Reseña: Cero en conducta

La obra de teatro «Cero en conducta» es una propuesta divertida y sorprendente que logra captar la atención del público desde el inicio. Con una trama inicial aparentemente centrada en la comedia adolescente y los primeros pasos en la vida sexual de los protagonistas, la historia se va desarrollando de una manera inesperada y profunda, manteniendo al espectador en suspenso.

Pierina es la mejor alumna del colegio y no puede ver el mundo de otra manera. Darío, en cambio, es un caso perdido y está a punto de repetir el año. A pesar de sus diferencias, él acepta visitarla para estudiar química juntos, sin saber que esa noche perderá la virginidad y será parte de un oscuro plan.



La buena química entre los actores en escena es evidente, lo que se traduce en una actuación convincente y llena de energía. Los números musicales son destacables, tanto en actuaciones individuales como en dúos, aportando dinamismo y emoción a la trama. En la dirección de Nicolás Sorrivas se hace notar  la creatividad y el talento demostrado en la obra, con un escenario que logra transmitir la ambientación de una habitación y una sala de detención de forma efectiva. La autoría de Mario Mendoza y Sergio Cavero se ve en escena con una historia que parece simple pero resulta ingeniosa y sobre todo divertida.

El uso de luces y sonido complementa de manera acertada la narrativa visual de la obra, creando un ambiente inmersivo para el espectador. Las canciones, en especial la canción de clímax, son pegajosas y aportan un elemento adicional de diversión a la comedia.

Cero en conducta es una obra que ofrece una experiencia teatral completa, combinando comedia, música y sorpresas argumentales de manera efectiva. Una propuesta que garantiza una noche amena y entretenida en el teatro, dejando al público satisfecho y con más de una sonrisa en el rostro.

Ficha técnica:

CERO EN CONDUCTA
de Mario Mendoza y Sergio Cavero

Con: Martina Ruda Bart y Guido Encinas
Covers: Luz Navarro y Gerónimo Esthirle (saldrán juntos en la función del 7/3)
Dirección: Nicolás Sorrivas
Dirección vocal: Lucía Berraud
Puesta en escena y dirección de actores: Nicolás Sorrivas y Cecilia Miserere
Coreografías: Nazarena Asciutto
Diseño de luces: Julieta Schwartz
Diseño de escenografía y vestuario: Nicolás Sorrivas
Escenografía y vestuario: Carolina Pintus
Stage manager: Natalia Ríos
Asist. dirección: Marina Biondi
Producción: Matcha Contenidos

JUEVES 21:00 HS – EL MÉTODO KAIRÓS
El Salvador 4530, CABA
Entradas en venta por Alternativa Teatral

por Deja un comentario

Reseña: Enamorarse es hablar corto y enredado

La obra, que desde 2017 viene presentándose en distintas salas del circuito teatral porteño, vuelve este 2024 al Camarín de las Musas los sábados a las 20:30hs. 




Un árbol, un banco. Ella de ciudad, él de campo. Esos dos que temen y, a la vez, quieren acercarse. El tiempo pasa en la plaza, el mate va y viene, las palabras van y vienen. El encuentro entre ambos se vuelve corto, enredado y, quizás, posible.
Leandro Airaldo, dramaturgo y director, crea un texto que respira su propio tiempo. El encuentro entre Ana y Pedro es gradual, el deseo va despertando a través del diálogo. Llenar el silencio y no abordar de frente eso que realmente se quiere decir. El texto juega, está plagado de diálogos picados y cortos que tropiezan y se enredan. El encuentro con la otredad y todo su misterio es, quizás, posible. El amor surge en ese tiempo de intercambio. La palabra se vuelve cuerpo, abrazo, beso.
Ana, una chica que se siente fea y “cuerpo- anónimo” e invisible en ese ambiente urbano, y Pedro, un hombre viudo de campo que ceba y ceba mate, son encarnados de forma sutil y precisa por Sol Rodríguez Seoane y Emiliano Diaz. Ambos logran matices en el decir que vuelven atractivo y vertiginoso al diálogo. Por momentos tímidos, por momentos alzados, por momentos con giros clownescos, un elenco que despliega versatilidad y encanto. Las corporalidades tan distintas en ambos, rectitud (ella), cuerpo encorvado por el trabajo en el campo (él), terminan acercándose lento hasta encontrar la unidad híbrida. Ambos actores abordan un presente en el que conviven el humor, las ansias de futuro, el deseo y el recuerdo de un pasado triste y también feliz. Todo contradictorio, todo enredado, como el intento del yo por acercarse a ese otro. “Enamorarse es hablar corto y enredado” humaniza a estos dos personajes que tanto se han estereotipado a lo largo de la historia. Los actores les dan vida de forma propia y original.
La escenografía (Miguel Nigro) es inteligente, simple y ajustada: un árbol, un banco de plaza que gira sobre sí mismo y da aire al cuadro fijo en el que se desarrolla la acción de la obra permitiendo, a su vez, tener distintos puntos de vista sobre el encuentro de Ana y Pedro. Las luces cálidas, los sonidos de calle y de pájaros volando terminan de crear el espacio donde el encuentro se produce.
Una mariposa se cruza varias veces e interrumpe el diálogo. “Enamorarse es hablar corto y enredado” plantea un tiempo en donde el deseo por comprenderse y acercarse se desarrolla como una oruga. Una obra tierna y poco predecible que mantiene al público activo a la espera de qué ocurrirá con esos dos que se entienden y no. Por y a pesar de todo lo misterioso, diferente y confuso de la otredad, el encuentro es aún posible .
FICHA TÉCNICO ARTÍSTICA


