Crítica: Lazos de vida

Por Jhon Wolf



Lazos de Vida tuvo su estreno mundial en el Festival de Cine de Toronto hace algunos meses, y cuando las luces se prendieron al final de la función, era difícil encontrar un ojo sin lágrimas en aquella sala. No era para menos: si Anthony Hopkins llora, todos lloramos.



En 1938, cuando la Segunda Guerra Mundial estaba a punto de estallar, el corredor de bolsa Nicholas Winston visitó Checoslovaquia y se dio cuenta del peligro que corrían las familias judías ahí. Con la ayuda del comité de refugiados local y varios voluntarios británicos y canadienses como Trevor Chadwick y Beatrice Wellington, Winston se propuso hacer lo posible para sacar de ahí a cuántos niños pudiera, eventualmente ganándose el apodo del “Schindler británico”.

Sus acciones se mantuvieron fuera del ojo público hasta 50 años después, cuando -como lo vemos retratado en la película- su esposa Grete (Lena Olin) descubre un álbum lleno de fotos y nombres, y se lo entrega a la investigadora Elisabeth Maxwell (Marthe Keller).

La ópera prima del veterano de la televisión James Hawes sigue dos vertientes. Por un lado, a un joven Winston (Johnny Flynn) llevando a cabo lo que se conoció como la Operación Kindertransport, con su propia madre (Helena Bonham Carter) tomando un papel crucial en Inglaterra, mientras los voluntarios se jugaban la vida en territorios prácticamente nazis.

A pesar de conocer el desenlace de la historia, Hawes logra sostener el nivel de suspenso de principio a fin, y no busca imprimirle una visión artística particularmente singular, sino simplemente dejar que los hechos hablen por sí solos. En este sentido, la producción entera se siente como un drama británico bastante convencional, pero siempre mostrando un sólido nivel de producción.

Lo que me gustó:
La película logra mantener un nivel de suspenso convincente a pesar de que los espectadores conocen el desenlace de la historia. La emotividad de las actuaciones, especialmente la de Anthony Hopkins, contribuye a hacer la narrativa aún más impactante. Además, la recreación de los eventos históricos está bien ejecutada, ofreciendo un vistazo auténtico y respetuoso a un período crucial de la historia mundial.

Lo que no nos gustó:
Aunque la película logra mantener el interés a lo largo de su metraje, en algunos momentos puede sentirse como un drama británico convencional, sin aportar una visión artística particularmente innovadora. Además, la falta de un enfoque más profundo en algunos aspectos de la historia podría dejar insatisfechos a aquellos espectadores que buscan un análisis más detallado de los eventos y sus implicaciones.

¿A quién recomendamos ir a ver esta peli?
Recomendamos *Lazos de Vida* a todos aquellos que buscan una experiencia cinematográfica emotiva y conmovedora. Los amantes del drama histórico encontrarán en esta película una narrativa cautivadora que ofrece una mirada íntima a un momento crucial de la Segunda Guerra Mundial. Asimismo, los admiradores del talento actoral de Anthony Hopkins no querrán perderse su destacada interpretación en este filme.

Calificación 6.5/10

Critica: La Plaga

Por Gustavo Condano

Aracnofobia con acento francés. Quién hubiese dicho que el país de los enamorados y  de los buenos quesos nos traería esta peli de terror donde unas extrañas arañas de afganistan son liberadas por accidente en un gran edificio de los suburbios de Paris. ¿Valdrá la pena o mejor tiramos mata insectos y vamos a ver otra cosa? Lo vemos más abajo.



La historia:
Kaleb, interpretado por Théo Christine, es un joven de clase media baja que vive en los suburbios de París. Es fan de los bichos raros y adquiere una extraña araña traída ilegalmente de Afganistán.  La lleva a su casa donde se queja con su hermana porque le bajó la calefacción a sus serpientes y sigue su vida en esa comunidad que él considera una gran familia, especialmente después de la muerte de su madre.
Pero todo cambia cuando uno de los vecinos muere en su departamento por causas desconocidas y las autoridades deciden poner a todo el edificio en cuarentena.
Al poco tiempo y después de descubrir que su araña había escapado y que se estaba reproduciendo por todo el edificio, deciden escapar junto a su hermana, su amigo y otro ex amigo con el que se habían peleado hace años. ¿Lograrán sobrevivir a la amenaza de ocho patas?

