas logran meterse en este juego entre el drama y la comedia. La música también es participe en el relato, presentados en momentos de relevancia, haciendo dinámica la explicación de los acontecimientos.

El trabajo de dirección es impecable , conectando perfectamente el trabajo actoral, los paralelismos entre las historias presentadas y la mezclas de géneros teatrales, que sin pertenecer a ninguno en particular , predomina la comedia y el drama. El espacio del teatro IFC es íntimo y confortable, el espectador forma parte de la historia, que con una simple escenografia y vesturatios bien representativos , te sumergen en un viaje en el tiempo, conociendo una historia de un amor que existe más alla de la sociedad y su conepto de justicia.

El círculo de tiza caucasiano es una completa obra que brinda un sinfín de sensaciones tanto en los personajes como en los espectadores presente. Drama social, comedia, musical de época ; son algunos de los géneros caracteristicos de este relato que funciona perfectamente para entretener y reflexionar.

FICHA TÉCNICA

Autoría: Bertolt Brecht

Versión y traducción: Manuel Iedvabni

Actúan: Dana Basso, Cristina Sallesses, Roxana Del Greco, Gabriel Dopchiz, Matías Sebastián Tisocco, Pablo Flores Maini, María Marta Guitart, Ariel Levenberg, Rodrigo Pagano, Juan Manuel Romero, Gustavo Siri.

Cantante: María Marta Guitart Músicos: Gabriel Dopchiz, Matías Sebastián Tisocc , Pablo Flores Maini, Rodrigo Pagano.

Diseño de escenografía: Gastón Breyer

Diseño de Luces: Roberto Traferri

Diseño de Vestuario: Nereida Bar, Verónica Segal

Realización de escenografía: Ariel Levenberg

Diseño Gráfico /Colaboración artística: Leila Gramajo, Wilfredo Parra

Realización de Vestuario: Patricio Delgado, Susana Hidalgo Fotografía de ensayos: Vicky Elmo

Prensa: Marcos Mutuverría – DucheZarate

Productor ejecutivo: Pato Rébora

Director Asistente: Pablo Flores Maini

Música original: Esteban Morgado

Dirección musical: Esteban Morgado

Dirección general y puesta en escena: Manuel Iedvabni

FUNCIONES: Martes 20hs Localidades: 200.- Estudiantes y Jubilados: $120.- En Teatro IFT, Bulogne Sur Mer 549 – 4942 9420

Reservas en Alternativa Teatral

Mauricio González

Crítica: Terrenal, de Mauricio Kartun

Hace unos años, tuve un profesor que fue de las personas que marcaron mi rumbo, y no había clase en la que no nombrara o haga referencia a Kartun, siempre. Tanto  insistía que yo también me interese por él, y ahí entendí el por qué de su admiración. Es que él logra que cada palabra cobre sentido, que sus metáforas resuenen y se conviertan en imaginación, consigue dejar pensando a través de sus verdades convertidas en ironías reveladoras, convierte sus obras en experiencias de múltiples sensaciones para el público.
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Una versión conurbana del mito bíblico de Cain y Abel. Caín productor morronero. Abel vagabundo, vendedor de carnada viva en una banquina del asfalto que va al “Tigris”. Hermanos a los bifes compartiendo ese terreno, su edén berreta, partido al medio. La dialéctica imperecedera entre el sedentario y el nómade. Y Tatita, siempre ausente, que regresa al fin ese domingo melancólico.

Dos hermanos, Caín y Abel, han sido beneficiados por su padre con una parcela de tierra que ellos dividieron, para que hagan allí sus vidas. Caín dedicó su espacio a cultivar morrones y así ser un productor, con lo cual dicha actividad le permite el inicio a un proceso de enriquecimiento. Mientras que Abel, en cambio, es una suerte de vagabundo, que se emborracha con asados de por medio, y dedica su vida a vender carnada para pescar. Caín considera que eso es una plaga y Abel admira por su potencia de “torito”.
Una obra cuya dramaturgia está atravesada por innumerables referencias a la cultura argentina. Un hallazgo relacionado con la capacidad del montaje para hacerse entender, más allá de los códigos impuestos por su contexto histórico, geográfico y lingüístico.
Mauricio Kartun, toma la historia bíblica de Caín y Abel para explicar las consecuencias de abrazar el capitalismo o el ecosocialismo como modelos organizativos de la vida civilizada, Caín es un pujante empresario celoso de sus bienes y Abel un proletario feliz en su libertad.
En un escenario con dos telones a medio abrir, un músico en vivo que se deja entrever en la oscuridad, y un juego de contraste entre luces y sombras que se mantiene a lo largo de la obra, el trio de  Claudios (Da Passano, Rissi y Martínez Bel),no necesitan más nada para llevar esta obra, con actuaciones deslumbrantes, están en cada detalle, logran enfatizar en la palabra y se nota un trabajo de código que repercute, convence y funciona.
Terrenal  sensibiliza, con un autor que se anima a tomar posición ideológica. Acá no da todo lo mismo, no es una obra más, es imposible salir del teatro sin replantearse el modo en el que vivimos.
Ficha técnico artística