Dramaturgia y dirección: Leandro Airaldo// Actúan: Emiliano Diaz, Sol Rodríguez Seoane// Vestuario: Alicia Macchi // Escenografía: Miguel Nigro// Iluminación: Luciana Giacobbe// Realización de escenografia: Manuel Escudero// Música y sonido: Silvia Vives// Diseño: Nadia Estebanez, Veronica Lopez// Asistencia de dirección y producción: Nadia Estebanez.


“ENAMORASE ES HABLAR CORTO Y ENREDADO”- SÁBADOS 20:30HS- EL CAMARÍN DE LAS MUSAS (Mario Bravo 960)


Escribió: Micaela Steinbach

por Deja un comentario

Análisis: Like a Dragon: Infinite wealth

Desde que Sega empezó a impulsar su saga Yakuya, sobre todo en occidente con el renombre de «Like a Dragon» y la salida de sus títulos en game pass ha hecho que la franquicia regrese por todo lo alto. Ahora con Infinite Walth estaba el desafío de afianzar esta franquicia con otro título nuevo, y podemos amticipar que lo ha logrado.

En cuanto a su historia, si toca aclarar que es un juego que se puede probar de manera independiente si no jugaste los anteriores, ya que el título no tarda en ponerte en contexto pero si se trata de una historia algo continuista. Ichiban Kasuga vuelve a ser el protagonista, quien está tratando de rehacer su vida tras los acontecimientos anteriores. Pero ciertas acciones termjna descontrolado su vida, y bueno, ya sabe que es lo que debe hacer. También tenemos la noticia de que la madre biologica está vica, por lo que debe emprender un viaje en Estados Unidos para resolver este enigma. 

El traslado hacia Hawaii resulta un soplo de aire fresco para la saga, ya que una vez que llegamos, tenemos miles de cosas para hacer, no solamente en lo que al juego nos compete, sino también hacer un recorrido turístico por el lugar. Ya que podemos gastar dinero en excursiones, cursos y experiencias que servirán para mejorar nuestros atributos.  El contenido que tiene el juego es realmente extenso y no solamente es un añadido para rellenar las horas de juego, sino que es un complemento que enriquece a la personalidad de nuestro personaje. 

Obviamente tenemos que centrarnos en el combate, que es uno de los puntos álgidos que deviene en el interés que se tiene por esta saga. El título utiliza el método característico de los RPG donde marca los sitios con mayor o menor peligro, lo que hace que el jugador pase por ciertas zonas o decida saltarse algunas para pasar cuando se cuente con una mayor experiencia y habilidades. El combate es bastante sencillo, nos ponen a nuestros personajes en un área restringida, ahí nos indican cuáles son nuestros ataques, habilidades y demás, en un título donde si bien predomina la estrategia, la acción se hace muy presente.

