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Hoy voy a hablaros de un juego duro, crudo y real. Un juego que toca en lo más hondo y nos rompe en trocitos y todo eso con una sencillez magnífica.
Torn Away nos sitúa en plena Segunda Guerra Mundial. Y para girar más la tuerca y hacerlo aún más doloroso seremos Asya, una pequeña niña a la que conoceremos con apenas 8 años y de la que viviremos una evolución de lo más dolorosa. Su padre es llamado a filas y ella es enviada junto a su madre a los campos de concentración. Estando allí reciben noticias de parte de su familia y Asya luchará por intentar volver a casa y vivir en paz al fin.
Clicka aquí y allí El juego es un point and click. Una jugabilidad sencilla que suele encajar perfectamente en este tipo de historias ya que, al ser tan básico, nuestra atención se enfoca a la narrativa. Por su parte, el problema que suelen presentar este tipo de jugabilidades es que tiene que estar muy lograda, porque si no al final se convierte en una mera necesidad que no se disfruta, para poder seguir avanzando y conocer la historia.
En esta ocasión, no está demasiado lograda y se nota algo tosca, especialmente cuando accedemos a estancias más o menos amplias donde la niña se mueve como si de un muñeco se tratase y debemos interactuar con distintos objetos y zonas. Poco a poco el jugador va haciéndose a los controles, pero definitivamente no está demasiado conseguido. Lo bueno es que, con esas fases, se intercalan otras de avance o actividades en primera persona. Si bien es cierto que algunas siguen quedando bastante extrañas, en general las de avance suelen ser muy llamativas y complejas, que le dan un toque muy bueno e interesante al juego.
También contamos con fases de sigilo, pero aportan poco o nada de variedad ya que nos encontramos de nuevo en un avance lateral mientras nos escondemos.
La belleza en ruinas Sinceramente lo que más me ha gustado del juego es el apartado visual. El estilo de dibujo encaja perfectamente con la historia que nos están contando. Unas líneas sencillas con una paleta de colores que destaca cuando y donde debe y todo rematado con unos escenarios muy logrados para el poco contenido que tienen. Y considero que esa es la maravilla, lograr transmitir tanto con tan poco para dar esa sensación de dolor, de vacío, de pérdida…
Además del grueso del juego consistente en lo que digo, tenemos una serie de animaciones que sí se sienten algo peor ejecutadas y que emborronan el trabajo logrado por lo demás. La BSO por su parte, pasa bastante desapercibida y se diluye en el entorno de destrucción y tristeza que genera la imagen.
Conclusión Sin duda alguna lo mejor del juego es la historia que cuenta y cómo consigue hacer que se encoja el corazón. En apenas 4 horas, empatizarás con la niña y su situación y con la de miles de personas que pasaron por ese sufrimiento.
Pero se queda un poco en agua de borrajas por todo lo demás. El juego tiene una historia muy potente, pero más allá de eso, carece de muchas otras cosas que ofrecen otros juegos de similar temática y queda bastante vacío. Una apuesta arriesgada que necesita pulir el tema del gameplay para futuros juegos y así ofrecer una experiencia redonda que hará totalmente disfrutable el juego.
“Aurora y Emma son una madre y una hija muy unidas, pero con puntos de vista muy distintos sobre la vida. Aurora, que está viuda, es una mujer temperamental pero de buen corazón, y Emma es una joven rebelde que está deseando salir de casa e independizarse; lo malo es que para conseguirlo sigue el camino más convencional: casarse. Por su parte, Aurora tendrá un romance otoñal con un ex astronauta. A través de los años, madre e hija intentan buscar la forma de soportarse y encontrar la felicidad”
Esta obra es una delicia de historia (recuerdo claramente la película protagonizada por las geniales Shirley MacLaine y Debra Winger y el maravilloso Jack Nicholson), entonces creo que fui con una gran expectativa y no digo que la obra de teatro no las cumpliera sino que creo que se quedó un poco a mitad de camino.
Rescato los momentos de comedia, muy bien transitados por dos grandes como Soledad Silveyra y Osvaldo Laport que le sacan jugo al conocimiento que tienen de cada uno por haber trabajado juntos mucho tiempo, es una delicia ver como confían uno en el otro y eso se agradece. Julieta Ortega está correcta , tiene una escena maravillosa para cualquier actriz, en una despedida aunque puede que no termine de conmover su participación.
Párrafo aparte para Damián Iglesias que convence y mucho en el rol del marido “vago” de Emma, se lo nota cómodo en el papel y transita la obra con solvencia. Dolores Ocampo correcta en los papeles que le tocan jugar (hace unos cuantos), me gustó mucho en la primera escena cuando acompaña al ex astronauta a la casa luego de una noche de copas, muy bueno ese personaje y ella transitándolo.