¿Qué me gustó?
El sentido de comunidad que le imprimen a la peli, realmente es creíble y como decimos en estas pelis de terror siempre es importante que uno se identifique y tenga una conexión emocional con los personajes.
También es interesante la búsqueda de un claro paralelismo con lo que fue la pandemia, poniendo el foco en cómo las autoridades aislaron a las grandes concentraciones de gente sin informarlos demasiado o interesarse por su supervivencia, sólo había que contener “la plaga” para que no se esparza.
Los efectos están muy bien logrados, no parecen falsos, ni exagerados en ningún momento lo que logra que nos metamos en la trama. Los sonidos también están muy bien trabajados y ayudan al suspenso. Recomendable verla en el cine o con un buen equipo surround.

¿Qué no me gustó?
Las autoridades oficiales o cualquier figura de autoridad en el film están representadas de manera exageradamente necia y poco comunicativa, siempre sospechando lo peor de los protagonistas. Entiendo que esto es adrede y busca hacer una crítica sobre la mirada de las otras clases a las clases bajas pero me hizo ruido la exageración por momentos.

¿Aporta algo nuevo al género?
No hay nada nuevo sino que está bien hecho, y no es habitual ver una película de este estilo con esta calidad proveniente de Francia, de donde si esperamos romances no correspondidos y algún que otro drama de época, por lo que se entiende que se destaque del resto.

¿A quién recomiendo está peli?
A los amantes del terror, no van a salir decepcionados con esta peli, los efectos están bien hechos, los personajes son bastante creíbles y el ritmo está correcto también.
A quien no recomiendo esta peli es a cualquier persona que le tenga fobia a las arañas. Realmente la va a pasar muy mal.

Calificación: 7/10
Estreno: Se estrena dentro del marco del festival de cine francés del 21 al 27 de marzo en Cinépolis Recoleta.
Duración: 105 minutos

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Crítica: El Bastardo

Por Gustavo Condano

Un hombre con un plan y su eterna lucha contra el caos.  Este es el planteo de esta película donde el ya conocido tipo recio Mads Mikkelsen, hace la expresión seria que mejor le sale ante todos los obstáculos que se le presentan ¿Valdrá la pena verla o será una píldora para dormir de dos horas? Lo vemos más abajo.



La historia:
Ludvig, interpretado por Mads Mikkelsen como ya dijimos, es un capitán del ejército retirado que presenta un elaborado plan para desarrollar una plantación en un páramo olvidado de Dinamarca del siglo 18.
Los miembros del gobierno no creen que pueda hacerlo pero para complacer al rey que siempre tuvo el deseo de desarrollar esa zona le dan el permiso para trabajar esa tierra. Claro que no le darán dinero para hacerlo sino que tendrá que utilizar todos sus ahorros, que no son tantos.
Pero este militar devenido en agricultor no tendrá que enfrentarse solamente a un suelo árido y al inclemente clima, sino que su principal obstáculo será Frederik, el noble de esa zona, que no quiere gente habitando el páramo y mucho menos un bastardo que a fuerza del mérito se ganó todo lo que tiene. Por lo que hará de todo, literalmente, para que su plan fracase. ¿Logrará el obstinado Ludvig llevar a cabo su plan o ganará el caos como tanto desea Frederik?

¿Qué me gustó?
Las actuaciones son lo más destacado. Por supuesto especialmente el protagonista, Mards Mikkelsen, en un rol que le calza perfectamente como un tipo recio y analítico que piensa cada paso que da, pero también que poco a poco, al relacionarse con los que lo rodean, nos va demostrando que es tierno y se preocupa por las personas que están a su alrededor.
La historia sencilla con pocos elementos pero que plantea muy bien la dicotomía entre la planificación humana y el caos que pueden presentar la tierra, los elementos y los propios seres humanos.

¿Qué no me gustó?
El malo de la película (literal), interpretado por Simon Bennebjerg, está justificado en su accionar pero a veces parece demasiado encaprichado contra nuestro protagonista Ludvig, se entiende que tiene que ver con una rencilla con su difunto padre y lo que el éxito del bastardo significa, pero a veces parece inverosímil tanto ensañamiento.

