Crítica: El libro de las soluciones

¿Hasta donde podemos llegar para llevar a cabo nuestra idea? Esta pregunta nos propone esta peli, posiblemente una de las más autorreferenciales de Michel Gondry, a quien muchos de nosotros conocimos y nos enamoramos con “Eterno resplandor de una mente sin recuerdos”.
¿Este film estará a la altura de ese clásico o será una triste copia de sus anteriores entregas? Nos enteramos más abajo.



La historia:
Marc, interpretado por Pierre Niney, es un director de cine que intenta llevar adelante una película que ni los ejecutivos de la productora, ni su productor ejecutivo y amigo quieren que termine y ni siquiera entienden.   Por esta razón Marc decide secuestrar su película con la ayuda de su editora Charlotte y su productora Sylvia.
Deciden instalarse en la casa de campo de su tía Denise, interpretada por Françoise Lebrun. Desde allí, y luego de decidir dejar su tratamiento médico, decide  terminar de realizar su tan soñado film, cuya edición extrañamente se rehúsa a ver. 
Para colmo, al director no para de tener ideas locas, cada una más disparatada que la anterior, muchas de ellas las vuelca en un viejo proyecto inconcluso que tenía de pequeño llamado “el libro de las soluciones”. ¿Podrán Marc y su equipo finalmente terminar esta película que nadie parece entender, o quedará en el olvido o lo que es peor, en manos de la productora?

¿Qué me gustó?
Captura muy bien todo lo que tiene que ver con un proceso creativo, las locuras, el acecho de las ideas. Él protagonista que es el director podría ser un personaje odioso, pero en cambio la peli logra que nos identifiquemos con él y hasta por momentos le tengamos algo de pena.
Y el universo que crea Gondy en sus películas, que mezcla animación stop motion, con recursos artesanales, dan cuenta y contagian el amor por el cine y por la magia que conlleva que la pantalla grande nunca debería perder.

¿Qué no me gustó?
La peli no se preocupa demasiado por explicar lo que tiene que ver con todo el proceso de hacer una película por lo que quizás si uno no lo conoce mínimamente puede no sentirse involucrado.

¿Aporta algo nuevo al género?
A mi entender, Gondry es un sub género en sí mismo, esta peli es muy fiel a su estilo, se podría decir que una de las más personales que tiene.
En cuanto a la comedia, que es al género a la que esta peli pertenece, lo hace bien de una manera muy sutil y hasta se podría decir que artesanal, que poco a poco va creciendo y termina resultando super efectiva.  

¿A quién recomiendo está peli?
A todos los que disfrutan del cine de Gondry, este director tiene un universo y una forma de contar única que se aprecia claramente en esta película.
Y a todos los que estuvieron involucrados en algún proceso creativo, principalmente realizadores audiovisuales pero no sólo ellos. Creo que se van a sentir identificados con los procesos, las ideas locas y los idas y vueltas que esto conlleva.

Calificación: 7/10
Estreno: Se estrena dentro del marco del festival de cine francés del 21 al 27 de marzo en Cinépolis Recoleta.

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Crítica: Kung Fu Panda 4

Pensábamos que ya todo había terminado pero no, volvió el famoso panda Po para una nueva aventura. ¿Será una entrada necesaria en la serie o simplemente están exprimiendo las últimas gotas de esta jugosa franquicia? Lo vemos más abajo.



La historia:
El ya establecido guerrero dragón, nuestro querido panda Po interpretado por  el genial Jack Black, está ejerciendo su rol con mucha soltura y disfrutando esto de ser un héroe y como él dice “patear traseros”. Claro que el maestro Shifu, interpretado por Dustin Hofman, no va a dejarlo tan tranquilo y le dice que ya es tiempo de pasar el manto a un nuevo guerrero y que él tome el rol de maestro espiritual.
Por supuesto que Po no está muy de acuerdo y cuando le toca elegir al sucesor se elige a él mismo, justo a tiempo para resolver la misteriosa nueva aparición del villano de la primera película, el tigre Tai Lung.
Todo parece un gran misterio hasta que aparece Zhen, una pequeña zorra interpretada por Awkwafina (si, se escribe así), que intenta robar objetos antiguos del templo y es detenida por el Kung Fu Panda. Juntos  intentaran resolver el porqué del regreso de este peligroso villano.

