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Luego de ser un éxito rotundo en el 2019 en Sídney, y tras varias temporadas en Londres, Nueva York y Madrid llegó al Multiteatro Comafi, «Prima Facie», de la dramaturga australiana Suzie Miller.
Esta obra se estrenó bajo la dirección de Andrea Garrote y es protagonizada por Julieta Zylberberg. La producción general está a cargo de Valentina Berger, Sebastián Blutrach y Tomas Rottemberg.
Prima Facie, es una obra que se divide en dos actos en los cuales la protagonista invierte su rol de abogada penalista especializada en la defensa de acusados de delitos sexuales a víctima de una violación.
La obra es un monólogo dramático que no tiene desperdicio alguno. La actuación de Julieta, es absolutamente descriptiva y su interpretación corporal logra hacer cómplices y testigos a los espectadores; quienes en sus butacas visualizan en su imaginación a cada uno de los personajes, escenarios, miradas, tonos, juicios y prejuicios narrados por la actriz. A su vez, la protagonista, genera sonrisas y guiños de humor que se traducen en risas que resuenan en la sala. Esta obra es disruptiva e incómoda en ciertos momentos, lo que genera aún más tensión.
Defensora, abogada y víctima. Romina (Julieta Zylberberg), es una exitosa abogada penalista, de familia humilde, pero con gran esfuerzo logró el éxito y el respeto de sus pares. Su personalidad se muestra fuerte, coherente y lo suficientemente arrogante como para defender un sistema legal en donde la ley es el debido proceso y ella solo es un engranaje necesario para que el sistema funcione. La joven abogada conoce las reglas del juego judicial. Sin embargo, en el momento que pasa a víctima, cambia su visión del sistema al que pertence y defiende.
La obra invita al público a cuestionar como se observa y se juzga, sin tener en cuenta el shock traumático de las víctimas de violencia de género.
Prima Facie, se puede ver en el Multiteatro Comafi, todos los lunes y martes a las 20.15 horas. Las entradas se pueden adquirir por Plateanet o en la boletería del teatro. Tienen un valor de $23000.
Toda fórmula, sea desde la conducción más sencilla hasta el plataformas más recóndito, se cimenta en bases mutables; vemos a los videojuegos cambiar, adaptarse, predecir, acertar, errar, pero sobre todo, indagar en las profundas mecánicas que ha establecido. ¿Puede llegarse al límite exhausto de esta fórmula? ¿Al final del camino, podremos decir que no queda más por explorar?
Elden Ring: Shadow of the Erdtree es la expansión del Juego del Año 2022 con su mismo nombre, la penúltima obra de la eminencia de diseño de videojuegos en boca de todos, Hidetaka Miyazaki, que le ha elevado a pedestales tan góticos y eclesiásticos como emanan sus obras. Dark Souls, Demon Souls, Bloodborne,… los “Soulsborne” han sido la última gran fórmula entre los géneros, y nos encontramos ante un DLC y expansión que levantan su lanza sin ninguna vergüenza contra muchos juegos que vemos hoy en día, por tamaño, contenido, mecánicas,… y fórmula.
Shadow of the Erdtree nos lleva a las tierras sombrías, siguiendo la estela del empíreo Miquella, el Gentil, un semidiós del cual no mucho lográbamos saber en el juego principal. A lo largo de este reino de muerte buscaremos los lugares donde se desprendió de todo aquello que le hacía ser, hasta encontrarle. Por supuesto, la historia profundiza mucho, muchísimo más allá, pero como nos tiene acostumbrados Elden Ring, habrá que hacer una gran arqueología en inventario, imágenes y contextos para encontrar todos los secretos ocultos tras la vorágine.