¿Aporta algo nuevo al género?
Es un drama histórico, algunos hasta pueden catalogarlo como un western fuera de américa. De cualquier manera no aporta nada nuevo pero está contado muy prolijamente y sin complicarse demasiado con el contexto histórico, es simplemente la historia de Ludvig, su proyecto y los que se oponen a él.

¿A quién recomiendo está peli?
A todos los que disfruten un buen drama histórico bien contado y con pocos elementos (lo que no es algo malo en este caso) pero potenciados por las actuaciones.

Calificación: 7/10
Estreno: Se estrena el 14 de marzo en cines

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Reseña: El Emperador (Tres noches)

Por Andrea Parise

El emperador (tres noches)», la obra escrita y dirigida por Clara Charrúa estrenó el 10 de marzo su segunda temporada en el Teatro ÑaCa (Julián Álvarez 924, Villa Crespo). Protagonizada por Andrés Terigi, se presentará los domingos de marzo y abril a las 19h.



Una vez más, Clara Charrúa nos sumerge en un universo cargado de emociones y reflexiones sobre el amor y los desencuentros. Inspirada por las palabras de Barthes en «Fragmentos de un discurso amoroso», la obra nos invita a explorar los matices del sentir y pensar en alguien, donde la ausencia se convierte en un relato vívido de presencia.

Y así nos adentramos en la mente de Tomás, quien se debate entre el deseo y la incertidumbre durante tres días y tres noches. Entre tangos que evocan pasiones ocultas, conversaciones cargadas de significado con amigos, y hasta tiradas de tarot en busca de saber su destino, Tomás se enfrenta a esa dolorosa realidad de no ser correspondido por la persona que ama.

«El Emperador (tres noches)» es mucho más que un simple unipersonal. Es un viaje emocional que nos lleva a cuestionarnos sobre la naturaleza misma del amor y la constancia en medio de la inconstancia. ¿Es posible amar en la incertidumbre? ¿Cómo enfrentar el desencuentro cuando el deseo es tan intenso?
A través de diálogos llenos de frases urbana, guiños con el espectador, miradas y silencios cómplices, la obra es una baldazo de realidad que nos invita a reflexionar sobre nuestras propias experiencias sentimentales y nos confronta con las complejidades de los vínculos humanos de hoy, en este mundo marcado por la fugacidad y la búsqueda constante de conexiones genuinas.

Su protagonista Andrés Terigi despliega su talento enorme y nos regala una experiencia teatral para reír, emocionarse y, sobre todo, pensar. ¿Qué significa el amor para cada uno de nosotros? ¿qué esperamos de la persona amada? Y ¿que le damos nosotros a esa persona?

Dramaturgia: Clara Charrúa
Actúa: Andres Terigi
Fotografía: Santiago Mai
Sonido y utilería: Emilia Costagliola
Community Manager y Prensa: Alexis Mazzitelli
Diseño gráfico: Julieta Garros
Asistencia de dirección: Ana Laura Castañiza
Dirección: Clara Charrúa

Reseña: Vino al teatro

Bien, intentare explicar en esta breve reseña lo que es esta singular experiencia teatral; digo experiencia porque es mucho mas que una obra o espectáculo, es un sumatorio de distintas texturas que estimulan los sentidos a lo largo de la noche.


La primera parte se titula S.D.D.S., una obra corta, aparentemente gestada como creación colectiva que parodia sobre el funcionamiento burocrático en una dependencia gubernamental. Sofía Farias Alves; Antonella Bataglia y Jésica Moreno conforman un trío que se entienden muy bien arriba del escenario y con un trabajo muy elaborado, desde la composición de los personajes hasta la impronta corporal que le imprimen; van tejiendo una seguidilla de situaciones hilarantes que terminan de redondear un producto más que agradable.


Llega el momento de la «Experiencia wino» mientras en el escenario se desarrolla un algo gracioso monologo sobre las vicisitudes de un sommelier, se invita a los espectadores a degustar de exquisitos vinos muy bien acompañados de una tabla de quesos; convirtiéndose en una experiencia teatral interesante que abarca de los sentidos.


