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El 29 de septiembre fue la fecha elegida para celebrar el Slam Punk Festival que se llevó a cabo en el Luna Park y que nos trajo la presentación de bandas como XMF, Jauria, Bulldog y 2 Minutos en una noche dominada por el Punk Rock.
La jornada del viernes arrancaba temprano, las puertas abrían 18, teniendo el primer show una hora después, tal vez un poco temprano para ser una día laboral aunque sea el último. Tuvimos un pequeño retraso en los shows, pero supongo que esto se fue acomodando a medida que el público llegaba al predio para disfrutar de la velada que comenzó con XMF, la banda liderada por María Fernanda Aldana, quien fue parte del Otro Yo con su hermano Cristian Aldana.
La segunda banda en salir al escenario fue Jaurica, el grupo que tiene como vocalista a Ciro Pertussi, el ex Ataque 77 que dio inicio a su show con la canción «El tren» y que luego en todo su repertorio ha causado gran revuelo en el público que se encontraba presente, con la banda haciendo alusión de que se encontraban en el Luna Punk. La banda también ha hecho gala de algunas canciones de Ataque 77 que ha agitado a todos los presentes.
El siguiente turno fue de Bulldog, la banda punk rock rosarina fundada en 1989 y que tiene como integrantes a Guillermo «Willy» Tagliarini,Hernán «Mantu» Mantoani, Ramiro «Rata» España y Adrián Alexis Gómez. Ya en un horario en el que ya asistencia del estadio se encontraba a tope, Bulldog fue uno de los platos fuertes de la noche. Para esta ocasión, el grupo no se centró en la presentación de su último disco «FilosoPunk» para hacer un show con más clásicos, algo coherente en un festival que compacta las presentaciones pero que aún así han dado un recital muy completo y disfrutable.
El último espectáculo de la noche fue el de 2 Minutos con un mensaje sobre la política actual y comenzando la noche con «Vos no confiaste» que habla sobre la emigración de argentinos a países de Europa debido a las políticas neoliberales. Con temas como «Piñas van, Piñas vienen» «para todos los barrios» y «Washington» se celebró un memorable recital que fue el gran cierre de la noche para esta edición de slam punk festival.
El pasado 29 de septiembre tuvimos la oportunidad de asistir al Luna Park a la presentación de Acru en el estadio. El artista aprovechó esta fecha para hacer gala de su nuevo álbum «El Don» pero también para dar muestra de su consagración en un show que reunió a más de 7 mil personas que agitaron el estado con cada canción.
Agustin Cruz, o más reconocido como ACRU, comenzó a hacerse nombre en la escena del rap argentino a partir del año 2014, y quien también ha sido una figura importante tras su paso en FMS. Ahora con una carrera musical consolidada, inició una gira de conciertos donde tenía una de sus fechas en el estadio Luna Park con un imponente show en su producción y presencia del artista, que ha logrado hacer ruido con todo el público presente. El show, comenzado pasadas las 21 horas, denoto el ambiente festivo en el lugar y en el que se dió un espectáculo con un repertorio de 27 temas con exitos como «Who’s back”, “Kien” y «Estuve ahi».
Además de la presentación del disco «El don» que tomó gran parte del show, también se hicieron presentes invitados especiales. En el escenario estuvo el chileno Jonas Sanchez, un solo de guitarra de Ca7riel que encendió al público y la aparición de Wos, con quien acru cantó el tema «Animal» en un momento muy especial ya que además de que tocaron juntos, Acru le dedicó unas emotivas palabras a su colega.
Acru se consagró en un show eufórico en el Luna Park, con un buen despliegue escenográfico y el talento del artista que ha sabido cautivar a su público, cerró una noche especial que no sólo fue la presentación de un disco, sino en un encuentro que se convirtió en fiesta.
Amazon Music continúa ampliando su compromiso con la escena musical argentina en el marco de su iniciativa ROMPE Argentina, y este octubre presenta a uno de los máximos exponentes de la escena urbana argentina: Dillom. El ciclo llevará al artista de vuelta al barrio de Buenos Aires que lo vió crecer y al escenario del Teatro Vorterix que le dio sus primeros 4 shows sold out. Tanto la entrevista con el host Pluzito como el impactante show de Dillom, podrán verse a través del canal de Twitch AmazonMusicEnVivo el martes 3 de octubre a las 21 horas.
