La Butaca Web. El sitio de difusión de arte y cultura de Buenos Aires y España Reseñas, noticias, críticas en video y mucho más. Visitanos en www.labutacaweb.com ó en alguna de nuestras plataformas. Contacto labutacawebar@gmail.com
Comencemos por aclarar que es la segunda parte de «Las encadenadas» obra estrenada en el 2018 que contó con numerosos premios. También es importante aclarar que funciona en forma independiente de su predecesora, quiero decir que pueden ver esta sola porque la historia cierra .
El relato transcurre una noche tormentosa en un inhóspito lugar (la sala crematoria del pueblo de Epecuèn) donde las dos empleadas y su jefe se encuentran en una situación de alta tensión, que por momentos, por lo intenso de la acción y el relato, cuesta seguirle el hilo, sobre todo me imagino que para los que no tuvieron la suerte de ver la primera parte.
A este vertiginoso y atrapante inicio, donde hechos accidentales y otros que no llevan a tomar decisiones equivocadas y trascendentales, con la aparición del policía se empieza a jugar otra obra podría decirse. A ritmo mucho mas lento, el relato atrapa por lo sugerente, por lo no dicho y por el clima de misterio e incertidumbre que se va armando. No voy a adelantar el final, solo comentar que es correcto y convincente el modo en que Juan Mako (Autor y director) cierra el relato. Muy sugerente y apropiado el diseño escenográfico, le da el marco preciso a la historia. Un elenco parejo y ajustado le agrega dramatismo a las acciones, muy sugerente la composición que realiza Diego Torben con un policía lleno de matices y ambigüedades que desorienta y atrapa al espectador.
Una obra interesante que atrapa y entretiene, vale la pena verla.
Verdaderamente una joya del teatro independiente, un espectáculo redondo por donde se lo mire, encantador. Adaptación del cuento «Mariquita Sánchez» del libro «Pollera Pantalón, cuentos de género» de la escritora Paula Jiménez España.
Este unipersonal nos narra una imaginaria situación en donde una aparición inesperada trastoca los planes musicales de Vicente López y Planes (poniendo en riesgo la composición de nuestro himno nacional) y revoluciona las emociones desconocidas de la protagonista. Con momentos desopilantes, emocionantes y también musicales se va haciendo verosímil este relato lleno de teatralidad y buen gusto.
Esta versión viva y desacartonada de este personaje casi decorativo de nuestra historia se encuentra genialmente narrada. Con escasos recursos técnicos,pero muy bien aprovechados desde la dirección ( Ariel Hall), va despertando el imaginario del espectador a cada momento y no dejando nunca de sorprender por la variedad de recursos. Una suma de decisiones acertadas desde la dirección en cuanto al tono, el vestuario y la musicalizacion completan un espectáculo maravilloso y súper recomendable.
Párrafo aparte para Rafaela Gamba, una actriz no muy conocida en el medio porteño, pero con una cantidad de recursos actorales notable. Va pasando de personaje en personaje con maestría, llenando de verosimilitud el relato, conmoviendo al espectador y completando un trabajo mas que meritorio que emociona profundamente. Toda una experiencia teatral, donde los detalles estéticos y actorales están cuidados al detalle, donde se nota la dedicación, el compromiso y el tiempo de trabajo; dando por resultado un producto de máxima la calidad. Imperdible para los amantes del buen teatro.
El O Fortuna de Carmina Burana abre la temporada 2024 del Teatro Colón
Fuerza, solemnidad, escalofríos, terror y admiración son parte de las emociones que se transmiten al escuchar el O Fortuna de la composición Carl Orff de Carmina Burana. Carmina Burana consiste en la colección de canticos laicos medievales encontrados en Benediktbeuern (Bura) en la región de Baviera en Alemania. El códex fue escrito por Los Goliardos, un grupo de monjes excomulgados por su estilo de vida libertina. En estos cantos se puede ver el enfoque de Los Goliardos en temas como la suerte, el amor, los placeres y mensajes contra la iglesia.