Cierra la noche «Burlesque» un viaje al erotismo, a la sensualidad, al dejarse llevar a un terreno donde lo sensorial le gana a la razón. Sin una estructura dramática,se van sucediendo números de burlesque con un tono de modernidad, con diversidad de cuerpos y bellezas que no responden a hegemonías, pero con mucha sensualidad y en un clima festivo. Mención especial para el musical final, brillante como cierre.


En fin, una experiencia distinta a la que vale la pena entregarse.


Teatro El alambique.  A.R.

Reseña: Cuando el chajá canta las horas



Con dramaturgia y dirección Merceditas Elordi nos llega esta tragedia rural que nos increpa en lo profundo sobre nuestras raíces. Situada en lugar no especifico de la frontera sur de la provincia de Buenos Aires, en épocas de ataques indios y donde la historia se escribía a punta de facón y muertes; se va tejiendo este relato sencillo pero intenso y emotivo.


Con personajes muy bien delimitados va dejando en evidencia el relato varios temas a tratar: el abuso de poder, la marginalidad de la pobreza, el amor, el temor al abandono, los lazos fraternales y la violencia sexual.
Bien resuelta desde la puesta, con una escenografía sugerente que integra los distintos espacios con naturalidad y con todo el elenco en escena casi todo el tiempo; los cuadros se van sucediendo en continuado, favoreciendo el fluir del relato.


Un texto duro, áspero y muy acorde a lo que reclama el relato, cuenta con un elenco muy solido y parejo ( Juli de Moura, Mauricio Mendez, Pablo Pieretti, Mariel Rueda y Edgardo Rosini) que resuelve con intensidad y entrega, dándole verosimilitud al relato.
Un acierto la musicalizacion en vivo, aporta muchísimo al aire campestre de la puesta. En fin, los espectadores amantes de las historias fuertes, de los textos profundos y las actuaciones intensas no van a salir defraudados, por el contrario en mi caso muy agradecido.


Teatro del pueblo, sábados 20 hs. A.R.

Reseña: Tu escena no es la mía

Por Ignacio Asseph

Tu escena no es la mía es una obra que se desarrolla en el living de una casa, allí  transcurren dos historias que se involucran entre si.


Sus protagonistas son cuatro seres solitarios que, casi sin darse cuenta, se ven implicados en sólidos encuentros amorosos.
Bajo está premisa se cuenta una historia llena de bellos recuerdos, de la familia, del amor,de los que ya no están, de los tiempos que pasaron y ya no volverán, pero también del presente, de la belleza de lo simple, de la amistad y las buenas compañías. Una obra que te hará recordar los tiempos de niñez junto a tus padres y abuelos, te hará querer y empatizar a los personajes como pocas veces.


Cuidada hasta en los detalles más mínimos, con buena musicalización e iluminación y excelentes actores, Tu escena no es la mía es un excelente espectáculo que nadie debería dejar pasar.

Actúan: Mercedes Fraile, Daniel Goglino, Gabriela Izcovich, Mauricio Minetti
Música original: Lucas Fridman
Diseño de iluminación: Ricardo Sica
Asistencia de dirección: Milagros Previgliano
Ilustración Rafael Landea

Dirección general: Gabriela Izcovich

viernes 20 30 hrs
MOSCÚ TEATRO
Ramirez de Velasco 535

Entradas: $7000
Descuentos a estudiantes y jubilados, para alumnes de la Escuela del teatro  y para sub 28 
👉Entradas y más info en Alternativateatral

Reseña: Cero en conducta

La obra de teatro «Cero en conducta» es una propuesta divertida y sorprendente que logra captar la atención del público desde el inicio. Con una trama inicial aparentemente centrada en la comedia adolescente y los primeros pasos en la vida sexual de los protagonistas, la historia se va desarrollando de una manera inesperada y profunda, manteniendo al espectador en suspenso.

Pierina es la mejor alumna del colegio y no puede ver el mundo de otra manera. Darío, en cambio, es un caso perdido y está a punto de repetir el año. A pesar de sus diferencias, él acepta visitarla para estudiar química juntos, sin saber que esa noche perderá la virginidad y será parte de un oscuro plan.