En cuanto a lo técnico y visual, hay que decir que logró hacerse un excelente trabajo en un juego, que si bien trata de mantener la esencia y un estilo más orientado al jrpg, sus gráficos se asemejan a juegos también llevados al público occidental. La ambientación en Hawaii es más que perfecta, ya que muestra muchis sitios de interés y se aprovecha ese paisaje turístico para llenar el juego de actividades. 

Like a Dragon; Infinite Wealth es la consolidación de una franquicia que supo expandirse y está dando lo mejor de sí para llegar cada día más a nuevos jugadores. Como recomendación, si estaría bueno que le des un repaso a los demás títulos de la saga pero también hay que considerar que es un juego muy divertido y lleno de contenido donde puedes pasar cientos de horas.

Calificación 8.5/10

por Deja un comentario

Crítica: El libro de las soluciones

¿Hasta donde podemos llegar para llevar a cabo nuestra idea? Esta pregunta nos propone esta peli, posiblemente una de las más autorreferenciales de Michel Gondry, a quien muchos de nosotros conocimos y nos enamoramos con “Eterno resplandor de una mente sin recuerdos”.
¿Este film estará a la altura de ese clásico o será una triste copia de sus anteriores entregas? Nos enteramos más abajo.



La historia:
Marc, interpretado por Pierre Niney, es un director de cine que intenta llevar adelante una película que ni los ejecutivos de la productora, ni su productor ejecutivo y amigo quieren que termine y ni siquiera entienden.   Por esta razón Marc decide secuestrar su película con la ayuda de su editora Charlotte y su productora Sylvia.
Deciden instalarse en la casa de campo de su tía Denise, interpretada por Françoise Lebrun. Desde allí, y luego de decidir dejar su tratamiento médico, decide  terminar de realizar su tan soñado film, cuya edición extrañamente se rehúsa a ver. 
Para colmo, al director no para de tener ideas locas, cada una más disparatada que la anterior, muchas de ellas las vuelca en un viejo proyecto inconcluso que tenía de pequeño llamado “el libro de las soluciones”. ¿Podrán Marc y su equipo finalmente terminar esta película que nadie parece entender, o quedará en el olvido o lo que es peor, en manos de la productora?

¿Qué me gustó?
Captura muy bien todo lo que tiene que ver con un proceso creativo, las locuras, el acecho de las ideas. Él protagonista que es el director podría ser un personaje odioso, pero en cambio la peli logra que nos identifiquemos con él y hasta por momentos le tengamos algo de pena.
Y el universo que crea Gondy en sus películas, que mezcla animación stop motion, con recursos artesanales, dan cuenta y contagian el amor por el cine y por la magia que conlleva que la pantalla grande nunca debería perder.

¿Qué no me gustó?
La peli no se preocupa demasiado por explicar lo que tiene que ver con todo el proceso de hacer una película por lo que quizás si uno no lo conoce mínimamente puede no sentirse involucrado.

¿Aporta algo nuevo al género?
A mi entender, Gondry es un sub género en sí mismo, esta peli es muy fiel a su estilo, se podría decir que una de las más personales que tiene.
En cuanto a la comedia, que es al género a la que esta peli pertenece, lo hace bien de una manera muy sutil y hasta se podría decir que artesanal, que poco a poco va creciendo y termina resultando super efectiva.  

¿A quién recomiendo está peli?
A todos los que disfrutan del cine de Gondry, este director tiene un universo y una forma de contar única que se aprecia claramente en esta película.
Y a todos los que estuvieron involucrados en algún proceso creativo, principalmente realizadores audiovisuales pero no sólo ellos. Creo que se van a sentir identificados con los procesos, las ideas locas y los idas y vueltas que esto conlleva.

Calificación: 7/10
Estreno: Se estrena dentro del marco del festival de cine francés del 21 al 27 de marzo en Cinépolis Recoleta.

Para otras opiniones sobre cine y algún que otro cuentito seguirme en Instagram @cronicadeunavidacualquiera.

por Deja un comentario

Crítica: Kung Fu Panda 4

Pensábamos que ya todo había terminado pero no, volvió el famoso panda Po para una nueva aventura. ¿Será una entrada necesaria en la serie o simplemente están exprimiendo las últimas gotas de esta jugosa franquicia? Lo vemos más abajo.