De forma gráfica, Shadow of the Erdtree se permite jugar mucho más con simbologías y diseños, entregándonos la belleza en el horror gótico al que estamos acostumbrados. Estamos ante una expansión de gran belleza de escenarios, la cual no tiene costuras que mostrar. Encontramos muchas referencias iconográficas a todo lo que conocíamos; los cuernos son grises, la magia es azul, la Orden es dorada, de manera que podamos seguir el contexto y la historia mediante un rápido vistazo; encontrar enemigos, identificar bandos y reconocer incluso armaduras, colores y familiaridades. La ambientación, oscura y de pesadumbre, encuentra momentos para una reluciente paleta de colores, donde luces y sombras se muestran como galaxias en el firmamento, estelas de infinito brillo de muerte.
No se puede hablar de Elden Ring sin hablar de su dificultad. Y es que, en este caso, estamos ante el quizá perfeccionamiento de la fórmula, y no por ello quizá estemos ante algo de inmensa alabanza. Shadow of the Erdtree es muy, muy difícil; la escalada de daño, vida y poder de los jefes, pilar central de esta saga, se dispara infinitamente hasta ser inalcanzable, no tanto por un aumento exponencial de estadísticas sino por los constantes, incansables y constantes movimientos de los mismos. La mecánica de combate siempre alterna espacios de “esquivar” o “bloquear” al enemigo, y espacios de “castigo” para poder devolver el golpe, alternándolos hasta superar a un enemigo claramente imbatible. Sea dicho rápido y pronto; en Shadow of the Erdtree, estos espacios son ínfimos, rozando a veces lo impracticable para algunas armas. En ocasiones, los jefes son demasiado rápidos, salvo para músculos acostumbrados.
Afortunadamente, las tierras sombrías tienen para nosotros multitud de herramientas, obsequios y fórmulas para atravesar el mal con mayor facilidad. La gran variedad de armas, cenizas, conjuros y milagros que entrega el DLC permite, casi desde el principio, abandonar la build y hacer que quieras probar cosas nuevas. Esta expansión está para ser jugada, y todos los recursos que entrega, deben ser usados. Intentar forzar una build con simplemente esquivas resulta pronto contraproducente; los grandes jarrones están para lanzarse, las cenizas de guerra, para usarse, y los aliados, para conjurarlos.
Shadow of the Erdtree es la fórmula máxima de la saga souls. No puede conseguirse más que no se haya conseguido con el intercambio entre rodar y atacar; de ahora en adelante, tendremos que ver otras cosas. La agresividad de Bloodborne, la perfección de Sekiro,… el camino se extiende con nuevas oportunidades. Sin duda, llegar a las tierras sombrías es el precioso final de un extenso viaje, una parada casi obligatoria para todos aquellos que hemos visto el mensaje de muerte en la pantalla, y una oda a la fórmula, quizá no perfecta, pero sí perfeccionada.
El romance y la comedia se fusionan en “La otra cara de la Luna”, una película que transporta al público a la emblemática década de los 60, cuando la carrera espacial alcanzó su punto álgido. Bajo la dirección de Greg Berlanti, este filme ofrece una mirada única a uno de los eventos más importantes de la historia moderna: la misión de la NASA para llevar al hombre a la Luna.
La historia se centra en Kelly Jones (Scarlett Johansson), una brillante ejecutiva de marketing, y Cole Davis (Channing Tatum), un metódico director de lanzamiento de la NASA. Con Estados Unidos ansioso por vencer a Rusia en la carrera espacial, ambos personajes se ven obligados a colaborar para asegurar una victoria estadounidense. La trama gira en torno a la tensión de una misión fallida y el desesperado intento de la NASA por salvar su reputación.
Sus protagonistas deberán entonces ingresar a un plan tan arriesgado como controvertido: organizar un alunizaje falso. El conflicto surge cuando la Casa Blanca, consciente de la importancia de esta misión, ordena a Jones y Davis ejecutar este audaz plan, poniendo a prueba su profesionalismo y ética. Sin embargo, la cercanía y los constantes retos que enfrentarán despiertan una chispa inesperada entre ellos, desarrollando así una compleja relación que trasciende lo profesional. Esta situación, lejos de simplificar las cosas, añade una dimensión emocional a la ya de por sí complicada misión espacial.