La música urbana en Argentina está viviendo su época dorada, y Dillom fue uno de los pioneros de este movimiento en la escena local, lo que llevó a que Amazon Music lo incluyera en su iniciativa ROMPE. Dylan León Masa, nacido en el barrio de Once y criado en Colegiales en la Ciudad de Buenos Aires, se involucró con la música desde una edad muy temprana. A los nueve años ya estaba tocando el bajo, y años después se unió a bandas de punk y hardcore. Sin embargo, su verdadero momento llegó cuando se adentró en el mundo del hip-hop, donde desarrolló su propio estilo. En 2018, se dio a conocer en la escena musical con su canción «Drippin». En 2021 lanzó su primer álbum “Post Mortem”, el cual no solo le valió una nominación en los Premios Gardel como mejor álbum de música urbana, sino que también pasó de ser un álbum debut a consagrarse como un movimiento artístico en sí.
El nuevo artista ROMPE de Amazon Music recientemente fue declarado Personalidad Destacada de la Cultura de la Ciudad de Buenos Aires y celebró el éxito de “Post Mortem” con el estreno de un documental que retrata los momentos más emblemáticos de la gira del disco que lo llevó por múltiples escenarios de importantes venues como el Vorterix, los estadios Luna Park y Movistar Arena.
La iniciativa ROMPE Argentina tiene como objetivo brindar apoyo a los artistas locales que la están rompiendo a través de un plan diseñado de la mano de cada artista y de acuerdo a sus necesidades. Rompe Argentina incluye contenido audiovisual y musical, campañas de marketing, visibilidad en playlist y la programación musical de Amazon Music y apoyo promocional, en este caso, los apoyos al artista ROMPE Argentina se llevan a cabo durante todo el mes inmediato a su presentación en vivo por el canal de Twitch Amazon Music En Vivo.
En Argentina, cada primer martes del mes a las 21 horas de Argentina, un artista de la escena musical actual se presentará en el icónico Teatro Vorterix para tener una sesión en vivo acompañado de un afortunado número de fans. Amazon Music hará un live streaming a través del canal de Twitch AmazonMusicEnVivo de cada presentación que los artistas realicen en Vorterix. El programa Rompe Argentina está compuesto de 5 ediciones y la lista de artistas argentinos ya cuenta con nombres como Callejero Fino, Ecko y el recientemente anunciado, Dillom.
«Como todos los días» es una encantadora adaptación de un musical del off de Broadway que transporta al espectador a la apasionante ciudad de Nueva York. A través de la historia de cuatro personajes, la obra nos invita a reflexionar sobre nuestras propias vidas y deseos, además que sacarnos más de una sonrisa.
En primer lugar, nos encontramos con una joven preocupada por su futuro, quien pierde el cuaderno con las anotaciones para su tesis. Esta situación desencadena una serie de eventos inesperados que conectan a los personajes de manera sorprendente. Por otro lado, tenemos a un asistente de un artista que se debate entre diferentes caminos a seguir en su vida, mientras trabaja para un artista encarcelado. La forma en que ambos personajes se encuentran y la manera en que se desenvuelven a lo largo de la trama es cautivadora.
La obra también nos presenta a una pareja que se encuentra en una etapa crucial de su relación: el momento de dar el paso de vivir juntos. Sin embargo, los miedos e inseguridades de cada uno generan conflictos y tensiones que deben ser superados. Esta parte de la historia es especialmente interesante, ya que nos permite reflexionar sobre nuestras propias relaciones y los temores que pueden surgir a la hora de comprometerse.
«Como todos los días» es un musical simpático que cuenta con melodías muy interesantes. La música, combinada con un componente de humor, crea una atmósfera alegre y relajada. Sin embargo, más allá de su lado divertido, la obra también invita a la reflexión sobre nuestros propios sueños y aspiraciones. En particular, el personaje que debe devolver el cuaderno a la joven desesperada por terminar su tesis destaca por su capacidad para transmitir la importancia de perseguir nuestros sueños y no dejarlos de lado.