La escenografía es hermosa, igual que las luces que acompañan muy bien a la obra. Me gustaron mucho las escenas filmadas y pasadas como en cine porque completaban momentos muy importantes de la historia La ropa de Aurora-Soledad Silveyra es hermosísima y termina de armar el look perfecto para su personaje.
Hace mucho que no veía a Soledad Silveyra en teatro y es bueno volver a hacerlo. Es la primera vez que veo a Osvaldo Laport en teatro y está muy convincente en su papel de ex astronauta seductor. Les diría que es una obra para ver, porque la historia es maravillosa y siempre es bueno ver teatro y apoyar a nuestros artistas
Teatro Multiteatro COMAFI Versión: Federico Gonzáles del Pino y Fernando Masllorens Elenco:L Soledad Silveyra, Osvaldo Laport, Julieta Ortega, Dolores Ocampo, Damián Iglesias Dirección: Corina Fiorillo Música Original: Ángel Mahler Producción ejecutiva, Marcelo Iambrich, Ángel Mahler, Liliana Mahler Asistente de Producción: Flor Ungar Asistente de Dirección y Stage Manager: Virginia Magnago Diseño de Escenografía: René Diviú Escenógrafa residente: Vanesa Abramovich Asistente de Escenografía: Sabrina López Hovhannessian Diseño de iluminación: Ricardo Sica Asistente de iluminación: Diego Becker Diseño de vestuario: Mercedes Colombo Operación técnica en cabina: Yan Eiras Vestuaristas: Celeste Buffoni y Patricia Berterreche Asesoramiento coreográfico: Diego Bros Maquinistas de compañía: Martina Araujo Diseño de sonido: Hernán Altamirano y Jonatan Macon Técnica sonido: Soundac tour rental Prensa: SMW Silvia Santos & Raúl Casalotti Diseño gráfico/programa: Martincostas.ar Fotografía: Alejandra López Comunicación digital: Rocio Abrodos y Nicolás Mansilla Progr. Audiovisual en sala: Moreno Pereira Audiovisual: Matías Sánchez de Bustamante Aisitente de Dirección/cámara: Sebastián Pessacq Producción de video: Foli Romero DF: Gonzalo Ansaldo Gaffer: Rodrigo Carini Reflectoristas/eléctricos: Alvaro Carini, Lautaro dell ‘olio y Gustavo Carnero Producción: Angel Mahler y Marcelo Iambrich Producción general: Angel Mahler
Una comedia super divertida! Desde el minuto uno el público no para de reírse!
Cada personaje tiene una caracteristica única y destacada que deslumbra: El abogado (Fabián Arenillas), la empleada(Celeste Campos) , su dueña( Alejandra Majluf) , el hijo ( Nicolás Maiques) y el difunto (Julián Weich) no hay uno que no se coma la escena.
La historia se centra en una muerte traumática a partir de la cual se disparan sucesos e imprevistos desequilibrados que llevan tanto a la reflexión como a la risa. Es humor negro.
La coreografía implementada en escena nos permite transportarnos a los dibujos animados de nuestra infancia, sumando así un «plus» en ciertas ocasiones. Corridas rápidas, caidas, peleas simuladas..
La ambientación y decorado presentan lo justo y necesario,no requiere de más ni de menos. Gran idea de mostrar cambio de cuartos de la casa solo con un objeto escenografico, el escenario no tiene mucho espacio para solicitar demás.
La super recomiendo, es para reir y disfrutar un rato, es sano y agradable. No es apta para todo público. Agradezco haber presenciado el inicio de una gran obra, felicidades a todo el equipo de trabajo ❤
Funciones: Viernes y sábados 22:30 Teatro Regina
FICHA TÉCNICO ARTÍSTICA Dramaturgia: Andrea Szyferman Actúan: Fabián Arenillas, Celeste Campos, Nicolás Maiques, Alejandra Majluf, Julián Weich Vestuario: Kris Martínez Iluminación: Leonardo Muñoz Pelucas: Fabián Sigona Maquillaje: Alejandra Kaluza Diseño de escenografía: Alejandro Goldstein Realización de escenografia: Jerónimo Tedeschi Redes Sociales: Carolina Guzmán Música original: Mariano Gianni Fotografía: Nacho Lunadei Diseño gráfico: Camila Prunesti Asistencia de vestuario: Maria Candelaria Atencio, Iara Bennett Prensa: AGENCIA AB – Alejandra Benevento Producción ejecutiva: Candela Bravo, Roberto Salomone Producción general: Feldman – Santacruz Producciones Dirección general: Diego Reinhold
Tuvimos el gusto de asistir al estreno, en el Teatro Bar “Asterión”, del Music Hall “Abasto de amores y encantos” escrito y dirigido por Jorge Camisay. Una historia de amor, desamor y frenesí con 15 artistas en escena y una infinidad de momentos tanto grupales como individuales.