Con la llegada del siglo XX y las nuevas tecnologías de difusión, el compositor alemán Carl Orff, en 1937, decide darles música a cuatro de los cantos de Carmina Burana: Fortuna Imperatrix Mundi, Primo Vere, In Taberna y Cours d’amours. En 1998 el coreógrafo argentino Mauricio Wainrot estrena en Bélgica su versión contemporánea de Ballet de esta gran pieza, aportando así, vanguardia y estilo.
El Teatro Colón tiene el orgullo de abrir su temporada 2024 con el Ballet de Carmina Burna de Mauricio Wainrot. Una puesta en escena donde el coro y los bailarines llevan la batuta de este clásico reciente. Bajo la dirección de orquesta de Carlos Calleja y Sebastiano De Fillippi y la dirección de coro de Miguel Martínez, inicia con fuerza el O Fortuna desde el segundo uno el espectador recibirá la avalancha que significa esta pieza. Los estímulos serán ensordecedores, pero en el buen sentido.
Abajo la orquesta, del lado izquierdo, pero en el palco lateral el coro masculino, del lado izquierdo el femenino y en el palco presidencial el coro infantil que tendrá presencia en el canto Cours d’amours. La puesta de escena de Carlos Gallardo es sencilla pero eficiente para el total desenvolvimiento de los bailarines. Se conforma de persianas que van develando a los interpretes y carretillas para transportarlos. Gallardo también es responsable del vestuario el cual es conformado por estilos distintos para cada canto como faldas largas de colores pasteles y moda hollywoodense de los cincuenta. Laura Pisani y Laura Rizzo son las sopranos del espectáculo junto a los contratenores Martín Oro y Fernando Ursino y los barítonos Alfonso Mujica y Cristian Maldonado. Los cantantes liricos se encuentran en el palco presidencial derecho y destacan en los momentos solistas.
Carmina Burana de Mauricio Wainrot fue la elección perfecta del Teatro Colón para arrancar esta temporada 2024. Una muestra solemne y sobria de la composición de Carl Orff. Es capaz de capturar los cantos goliardos y llevarlo a los pasos de los siempre talentosos bailarines.
Hay que ser consciente todo lo que esta logrando Maria Becerra con el anuncio de dos shows en River Plate. La artista que ha estado en constante ascenso, tiene consigo el hito de ser la primera mujer argentina en presentarse en el estadio del barrio de nuñez, además de contar con no más de dos shows agotados. Ahora la pregunta era si semejante evento iba a estar a la altura de las expectativas, y la realidad es que si bien hubo ciertos problemas con las demoras en el horario del show y algunos temas técnicos, la espera valió totalmente la pena. Tuvimos un espectáculo de casi tres horas donde Maria Becerra lo dió todo por sus fans y por la ejecución de un sueño ya cumplido.
Vamos por el inicio, la polemica por este show partió porque se encontraba programado para las 21 horas. Eran alrededor de las 22 y no se sabia nada al respecto, solamente veiamos a gente colgada en las pantallas trabajando, junto a constantes pruebas en las LED del escenario. Minutos más tardes salió alguien a avisar de que habían tenido problemas con las pantallas, debido a que en la semana hubo fuertes tormentas y eso provocó que existieran fallos en el día del show, pero dieron la tranquilidad de que en breve el espectáculo comenzaria.
Alrededor de las 23 horas Maria Becerra salió al escenario , con el público ya bastante ansioso y solo se necesitó de algunos minutos para olvidarse de todos los problemas que sucedieron. Luego de cantar algunas canciones, con una puesta y vestuario muy colorido, la misma Maria se tomó unos minutos para hablar con el público. No tardó en mucho para pedir disculpas por el retraso, y que si bien esto era más una responsabilidad de la producción, ella dio la cara para hablar a todos aquellos que la estuvieron esperando pero que iba a continuar el show como lo tenía planeado para hacer disfrutar a todos sus fans.