Los cuatro actores que protagonizan la obra se desenvuelven de manera impecable en sus respectivos roles. Cada uno logra transmitir la complejidad y las emociones de sus personajes de manera convincente, lo que contribuye a crear una experiencia teatral cautivadora.
El escenario, decorado con hermosas pinturas que representan imágenes característicos de la ciudad de Nueva York, y una escalera que permite el constante ir y venir de los personajes, añade un toque visualmente atractivo a la puesta en escena.
«Como todos los días» es una obra muy bonita que combina momentos de risa con momentos de reflexión. Es perfecta para disfrutar un viernes por la noche y te hará pensar en lo que realmente quieres para tu vida. Sin duda, es una experiencia teatral que vale la pena.
Funciones: Viernes a las 22:30 horas en el Teatro Border (Godoy Cruz 1838).
Libro, Letra y Música: Adam Gwon Adaptación: Marcos Micheloni, @fat_marcos Dirección General: Mario Micheloni, @maritomicheloni Dirección Musical: Facundo Cicciú, @facucicciu Dirección vocal: Victoria Giorello, @vgiorello Dirección de arte: Marcela Santantón, @marcelasantanton Diseños: Justo Santillan, @justosantillan Creación de contenidos: Pato Ariel, @patitoariel Puesta Original: Colton Pometta (Director de la versión presentada en 2018), @coltonjamespometta Comunicación y Prensa: Kevin Melgar (0KM Prensa), @0kmprensa
Fotografía: Mel Ercoli, @notyourshow.arg Producción Ejecutiva: Lula Rizzi, @lularizzi Producción General: Cincoemes Producciones, @cincoemes.producciones
El artista venezolano Danny Ocean se presentó el pasado 20 de septiembre en el Luna Park luego de haber pasado por el país en el último Lollapalooza y teniendo en 2022 un show solitario en el Teatro Vorterix. Este año regreso con una nueva apuesta en el mítico estadio de Buenos Aires, con una excelente producción audiovisual, acompañado con un recorrido a lo mejor de su música y con la presencia de invitados especiales.
La noche comenzó con la previa a cargo de Canals, rapero oriundo de Concordia, Entre Ríos, y que viene pisando fuerte con un estilo que tiene elementos de rap y reggaetón, dejando un show que nos preparaba para lo que estaba por venir. Danny Ocean se presentó alrededor de las 21:15 al ritmo de «Deanbow» con un gran juego de luces y con el público eufórico con la presentación inicial del artista.
Luego siguió un gran repertorio como temas como «Veneno» «Epa Wei» «Istambul, entre otras canciones. El público ha estado durante todo el show bailando al ritmo de sus canciones, y entonando cada una de ellas. Ya acercandose al final de show, fue cuando sonó uno de sus más grandes hits «Me rehuso» , aquel tema que en 2016 lanzó a la fama al artista que logró reunir muchísimos más exitos.
Danny Ocean logró reunir nuevamente a su público en Argentina en un show que hizo bailar a todo el público en una noche a puro reggeato con el estilo característico del artista venezolano.
Agradecemos a DF Entertainment por invitarnos al show para su cobertura de prensa.
El horror espacial vuelve a estar de moda, nena. En menos de dos años hemos sido testigos tanto de la vuelta a escena de Dead Space y del fracaso de su “sucesor espiritual” como de la apuesta de muchos pequeños equipos por hacerse un hueco en las aventuras centradas fuera de la superficie terrestre. Yo, como fan del género, no podría estar más contento. No hace falta esperar mucho entre título y título si lo que queremos es disfrutar de viajes espaciales, centrándose la mayoría en el terror.