Algunos de los tracks que acompañaron y marcan la impronta de la propuesta fueron: Give me love- Ed Sheeran; Sweet dreams(are made of this)- versión de Marilyn Manson; Crazy in love- Beyoncé y Rolling in the deep- Adele. Todos “hits” que disfrutamos escuchar. Las partes vocales estuvieron bien, falta trabajo en cuanto a afinación y pronunciación. El sistema de sonido fué adecuado, dos micrófonos condensers de aire para las partes grupales y micrófonos dinámicos para las partes solistas y de duetos. Las luces estuvieron muy bien, buena cantidad de recursos lumínicos y efectos de humo.
Lo coreográfico y el vestuario se destaca por el trabajo en equipo que demanda esta obra y destaca también por su versatilidad, haciendo buen uso del espacio y de recursos para lograr diferentes momentos y climas. Buen ritmo, buena energía y una intención y un manifiesto de y hacia la cultura alternativa y del arte urbano.
Una propuesta no profesional pero con mucha puesta y compromiso en un género nada fácil como el Music Hall, que involucra y exige varias disciplinas en cada uno de los integrantes de este gran elenco. Un elenco con futuro y ganas.
Se pasó bien y se recomienda. Las funciones son los miércoles 21hs en Asterión Teatro, dirección Zelaya 3122.
Con texto de la israelí Anat Gov y traducción del entrañable Juan Freund; nos llega esta puesta que plantea una situación impensable pero muy interesante: una sesión de terapia de un compungido Dios con una terapeuta agnóstica.
Al comienzo coquetea con pasos de comedia desopilantes que juegan con la confusión que provoca la situación en la psicóloga, pero de a poco y casi sin darnos cuenta, la obra va ganando en profundidad y nos lleva por un camino cargado de cuestionamientos y reflexiones sobre el sentido de la vida, la fe y sus limites y la condición humana. También la prolija puesta de Carlos Kaspar va creciendo en emoción y termina haciendo lagrimear a mas de un espectador, consecuencia acentuada por una musicalizacion acertada.
Un elenco ( Lili Popovich y Juan Ignacio Pagliere) que se destaca en sus interpretaciones, que funcionan entre si con características diferentes, pero que se complementan a la perfección; componiendo personajes creíbles y queribles, con los que el espectador logra identificarse y emocionarse. En fin, un espectáculo mas que agradable y emocionante, que vale la pena ir a ver y dejarse llevar por esos caminos de risas y reflexiones. Muy recomendable.
Domingos 20:30 hs. Nun teatro bar, Juan Ramirez de Velasco 419
¿Somos el mesías de nuestras mejores visiones o sólo unos falsos profetas de cuentos imaginarios?
¿Las creencias y religiones sirven para darnos esperanza o sólo existen para esclavizarnos y cegarnos en pos de los intereses de terceros lejanos a nosotros?
Dune parte dos es una película épica, colosal, inmensa y contundente. Muchísimo mejor que la primera parte.
Repito porque esto es algo muy destacable: Dune parte dos tiene todo lo bueno que se le puede pedir a una película épica de ciencia ficción y por suerte deja atrás todo lo mala que fue la primera parte.
Dirigida por Denis Villeneuve, que aunque no sea de mis directores predilectos nadie puede negar que hace un grandísimo trabajo en la adaptación de esta semejante obra, crea un blockbuster de ciencia ficción descomunal y aunque este no sea un género que me agrade demasiado y hayan pasado unos pocos días desde que la vi ya tengo ganas de volver a verla. Que no se confunda mi crítica o poco agrado hacia el director con no saber reconocer que hizo un excelente trabajo que muy pocos podrían realizar. Ahora sí luego de reconocer debidamente al director podemos afirmar que no sólo dirige sino que también la escribe junto a Jon Spaihts basados en la grandísima obra literaria de Frank Herbert. La dirección de fotografía está a cargo de Greig Fraser y Hans Zimmer vuelve a componer las partituras musicales que acompañan excelentemente la película. Entre tantos otros realizadores del film.
Cuenta con un extenso elenco de estrellas clase A, donde alguno que otro destaca pese a tener pocos minutos en pantalla y ninguno desentona. Timothée Chalamet (Paul Atreides), Zendaya (Chani), Rebecca Ferguson (Lady Jessica), Austin Butler (Feyd-Rautha), Christopher Walken (El emperador), Florence Pugh (Princesa Irulan), Stellan Skarsgård (el barón Harkonnen), Javier Bardem (Stilgar), entre otros.