La historia:
El ya establecido guerrero dragón, nuestro querido panda Po interpretado por  el genial Jack Black, está ejerciendo su rol con mucha soltura y disfrutando esto de ser un héroe y como él dice “patear traseros”. Claro que el maestro Shifu, interpretado por Dustin Hofman, no va a dejarlo tan tranquilo y le dice que ya es tiempo de pasar el manto a un nuevo guerrero y que él tome el rol de maestro espiritual.
Por supuesto que Po no está muy de acuerdo y cuando le toca elegir al sucesor se elige a él mismo, justo a tiempo para resolver la misteriosa nueva aparición del villano de la primera película, el tigre Tai Lung.
Todo parece un gran misterio hasta que aparece Zhen, una pequeña zorra interpretada por Awkwafina (si, se escribe así), que intenta robar objetos antiguos del templo y es detenida por el Kung Fu Panda. Juntos  intentaran resolver el porqué del regreso de este peligroso villano.

¿Qué me gustó?
Los personajes y el humor es realmente genial, especialmente el ida y vuelta entre los dos protagonistas, Jack Black y Awkwafina (para quienes no la conocen es la amiga de Shag-Chi en el universo Marvel) es muy divertido y me parece lo más destacable de la peli.
La forma en que incorporan elementos no sólo de la cultura China, sino también de las películas de Kung Fu me parece que siempre estuvo muy bien lograda en esta serie y es muy respetuosa, y esta entrega no es la excepción.

¿Qué no me gustó?
La historia es algo intrincada y tiene elementos que vienen de las pelis anteriores, más que nada sobre la primera de ellas, lo que a veces hace que uno se pierda algunas cosas por no recordar tan bien estas entregas, cuya primera entrega fue hace 16 años.
Claro que esta peli intenta cerrar un poco la serie, aunque sabemos ya que estas franquicias nunca terminan por mucho tiempo, siempre se las arreglan para volver aunque sea con algún personaje secundario.



¿Aporta algo nuevo al género?
No, pero si nos muestra cómo hacer muy bien este tipo de pelis. Para responder a la pregunta del principio, esto no es una secuela hecha sólo para recaudar (o por lo menos no es sólo eso)  sino que revitaliza la franquicia e incluso puede llegar a marcar algunos posibles caminos para continuarla a futuro.

¿A quién recomiendo ir a ver esta peli?
Por supuesto a todos los fanáticos de la serie, no hace falta que hayan visto todas las películas anteriores, si seguramente la primera. Es una peli que van a disfrutar los chicos y también los grandes.
Así que si no tenés chicos propios es una buena peli para llevar a tu sobrino como excusa.

Calificación: 7/10
Estreno: Jueves 7 de marzo en cines

Para otras opiniones sobre cine y algún que otro cuentito seguirme en Instagram @cronicadeunavidacualquiera.

por Deja un comentario

Crítica: Atrapados en lo profundo

Ya hay varias pelis donde atacan los tiburones y otras dónde los aviones se estrellan, pero a nadie se le había ocurrido combinar las dos hasta ahora.
¿Cómo será esta mezcla de “tiburón” con “viven” bajo el agua? Lo veremos más abajo.



La historia:
Ava, interpretada por Sophie McIntosh, es la hija del gobernador de California y se dispone a emprender un viaje al caribe con su novio y un amigo, y por supuesto su guardaespaldas Brandon, interpretado por Colm Meaney. Según ella les explica a sus amigos es un pedido de su padre aunque poco tiempo después descubrimos que fue ella la de la idea por no sentirse segura.
Ya en el vuelo conocemos a los demás personajes que viajan en el avión, como por ejemplo una pequeña niña, Rosa,  que viaja con sus abuelos (aunque no se dejen engañar por el nombre es rubia de ojos celestes), también conocemos a los tripulantes y sus opiniones de los demás pasajeros, especialmente a Danilo, un joven sobrecargo que no parece apurado en casarse con su pareja.


Pero esto es una película catástrofe por lo que todo este clima de familia y camaradería no puede durar mucho, por lo que unas aves impactan en una de las turbinas del avión y los restos del fuselaje impactan con la cabina abriendo un gran agujero en la aeronave, haciendo que impacte en el medio del mar.
Casi todos los pasajeros mueren salvo, casualmente, los que nos tomamos el tiempo de conocer que se encuentran en la parte trasera del avión en una precaria burbuja de aire. ¿Podrán sobrevivir a todos estos problemas, sumado a los tiburones que los acechan en las profundidades? Habrá que ver el film para descubrirlo. 