Lo que me gustó:
El ritmo narrativo mantiene al espectador entretenido en todo momento, las actuaciones excelentes, un montaje espectacular y una dirección acorde a la historia. El protagonismo de Scarlett Johansson es evidente, tanto al frente como detrás de la cámara, ya que la actriz también tiene un papel importante como productora. Channing Tatum, por su parte, aporta su reconocida versatilidad interpretativa a un personaje que hará match con el de Johansson. También cuenta con la participación de talentos como Jim Rash, Ray Romano y Woody Harrelson, quienes complementan la narrativa con sus interpretaciones. La película cuenta con la dirección de Greg Berlanti (Love Simon). Su trabajo se enfoca en los matices humorísticos y románticos de la trama, mientras mantiene un equilibrio con el trasfondo histórico del alunizaje.
Lo que no me gustó:
Si bien la historia es interesante, llega a ser predecible y no se arriesga a dar un giro de vuelta, solo se mantiene como una aventura con un final feliz.
A quién recomiendo este film:
Recomiendo “La otra cara de la Luna» a los amantes del cine romántico y de comedia, así como a aquellos interesados en la historia de la carrera espacial. Es una película que combina de manera efectiva la nostalgia de los años 60 con una trama emocionalmente rica y personajes carismáticos.
De la gran oleada de inmigración europea a finales del XIX y comienzos del XX, la más importante fue la italiana, seguida por la española y la polaca, sin embargo hubo otro grupo que también llegó a Argentina con una mano atrás y otra adelante: Los irlandeses. Conocidos por sus duendes, San Patricio, cerveza, alegría, los scons y la gaita.
Buenos Aires fue una puerta para que estas comunidades comenzaran de nuevo y crearan una nueva Argentina. Sacrificio, trabajo pero también situaciones hilarantes marcadas por el choque cultural, todo es cuestión de suerte y esto es lo que buscaban estos inmigrantes, un trébol de cuatro hojas.
»Empujados por la Gran Hambruna de la papa, entre 1845 y comienzos del 1900, miles de irlandeses abandonaron sus tierras en busca de nuevos destinos.La joven Mary es enviada a Buenos Aires por su familia, con el anhelo de darle un futuro mejor y para concretar el matrimonio arreglado con Dido, su novio irlandés ya instalado en la Argentina». Esta es la reseña de Shamrock, obra original de Branda Howlin y dirigida por Nano Zyssholtz.
Justina Grande, Pablo Kusnetzoff, Gabriel Paezcy Caro Setton son los protagonistas de esta comedia de época. Los actores ejecutan personajes carismáticos en una Buenos Aires a comienzos de 1900. Con un libreto rítmico y clásico, los actores usan mímica, histrionismo y fuerza.
Marcos Murano es el responsable de la escena. Un telón negro, luces sepia y un kiosko movible que se transforma en distintos escenarios, haciendo de la obra minimalista y práctica con esta escenografía portátil.
Como buena obra de época, el vestuario no puede faltar, para eso Julieta Harca sabe cómo adaptarla y vestir a sus personajes.
Shamrock es una obra divertida, jocosa y encantadora. Una de las millones de historias que seguramente ocurrieron durante la oleada migratoria. Irlandeses con sus tréboles en la ciudad de la furia.
Shamrock está disponible los viernes en el Teatro Beckett.
Tuvimos el gusto de asistir a la obra “La gravedad de las burbujas” en el Teatro Camarín de las Musas. Escrita y dirigida por Juan Pablo Galimberti, es una propuesta bien interesante donde varias historias se desarrollan en paralelo compartiendo el mismo espacio y tiempo escénico. Una pareja en crisis; dos amigos que se encuentran y se reprochan y se reconcilian; dos amantes casuales en una noche apasionada y un músico que observa y mantiene conversaciones telefónicas con su madre envuelto en artefactos visuales y sonoros.
Actúan Ignacio Bresso, Pablo Dos Reis, Francisco González Gil, Sol Kohanoff, Catriel Kucharczuc, Julián Marcove, Franco Moix y Luciana Vitale. Todos ellos hicieron una gran labor escénica de sincronía y conjunto, resultando un abanico de personajes bien interpretados por los actores y bien escritos y dirigidos por su autor/director.