¿Qué me gustó?
Los personajes y el humor es realmente genial, especialmente el ida y vuelta entre los dos protagonistas, Jack Black y Awkwafina (para quienes no la conocen es la amiga de Shag-Chi en el universo Marvel) es muy divertido y me parece lo más destacable de la peli.
La forma en que incorporan elementos no sólo de la cultura China, sino también de las películas de Kung Fu me parece que siempre estuvo muy bien lograda en esta serie y es muy respetuosa, y esta entrega no es la excepción.

¿Qué no me gustó?
La historia es algo intrincada y tiene elementos que vienen de las pelis anteriores, más que nada sobre la primera de ellas, lo que a veces hace que uno se pierda algunas cosas por no recordar tan bien estas entregas, cuya primera entrega fue hace 16 años.
Claro que esta peli intenta cerrar un poco la serie, aunque sabemos ya que estas franquicias nunca terminan por mucho tiempo, siempre se las arreglan para volver aunque sea con algún personaje secundario.



¿Aporta algo nuevo al género?
No, pero si nos muestra cómo hacer muy bien este tipo de pelis. Para responder a la pregunta del principio, esto no es una secuela hecha sólo para recaudar (o por lo menos no es sólo eso)  sino que revitaliza la franquicia e incluso puede llegar a marcar algunos posibles caminos para continuarla a futuro.

¿A quién recomiendo ir a ver esta peli?
Por supuesto a todos los fanáticos de la serie, no hace falta que hayan visto todas las películas anteriores, si seguramente la primera. Es una peli que van a disfrutar los chicos y también los grandes.
Así que si no tenés chicos propios es una buena peli para llevar a tu sobrino como excusa.

Calificación: 7/10
Estreno: Jueves 7 de marzo en cines

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Crítica: Atrapados en lo profundo

Ya hay varias pelis donde atacan los tiburones y otras dónde los aviones se estrellan, pero a nadie se le había ocurrido combinar las dos hasta ahora.
¿Cómo será esta mezcla de “tiburón” con “viven” bajo el agua? Lo veremos más abajo.



La historia:
Ava, interpretada por Sophie McIntosh, es la hija del gobernador de California y se dispone a emprender un viaje al caribe con su novio y un amigo, y por supuesto su guardaespaldas Brandon, interpretado por Colm Meaney. Según ella les explica a sus amigos es un pedido de su padre aunque poco tiempo después descubrimos que fue ella la de la idea por no sentirse segura.
Ya en el vuelo conocemos a los demás personajes que viajan en el avión, como por ejemplo una pequeña niña, Rosa,  que viaja con sus abuelos (aunque no se dejen engañar por el nombre es rubia de ojos celestes), también conocemos a los tripulantes y sus opiniones de los demás pasajeros, especialmente a Danilo, un joven sobrecargo que no parece apurado en casarse con su pareja.


Pero esto es una película catástrofe por lo que todo este clima de familia y camaradería no puede durar mucho, por lo que unas aves impactan en una de las turbinas del avión y los restos del fuselaje impactan con la cabina abriendo un gran agujero en la aeronave, haciendo que impacte en el medio del mar.
Casi todos los pasajeros mueren salvo, casualmente, los que nos tomamos el tiempo de conocer que se encuentran en la parte trasera del avión en una precaria burbuja de aire. ¿Podrán sobrevivir a todos estos problemas, sumado a los tiburones que los acechan en las profundidades? Habrá que ver el film para descubrirlo. 