No cuesta mucho darse cuenta de que la mayoría de los títulos de este tipo apuestan por el survival horror o alguna de sus muchas permutaciones. De una forma más o menos centrada en la acción, la gestión de recursos, la exploración del entorno y la resolución de puzles suelen ser elementos siempre presentes en estas obras. De hecho, eso es lo que esperaba encontrar en Fort Solis la primera vez que escuché hablar de él. Podría haberme informado al menos un poco antes de formar mi juicio, pero el tiempo corre y no estamos para perderlo, así que la imagen de “otro Dead Space” se quedó fijada en un pequeño rincón de mi mente, el trastero olvidado de la memoria a largo plazo. Así pues, cuando me calcé las botas de Jack y me dirigí a responder la señal de emergencia que provenía del viejo Fort Solis, tuve que pasar por un pequeño periodo de adaptación para entender que era lo que estaba jugando. En Fort Solis no tenemos, ni mucho menos, un survival horror. Tampoco un juego de terror, ni uno de acción. Lo que el equipo de Fallen Leaf ha cocinado es una suerte de mezcla entre una aventura gráfica y un walking simulator. Una fusión peligrosa, que no termina de cuajar puesto que arrastra muchos de los problemas de ambos tipos de juegos.
En cuanto a las taras cargadas por parte de las novelas gráficas, rechina principalmente lo scriptado de la situación. Para avanzar y desentrañar el misterio detrás de Fort Solis, tendremos que conseguir, principalmente, abrir muchas puertas. Para ello no hay mucho sitio para la lógica, sino que tendremos que interactuar con los elementos del entorno en un orden concreto, muchas veces indeductible de forma racional, lo que provoca que gastemos más tiempo tocando cosas por tocar que realmente pensando para que pueden ser útiles.
Respecto al walking simulator, Fort Solis destaca por no terminar de controlar el ritmo en el que se ha de contar una historia para que resulte entretenida. La trama detrás del título, pese a no ser novedosa, quedaría perfecta en una película alternativa de bajo presupuesto de una hora y media de duración. Si bien no tardaremos más de cuatro horas para completar este viaje, creo que sobra al menos una de ellas, como poco. Tras un arranque dinámico, son varios los momentos en los que el título avanza mucho más lentamente de lo que debería, recargándonos con detalles e información que, si bien ayudan a generar un amplio contexto, resultan innecesarios delante de la narrativa general y lo críptica que intenta ser. Dentro de este desarrollo lento, el mayor problema radica en la velocidad de movimiento, que se comporta ajena a los deseos del jugador y va cambiando su cadencia en base a la situación. En muchas ocasiones, nos movemos excesivamente lentos. Lo que como base es de por sí un problema, puesto que hace que explorar se convierta en una tarea más tediosa de lo que debería, se combina con un mapa muy poco intuitivo, que en muchas situaciones no hará sino que desorientarnos. Avanzar más de la cuenta, para darse cuenta demasiado tarde de que por ahí no era es un castigo hacia el jugador carente de sentido. Soy capaz de perderme en mi propia casa, lo reconozco, pero cada vez que he tenido que desandar cinco o diez minutos de recorrido he pensado en dejar de jugar al título con más frecuencia de lo que debería.
Aún así, la corta duración del título junto a su excelente apartado técnico hace que estos males pesen menos y la experiencia final sea cuanto menos, agradable. El nivel de detalle de los personajes, entornos y la calidad del doblaje consiguen atrapar al jugador cuando “pasan cosas”. Aprovecho la ocasión para destacar el sonido ambiental, capaz de trasladar tu mente a lo más profundo de una estación minera perdida en medio de Marte. El espacio es infinito y alberga horrores. No obstante, no hace falta irse muy lejos para cruzarse con ellos. Fort Solis demuestra que la propia esencia humana es suficiente para horrorizarnos, tan peligrosa como podría serlo una reina xenomorfa. Siendo la primera producción de Fallen Leaf, sirve como muestra del posible potencial del equipo. Pese a que puede pecar de avanzar muy lentamente, sirve como una buena historia de terror marciana.
Todos los sábados a las 21:30hs, “Cuatro (una cena)” habita la sala del Jufré Teatro Bar.