Se destaca el gran trabajo de escenografía ambientada en un departamento completamente funcional que nos permite fácilmente sumergirnos en esta propuesta. En lo musical pudimos escuchar en guitarra y voz una versión intimista de “Canciones para los días de la vida” de L.A Spinetta al comienzo a modo de apertura y luego más adelante de la obra otros clásicos del rock nacional, también en guitarra y voz, en una escena de clima nostálgico, de euforia y embriaguez. Buenos momentos musicales combinados con lo actoral.
La obra “La gravedad de las burbujas” es una obra experimental de situaciones cotidianas pero con la fenomenología de un “algo” que está en ebullición; de delicadas pompas en el aire y con un apagón que congrega por un momento mágico y significativo todos los personajes. Conceptos y símbolos profundos del ser y del arte que nos hacen reflexionar y reconocernos, se hizo lugar también al humor(infaltable) y a un dramatismo mínimo.
Muy buena obra, se disfrutó y se recomienda! Las funciones son viernes 20:30hs en el Teatro Camarín de las Musas
Una entrega más de esta saga y lo que sigue quedando en silencio es el verdadero origen de estos bichos que odian el ruido.
La tercer entrega de esta saga, que esta vez es una precuela que cuenta el primer día de la invasión de estas criaturas que odian el ruido. En esta oportunidad, no nos encontramos en un pueblito rural sino que estamos en plena ciudad de nueva york que, como bien explica la propia película, es uno de los lugares más ruidosos del planeta. ¿Valdrá la pena volver a hacer silencio para ver esta nueva entrega? Lo vemos más abajo.
La historia: Samira, representada por Lupita Nyong’o, es una paciente oncológica que no está claramente en su mejor momento. Reuben, interpretado por Alex Wolff, es su enfermero que intenta animarla con un viaje a la ciudad y ella acepta sólo si pueden comprar pizza en el camino de vuelta. Ya en la ciudad la visita tiene que ser reducida por un extraño suceso, unos extraños meteoritos impactan en la ciudad y el ejército parece estar alerta por el asunto. Le indican al grupo que debe salir de la isla de manhattan, y Samira queda decepcionada por no obtener su pizza. Aunque algo inesperado hará que sus planes cambien radicalmente. ¿Saldrán con vida de allí? Habrá que verla para enterarse.
¿Qué me gustó? Me parece que los personajes principales están muy bien construidos, especialmente Samira, tienen varias capas y un arco claro en la película.
¿Qué no me gusto? No aporta nada nuevo al universo. Estamos en la tercer entrega de esta franquicia y todavía no sabemos nada sobre el origen de estas criaturas, por qué atacan la tierra o si fueron enviados por alguien más. Simplemente sabemos que no soportan el ruido. Pero lo mismo le pasa a mí vecino de abajo y no vale la pena ver tres películas sobre eso.
¿Aporta algo nuevo al género? Todo lo que esta saga podía aportar al género ya lo hizo en entregas anteriores. El uso del silencio para no atraer a los monstruos y tener que expresar todo con la emoción de los actores y las señas fue un hallazgo en su momento, pero que ya para esta tercer entrega parece algo desgastado. Además, en esta oportunidad, no se aporta ningún giro para potenciar o resignificar la trama. Es esencialmente lo mismo que ya vimos en otro lugar y con otros personajes.
¿A quién recomiendo ir a ver esta peli? A los que disfrutaron de las dos entregas anteriores en principio. Al ser una precuela esta película puede verse sin haber visto las anteriores aunque no lo recomiendo, son entregas mucho mejores, especialmente la primera. Esta en cambio, se puede saltear tranquilamente y no se perdería mucho.
Disponible el 4 de julio en cines Calificación: 6/10 Duración: 100 minutos
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De cara a las vacaciones de invierno, se estrenó recientemente la obra «El Principito: Una aventura musical» con una imponente producción en el Teatro Opera. En una versión moderna en algunos detalles, la obra logra plasmar en el escenario un texto, que si bien puede ser difícil de adaptar, resulta encantador por su historia y emotivo mensaje.