El show contó con muchos bloques que se aprovecharon para dividir los distintos géneros musicales por los que Maria ha atravesada, y para hacer un cambio constante de vestuarios y de estética según el ritmo lo amerite. Hemos visto desde vestimentas coloridas para aquellos temas alegres que sirven para bailar, vestidos muchos más delicados que sirvieron para el bloque con aquellas canciones más profundas y sensibles, y el infaltable rojo para los temas que rebosan el Flow.
Unos de sus primeros grandes hits ha sido el tema High, que la ha catapultado, sumando cada vez más éxitos. Para esa canción, ella se elevó en una plataforma , donde pudo tener también una vista de toda la dimensión de la gente que se encontraba en el concierto.
Corazón Vacío fue uno de los temas más cantados por el público, y que al terminar la canción dejó a la gente que entone la letra de ese tema, quedando ella muy sorprendida de como ha respondido el público.
Si bien el primer show fue caótico desde el tema de la organización, la espera ha valido la pena , ya que todos estos problemas fueron opacados por un espectáculo de gran nivel, con un despliegue, técnico, visual y de talento (que incluye una gran cantidad de bailarines en escena) que ha sorprendido para bien, y ha dejado a Maria Becerra como una de las grandes artistas de nuestro país.
La verdadera novicia rebelde. Esta película es la historia real de una monja italiana que se tuvo que oponer a todo para crear lo que ella llamaba un imperio de la esperanza y se terminó convirtiendo en la santa patrona de los inmigrantes (spoiler). ¿Valdrá la pena o será menos divertida que ir a la iglesia? Lo vemos más abajo.
La historia: Francesca Saverio Cabrini, interpretada por Cristiana Dell’anna, es una monja italiana de frágil salud pero con mucha motivación para crear orfanatos en todo el mundo, comenzando por China. Desde la santa sede no están de acuerdo porque conocen su estado de salud y también porque es mujer, por lo que intentan impedirlo. Pero es tal su insistencia que llega a ver el papa que le da su apoyo pero quiere que comience en América, especialmente en Nueva York, donde los niños inmigrantes italianos mueren en las calles a diarios. Ya en el lugar descubre que nadie le hará la vida más fácil, toma control del orfanato de five points, una zona marginal de la isla de Manhattan que se parece más a un aguantadero de delincuentes y proxenetas que a lo que uno podría imaginar de la gran manzana. Junto a sus hermanas y con mucho esfuerzo pone en orden las cosas y comienzan a recibir chicos pero los conflictos y la oposición a su misión sólo están comenzando. ¿Podrá esta frágil monja italiana superar todos los obstáculos que atraviesan su camino, y realmente son muchos, o deberá volverse a Italia con el corazón roto? Calculo que todos podemos adivinar el resultado sino no hubiesen hecho la película, pero en este caso lo importante es conocer y atravesar esta historia.
¿Qué me gustó? La actuación de Cristiana Dell’Anna es realmente épica y fundamental para que nos metamos en la historia y creamos en la lucha de este personaje contra todo lo que se le pone enfrente. Los planos y la ambientación de época están muy bien cuidados y dan un muy bien marco a esta historia.
¿Qué no me gustó? Se entiende que esta santa (literalmente), se ha enfrentado a muchos problemas y obstáculos para lograr su misión. Pero la película por momentos nos intenta hacer creer que el alcalde de Nueva York no tiene mejor cosa que hacer que perseguir a los huérfanos y las limosnas que reciben, quizás es una mirada algo sesgada sin necesidad ya que no hace falta resaltar tanto la bondad de la protagonista, incluso puede poner en duda el rigor histórico de toda la pieza.
¿Aporta algo nuevo al género? Es un drama histórico bien contado de forma lineal, no hay nada innovador en este caso y quizás no haga falta. Simplemente interesa que conozcamos la historia de Cabrini y nos identifiquemos con ella y su lucha.
¿A quién recomiendo está peli? A los amantes de un buen drama histórico y todas las personas que aprecian una historia de superación que logre hacernos sentir que por más ambiciosos que sean nuestros planes, todo se puede lograr a pesar de los obstáculos. Y si este mensaje viene atado a un hecho histórico mucho mejor.