Autoría:Mauricio Kartun
Actúan:Rafael Bruza, Claudio Da Passano, Claudio Martinez Bel
Vestuario:Gabriela A. Fernández
Escenografía:Gabriela A. Fernández
Iluminación:Leandra Rodríguez6
Diseño sonoro:Eliana Liuni
Fotografía:Malena Figo
Asistencia de escenografía:Maria Laura Voskian
Asistencia de dirección:Alan Darling
Prensa:Daniel Franco, Paula Simkin
Dirección:Mauricio Kartun
TEATRO DEL PUEBLO
Av Roque Sáenz Peña 943
Capital Federal – Buenos Aires – Argentina
Teléfonos: 4326-3606
Web: http://www.teatrodelpueblo.org.ar
Entrada: $ 280,00 – Domingo y Jueves – 20:00 hs
Entrada: $ 230,00 – Jueves – 20:00 hs
Entrada: $ 280,00 – Viernes, Sábado y Sábado – 21:00 hs
 
 
 
                                                    Julieta Ale

Reseña: Y un dia nico se fue

Y un día nico se fue es un musical que esta basado en la novela autobiográfica de Osvaldo Bazan, que cuenta la historia de un intenso amor entre dos hombres , y donde este tuvo que sufrir una pérdida de aquella persona de la cual se enamoró .  El director Ricky Pashkus vuelve a traer una de las obras más reconocidas de su carrera, teniendo un impecable trabajo de dirección y actoral que acompaña perfectamente a esta intensa historia de amor y desamor.