Juan Pablo Baglietto toma el papel de Saint Exupery que tras quedarse con su avion descompuesto se encuentra con «El Principito» y lo hace participe de sus aventuras. En estas aventuras comenzamos a recorrer los planetas que visita este curioso personaje y es ahí donde disfrutamos variados y entretenidos números musicales en cada recorrido. Aquí vemos a alguien que tiene una pasión particular por la bebida, alguien obsesionado con el poder, un zorro que quiere ser domesticado y un personaje que sólo conoce la fama como estilo de vida. Cada de estos números están planteados de forma ingeniosa, a los que le sumamos también al reconocido personaje de la serpiente, que tiene una aparición más recurrente ya que va preparando el momento clave para la historia.
Si hay algo más que destacar además del trabajo de todos los artistas en escena es el nivel de producción con el que cuenta la propuesta, usando una imponente plataforma en el que se montan los escenarios de la historia, un avion que es un elemento importante en uno de los personajes y una serie de recursos audiovisuales que funcionan para narrar todas las aventuras que suceden en el cuento.
El Principito: Una aventura musical es una buena opción para estas vacaciones de invierno con la adaptación de una historia conocida por muchos pero que le agrega el ingrediente de show que sobresale por el nivel de producción y el talento de sus artistas.
FICHA TÉCNICA
ELENCO JUAN CARLOS BAGLIETTO: EL AVIADOR WALLAS: EL REY ROBERTO CATARINEU: EL ZORRO CARLOS MARCH: EL BEBEDOR FLOR OTERO: LA SERPIENTE JOAQUIN BAGLIETTO: HOMBRE DE NEGOCIOS ZAINA: EL VANIDOSO LUIS RODRÍGUEZ ECHEVERRÍA: EL PRINCIPITO VALENTINA PODIO: LA FLOR
BAILARINES: SERGIO CABRERA – AYELEN CERQUEIRO – NICOLAS CRISTODERO – JOSE DIAZ – QUIMEY FRANCO – TATO ORTIZ – MACA PALERMO – MARIA LINA SOLE
DIRECCIÓN GENERAL: EDUARDO GONDELL
OBRA ORIGINAL DE: ANTOINE DE SAINT EXUPÉRY ADAPTACIÓN DE: CARMEN CASTELLI
LETRA Y MÚSICA CANCIONES: RAQUEL RATTI / EDUARDO FRIGERIO PRODUCCIÓN MUSICAL: JULIÁN BAGLIETTO DIRECCIÓN COREOGRÁFICA: LAURA CATTALINI ¨CATTA¨ DIRECCIÓN DE PRODUCCIÓN DE AUDIOVISUALES: JUAN MANUEL RIPARI PRODUCCIÓN DE VISUALES 3D: DIEGO ¨ROSCA¨ ROZEK PRODUCCIÓN DE VISUALES 2D: SEBASTIÁN RAMSEG
DISEÑO DE PRODUCCIÓN GENERAL: JUAN MANUEL RIPARI para V8 DISEÑO DE ESCENOGRAFÍA: MARIANO SMALDINI DISEÑO DE VESTUARIO: ALEJANDRA ROBOTTI DISEÑO DE SONIDO: EUGENIO MELLANO LANFRANCO DISEÑO DE LUCES: ARIEL “GATO” PONCE Y LEANDRO FRETES DISEÑO DE MAKEUP y CARACTERIZACIONES : GUILLERMINA FERNANDEZ DISEÑO DE PEINADOS: CLAUDIA ZUCCHI y MIGUEL ÁNGEL GONZÁLEZ PARA MB SALON
PRODUCCIÓN EJECUTIVA: STELLA MARIS BLANCO PRODUCCIÓN DE CONTENIDOS Y COMUNICACIÓN: M.CECILIA CALLES PRODUCCIÓN INTERNACIONAL: MARCELO CHAO MANAGEMENT DE PRODUCCIÓN: SEBASTIÁN VÁZQUEZ – M. EUGENIA SANCHO GOÑALONS – TOMAS BRU MASSA COMPANY MANAGER: KARIN HÖHN ASISTENTE DE DIRECCIÓN: GERMÁN CRIVOS ASISTENTE DE COMUNICACIÓN Y PRODUCCIÓN: ANTONIA MASSA
PRODUCCIÓN TÉCNICA: FER “FELPA” ESCOBAR STAGE MANAGER: CAROLA GOLDMAN
PRODUCCIÓN GENERAL: CLUB MEDIA – ALEPH MEDIA – CARLOS MENTASTI.