Como todos los años, una pareja va a cenar a la casa de otra pareja amiga para conmemorar a Ramiro, amigo en común. En la mesa son cuatro. La cena es el ritual, el evento que obliga el encuentro por y a pesar de todos. Los cuatro mantienen las apariencias. Todo está en ebullición.
La dramaturgia, a cargo de Pablo Bellocchio (también director), está plagada de flashbacks que juegan con el presente de “la cena”. El historial de cada personaje y de cada pareja se reconstruye a partir de estas vueltas al pasado. La conmemoración de Ramiro se carga de tensión, los vínculos entre personajes se profundizan, las líneas internas se develan de a poco y construyen un encuentro donde lo falso es el protagonista.
Guido Guarino, Déborah Monzón, Lulai Paulini, Maximiliano Ricciardi (elenco) llevan de forma dinámica y espeluznante las máscaras de estos que se aman y no, que se odian y no. Los cuerpos van acumulando ese pasado, es notable el manejo corporal y de objetos de todo el elenco. Los textos adquieren un ritmo vertiginoso que mantiene al espectador activo: diálogos picados, réplicas largas, silencios, cualquier cosa puede ser desenmascarada y desatar la catástrofe. Lo cierto es que todos están en peligro y el elenco lleva al extremo el ambiente tenso. Si cae uno, caen todos. Los cuatro al acecho. Entre risas y lágrimas, la amenaza.
Todos visten unos monos naranjas: todos podrían ser el otro en este mundo de apariencias y verdades ocultas. La escenografía es austera. Con apenas algunos elementos alusivos, se construye una casa entera. La puesta sorprende al púbico por su originalidad y su sencillez. Este espacio extraño, semi vacío, permite ese ir y venir, ese vagar entre lo que fue y lo que es (¿y será?). La música y los cambios de luz colaboran con esto último y generan las atmósferas de intimidad y recuerdo.
“Cuatro (la cena)” propone ser un encuentro entre quienes no quieren, pero deben (¿deben?) encontrarse. El público se entera de a poco del trasfondo y ríe, llora, se sorprende. Ellos cuatro viven con sus fantasmas, sus fantasías, sus presentes, sus alegrías, sus frustraciones. Más temprano que tarde, la basura debajo de la alfombra sale. Siempre sale.
El viernes 15 de septiembre se presentó en el estadio obras la banda «Silvestre y la naranja», quienes organizaron una reunión con su público para celebrar la presentación de su último disco «Sueño Cítrico». El show, que se encontraba agotado y repleto de público, tomó gran parte del repertorio de su nuevo álbum pero también se tomó el tiempo para repasar sus grandes éxitos, además de algunas sorpresas.
Para las 21 horas se encontraba programado el show, con el predio ya repleto de gente y con ganas de escuchar en vivo a la banda. Una vez comenzado el show, vimos a un «Silvestre y la naranja» armonioso y con una excelente producción audiovisual, tocar sus primeros temas del nuevo álbum. Obviamente no faltó mucho para que la banda tocará éxitos como «Levitando lento» o «Tu veneno». Una de las primeras sorpresas fue la participación de «Bandalos chinos» e interpretaron «Intensidad ft. Beach» con un gran despliegue escénico y una increíble química entre ambos vocalistas.
El show siguió su curso, con algunos clásicos y también con los temas del nuevo disco. El público cantaba y bailaba al sonido de la música. Una nueva sorpresa vino con la aparición de Fabiana Cantilo, quienes hicieron un homenaje a Charly Garcia con su mítico tema «Demoliendo hoteles» en uno de los momentos más eufóricos de la noche.
El cierre con «Fiebre Atemporal» fue una demostración de la celebración que se vivió el viernes con una banda en constante crecimiento y que ha sabido cautivar al público en todas sus facetas.
«La Monja II» es la secuela directa de la película que trajo al personaje introducido en la segunda entrega de «El Conjuro». La trama nos lleva a un colegio católico luego de los eventos del primer film, donde el demonio sigue causando estragos.