¿Qué me gustó?
Los personajes, está peli se da un buen momento para conocerlos y que realmente te interese si viven mueren, incluso se les da un arco a cada uno que logran ir cerrando, claro que a veces a pesar de la lógica que la misma película propone.

¿Qué no me gustó?
Hay situaciones que sólo tienen lógica y se justifican porque el director quiso o para establecer un punto, especialmente con lo que tiene que ver con el liderazgo de la protagonista, que sólo se da porque lo necesita el personaje para completar su historia.

¿Aporta algo nuevo al género?
No, es bastante de manual en cuanto a películas catástrofe, pero lo hace muy bien y tomándose el tiempo necesario. Realmente logramos conocer a cada personaje para que tengamos interés por ellos, no son caricaturas bidimensionales cuyo único propósito es servir a la trama como sucede en otras películas similares.

¿A quién recomiendo ir a ver esta peli?
A los amantes de este género, van a encontrar una peli bien contada y bastantes problemas y tragedias que se van sucediendo, aunque algunas algo previsibles.
Vale decir que no aporta demasiado a los que les gusta consumir irónicamente este tipo de pelis, algún que otro chiste puede aparecer pero no se destaca en esto el film.

Calificación: 6/10
Estreno: Jueves 7 de marzo en cines

Para otras opiniones sobre cine y algún que otro cuentito seguirme en Instagram @cronicadeunavidacualquiera.

por Deja un comentario

Crítica: Imaginario, juguete diabólico

Por Santiago Merlini

Si observamos el póster de Imaginary recibiremos una pista sobre a qué se va a asemejar: “De los productores de Five Nights at Freddys y de M3gan”.
Una historia de una niña y un juguete (Megan). Un oso de peluche con poderes sobrenaturales (Five Nights at Freddys). Esto es Imaginary de Jeff Wadlow, una película de terror que combina algunas fórmulas ya utilizadas por su casa productora, Blumhouse.



Wadlow vuelve a incursionar en el subgénero que más conoce, el terror sobrenatural, para traernos la historia de Jessica (DeWanda Wise), una joven y exitosa dibujante que vuelve a su casa de la infancia acompañada por su nueva pareja Max (Tom Payne) y las dos hijas de él: Taylor de 15 años y Alice de 8 años. La última y más pequeña de las hermanas encontrará en el sótano de la casa a Chauncey, un oso de peluche que anteriormente pertenecía a Jessica. Rápidamente la niña desarrolla un apego total con Chauncey y descubriremos que el oso de peluche es más que un simple juguete para niños.

Moviéndose dentro de un mundo interesante como es el de los amigos imaginarios, la película logra generar buenos momentos de tensión ayudándose de la buena dirección de Wadlow y de un monstruo poco común como es un osito de peluche. El guión correcto aunque repetitivo en algunas cuestiones cae en varios clichés y lugares comunes del género en los últimos años.

Para fans del terror tenemos que remarcar la participación de Betty Buckley en la película, como la anciana que vive en la casa de al lado de la familia. La veterana actriz que conocemos por su papel de psicóloga en Fragmentado (2016) o por su histórico rol como la profesora de educación física de Carrie, en el film del mismo nombre dirigido por Brian de Palma en 1976.


Al ver Imaginary se van a encontrar con una película que construye algunos buenos sustos y algunas buenas reflexiones acerca de las amistades y la familia. También algo que comparte con M3gan es el contar su historia desde una perspectiva femenina y en este caso agregando una mirada generacional, ya que tenemos mujeres de diferentes generaciones enfrentadas a este mal que nace de la imaginación.

Un concepto interesante para destacar de la historia y para prestar atención es como el mal y la respuesta a ese mal nacen del mismo lugar: la imaginación fértil de una persona creativa.

Espero que puedan verla y formular sus propias opiniones sobre ella. Saludos.

Estreno en cines: 7 de Marzo

Calificación: 6/10

por Deja un comentario

Análisis: The Thaumaturge para PC

Por Marta RG

¿Alcanzarás a ser relevante?

En el juego encarnamos a Wiktor Szulski, un personaje curioso con un desarrollo de personalidad ya que se trata de un taumaturgo algo diferente.