Un unipersonal sin Julie Andrews pero con una gran Lucila Gandolfo
Este año se cumplen sesenta años del estreno de Mary Poppins, musical britànico que lanzó a la fama a Julie Andrews, actuación que le valió su primer y único Oscar; un clásico difícil de borrar de la memoria colectiva y que traspasa generaciones. ¿Quien no ha cantado sin enredarse la lengua Supercalifragilisticexpialidocious?, ¿O imaginado poder volar con un paraguas o cantar en la libertad de una montaña?
Julie Andrews ya tiene 88 años y es una de las pocas leyendas vivas del Hollywood de oro. Un homenaje a esta actriz es un gran desafío, pero Fernando Alibarranate y Julio Panno se arriesgan y nos traen »Una película sin Julie’
»La ilusión y la desilusión, la valentía y el temor, el ser o no ser nutren está bella, profunda, divertida, dolorosa y esperanzadora historia donde Julie, por presencia y por ausencia, es la coprotagonista, de la cinematográfica y musical vida, de Miss Catalina Lonely». Esta es la sinopsis de la obra original de Fernando Albinarrate la cual surgió de una idea de Lucila Gandolfo.
Lucila Gandolfo nos regala una de sus mejores actuaciones al pasar por las diferentes edades de Catalina Lonely, un personaje ficticio pero que puede ser cualquier persona influenciada por Julie Andrews o cualquier artista musical de la época dorada hollywoodense. Gandolfo pasa por la niñez, adolescencia, adultez temprana, madurez e inicios de la vejez en esta obra, para ello sus dotes actorales son una muestra de excelencia. La actriz cambia de voz, expresión corporal y sincronía para ligeros cambios de maquillaje y vestuario en vivo, todo mientras canta las canciones de La novicia rebelde y Mary Poppins en un perfecto inglés y bajo una talentosa voz.
Miguel Ale Granado y Julio Panno son los encargados del escenario el cual consta de cuatro sillas, una mesa, un piano, una tela verde y un paraguas colgado a la espera de que la actriz vuele como lo hizo Mary Poppins. Panno también se encarga del diseño de luces dando especial énfasis en el paraguas, este se va a reflejar a medida de que la actriz vaya desarrollando la historia de su personaje.
La música en vivo es el apartado que trae la magia para la voz de Gandolfo, nos mete en un musical de la década de los sesenta. Fernando Albinarrate y Nicolas Di Lorenzo son los encargados de revivir las partituras de estos clásicos del cine.
Una película sin Julie es una obra esencial que nos lleva a la infancia. Tierna, conmovedora y con la gran moraleja de seguir soñando y no dejar la música atrás. Una Gandolfo en la piel de Julie Andrews y por un instante, la misma Julie en el Teatro Maipo.
Disponible los Jueves a las 20 horas en el Teatro Maipo.
Waterloo: Summer night city es un musical de producción nacional que nos trae una historia ambientada en los años 80’s y también de ABBA para desarrollar las aventuras de los personajes. Se trata de una obra que cuenta con mucho talento que sabe desenvolverse en el escenario y que nos otorga un buen homenaje para los fans de la banda sueca.