¿Qué me gustó?
Los personajes, está peli se da un buen momento para conocerlos y que realmente te interese si viven mueren, incluso se les da un arco a cada uno que logran ir cerrando, claro que a veces a pesar de la lógica que la misma película propone.

¿Qué no me gustó?
Hay situaciones que sólo tienen lógica y se justifican porque el director quiso o para establecer un punto, especialmente con lo que tiene que ver con el liderazgo de la protagonista, que sólo se da porque lo necesita el personaje para completar su historia.

¿Aporta algo nuevo al género?
No, es bastante de manual en cuanto a películas catástrofe, pero lo hace muy bien y tomándose el tiempo necesario. Realmente logramos conocer a cada personaje para que tengamos interés por ellos, no son caricaturas bidimensionales cuyo único propósito es servir a la trama como sucede en otras películas similares.

¿A quién recomiendo ir a ver esta peli?
A los amantes de este género, van a encontrar una peli bien contada y bastantes problemas y tragedias que se van sucediendo, aunque algunas algo previsibles.
Vale decir que no aporta demasiado a los que les gusta consumir irónicamente este tipo de pelis, algún que otro chiste puede aparecer pero no se destaca en esto el film.

Calificación: 6/10
Estreno: Jueves 7 de marzo en cines

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Crítica: Imaginario, juguete diabólico

Por Santiago Merlini

Si observamos el póster de Imaginary recibiremos una pista sobre a qué se va a asemejar: “De los productores de Five Nights at Freddys y de M3gan”.
Una historia de una niña y un juguete (Megan). Un oso de peluche con poderes sobrenaturales (Five Nights at Freddys). Esto es Imaginary de Jeff Wadlow, una película de terror que combina algunas fórmulas ya utilizadas por su casa productora, Blumhouse.



Wadlow vuelve a incursionar en el subgénero que más conoce, el terror sobrenatural, para traernos la historia de Jessica (DeWanda Wise), una joven y exitosa dibujante que vuelve a su casa de la infancia acompañada por su nueva pareja Max (Tom Payne) y las dos hijas de él: Taylor de 15 años y Alice de 8 años. La última y más pequeña de las hermanas encontrará en el sótano de la casa a Chauncey, un oso de peluche que anteriormente pertenecía a Jessica. Rápidamente la niña desarrolla un apego total con Chauncey y descubriremos que el oso de peluche es más que un simple juguete para niños.

Moviéndose dentro de un mundo interesante como es el de los amigos imaginarios, la película logra generar buenos momentos de tensión ayudándose de la buena dirección de Wadlow y de un monstruo poco común como es un osito de peluche. El guión correcto aunque repetitivo en algunas cuestiones cae en varios clichés y lugares comunes del género en los últimos años.

Para fans del terror tenemos que remarcar la participación de Betty Buckley en la película, como la anciana que vive en la casa de al lado de la familia. La veterana actriz que conocemos por su papel de psicóloga en Fragmentado (2016) o por su histórico rol como la profesora de educación física de Carrie, en el film del mismo nombre dirigido por Brian de Palma en 1976.


Al ver Imaginary se van a encontrar con una película que construye algunos buenos sustos y algunas buenas reflexiones acerca de las amistades y la familia. También algo que comparte con M3gan es el contar su historia desde una perspectiva femenina y en este caso agregando una mirada generacional, ya que tenemos mujeres de diferentes generaciones enfrentadas a este mal que nace de la imaginación.

Un concepto interesante para destacar de la historia y para prestar atención es como el mal y la respuesta a ese mal nacen del mismo lugar: la imaginación fértil de una persona creativa.

Espero que puedan verla y formular sus propias opiniones sobre ella. Saludos.

Estreno en cines: 7 de Marzo

Calificación: 6/10

Análisis: The Thaumaturge para PC

Por Marta RG

¿Alcanzarás a ser relevante?

En el juego encarnamos a Wiktor Szulski, un personaje curioso con un desarrollo de personalidad ya que se trata de un taumaturgo algo diferente.