La historia nos sitúa con Paul Atreides, el hijo del rey de una de las grandes casas nobles que reinan en la galaxia y aunque siendo nativos de otro planeta, el emperador de la galaxia les encomienda administrar el planeta Arrakis, anteriormente administrado por la dinastía Harkonnen. Arrakis es uno de los planetas más importantes de la galaxia por su riqueza en especias, que se recolectan para bienes de desarrollo tecnológico y económico.
Paul se encuentra en la búsqueda de su propio camino, es heredero al trono de su difunto padre y también hijo de Lady Jessica, quien lo acompaña en su epopeya estando embarazada de su hija con la cual se puede comunicar aunque aún no haya nacido, su madre es una Bene Gesserit, una integrante de un misterioso grupo secreto de brujas que entretejen el destino de su realidad y creen que Paul Atreides podría ser ‘Kwisatz Haderach’, algo así como un superhumano y primer hombre capaz de tener los poderes que las brujas Bene Gesserit tienen e incluso una habilidad que ellas no poseen.
Paul lucha contra sus propias visiones y presunto destino el cual lo convierte en un mesías salvador no sólo en una profecía sino en dos. Tanto las Besse Gesserit creen que es el elegido, al cual el emperador de la galaxia quiere detener para que la profecía no se cumpla y le termine arrebatando su preciado trono. Y a su vez Paul, en su propio viaje más personal por palabras de su madre hacia él, los rumores que va haciendo crecer en los Fremen más vulnerables. Y también empujado por la fuerte creencia de Stilgar, líder Fremen, que dice que Paul es el ‘Lisan Al-Gaib’, como los Fremen llaman al elegido, y al protagonista negarlo, Bardem afirma que es tan humilde como líder mesiánico que no admitirá serlo. Excelente chiste y excelente interpretación.
Simplificando, es el típico monomito, el periplo del héroe. La historia contada mil veces pero que siempre cautiva. ¿Es realmente un héroe? ¿Es el elegido o es un falso profeta?
Pero ahora sí adentrándonos en la crítica de la película. Por lo menos esta sí tiene su propio arco narrativo, y aunque sea la continuación de una primera parte y la preparación para una tercera, es una película que se sustenta por sí sola, y no es el lento bodrio explicativo que fue la primera parte, que claramente no me gustó para nada por varias razones, entre las que están su nula emoción en cuanto a la dirección carente totalmente de lenguaje cinematográfico, las secas y pobres interpretaciones actorales pero en especial el pésimo montaje que parecía ser la edición de un tiktok sobre un videoclip barato en vez del de una obra de este calibre.
Algo a destacar y una gran mejora con su primera parte es que en esta entrega los personajes importan, y no como en su predecesora que te daba exactamente igual si un personaje vivía o moría, si quería estar de un bando o del otro, en la primera parte no había empatía alguna con prácticamente ninguno de los personajes y en este caso sí. Los personajes a los que se les da minutos de pantalla sí son relevantes, sus acciones y consecuencias repercuten en la historia, no te da igual si mueren o no, si son leales o traicionan a su gente. Y mientras más avanza la trama más importancia ganan, aunque no está de más decir que al tener unos muy buenos dos actos el tercero parece no impactar con la misma épica que el planteamiento y desarrollo de la película. Aún así yo no le exigí demasiado al tercer acto y me gustó pese a parecer algo apresurado para la importancia que los desenlaces se merecían.
Paul Atreides ve en sus visiones la posibilidad de que se desate una guerra santa por la culpa de creerse el mesías salvador del pueblo Fremen, quienes pagarán las peores consecuencias de la guerra, así que intenta no volverlas realidad. Mientras va aprendiendo las costumbres Fremen y ganándose su confianza, en especial la del líder Stilgar, que es interpretado excelentemente por Javier Bardem, y sobretodo de Chani, interpretada por Zendaya, que aunque intentan cargarla de profundidad queda enmarcada en el interés amoroso del protagonista, ojalá en la tercera parte gane mucho más protagonismo, yo creo que así será. Stilgar y Chani le enseñan cómo sobreviven en el desierto de Arrakis mientras defienden la riqueza de su planeta contra los saqueadores de la casa Harkonnen, que luego de traicionar a los Atreides vuelven a ser quienes administren el planeta.
Tiene grandes secuencia de acción, los protagonistas destruyendo una de las cosechadoras, realmente te pone tenso por la forma en la cual está dirigida, o también la grandísima escena donde Paul Atreides tiene que aprender a montar los gusanos de arena para ser por fin aceptado como un Fremen natural, una secuencia espectacular y un show cinematográfico. Excelente momento de prueba para el héroe.