En cuanto a la calidad técnica de la película, es más que aceptable y ofrece escenas de terror que pueden asustar al espectador. Sin embargo, a pesar de esto, la trama no aporta nada nuevo y llega a ser un tanto aburrida. Aunque el universo de «El Conjuro» ha sido exitoso, no ha logrado sobresalir más allá de las películas dirigidas por James Wan.
Un ejemplo de ello es «Annabelle», que en una de sus entregas logró acercarse al impacto de las películas originales del universo, aunque en menor medida. Por otro lado, el personaje de la monja, a pesar de su apariencia aterradora, no logra destacar en sus propias películas.
Si te gustó la primera película, «La Monja II» sigue en la misma línea, sin ofrecer muchas sorpresas. Es entretenida y no teme mostrar escenas en las que el demonio ataca a niños, pero le falta algo para destacar.
En resumen, «La Monja II» es una película de terror ligero que puede disfrutarse como una película pochoclera, pero no tiene muchas emociones y no logra superar las expectativas.
Fórmula mejorada. Esta es mi principal sensación después de haber jugado a este título. El videojuego desarrollado por The Game Kitchen (estudio español fundado en 2010) nos invita a profundizar en la historia del protagonista. En esta ocasión, el penitente se enfrenta a una difícil misión consistente en evitar el nacimiento de un nuevo mesías. Para ello deberemos recorrer un extenso mapeado acabando con terribles criaturas sacadas de la imaginería religiosa (principalmente cristiana).
Al comienzo de nuestro recorrido deberemos escoger entre tres diferentes armas con características particulares. La primera de ellas es sarmiento y centella que ofrece un ataque rápido. La segunda es ruego al alba (espada equivalente al arma mea culpa del título original) que se trata de la más equilibrada de nuestro arsenal y en último lugar se encuentra veredicto (un enorme incensario, pesado y lento de usar) que causa un enorme daño a larga distancia. De esta elección inicial dependerá nuestro devenir por la aventura ya que los caminos irán variando y requerirá en numerosas ocasiones que realicemos backtracking por el mapeado para recoger las otras armas mencionadas y poder acceder a puntos donde inicialmente teníamos limitado el acceso.
A nivel jugable nos encontramos ante un título mucho más pulido que el anterior donde la movilidad del personaje se ha depurado y donde especialmente las zonas de plataformas se han visto mejoradas sin penalizar la habilidad del jugador. Las áreas principales figuran marcadas en el mapa por lo que no deberemos memorizarlas constantemente lo que nos ayudará a mejorar nuestras habilidades y magias antes de enfrentarnos a los temibles jefes finales. Un detalle muy positivo es que al morir no se pierden dichas habilidades y recursos obtenidos previamente así que podéis respirar tranquilos si sois un poco “mancos” en este tipo de juegos. Por lo que respecta al apartado gráfico nos encontramos ante un precioso estilo pixel art con una marcada ambientación oscura (y tétrica) donde los diseñadores han realizado un cuidadoso trabajo haciéndonos creer que el mapeado es potencialmente infinito cuando realmente se divide en niveles de un tamaño menor al que realmente pensamos. El apartado sonoro se merece una mención aparte. Es una auténtica delicia poder disfrutar de un videojuego con un doblaje al español de tanta calidad y donde los efectos sonoros consiguen aumentar nuestra sensación de inmersión hasta niveles nunca vistos en títulos similares. Como detalle curioso os pediría que agudizarais el oído cuando os toque enfrentaros a un jefe final llamado Centinela del Esméril. A ver si conseguís adivinar a que antigua profesión han tratado de homenajear (es muy fácil la verdad).
En definitiva nos encontramos ante un metroidvania con un elaborado pixel art donde se ha conseguido pulir los defectos del juego previo y se consigue llevar el lore a un nuevo nivel. Si os gustan las aventuras tétricas con jefes finales que os pongan vuestros nervios al límite (aunque cuando les venzáis sonriáis como si os hubiera tocado la lotería) y una duración bastante ajustada (aproximadamente unas treinta horas), este título va a ser (sin lugar a dudas) vuestro videojuego de cabecera durante los próximos meses.
Espero que os haya gustado este análisis y nos vemos pronto en La Butaca Web.
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