Los taumaturgos son personas que pueden de algún modo relacionarse con los Salutor, unos entes sobrenaturales que campan tranquilamente por nuestro mundo (y bastante malrolleros). Pues bien, Wiktor no solo puede relacionarse con ellos sino que, al contrario de lo habitual, él puede contactar con más de uno lo que le hará conseguir ciertas ventajas.

Nos encontramos en el s. XX, en una Varsovia plagada de diversos intereses políticos que dará una ambientación muy llamativa al juego en general que se nos muestra con una vista isométrica. Nuestra historia se centra en la vida de Wiktor después del fallecimiento de su padre y su viaje para volver con su hermana. 

Lógicamente no podía ser esa la única intriga latente en el juego, así que se irá complicando la cosa según avancemos en nuestra historia.

Relaciones y desarrollos

Como he dicho, Wiktor puede interactuar con distintos Salutor aunque nuestro principal aliado es Upyr. Cada uno de los Salutor tiene habilidades diferentes que nos vendrán muy bien para conseguirlas y que Wiktor salga victorioso de todo tipo de situaciones.

Esta dinámica de absorción es sencilla, pero hace que nuestro protagonista acabe maltrecho por lo que debemos tener en cuenta la situación e intentar curarnos cuanto antes.

Es importante saber que estamos ante un RPG por lo que nuestras decisiones es posible que generen todo tipo de consecuencias. Aunque siento que en este aspecto el juego flojea bastante, al final se toman un puñado de decisiones que apenas tienen relevancia durante la trama.

Al final acabamos en el mismo punto (en muchas ocasiones) independientemente de las decisiones que tomemos.

La trama y las subtramas

Aquí, como pasa en muchísimos juegos, casi resulta más interesante el mundo secundario que el principal. Además, es muy recomendable llevar a cabo misiones secundarias ya que nos mejorarán las facultades de Wiktor que nos facilitarán el avance (en este punto me recordaba bastante a Mass Effect guardando las distancias).

Pero, no recomiendo ir a fuego a por las secundarias ya que habrá momentos en los que el juego bloquee el desarrollo de personaje hasta avanzar en la trama principal ya que necesitaremos haber desbloqueado algo previamente.

Por otro lado, el hacer misiones secundarias nos ayudarán a mejorar en combate. El combate se desarrolla por turnos y siempre contaremos con dos acciones: la nuestra y la del Salutor por lo que siempre es recomendable haber avanzado en sus especializaciones para sacarle más partido al combate.

Este aspecto queda de nuevo algo flojo aunque los final boss sí que son bastante llamativos y algo complicados, el combate en general se hace algo monótono y superfluo si le pillas el truco.

La apoteosis final

Si algo me ha gustado del juego es el final. Y lo que siento es que me descuadra totalmente del conjunto jugable. Mientras que las primeras partes son monótonas y apenas aportan trascendencia, en la última parte tenemos todo de golpe.

Todo lo que habíamos ido decidiendo por el camino y que pensábamos que no repercutía en absoluto, sorpresa, sí lo hace. Todas las interacciones, relaciones y decisiones vienen ahora para cambiar por completo nuestra historia.

Las misiones que se terminaban haciendo repetitivas y cansinas, se eliminan en gran medida en el final por lo que nuestra única preocupación debe ser salir airosos de las decisiones que hayamos tomado.

Conclusión

Si The Thaumaturge hubiese sido como en el último tramo durante todo el juego habría sido una auténtica maravilla. La localización está muy lograda y resulta atractivo explorar todo lo posible, pero pincha en lo jugable ya que se hace muy cansino.

Decisiones que sentimos que no van a ningún lado y misiones que se amontonan para resolverlas de la manera más sencilla posible, entorpecen un final genial que casi logra hacernos olvidar la previa.

Una pena que ese talento que se atisba solo se deje ver en el final y no a lo largo de todo el juego.

por Deja un comentario

Análisis: Lords of Exile Para Nintendo Switch

Por Diego Martinez



Lords of Exile nos lleva a Exilia, un reino sumido en la oscuridad de una maldición que corrompe a sus habitantes. Controlaremos a Gabriel, un caballero maldito en busca de redención, enfrentándose al desafío supremo de derrotar al Señor Oscuro y liberar al mundo de su agonía.