Y hablando de los Harkonnen, tenemos en el final del segundo acto la secuencia en blanco y negro donde vemos el ascenso del principe Feyd-Rautha mientras a su vez intentan recuperar el control total del planeta Arrakis frente a la resistencia Fremen. Feyd-Rautha, interpretado diabólicamente por Austin Butler, heredero al trono de su tío el barón Harkonnen y aunque sin saberlo también podría ser el elegido por las Bene Gesserit. Tiene una excelente secuencia donde nos revelan algo más del entramado y tenemos una fuerte acción acompañada de una impactante fotografía. Y aunque esta parte es buena y muy aclamada por la crítica, tampoco es que me haya vuelto particularmente loco pero entiendo que sea para muchos de su agrado. Me gustó.
Me destruye que Denis Villeneuve le de gran importancia a las visiones que tiene Paul, eso es un acierto, pero la visión más importante de todas, la que más va a cambiar el transcurso de la historia, la que va a definir la identidad de Paul y la imagen que empezará a reflejar hacia el exterior no sea una visión en sí, sino que se revele mediante el diálogo, aunque apoyada con uno o dos planos es revelada por el diálogo. Lo más importante de todas las visiones que Paul tiene es simplemente un comentario que le hace a su madre, cuando en realidad es algo importantísimo no sólo para él sino también para su familia y aunque al final quiere cargar de épica la revelación de esa visión no logra impactar por el modo en el cual esa información es dada al espectador, podría haber resultado en una de las grandes escenas del film y pasa a ser un torpe diálogo sin más, una pena.
Lo que me pareció un gran acierto es que la película intenta retratar todas las perspectivas de lo que es una religión. Tenemos al mesías, el elegido, quien vuelve realidad la profecía, este mesías, como casi todos los elegidos, no está seguro de serlo y en tal momento tiene que aprovechar a que confían en él para imponerse. Por otra parte tenemos a quienes tejen y crean las religiones, quienes van haciendo correr rumores para manipular la fé de los más necesitados y así utilizar la religión para sus propios intereses. Obviamente tenemos a quienes creen, quienes necesitan que Paul sea el elegido para aún tener la esperanza de ese paraíso verde prometido. Y también la contracara, quienes no creen para nada en Paul ni en ningún falso profeta. Quienes creen en los hombres y mujeres que los rodean, y ponen su cuerpo en la lucha por su pueblo.
Muy interesante tener todas esas perspectivas y que no parezca algo super forzado al hacer la crítica, ahí sí Denis, mis aplausos. Por último quiero dejar algunos comentarios algo aislados pero que no puedo dejar sin mencionar para cuando también la vean:
Para lo laaaaargo que fue el planteo de la historia en la primera película me pareció muy abrupto el arco de Lady Jessica transformándose en la Santa Madre de los Fremen. Pero es muy interesante verla ya transformada y no entender del todo cuales son sus verdaderas intenciones.
Javier Bardem se come la pantalla cada vez que aparece, me encantó su personaje, me fue un gran alivio que en este solemne film me sacó 2 o 3 sonrisas con sus buenas intervenciones pero también le agregó el drama necesario para su personaje.
¿Es acaso el beso más forzado a pasar y peor grabado de la década? y como si fuera poco, ¿Cómo vas a hacer que Zendaya se ponga celosa? No vale la pena ni aunque te prometan ser el emperador de todo el universo conocido hacerla poner así (aunque en ese plano su interpretación sea brillante).
En resumen es un gran y excelente blockbuster, muy recomendable para quienes le gusten este tipo de películas o quienes quieran pasar un buen rato de entretenimiento, si te gustó la primera parte la segunda te va a encantar pero si no te gustó la primera parte tranquilamente esta sí puede gustarte mucho. Lo que sí: Es una película para ver en una pantalla gigante, con el mejor sistema de sonido posible y lo más cerca de la pantalla que se pueda. Si pueden véanla en IMAX, sé que es mucho más lejos y más caro pero creo que realmente vale la pena verla así, no se van a arrepentir.
Una experiencia cinematográfica inigualable: Disfrutar de Kimetsu no Yaiba en la pantalla grande es una experiencia alucinante, especialmente gracias a la grandilocuencia visual y la calidad de animación que ofrece la película.
Momentos emocionantes y tronchantes: La película nos brinda tanto momentos emocionantes, especialmente en las secuencias de lucha, como secuencias humorísticas de lo más tronchantes.
Avance del arco del Entrenamiento de los Pilares: El primer episodio del nuevo arco sabe mantener el interés y ofrece varios momentos interesantes para la trama, dejando a los espectadores con ganas de más.
Lo que no me gustó:
Contraste de emociones: Si bien el final emocionante del arco anterior contrasta con un inicio más sosegado para el nuevo arco, esto puede generar cierto bajón emocional en los espectadores.