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La comedia musical …Y un día Nico se fue cuenta la historia de un romance malogrado entre dos hombres, Osvaldo y Nico, recorriendo todas las etapas de cualquier historia de amor, desde el enamoramiento, pasando por la desilusión y la tristeza de una separación. Pero lejos de hacerlo con una mirada triste, está llena de canciones, coreografías, un ensamble que funciona como un reloj y la participación de una orquesta en vivo. Una comedia divertida con tintes dramáticos que nos invita a reflexionar y repensar la sociedad moderna para entender el amor en todas sus formas. La obra está basada en una novela autobiográfica de Osvaldo Bazán y cuenta con música de Ale Sergi y la dirección general de Ricky Pashkus.
La historia comienza justo en su final, desde un principio sabemos que Nico se ha marchado, sentimos la pena del personaje de Osvaldo que no comprende porque ha sudedido ello , mientras su amado se encuentra disperso por el escenario observando todo lo que pasa. Luego de la secuencia inicial, viajamos al pasado, al momento en que esta pareja se ha conocido y enamorado, cada uno atravesando dificultades en su vida personal. Nico es un chico que un día no teme admitirle a sus padres que es homosexual y que actualmente está saliendo con alguien, cuestión que trae consecuencias por ser algo no aceptado por su familia, al punto de dejarlo abandonado debido a sus decisiones. Ante estos hechos él se refugia en Osvaldo, alguien mayor en edad y que ha tenido más experiencia en relación a hombres pero que aún así no ha llegado a sentir algo verdaderamente especial por alguien. Su relación con Nico comienza con dudas , cuando este chico abandona su casa y busca refugio en el , provoca que salgan a flote sus miedos al iniciar una relación seria. En un momento nico se va, la obra hace referencia a que ese es su título y es lo que debía pasar , por más que se quiera intentar terminar la puesta con la fantasía de que este chico regresa y su final es feliz.  Si bien su desenlace es el inminente abandono,  su mensaje final es el aprendizaje, a entender que después de una crisis son posibles muchas oportunidades en el futuro, siendo este relato un descargo sobre lo que el autor ha aprendido a través de esta experiencia.
Germán Tripel es Osvaldo, si bien muchos no sabemos como ha sido el personaje en la realidad pero el público se consume en la persona que encontramos en el escenario.  Nos encontramos ante una gran interpretación del artista ya reconocido en el ambiente del musical, si bien no es el primer actor en participar de esta obra,  pero llega a dar la impresión de que el personaje está escrito para el ,solo habría que consultar con el mismísimo autor la opinión sobre la relación entre el hombre de la ficción y el de la realidad. Franco Mansini es Nico, quien denota carisma en la personificación del chico que luego de enamorarse y enfrentar varios obstáculos,  toma la decisión de irse,provocando la pena de Osvaldo y dándole el sentido a esta obra.  Su presencia es importante hasta en los momentos que no se encuentra dentro del relato, que resulta ser en gran parte de la obra, el está porque a pesar de haberse marchado todavia sigue estando en la mente del protagonista, quien no lo dejará ir a menos que logre superarlo. Manzini aporta una imagen de Nico distinta a la que hemos visto en otras versiones, quizá algo más inocente pero que se entiende la fortaleza en la toma de decisiones importantes, cosa que es algo muy difícil de afrontar para un muchacho que técnicamente sigue en la adolescencia. El trabajo del resto de elenco es totalmente notable y equilibrado, existen personajes que logran destacarse como los amigos de osvaldo y el angel, que es una especie de cupido que interactua con el personaje principal brindando humor y algunas enseñanzas de vida en relación al amor.
El espacio de El Galpón De Guevara se encuenta perfectamente utilizado en una especie de cuadrilátero, donde en el centro transcurre el relato y en los alrededores, los demás actúan como observadores siendo participes de la historia, incluyendo al mismo público.
La música de la obra tiene como autoría a Ale Sergi, el reconocido cantautor de Miranda aporta su estilo musical en la obra, que en letra y melodía acompaña perfectamente los estados por lo que pasa la puesta en escena. Cabe destacar que la producción  cuenta con un disco con las canciones de la obra , cosa que todo musical debe contar en lo posible, quedará a consideración del público que seguro estará enganchado tanto al espectáculo como a su música.

Y un día nico se fue es una perfecta obra que cuenta una historia de amor a pesar del abandono, tomando el aprendizaje de la experiencia como tema principal de la obra.  Se trata de un musical con todas las letras, donde se resaltan el trabajo de los actores y la labor de su director Ricky Pashkus, que nos pone en escena una obra muy entretenida y conmovedora.

FICHA TÉCNICA
Libro: Osvaldo Bazán
Música Original: Ale Sergi
Dirección Vocal: Matías Ibarra
Dirección Musical: Bruno Delucchi
Diseño de Sonido: Mariano del Rosso
Maquillaje: Pao Dessaner
Escenografía: Huberto Stempels
Asist. Vestuario: Luciano Huentecura
Dirección de Arte: Pablo Battaglia
Fotografía: Alejandra López
Asist. Luces: Sebastián Viola
Diseño de Luces: Anteo del Mastro
Diseño Gráfico y Redes Sociales: Matías Gordon
Registro Audiovisual: Nadia Fijer
Asist. Coreografía: Fede Fedele
Asist. Producción: Nicolás Sorrivas
Stage Manager: Alan Gejtman – Leandro Rivera
Producción Ejecutiva: Estanislao Otero Valdez
Coreografía: Juan José Marco
Dirección General: Ricky Pashkus
Prensa y comunicación: Tommy Pashkus Agencia
Actúan:
Franco Masini (Nico)
Germán Tripel (Osvaldo)
Juanjo Marco
Silvana Tomé
Josefina Barone
Sacha Bercovich
Melisa Sol Campagna
Fede Fedele
Juan Fonsalido
Lucas Gentili
Eugenia Gil Rodríguez
Alejandro Justiniano
Mica Romano
Lula Rosenthal
Pedro Vega
Lali Vidal
El Galpón de Guevara(Guevara 326, C.A B.A)Viernes y sábados 20:30hs  Entradas a la venta por Alternativa TeatralValor de localidades: desde $300.-