Calificación: 7/10
Estreno: Se estrena en cines el 21 de marzo. Duración: 142 minutos
Para otras opiniones sobre cine y algún que otro cuentito seguirme en Instagram @cronicadeunavidacualquiera.
En el marco del “Festival de cine francés”, que se llevará a cabo entre el día 21 y el día 27 del mes de marzo, nos encontramos con esta comedia dramática titulada “Le livre des solutions” o por su traducción al español: El libro de la soluciones. Su título se verá rápidamente reflejado en pantalla.
Marc (Pierre Niney), un ciclotímico cineasta, se llevará a su productora y a su editora a la vieja casa de su abuela con el objetivo de terminar su película lejos de las observaciones y límites que le pone la compañía productora que financia su largometraje. Mientras lucha contra su bloqueo creativo, diseña un libro al que bautiza como “el libro de las soluciones”, el cual tendría la utilidad de responder ante cualquier crisis que enfrente un ser humano en su vida.
No será muy difícil para el espectador darse cuenta que el personaje de Marc es un reflejo ficcional del propio director y guionista del film, Michel Gondry. Cabe aclarar que, acompañado de una gran dosis de humor y algunas escenas fantásticas, el relato no busca ser una muestra fidedigna de lo que vivió el autor en algún momento de su vida, si no más bien busca acercarse a ese sentimiento de incertidumbre que sufren los artistas de los que se esperan cosas de ellos y no saben si lograrán estar a la altura de las expectativas.
Es una película altamente recomendable para los que ya conozcan la filmografía de Gondry y que estén un poco familiarizados con su manera de narrar. El largometraje cuenta con la sorpresiva aparición del reconocido músico Sting interpretándose a sí mismo y componiendo la música de la película que realiza el protagonista. Incluso uno ahí podría encontrar otro guiño entre la realidad y la ficción, ya que Michel Gondry comenzó su carrera en la industria audiovisual como director de videoclips musicales.
Quizás el mayor defecto de la película sea que cuando intenta mostrar los defectos de su personaje principal lo vuelve demasiado irritable y lo pone en situaciones donde es difícil para el espectador lograr empatizar. Por momentos algunas de estas escenas quedan aisladas y se pierden dentro del tono cómico general que recubre a la historia. A pesar de estas escenas en particular, el guión fluye bastante naturalmente sin demasiadas dificultades y con algunas sorpresas que descolocan al espectador.
Espero que puedan verla y formular sus propias opiniones sobre ella. Saludos.
Estreno en cines: El Libro de las soluciones se encuentra dentro del marco del festival de cine francés que se lleva a cabo del 21 al 27 de marzo. La película tendrá dos funciones, una el Viernes 22 y otra el Lunes 25.
Declarada de interés cultural y varias veces premiada, “La Falcón” comienza su cuarta temporada en el teatro El Extranjero todos los viernes a las 20:30.
Buenos Aires, años ´30. La propuesta de un viaje basado en la vida de Ada Falcón, “La Emperatriz”, una de las cantantes más importantes y relevantes de la historia del tango.
La obra escrita por Augusto Patané, recorre la vida de Ada, centrándose en la relación amorosa y prohibida entre la cantante y el célebre Francisco Canaro y en cómo esta repercutió en el reconocimiento, la fama y la retirada de la cantante. La obra expone la relación entre Ada y su público, el vínculo con su hermana menor y su madre, con la esposa de Canaro, con Canaro mismo y, finalmente, con su propio hacer y profesión.
“La Falcón” es un musical, pues entre momentos dramáticos y otros de tinte biográfico encarnados por la madre- narradora, se cuela un repertorio de las canciones más famosas interpretadas por Ada, como «Yo no sé qué me han hecho tus ojos» y «La morocha». Este repertorio se interpreta con guitarras en vivo ejecutadas con gran calidad. Los arreglos que Carlos Ledrag y Florencia Craien realizaron son exquisitos. Suenan las canciones y quienes están en el público y conocen, cantan; quienes no, se entregan al viaje.