La buena química entre los actores en escena es evidente, lo que se traduce en una actuación convincente y llena de energía. Los números musicales son destacables, tanto en actuaciones individuales como en dúos, aportando dinamismo y emoción a la trama. En la dirección de Nicolás Sorrivas se hace notar  la creatividad y el talento demostrado en la obra, con un escenario que logra transmitir la ambientación de una habitación y una sala de detención de forma efectiva. La autoría de Mario Mendoza y Sergio Cavero se ve en escena con una historia que parece simple pero resulta ingeniosa y sobre todo divertida.

El uso de luces y sonido complementa de manera acertada la narrativa visual de la obra, creando un ambiente inmersivo para el espectador. Las canciones, en especial la canción de clímax, son pegajosas y aportan un elemento adicional de diversión a la comedia.

Cero en conducta es una obra que ofrece una experiencia teatral completa, combinando comedia, música y sorpresas argumentales de manera efectiva. Una propuesta que garantiza una noche amena y entretenida en el teatro, dejando al público satisfecho y con más de una sonrisa en el rostro.

Ficha técnica:

CERO EN CONDUCTA
de Mario Mendoza y Sergio Cavero

Con: Martina Ruda Bart y Guido Encinas
Covers: Luz Navarro y Gerónimo Esthirle (saldrán juntos en la función del 7/3)
Dirección: Nicolás Sorrivas
Dirección vocal: Lucía Berraud
Puesta en escena y dirección de actores: Nicolás Sorrivas y Cecilia Miserere
Coreografías: Nazarena Asciutto
Diseño de luces: Julieta Schwartz
Diseño de escenografía y vestuario: Nicolás Sorrivas
Escenografía y vestuario: Carolina Pintus
Stage manager: Natalia Ríos
Asist. dirección: Marina Biondi
Producción: Matcha Contenidos

JUEVES 21:00 HS – EL MÉTODO KAIRÓS
El Salvador 4530, CABA
Entradas en venta por Alternativa Teatral

Reseña: Enamorarse es hablar corto y enredado

La obra, que desde 2017 viene presentándose en distintas salas del circuito teatral porteño, vuelve este 2024 al Camarín de las Musas los sábados a las 20:30hs. 




Un árbol, un banco. Ella de ciudad, él de campo. Esos dos que temen y, a la vez, quieren acercarse. El tiempo pasa en la plaza, el mate va y viene, las palabras van y vienen. El encuentro entre ambos se vuelve corto, enredado y, quizás, posible.
Leandro Airaldo, dramaturgo y director, crea un texto que respira su propio tiempo. El encuentro entre Ana y Pedro es gradual, el deseo va despertando a través del diálogo. Llenar el silencio y no abordar de frente eso que realmente se quiere decir. El texto juega, está plagado de diálogos picados y cortos que tropiezan y se enredan. El encuentro con la otredad y todo su misterio es, quizás, posible. El amor surge en ese tiempo de intercambio. La palabra se vuelve cuerpo, abrazo, beso.
Ana, una chica que se siente fea y “cuerpo- anónimo” e invisible en ese ambiente urbano, y Pedro, un hombre viudo de campo que ceba y ceba mate, son encarnados de forma sutil y precisa por Sol Rodríguez Seoane y Emiliano Diaz. Ambos logran matices en el decir que vuelven atractivo y vertiginoso al diálogo. Por momentos tímidos, por momentos alzados, por momentos con giros clownescos, un elenco que despliega versatilidad y encanto. Las corporalidades tan distintas en ambos, rectitud (ella), cuerpo encorvado por el trabajo en el campo (él), terminan acercándose lento hasta encontrar la unidad híbrida. Ambos actores abordan un presente en el que conviven el humor, las ansias de futuro, el deseo y el recuerdo de un pasado triste y también feliz. Todo contradictorio, todo enredado, como el intento del yo por acercarse a ese otro. “Enamorarse es hablar corto y enredado” humaniza a estos dos personajes que tanto se han estereotipado a lo largo de la historia. Los actores les dan vida de forma propia y original.
La escenografía (Miguel Nigro) es inteligente, simple y ajustada: un árbol, un banco de plaza que gira sobre sí mismo y da aire al cuadro fijo en el que se desarrolla la acción de la obra permitiendo, a su vez, tener distintos puntos de vista sobre el encuentro de Ana y Pedro. Las luces cálidas, los sonidos de calle y de pájaros volando terminan de crear el espacio donde el encuentro se produce.
Una mariposa se cruza varias veces e interrumpe el diálogo. “Enamorarse es hablar corto y enredado” plantea un tiempo en donde el deseo por comprenderse y acercarse se desarrolla como una oruga. Una obra tierna y poco predecible que mantiene al público activo a la espera de qué ocurrirá con esos dos que se entienden y no. Por y a pesar de todo lo misterioso, diferente y confuso de la otredad, el encuentro es aún posible .
FICHA TÉCNICO ARTÍSTICA