Los taumaturgos son personas que pueden de algún modo relacionarse con los Salutor, unos entes sobrenaturales que campan tranquilamente por nuestro mundo (y bastante malrolleros). Pues bien, Wiktor no solo puede relacionarse con ellos sino que, al contrario de lo habitual, él puede contactar con más de uno lo que le hará conseguir ciertas ventajas.

Nos encontramos en el s. XX, en una Varsovia plagada de diversos intereses políticos que dará una ambientación muy llamativa al juego en general que se nos muestra con una vista isométrica. Nuestra historia se centra en la vida de Wiktor después del fallecimiento de su padre y su viaje para volver con su hermana. 

Lógicamente no podía ser esa la única intriga latente en el juego, así que se irá complicando la cosa según avancemos en nuestra historia.

Relaciones y desarrollos

Como he dicho, Wiktor puede interactuar con distintos Salutor aunque nuestro principal aliado es Upyr. Cada uno de los Salutor tiene habilidades diferentes que nos vendrán muy bien para conseguirlas y que Wiktor salga victorioso de todo tipo de situaciones.

Esta dinámica de absorción es sencilla, pero hace que nuestro protagonista acabe maltrecho por lo que debemos tener en cuenta la situación e intentar curarnos cuanto antes.

Es importante saber que estamos ante un RPG por lo que nuestras decisiones es posible que generen todo tipo de consecuencias. Aunque siento que en este aspecto el juego flojea bastante, al final se toman un puñado de decisiones que apenas tienen relevancia durante la trama.

Al final acabamos en el mismo punto (en muchas ocasiones) independientemente de las decisiones que tomemos.

La trama y las subtramas

Aquí, como pasa en muchísimos juegos, casi resulta más interesante el mundo secundario que el principal. Además, es muy recomendable llevar a cabo misiones secundarias ya que nos mejorarán las facultades de Wiktor que nos facilitarán el avance (en este punto me recordaba bastante a Mass Effect guardando las distancias).

Pero, no recomiendo ir a fuego a por las secundarias ya que habrá momentos en los que el juego bloquee el desarrollo de personaje hasta avanzar en la trama principal ya que necesitaremos haber desbloqueado algo previamente.

Por otro lado, el hacer misiones secundarias nos ayudarán a mejorar en combate. El combate se desarrolla por turnos y siempre contaremos con dos acciones: la nuestra y la del Salutor por lo que siempre es recomendable haber avanzado en sus especializaciones para sacarle más partido al combate.

Este aspecto queda de nuevo algo flojo aunque los final boss sí que son bastante llamativos y algo complicados, el combate en general se hace algo monótono y superfluo si le pillas el truco.

La apoteosis final

Si algo me ha gustado del juego es el final. Y lo que siento es que me descuadra totalmente del conjunto jugable. Mientras que las primeras partes son monótonas y apenas aportan trascendencia, en la última parte tenemos todo de golpe.

Todo lo que habíamos ido decidiendo por el camino y que pensábamos que no repercutía en absoluto, sorpresa, sí lo hace. Todas las interacciones, relaciones y decisiones vienen ahora para cambiar por completo nuestra historia.

Las misiones que se terminaban haciendo repetitivas y cansinas, se eliminan en gran medida en el final por lo que nuestra única preocupación debe ser salir airosos de las decisiones que hayamos tomado.

Conclusión

Si The Thaumaturge hubiese sido como en el último tramo durante todo el juego habría sido una auténtica maravilla. La localización está muy lograda y resulta atractivo explorar todo lo posible, pero pincha en lo jugable ya que se hace muy cansino.

Decisiones que sentimos que no van a ningún lado y misiones que se amontonan para resolverlas de la manera más sencilla posible, entorpecen un final genial que casi logra hacernos olvidar la previa.

Una pena que ese talento que se atisba solo se deje ver en el final y no a lo largo de todo el juego.