¿A quién recomendamos ir a ver esta peli?
Recomendamos esta película a todos los fans de Kimetsu no Yaiba que deseen disfrutar de la serie en una experiencia cinematográfica inigualable. También es ideal para aquellos que disfrutan del anime de acción y buscan momentos tanto emocionantes como divertidos en la pantalla grande.
Una comedia para reflexionar sobre los vínculos de pareja.
Ana Karenina en Halloween, cuenta la historia de una pareja que hace dos años tuvieron un hijo y sus vidas cambiaron radicalmente. Una para bien, la otra para mal. La trama comienza cuando Inés y Lorenzo, que son los protagonistas de esta obra, llegan de una fiesta de disfraces bien entrada la madrugada. Lorenzo a la mañana siguiente tiene una entrevista para un programa de televisión con mucha audiencia y debe prepararse lo mejor posible, pero, algo sucedió en la fiesta que no lo deja concentrarse del todo y más viendo que Inés esta disfrazada de Ana Karenina.
¿Y por qué a Lorenzo le inquieta y molesta este hecho? Porque Inés tuvo que cancelar un importante contrato para protagonizar una serie basada en Ana Karenina por su embarazo y nacimiento del hijo, lo cual la llevo a no trabajar más por centrarse en el cuidado de este. A diferencia de Lorenzo que gracias al matrimonio y paternidad le favoreció para mejor y se hizo muy conocido y mantiene desde entonces una agenda política muy agitada.
En esta obra y lo que es muy interesante, es la manera en cómo se relata el hecho de tener un hijo y cómo la vivencia es totalmente diferente para la Madre como para el Padre. Ya que uno tuvo que resignar sus sueños y anhelos mientras que al otro no tuvo ningún inconveniente y en este ámbito la obra hace resaltar algunas preguntas que los espectadores se hacen mientras transcurre esta: ¿Cuál es la entrega en la maternidad y cuál es la de la paternidad? ¿Las madres tienen alguna posibilidad de volver a soñar y tener metas? ¿El padre da lo que se necesita o es solo una imagen de rigor? Al final la respuesta –por así decirlo- la tiene uno mismo al llegar al final de la obra.
Funciones: Todos los sábados 20hs. Teatro: El Camarín de las Musas. Escrita: Eva Halac. Dirigida: Eva Halac. Elenco: Federico Salles, Florencia Torrente. Fotografía: Guillermo Monteleone. Duración: 77minutos.
En los últimos 365 días hemos podido disfrutar de la vuelta al ruedo de las mayores estrellas del género fighting. Street Figther, Mortal Kombat y, ahora también, Tekken 8 forman parte de la trinidad del guantazo limpio. Si bien entregas anteriores de estas franquicias fueron menos efectivas a la hora de posicionar los juegos de peleas en el lugar que merecen, parece que esta nueva generación vino con las ideas más claras y con los deberes hecho.
La llegada de cada nuevo juego siempre auguraba la vuelta a la época de oro del fighting, escoltado por el nuevo rollback netcode, responsable de que las peleas online fluyan más y mejor que nunca. Con Tekken 8, la situación no ha hecho sino que mejorar. Llevo unos cuantos días abriéndome paso a puñetazo y patada limpias y sólo me nace decir que Tekken 8 es más brutal, fluido y disfrutable de lo que podía siquiera haberme planteado.
Cada jueguillo, tiene su librillo. Esta frase se ajusta con gran precisión al género de peleas. Si bien todo se basa en partirse la cara con el rival, la forma de hacerlo puede ser muy distinta de un título a otro. En un punto de la balanza, tendríamos a Super Smash Bros, apostando por hacer las cosas lo más sencillas posibles, ofreciendo un sistema fácil de entender, difícil de dominar. Tekken, posiblemente, se encontraría en el extremo opuesto. Cada personaje cuenta con tantos combos distintos que no abrumarse en un primer instante es ardua tarea. No obstante, esta complejidad ofrece a cambio una escena competitiva muy disfrutable, tanto de ver como de jugar.
Eso sí, para llegar a ese punto hace falta tiempo, mucho tiempo. Por ello, vamos a tomarnos las cosas paso a paso. Un buen punto de entrada a esta octava entrega de Tekken es su modo historia. Que movida. Creo que nunca terminé de entender la historia de Tekken, por lo que antes de comenzar con esta última, dediqué algo de tiempo a repasar todo lo vivido hasta ahora. Me sorprende gratamente como un juego de peleas puede combinar artes marciales, animales animatrónicos, demonios de otra dimensión y no sé cuántas guerras mundiales, mientras intenta mirarte a la cara seriamente, sin que se le escape la risa. Azazel ha vuelto, pero más allá de ser el villano principal, es su fuente de poder infernal lo que nos concierte. El padre de Jin Mishima quiere hacerse con su fuerza y tratar una vez más, de dominar el mundo y alzarse en la eterna guerra contra su hijo.