Lords of Exile nos sumerge en una experiencia única al fusionar la esencia retro de los plataformas clásicos con mecánicas modernas. Tanto controlando a Gabriel como a Lyria, la precisión en el movimiento, la superación de obstáculos y la constante adquisición de nuevas habilidades forman la esencia de esta odisea. Cada nivel presenta entornos únicos, trampas mortales y enemigos formidables, exigiendo tanto destreza como pensamiento estratégico.

La victoria sobre los jefes finales desbloquea habilidades especiales, añadiendo capas estratégicas a la experiencia. Además, modos como Speedrunner y Boss Rush ofrecen variedad y diversión, garantizando una experiencia jugable envolvente y emocionante.



Gabriel, el protagonista, se erige como el catalizador de la narrativa. Su búsqueda de redención y valentía ante las adversidades proporciona una conexión emocional para los jugadores. A medida que avanza, la complejidad de su carácter se despliega, revelando capas adicionales que enriquecen la historia.

La presencia de Lyria, la hechicera misteriosa, agrega un componente mágico crucial, proporcionando habilidades esenciales para el éxito de la misión. La confrontación inevitable con el Señor Oscuro, la encarnación del mal, añade un elemento épico, consolidando a los personajes como pilares fundamentales en la trama.



Podremos blandir espadas, hachas, katanas y más para derrotar a los distintos enemigos que se interpondrán. Cada arma posee características únicas que debes dominar para sobrevivir. También existen pergaminos mágicos que desatan devastadores hechizos elementales. El arsenal de Lords of Exile te permite personalizar tu estilo de combate y encontrar la estrategia perfecta para vencer los desafíos. Desbloquear nuevas armas y habilidades se siente gratificante.

Cada elemento del inventario tiene un propósito y te ayuda a explorar el mundo interactuando con el entorno. Las posibilidades son casi infinitas. El pixel art empleado en Lords of Exile rebosa detalles en cada escenario y personaje. Los fondos están elaborados con esmero para sumergirte en la atmósfera oscura del juego.

La banda sonora de 8 bits se destaca por sus melodías épicas y efectos sonoros retro, particularmente al emplear hechizos y durante las batallas contra jefes.




Conclusión


Lords Of Exile redefine la esencia de los juegos de 8 bits a través de la implementación de gráficos pixel art mejorados, una narrativa cautivante y un innovador modo de juego.

Este título no solo rinde homenaje a los clásicos, sino que también presenta desafíos épicos en un mundo envuelto por la oscuridad. Ya sea que desees revivir la magia de la era dorada de los videojuegos o enfrentarte a un formidable desafío, esta aventura se erige como una adición imprescindible para cualquier aficionado a los metroidvania.

Calificación 7.5/10

por Deja un comentario

Melendi: Emocionó a todos sus fans en su paso por el Movistar Arena con la celebración de los 20 años de su debut discográfico.

El artista español vino a la Argentina en su gira celebración «20 años sin noticias» y aprovechó está ocasión para hacer un repaso de sus grandes éxitos y conectar con un público argentino eufórico de verlo en escena.

Pasadas las 21 horas comenzaba el show del artista al cual los fans estaban ansioso7s esperando y donde dicha espera valió la pena, ya que en este espectáculo se incluyó un variado repertorio con éxitos que llevaba años sin cantar en sus shows. Es así como tuvimos canciones como «Jardín Con Enanitos», «La Promesa», «Destino o Casualidad», «Canción de Amor Caducada”y “Lágrimas Desordenadas” hicieron sonar en todo el Movistar Arena.

En esta noche el artista también aprovechó para hablar directo al público sin evitar emocionarse y dejar estas palabras durante un breve momento en el show «Hagamos que todas las opiniones tengan el mismo crédito, que no todos los miedos, sean importantes, hagamos que no todas las miradas sean desconfiadas, y ¡Hagamos Buenos Aires, que no todas las despedidas sean amargas!” 

Melendi, el artista que lleva más de 20 años de trayectoria y que ha hecho un tour que ha agotado entradas en todas partes del mundo, tuvo su pequeño pero si importante paso por nuestro país, donde pudo contar una vez más las historias que transmite en sus canciones, en un escenario junto a un público argentino eufórico pero que también ha salido muy emocionado.

Agradecemos enormemente a Fenix Entertainment y Varas Otero por invitarnos al show para nuestra cobertura de prensa

por Deja un comentario