Es cierto que es inevitable pensar en Mamma Mia por el hecho de tratarse de un musical inspirado en ABBA, también teniendo en cuenta que dicha obra se encuentra actualmente en cartelera, pero la realidad (sea intencional o no) son claras las diferencias y a la vez es un complemento al compartir algo fundamental, su música. Acá vemos una serie de historias que se ven impulsadas por el pesar de Emma, que al terminar con su novio decide emprender en una tarea que le permita salir adelante. Es así como aparece la disco Waterloo que está en la búsqueda de la próxima «Dancing Queen», este concurso trae aventuras, amores y la aparición de personajes que también tienen algo que contar.
Más allá de la historia de amor de la protagonista, un personaje que llega a robarse el show es el de Lady M, una drag queen interpretada por Naza Marozzi que resulta ser quien retenía el trono de dancing queen durante varios años pero que en esta ocasión las cosas estaban sometidas al cambio, y por ende, al desarrollo de su personaje. Puede que haya hecho un párrafo aparte en esto, pero el carisma que destella y como conduce los tramos que resultan un show durante la obra, merece destacarse.
El hecho de decir que la obra cuenta con un argumento simple, no hay que tomarlo como algo malo. Lo narrativo cuenta con un carácter muy distendido, esto para hacer posible sus pasos de comedia, en donde lo que quizás puede parecer cliché, está en función de que el público lo pase bien y podamos disfrutar de los números musicales en consecuencia, y voy a decir que esto está bien logrado ya que el disfrute en general está garantizado.
Uno de los aspectos más destacados de la producción son sus números musicales, esto no se debe solo a una cosa. Primero hay que destacar la labor de los artistas en todo su conjunto, porque realmente cantan bien e interpretan de manera destacada las coreografías y las canciones, que son el elemento fundamental de la obra. Mención especial para Georgina Tirotta, quien estuvo a cargo de las coreografías, que ha logrado un trabajo muy dinámico con todo su elenco.
Waterloo: Summer night city es una obra más que disfrutable, donde tenemos una historia divertida complementada con el talento de los artistas que dan grandes números musicales, sin olvidar algo importante, la música de ABBA. En cuanto al repertorio , claramente hay que decir que las canciones más iconicas de la banda están presentes aunque también deja espacio para otras canciones que están fuera del top de reproducciones. Waterloo es una fiesta que se puede disfrutar los martes en el Teatro Metropolitan.
Funciones: Martes 20:30 horas en Teatro Metropolitan
Entradas por Plateanet
Duración: 80 minutos
FICHA TÉCNICA IDEA ORIGINAL: Loli Miraglia PRODUCCIÓN GENERAL: SDO ENTERTAINMENT de Loli Miraglia y Lucas Mentasti. DIRECCIÓN GENERAL: Nicolás Sorrivas MÚSICA Y LETRAS: ABBA LIBRO: Loli Miraglia, Nicolás Sorrivas PRODUCCIÓN MUSICAL y ARREGLOS: Nech Miraglia DIRECCIÓN VOCAL: Pablo Arias García ASIST. DE DIRECCIÓN VOCAL: Anahí Core COREOGRAFÍA: Georgina Tirotta ASIST. COREOGRAFÍA: Delfina Dilavello ASIST. DIRECCIÓN: Natalia Rios PRODUCCIÓN EJECUTIVA: Shirly Lapides STAGE MANAGERS: Shirly Lapides y Natalia Rios. MAIN STAGE: Carolina Perrotta ASIST. PRODUCCIÓN: Ines Rodriguez Berdier, Chiara Chevalier, Gaspar Dallinge, Tomás Salvador, Martín Palladino y Manuela Hyland. DIRECCIÓN DE ARTE: Nicolás Sorrivas DISEÑO DE VESTUARIO: Ana Espósito DISEÑO DE ILUMINACIÓN: Leandro Fretes
REALIZACIÓN ESCENOGRAFÍA: Arte POP Realizaciones
DISEÑO DE MAKE UP Y PELO: Ana Paula Amaya Santi
MAKE UP Y PELO: Delfina Delpino y Ana Paula Amaya Santi
DISEÑO PEINADO PELUCA LADY M: Luciano Saccone HIlalgo
FOTOGRAFÍA: Nicolás Fernandez
ARTE GRÁFICO: Nicolás Rejlis
DISEÑO Y ADAPTACIONES: Camila Cicirone
PIANO EN GRACIAS POR LA MÚSICA: Mariano Margarit.