Dramaturgia y dirección: Leandro Airaldo// Actúan: Emiliano Diaz, Sol Rodríguez Seoane// Vestuario: Alicia Macchi // Escenografía: Miguel Nigro// Iluminación: Luciana Giacobbe// Realización de escenografia: Manuel Escudero// Música y sonido: Silvia Vives// Diseño: Nadia Estebanez, Veronica Lopez// Asistencia de dirección y producción: Nadia Estebanez.


“ENAMORASE ES HABLAR CORTO Y ENREDADO”- SÁBADOS 20:30HS- EL CAMARÍN DE LAS MUSAS (Mario Bravo 960)


Escribió: Micaela Steinbach

Análisis: Like a Dragon: Infinite wealth

Desde que Sega empezó a impulsar su saga Yakuya, sobre todo en occidente con el renombre de «Like a Dragon» y la salida de sus títulos en game pass ha hecho que la franquicia regrese por todo lo alto. Ahora con Infinite Walth estaba el desafío de afianzar esta franquicia con otro título nuevo, y podemos amticipar que lo ha logrado.

En cuanto a su historia, si toca aclarar que es un juego que se puede probar de manera independiente si no jugaste los anteriores, ya que el título no tarda en ponerte en contexto pero si se trata de una historia algo continuista. Ichiban Kasuga vuelve a ser el protagonista, quien está tratando de rehacer su vida tras los acontecimientos anteriores. Pero ciertas acciones termjna descontrolado su vida, y bueno, ya sabe que es lo que debe hacer. También tenemos la noticia de que la madre biologica está vica, por lo que debe emprender un viaje en Estados Unidos para resolver este enigma. 

El traslado hacia Hawaii resulta un soplo de aire fresco para la saga, ya que una vez que llegamos, tenemos miles de cosas para hacer, no solamente en lo que al juego nos compete, sino también hacer un recorrido turístico por el lugar. Ya que podemos gastar dinero en excursiones, cursos y experiencias que servirán para mejorar nuestros atributos.  El contenido que tiene el juego es realmente extenso y no solamente es un añadido para rellenar las horas de juego, sino que es un complemento que enriquece a la personalidad de nuestro personaje. 

Obviamente tenemos que centrarnos en el combate, que es uno de los puntos álgidos que deviene en el interés que se tiene por esta saga. El título utiliza el método característico de los RPG donde marca los sitios con mayor o menor peligro, lo que hace que el jugador pase por ciertas zonas o decida saltarse algunas para pasar cuando se cuente con una mayor experiencia y habilidades. El combate es bastante sencillo, nos ponen a nuestros personajes en un área restringida, ahí nos indican cuáles son nuestros ataques, habilidades y demás, en un título donde si bien predomina la estrategia, la acción se hace muy presente.

En cuanto a lo técnico y visual, hay que decir que logró hacerse un excelente trabajo en un juego, que si bien trata de mantener la esencia y un estilo más orientado al jrpg, sus gráficos se asemejan a juegos también llevados al público occidental. La ambientación en Hawaii es más que perfecta, ya que muestra muchis sitios de interés y se aprovecha ese paisaje turístico para llenar el juego de actividades. 

Like a Dragon; Infinite Wealth es la consolidación de una franquicia que supo expandirse y está dando lo mejor de sí para llegar cada día más a nuevos jugadores. Como recomendación, si estaría bueno que le des un repaso a los demás títulos de la saga pero también hay que considerar que es un juego muy divertido y lleno de contenido donde puedes pasar cientos de horas.

Calificación 8.5/10