Análisis: Lords of Exile Para Nintendo Switch

Por Diego Martinez



Lords of Exile nos lleva a Exilia, un reino sumido en la oscuridad de una maldición que corrompe a sus habitantes. Controlaremos a Gabriel, un caballero maldito en busca de redención, enfrentándose al desafío supremo de derrotar al Señor Oscuro y liberar al mundo de su agonía.



Lords of Exile nos sumerge en una experiencia única al fusionar la esencia retro de los plataformas clásicos con mecánicas modernas. Tanto controlando a Gabriel como a Lyria, la precisión en el movimiento, la superación de obstáculos y la constante adquisición de nuevas habilidades forman la esencia de esta odisea. Cada nivel presenta entornos únicos, trampas mortales y enemigos formidables, exigiendo tanto destreza como pensamiento estratégico.

La victoria sobre los jefes finales desbloquea habilidades especiales, añadiendo capas estratégicas a la experiencia. Además, modos como Speedrunner y Boss Rush ofrecen variedad y diversión, garantizando una experiencia jugable envolvente y emocionante.



Gabriel, el protagonista, se erige como el catalizador de la narrativa. Su búsqueda de redención y valentía ante las adversidades proporciona una conexión emocional para los jugadores. A medida que avanza, la complejidad de su carácter se despliega, revelando capas adicionales que enriquecen la historia.

La presencia de Lyria, la hechicera misteriosa, agrega un componente mágico crucial, proporcionando habilidades esenciales para el éxito de la misión. La confrontación inevitable con el Señor Oscuro, la encarnación del mal, añade un elemento épico, consolidando a los personajes como pilares fundamentales en la trama.



Podremos blandir espadas, hachas, katanas y más para derrotar a los distintos enemigos que se interpondrán. Cada arma posee características únicas que debes dominar para sobrevivir. También existen pergaminos mágicos que desatan devastadores hechizos elementales. El arsenal de Lords of Exile te permite personalizar tu estilo de combate y encontrar la estrategia perfecta para vencer los desafíos. Desbloquear nuevas armas y habilidades se siente gratificante.

Cada elemento del inventario tiene un propósito y te ayuda a explorar el mundo interactuando con el entorno. Las posibilidades son casi infinitas. El pixel art empleado en Lords of Exile rebosa detalles en cada escenario y personaje. Los fondos están elaborados con esmero para sumergirte en la atmósfera oscura del juego.

La banda sonora de 8 bits se destaca por sus melodías épicas y efectos sonoros retro, particularmente al emplear hechizos y durante las batallas contra jefes.




Conclusión


Lords Of Exile redefine la esencia de los juegos de 8 bits a través de la implementación de gráficos pixel art mejorados, una narrativa cautivante y un innovador modo de juego.

Este título no solo rinde homenaje a los clásicos, sino que también presenta desafíos épicos en un mundo envuelto por la oscuridad. Ya sea que desees revivir la magia de la era dorada de los videojuegos o enfrentarte a un formidable desafío, esta aventura se erige como una adición imprescindible para cualquier aficionado a los metroidvania.

Calificación 7.5/10

Melendi: Emocionó a todos sus fans en su paso por el Movistar Arena con la celebración de los 20 años de su debut discográfico.

El artista español vino a la Argentina en su gira celebración «20 años sin noticias» y aprovechó está ocasión para hacer un repaso de sus grandes éxitos y conectar con un público argentino eufórico de verlo en escena.

Pasadas las 21 horas comenzaba el show del artista al cual los fans estaban ansioso7s esperando y donde dicha espera valió la pena, ya que en este espectáculo se incluyó un variado repertorio con éxitos que llevaba años sin cantar en sus shows. Es así como tuvimos canciones como «Jardín Con Enanitos», «La Promesa», «Destino o Casualidad», «Canción de Amor Caducada”y “Lágrimas Desordenadas” hicieron sonar en todo el Movistar Arena.