AGENCIA MARKETING DIGITAL: Usina Ferré
REDES SDO: Martina Benedit
PRENSA: SDO: Loreley Ramirez.
AGRADECIMIENTOS: Valeria Bafaro apoyo RRPP y Zona Cotillón de Vanesa Santillán.
Hellblade fue luego de la adquisición de Ninja Theory, la ip que le daría a Xbox con su secuela la aclamación que la compañía necesitaba y que además sea la demostración del portento que las consolas de nueva generación posee. Estamos ante un juego que nos brinda una experiencia inmersiva que respeta (para bien y mal) la esencia de la primera entrega, junto con un nivel de detalle gráfico que cumple para demostrar las capacidades de la consola y del estudio desarrollador.
Vamos un poco con Hellblade Senua’s sacrifice, que supuso el viaje de una gerrera celta que busca recuperar a quien le arrebataron e iniciando una batalla contra dioses de la mitologia nordica y contra ella misma, porque la pelea contra su propia mente es uno de los aspectos más destacados del juego en lo narrativo. El título si bien cuenta con un gameplay bien planteado, cuenta con un ritmo más pausado y un sistema de combate, aunque efectivo requeria algo de mejora. La realidad es que este título era un juego independiente con una excelente producción que cuido cada detalle pero no debajo de ser un título creado por un equipos pequeño. Ahora bajo las anclas de xbox, se tomaron el trabajo de ser una gran experiencia en lo gráfico e inmersivo, que logra con creces aunque también comete algunos errores en su gameplay del que se esperaba una evolución, aunque no defraude.
El juego nos introduce en un resumen de los hechos del título anterior, siendo consciente de que pueden haber nuevos jugadores que entran en este título gracias a la disponibilidad en game pass. La realidad es que si es necesario tener un conocimiento previo de los hechos pasados y de esta forma lo cumplen. Senua se une a un grupo de esclavos con la intención de vengarse de los esclavistas aunque también libra una batalla contra la oscuridad que lleva dentro. En cuanto a los controles estos son sencillos, nos encontramos con dos tipos de ataques, el esquive y la concentración que nos permitirá usar mejor a senua en combate. Nos encontramos en el título con secuencias de acción muy potentes que nos regala los mejores momentos del juego, también vamos por los usuales Puzzles que nos permite avanzar y aunque no cuenta con gran ingenio, resulta bastante entretenido. Puede que no busque innovar en la jugabilidad y el gameplay puede resultar algo corto en duración, pero se hace una aventura muy llevadera gracias a que todo está implementado en base a la narrativa, que es mucho más cruda que la primera entrega.
En cuanto a lo gráfico, si podemos decir que estamos a lo que debería ser el standar de lo que a juegos Next Gen se refiere. Obviamente estamos ante un momento de la industria donde cada vez es más difícil desarrollar juegos ante la exigencia y el presupuesto que requiere hacer juegos que puedan estar a la altura de la generación a nivel gráfico. Si bien hay un concepto erroneo que los gráficos se asocian con el hiperrealismo, sino más bien con el detalle del entorno en conjunto al apartado artístico. Es una realidad que este título cumple con ambas cosas, el detalle en la expresión de Senua y como se ve adaptado el entorno donde se desarrolla el juego es tan impresionante que nos da una experiencia inmersiva gracias al excelente trabajo de sonido, que fue uno de los aspectos que destacaron también en el primer juego.
Si, Hellblade 2 no es una experiencia perfecta, quizá por todo lo que se esperaba de el. Pero la realidad es que todos de los que disfrutamos del primer juego vemos presente la esencia del mismo y una clara evolución del personaje, de la crudeza de su historia y de la forma impresionante que nos muestran su mundo y las emociones de senua durante toda esta aventura.
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