A lo largo de las cuatro o cinco horas que puede durar esta historia, nos acostumbramos a los controles, principalmente, de Jin. Algo muy útil, tanto para disfrutar de la narrativa sin complicarse mucho como para hacerse un pequeño esbozo de su set de movimientos es el nuevo esquema de combate simplifcado que ofrece el título, el cual siempre se encuentra disponible y permite acceder a una versión muy reducida del plantel de movimientos de cada luchador, lo que ayuda al jugador a familiarizarse con las bases de un personaje, pero castiga a causa de su reducida variedad. Dentro de un juego donde un combo puede llevarnos a pulsar diez botones en cuestión de dos frames, es imposible ofrecer la misma experiencia a través de cuatro comandos distintos.
Una vez completada la historia, decidí probar suerte en el modo online y, como no había duda, me hicieron tabaco. Me sentía poderoso, después de un par de horas con mi demoniaco protagonista y estaba dispuesto a probar mi habilidad con el mundo. Así pues, me enchufé a los combates online, modo simple activado y mi sonrisa e ilusión no tardaron mucho en borrarse. Efectivamente, un jugador ligeramente más experimentado tiene una gran ventaja frente a cualquiera que desee luchar con esta versión sin complicaciones.
Junto a esta adición, el combate también cuenta con un estilo refrescado gracias al sistema heat, una barra de calor que nos permite, una vez por ronda, convertir nuestros ataques en unos mucho más fuertes, frenéticos y listos para combinar con otros nuevos movimientos. Al recargarse al inicio de cada ronda, obliga al jugador a utilizarlo siempre que pueda y consigue que cada combate pueda cambiar de tornas de un momento para otro. Sumado a esto, el sistema de vida recuperable fuerza a los luchadores a adoptar medidas ofensivas ante la menor oportunidad.
Eso sí, la experiencia, más allá de los innumerables trompazos que recibí, fue cuanto menos excelente a nivel de fluidez. El sistema de matchmaking, lobbies funcionan estupendamente, y el roll-back netcode ayuda a que los retrasos entre jugadores y sus conexiones sean casi inexistentes, al menos en las partidas que he podido disfrutar. Tekken 8 es el primer título de la franquicia en utilizar Unreal Engine 5. Así pues, con esta nueva entrega Bandai Namco nos ofrece uno de los figthing games con mayor nivel de detalle, en texturas y animaciones. Cada puñetazo, patada o caída se siente más pesada que nunca, más imparable. No cabe duda de que esta década (que ya va casi por la mitad) terminará con los juegos de peleas coronando un nuevo olimpo. De momento, lo mejor que podemos hacer es esperar echando unas peleítas.
¿Cuánto de uno mismo somos a partir de los traumas vividos?
¿Terminamos de conocer a las personas que nos rodean?
¿Qué es eso de tu relación que nunca pudiste sacar a la luz para hablarlo?
May December (o Secretos de un escándalo por su título en español) es un peliculón, inicio así para dejarlo en claro ya que me llevé una muy grata sorpresa porque pese a que me habían comentado que era una buena película, fui a al cine sabiendo poco más que la premisa y recomiendo verla sin saber nada, o lo menos posible.
Dirigida impecablemente por Todd Haynes. Protagonizada por las estelares Natalie Portman y Julianne Moore en los papeles de Elizabeth y Gracie respectivamente pero además tenemos a Charles Melton interpretando excelentemente a Joe, el marido de Gracie. El film nos pone en la perspectiva de Elizabeth una actriz que está pronta a rodar una película sobre la historia de ese matrimonio que tiene la particularidad de ser un caso muy famoso porque al conocerse Gracie tenía 36 años y Joe sólo 13. Cuando se descubrió la relación Gracie fue presa por ser una delincuente sexual y tuvo su primer hija con Joe desde la cárcel. Pero los hechos nos sitúan más de 20 años después de ese momento. Gracie y Joe están casados y siguen en pareja desde entonces, tienen 3 hijos que ya son mayores y están por ingresar a la universidad.
Elizabeth quiere pasar unos días junto a Gracie y su familia para poder conocerla y así poder crear el personaje que tiene que interpretar sobre ella en el film, hace un estudio profundo de personaje donde poco a poco busca mimetizarse con ella, le pide que le muestre cómo Gracie se maquilla y con qué productos, conoce a uno de los hijos de su antiguo matrimonio y a su ex esposo quien fue engañado con un preadolescente de 13 años. Así, poco a poco Elizabeth se va adueñando de la historia de Gracie para hacerla propia y no sólo su historia sino también su psiquis, lo que la hace ser la persona que es, intenta comprender por qué decide lo que decide y qué es lo que siente por eso que vivió y sigue viviendo.