En esta noche el artista también aprovechó para hablar directo al público sin evitar emocionarse y dejar estas palabras durante un breve momento en el show «Hagamos que todas las opiniones tengan el mismo crédito, que no todos los miedos, sean importantes, hagamos que no todas las miradas sean desconfiadas, y ¡Hagamos Buenos Aires, que no todas las despedidas sean amargas!” 

Melendi, el artista que lleva más de 20 años de trayectoria y que ha hecho un tour que ha agotado entradas en todas partes del mundo, tuvo su pequeño pero si importante paso por nuestro país, donde pudo contar una vez más las historias que transmite en sus canciones, en un escenario junto a un público argentino eufórico pero que también ha salido muy emocionado.

Agradecemos enormemente a Fenix Entertainment y Varas Otero por invitarnos al show para nuestra cobertura de prensa

Reseña: Las medidas

Los hilos del amor

El amor es un bordado que una vez que se deshace ya no tiene la misma forma, sin embargo prevalece la intención de formar una prenda que sirva para mantener la relación. Todos hilamos el sentimiento hasta que se vuelve una maraña y luego ensartar la aguja será imposible. Todas estas metáforas aplican para la comedia romántica »Las medidas».



»Mara y Pablo son una pareja descomponiéndose en convivencia. Ellos intentan rearmarse en medio de esta modernidad líquida. Habiendo agotado diferentes estrategias, deciden sumar a alguien a la pareja para revivir el fuego. El problema es saber si lo lograrán o no». Tomás Landa es el autor de esta obra la cual también dirige.

Las medidas son dos actores, un escenario repleto de telas y un resultado satisfactorio, una comedia que hará reír al público.

Pascual Carcavallo  y Rocio Hernandez son las protagonistas de esta obra. Ambos poseen una química irremplazable. Con mucha naturalidad enfrentan a dos personajes opuestos que intentan compaginar, el amor los une y el mogollón de telas también. La pareja de jóvenes promesas saben cómo ensartar la aguja para ofrecer un excelente perfomance.

El escenario consiste de una casa que se convierte en taller de costura, gracias al ingenio de Yamila Barreira. Las prendas que forman parte de la escena fueron donadas por el público y en cada función, cada asistente podrá donar una.

La obra cuenta con un invitado diferente cada función, este aparecerá en el momento más hilarante de la obra, pero no solo como factor sorpresa para el público sino para los mismos actores. Los intérpretes tendrán que improvisar y hacernos reir.

Las medidas es una obra divertida que nos lleva a la reflexión sobre la montaña de ropa que tenemos que acomodar. las medidas que tenemos que hacer para que encaje la nueva ropa, y las prendas que reparar; obviamente no hablo de textiles sino de los sentimientos de pareja.

Disponible los miércoles de marzo y abril a las 21 horas en el Teatro Num.

Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web

Reseña: Dos, una desconexión

«Dos, una desconexión» es una obra teatral que cautiva desde el primer momento al espectador, sumergiéndolo en un universo de emociones y reflexiones sobre el amor y el desamor. La trama, centrada en la relación entre Miguel y Claudia, va más allá de ser una simple historia de pareja, pues trasciende las fronteras de lo individual para adentrarse en lo universal. ¿Acaso en algún momento de nuestras vidas no hemos pasado por las mismas preguntas, temores y crisis que atraviesan los personajes?.


A través de diálogos profundos y silencios elocuentes, los personajes transmiten sus miedos, sus soledades, su aburrimiento y sus anhelos de una manera que resulta completamente familiar para el  espectador, quien se ve inmerso en un torbellino de emociones, desde la nostalgia por lo que pudo haber sido hasta la resignación por lo que finalmente no fue.


Destaco el manejo del tiempo y el espacio que logra fusionar el pasado y el presente de manera fluida, convirtiendo los recuerdos en una presencia constante en la vida de los protagonistas. La puesta en escena también  es un elemento fundamental que eleva la experiencia como espectador, ya que  desde el primer momento que se ingresa a la sala, el público se encuentra inmerso en un ambiente que va más allá de lo físico, transportándolos a los rincones más íntimos de los protagonistas.