El vestuario y la escenografía recrean con precisión los años ´30. El espacio está dispuesto como si el propio público asistiera a la transmisión en vivo de Radio El Mundo, donde Ada se presentó innumerables veces junto a su mentor, Canaro. En ese mismo espacio ocurren las escenas que dan cuenta del devenir de su carrera. Mesas con lamparitas alrededor del espacio, un cortinado adamascado, un micrófono de época, vestidos antiguos, todo lleva hacia un tiempo otro.
El elenco está conformado por María Colloca, Florencia Craien, Mónica Driollet, Federico Justo, Carlos Ledrag, Victoria Paez. María combina lo lírico y lo popular, encarnando, así, una Ada elegante que llama la atención y despierta curiosidad. Carlos es Canaro, en la obra actúa, canta y toca la guitarra con gran virtuosismo. Florencia demuestra versatilidad, es música y también por momentos se transforma para ser la esposa engañada de Canaro. Tanto Florencia como Federico, deslumbran por su talento y calidad en las guitarras. Victoria y Mónica son los personajes que se dedican exclusivamente a la actuación y llevan con entereza los roles de hermana y madre, respectivamente, dando aire y dinamismo a la obra.
La Falcón propone, entonces, un viaje hacia la vida de esta cantante oculta por la historia. Su retiro a un convento en Córdoba fue repentino, su silencio abrupto le dio a su carrera un tinte misterioso. La obra invita al disfrute tanto a los conocedores de la vida de “La Emperatriz” como a quienes por primera vez escuchan de ella. “Tus ojos para mí son luces de ilusión, que alumbran la pasión que albergo para tí (…)”, del teatro se sale queriendo saber más y tarareando, por qué no.
Antes de que llegara el éxito enorme que fue Assassins Creed, prince of persia era de una de las grandes franquicias que venía de la mano de Ubisoft. Luego de unos últimos título que no llegaron a tener el alcance que nos tenia acostumbrados, la franquicia se fue al cajon. Ante la fallida intención de hacer un remake de las arenas del tiempo, llegó «The lost Crown » un juego que realmente no esperabamos por su estilo 2D y género metroidvania, pero la realidad que termino siendo un gran juego y uno de los mejores de ubisoft en tantos años.
El título comienza con un grupo de guerreros que comienzan a luchar contra un ataque a persia. Nos ponemos en la piel de Sargon, uno de los miembros más jóvenes de los inmortaöes y que tras una gran hazaña logra derrotar al líder del ataque. Es así que se gana la confianza de la reina y es en ese momento en el que secuestran al principe y debe emprender el viaje para su rescate en el Monte Qaf, que será un laberinto con muchas amenaza a alrededor.
Su inicio esta orientado a la acción, donde nos presentan los primeros combates, cuales son sus principales mecánicas y la aparición de algunas cinemáticas para adentrarnos en la historia. Una vez pasado eso, estas características siguen estando presentes pero también empezamos a tener libertad en un mapa extenso. También comenzamos a adquirir habilidades que nos permitiran acceder a nuevos sitios del mapa y que sirven para tener una mejor estrategia para ir contra enemigos. Si bien hay habilidades muy interesantes y en líneas generales esta bien planteado, puede que algunas están hechas para usar en algún apartado pero luego pierde toda ulilidad y terminan desaprovechadas.
Prince Of Persia es uno de los mejores juegos que ubisoft nos entregó en años, viene de la mano del equipo que trajo Rayman Legends, demostrando su talento en los juegos de plataformas pero en este caso, acentuando mucho más la exploración y el combate en un juego, que no debes juzgar por su portada, porque la realidad es que termina siendo una gran sorpresa.