En los primeros minutos de este drama el director lo plantea con unos tonos de comedia negra por el tópico principal y como lo aborda. Al principio tiene 3 o 4 chistes que funcionaron perfectamente en mí, que te muestran lo absurdo, la banalidad con la que los protagonistas afrontan la realidad de sus vidas ocultando muy profundo esos pecados, dolores y traumas que no quieren dejar salir porque saben que los romperá. Tras unos minutos los chistes se diluyen, y nos adentramos en la perspectiva íntima de víctima-victimario que por momentos creemos que es uno y por momentos nos hacen creer que es otro, lográndolo espléndidamente.
Con el avance de la trama esos tonos de comedia empiezan a desdibujarse y lo gracioso ya no está explícito en el diálogo sino en la mirada que el director le da a la obra, la crítica al morbo y cómo se lo alimenta para los ojos de la sociedad, la crítica a cómo Hollywood se adueña de historias de vidas para hacer películas y seguir alimentando ese morbo amarillista para hacer plata. Cómo en todo momento Elizabeth intenta ser amable y no sofocante pero en realidad está escarbando en el pasado e interior de esas personas mucho más de lo que debería. ¿Qué tan necesario es el estudio de su personaje si puede que nunca lo llegue a entender? ¿Al terminar su estudio sobre Gracie la termina entendiendo o se siente más perdida que antes de conocerla?
Buen guion, una historia compleja y complicada de abordar, muy buena dirección por Haynes. Excelentes pero excelentes interpretaciones de las protagonistas, ambas brillan durante toda la película pero la escena de Elizabeth en el teatro de la escuela de Mary (hija de Gracie y Joe) y delante de todos sus compañeros es brillante, el manejo de la interpretación y la tensión apoyada en el silencio, Natalie Portman una absoluta REINA y necesitaría mayúsculas más grandes para describirla a ella en esa escena. Hay un plano mirando a cámara (de esos que los Oscar aman) de un íntimo ensayo de Elizabeth metiéndose en el papel de Gracie que podría haberse robado la película con la interpretación pero lamentablemente esa escena no me cautivó como me hubiera gustado y aunque no es para nada grave siento que la película tiene una o dos escenas que aunque no parecen subrayadas sí las siento algo marcadas en lo que es una estructura de guion para avanzar en las subtramas.
Por el lado de Gracie, tenemos a Moore que camina sobre la cornisa con su personaje, nunca estamos del todo seguros si ella es completamente una victimaria o también una víctima. Tiene una escena donde me dan ganas de comprarle todos los pasteles que tenga, el peso del dolor de esas lágrimas literalmente lo podemos sentir. Y por último pero no menos importante tenemos a Charles Melton en el papel de Joe, que para mí es la gran sorpresa de esta película porque lo que hace es excelso, tiene una tan pulida como profunda construcción de su personaje una sutil pero precisa forma de retratar a un niño que sufrió un abuso del que cree estar de acuerdo y desde entonces vive encerrado en el cuerpo de lo que ahora es un adulto de casi 40 años. Tiene momentos claves donde expone vulnerabilidad y nos revela a ese adolescente perdido asomándose a la superficie de lo que ahora es ese adulto.
Está muy pero muy bien dirigida, Haynes decide encuadrar de una forma algo particular a los personajes, los planos y contraplanos tienen una puesta diferente a lo que tradicionalmente vemos, cuando nos muestra un plano en una conversación donde está casi cantado dónde estaría plantada la cámara para el siguiente Haynes nos sorprende plantándola en un lugar que no es lo habitual, no utiliza el montaje como lo más clásico y de manual, y es algo que lo distingue dándole un aura enigmática y un tono específico a la película que le suma muchísimo. Y que está tan bien realizado que no llega a ser incómodo o molesto como algunos directores torpemente quieren lograr sino que lo hace excelentemente.
Me encantó el cierre que le da el director a la obra, por un momento tuve miedo de que se convierta en una de esas películas que parecen tener dos escenas finales. Pero por suerte no. Las escenas finales funcionan incluso mejor que el resto de la cinta, que también son muy buenas pero en especial esas últimas dos escenas impactan de la forma que tienen que impactar porque explotan en un tono perfecto por cómo fue construida la tensión en toda la película. Te dan ganas de seguir viendo y aplaudir en el primer segundo que vemos el nombre del director en los créditos finales. Muy recomendada.
Calificación 8.5/10 Por Julián Lloves para La Butaca Web.
La Butaca Web 