Los elementos escenográficos están cuidadosamente elegidos para reflejar el caos emocional de los personajes, con detalles que sugieren la intimidad de un hogar que ha sido testigo de tantas emociones encontradas.
Los 5 protagonistas logran transmitir la complejidad del personaje de manera correcta, capturando la atención del público desde el primer momento y manteniéndola hasta el final. Los gestos, las miradas y las pausas están cuidadosamente trabajados, contribuyendo a crear una conexión emocional genuina entre los actores y el público.


Terminada la función, uno regresa a casa pensando sobre  este universo de emociones y reflexiones que atraviesan Miguel y Claudia… un universo en el que todos nos hemos sumergido tarde o temprano…  porque de eso se trata el amor y el desamor.

FICHA TÉCNICA
Dramaturgia: Pablo Bellocchio
Actúan: Pablo Bellocchio, Luli Duek, Greta Guthauser, Sheila Saslavsky, Nacho Stamati
Asistencia de dirección: Monita Silva
Dirección de actores: Ivana Sabatini
Dirección Escénica: Pablo Bellocchio
Duración: 60 minutos
Clasificaciones: Teatro, Presencial, Adultos
EL JUFRÉ TEATRO BAR:
Jufré 444 CABA – Buenos Aires
Teléfonos: +54 11 3022 1091 Web: http://www.eljufre.com.ar
Sábado – 22:30 hs – Hasta el 25/05/2024

ANDREA PARISE CALAMERA

Reseña: Simulacro

Por Lorena Arcaro

Simulacro, una obra con 6 artistas en escena, un músico y una pantalla mostrando unos ojos expectantes de todas las situaciones. Una performance sonora y constante, que mezcla acrobacia con danza clásica, contemporánea, fusión de cuerpos en distintos escenarios de la cotidianeidad, que hace despertar distintos modos de estar como sentirse contento y luego preocupado o incómodo, por lo mismo pasan ellos.

A través del cuerpo es que cuentan y exponen que constantemente estamos observados por un otro, siempre alguien está mirando, o siempre nos sentimos mirados, aunque seamos nosotros mismos los que nos vemos y nos paraliza nuestra propia mirada. Trata temas como el control, la seguridad, la política y la represión. Se destaca las habilidades corporales de cada artista.

Simulacro es no convencional, distinta a lo que estamos acostumbrados a ver en el teatro, sin escenografía pero que no es necesario, sin vestuarios específicos ni de una época pasada, y una propuesta con actores jóvenes que traen algo nuevo al público.

SIMULACRO de Grupo Performático Sur
Idea y dirección: Mariana Bellotto.
Dramaturgia y coreografía: Mariana Bellotto, Paula Fernandez Ruiz, Catalina Jure, Ludmila Mazzucchelli, Santiago Morazzo,  Eva Torrez y Jorge Yañez.
Intérpretes: Paula Fernandez Ruiz, Catalina Jure, Ludmila Mazzucchelli, Santiago Morazzo,  Eva Torrez y Jorge Yañez.
Música original y ejecución en vivo: Ramiro Mansilla Pons.
Diseño visual: Paula Dreyer y Marcelo Marzoni. Cámara y edición: Melina Gómez. VJ: Marcelo Marzoni. Foto y DCV: Paula Dreyer.
Diseño de vestuario: Alicia Antich. Diseño de iluminación: Tomás Capelli.
Gestión y producción: Catalina Jure, Ludmila Mazzucchelli, Eva Torrez y Jorge Yañez.

Entradas en venta por Alternativa teatral: https://publico.alternativateatral.com/entradas88318-simulacro

Funciones los sábados 2 y 9 a las 21.00 y los domingos 3 y 10 a las 20.00 hs. Arthaus: Bartolomé Mitre 434.