«El Sentido de las Cosas», una obra deliciosa desde el minuto en que comienza. Escrita por Sandra Franzen, narra el encuentro ¿imaginario? entre un viejo y ermitaño poeta y un joven con sueños de convertirse en escritor, en una isla del Paraná durante una crecida implacable. Ambos personajes se encuentran perdidos y a la deriva, buscando su destino en medio de la inestabilidad, flotando y hundiéndose mientras reflexionan sobre el sentido de la vida. Con un texto simple, sencillo y maravilloso ¿acaso lo realmente importante de esta vida no es eso? ¿No está allí el sentido de las cosas? En la simpleza.
La trama sirve como pretexto para explorar tanto las penas como las alegrías que todos los seres humanos experimentamos en tiempos turbulentos, ofreciendo una visión esperanzadora en medio de la incertidumbre. Y el cierre nos devuelve una sonrisa, nos hace saltar de la butaca y aplaudir hasta que nos duelan las manos.
Dos artistas enormes (Víctor Laplace en el papel del poeta y Gastón Ricaud interpretando a Josecito) arriba de un escenario despojado, sólo con los elementos esenciales. El resto lo llenan estos dos actores, con un decir exquisito, en donde cada palabra encaja en un rompecabezas perfecto.
Las funciones serán los domingos a las 19.30hs en el Centro Cultural de la Cooperación – Sala Solidaridad, Av. Corrientes 1543, Ciudad de Buenos Aires.
FICHA TÉCNICA
El Poeta: Víctor Laplace
Josecito: Gastón Ricaud
Músico en Escena: Gonzalo Domínguez
Asistente de Escena: Adrián Rallap
Diseño de Escenografía: Carlos Di Pasquo APDEA
Diseño de Vestuario: Carlos Di Pasquo APDEA
Diseño de Iluminación: Horacio “CHINO” Novelle
Fotos: Nacho Lunadei
Diseño Gráfico: Sol Collantes
Prensa: Natalia Bocca
Operación Técnica: Ramiro García Zacarías
Asistente de Escena: Adrián Rallap
Productora Ejecutiva y Artística: Alejandra García
El domingo pasado tuvimos el gusto de asistir en Teatro Timbre 4 al reestreno(segunda temporada) de “La casa del río”, primera obra de Jorge Castaño como dramaturgo y director. Actúan Franco Campanela, Gustavo Ferrando, Claudia Fieg, Mateo Isetta, Antonella Jaime, Rita Nuñez, Verónica Vergottini.
Obra situada y ambientada en 1985 en Argentina, en una casa de verano junto a un río donde viven Olga(Verónica Vergottini) y su hija Miriam(Rita Nuñez). Ese verano reciben la visita de sus parientes porque así fue el deseo de la abuela(la suegra de Olga) que se busca respetar y honrar, que todos los veranos se reúna la familia en esa casa. El marido de Olga desapareció en la última dictadura militar. Drama de incógnitas, de secretos de familia, de silencio y de ruido.
Destaca el trabajo de escenografía, denota esfuerzo técnico y amor por la puesta. Una cocina construida, con una ventana que nos lleva con la imaginación al campo y al río. Empleo de maderas para las paredes; una cama; un juego de mesa y elementos de época como revistas, walkman, jarras, platos decorativos. Ambienta muy bien ese período que propone el guión y nos transmite sentimientos nostálgicos y pensamientos reflexivos sobre el tiempo y sus formas.
En lo musical la puesta es sencilla pero funcional. Una guitarra con algunos acordes; un cajón peruano con rítmica de redoblante que ambienta unipersonales a tenue luz; y una canción. Todo esto en vivo e interpretado por los mismos actores. También es de felicitar el trabajo de fotografía en la preproducción de la obra, sesión de fotos de todo el elenco en un escenario natural. El elenco hizo buena actuación, es un equipo donde todos se complementan bien y se llevan bien. Es una obra emotiva, con temáticas que tal vez ya se han hecho y explorado mucho pero que logra frescura y propuesta. Una obra que nos regaló un momento muy lindo. Destaco las imágenes poéticas del río, del campo y los caballos. Se pasó muy bien y se recomienda! Las funciones son domingos 18 hs. en Timbre 4.
La Butaca Web 