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Hay películas que con tan solo el poster ya anticipan el contenido, generan expectativas en el público mediante una campaña de marketing en hacer obvia la primera reacción. En el caso del terror genera dudas pues hay dos posibles posibilidades: Será buena y refrescante o será mala y llena de clichés. Si bien todo en el cine está hecho, algunos directores no ponen interés ni voluntad en ofrecer algo distinto.
Baghead es una película de terror británica dirigida por el español Alberto Corredor, esta se basa en el cortometraje del mismo nombre del año 2017, por lo que se puede decir que es la ampliación de la historia del laureado corto. Esto puede funcionar en algunas ocasiones, ejemplo: Mama de Andy Muschietti (2008) y su adaptación al cine en 2013, generando buenas críticas y taquilla. En el caso de Corredor, el resultado es regular.
La historia se resume en una chica que hereda el antiguo edificio de su padre, este muere en circunstancias muy misteriosas. Al entrar como dueña del lugar, descubre que hay una mujer en el sótano con una bolsa de tela en la cabeza, entonces sucesos paranormales comenzarán a perturbar a la protagonista.
Baghead es un rejunte de Barbarian (2022), Talk to me (2023), The Grudge (2003) y otras películas de mansión embrujada. Si bien Alberto Corredor pone todo su esfuerzo en generar un clima aterrador, las convenciones del guion y la historia la hacen una mas del montón.
Los Jumpscares son obvios y el espectador no necesita adivinar en qué momento debe saltar de la sala, ya todo está ahí de manera premeditada para decir: Acá la protagonista se cae, acá se apagan las luces, acá el celular pierde la señal, acá aparece la figura poseída.
Hay un buen diseño de sonido por lo cual genera el impacto que se busca, es una experiencia para verla en cines con la pareja o amigos, sin embargo, el resultado es decepcionante y pasa sin pena ni gloria. El plot twist del final si bien no es esperado, no tiene el impacto necesario para remarcar la película.
Se aprecia la actuación de Freya Allan (conocida por la serie The Witcher), se nota que pone todo de si, lamentablemente está apoyada en un pobre guion y una dirección convencional y primeriza.
Una de espías de la vieja escuela, con un elenco de lujo y una vuelta de tuerca, más de una en realidad, para mantener actual este género que ha tenido su década dorada muchas décadas atrás. ¿Podrá la última peli del director Matthew Vaughn estar a la altura de su famosa franquicia Kingsman, o será un pobre intento por seguir explotando este género? Lo vemos más abajo.
La historia:
Argylle es un agente secreto interpretado por Henry Cavill, sorpresa sorpresa, que conocemos en medio de una peligrosa misión secreta donde descubre que la agencia para la que trabajaba fue corrompida y quieren eliminarlo. Esta trama, que parece calcada de todas las películas de misión imposible, en este mundo parece ser una gran revelación, lo que hace que la escritora de esta serie de libros, interpretada por Bryce Dallas Howard, y la verdadera protagonista de esta historia sea acechada por todos, incluyendo a su propia madre, para conocer la trama de su nuevo libro.
Pero, como todo escritor en una película, tiene un bloqueo y decide viajar en tren junto a su gato a ver a su madre e intentar solucionarlo. Pero su aburrida y monótona vida oculta detrás de una pantalla va a cambiar rápidamente, porque allí conoce a un verdadero espía, interpretado por Sam Rockwell, que no puede distar más del espía que creo en la ficción. Parece más un mochilero que un agente secreto, pero las sorpresas no terminan allí porque dice que vienen más a matarla.
A partir de allí emprenden un viaje de aventuras y misterios donde juntos intentaran develar donde está un archivo que puede desenmascarar a esta organización secreta del gobierno que se volvió corrupta, y de paso en el camino develar también quien es realmente esta escritora. ¿Podrán descubrir el secreto y sobrevivir al gran malón de espías maléficos que intentan asesinarlos? Seguro que sí, pero lo importante es el viaje.
¿Qué me gustó? El elenco es genial, lo que en la boca de un actor del montón sería un dialogo insípido y sin gracia, cualquiera de estos te lo transforman en magia o por lo menos algo divertido.
Los giros y giros y más giros de la historia la hacen entretenida y van avanzando la historia, aunque vale aclarar que algunos funcionan bien y otro claramente no.
¿Qué no me gusto? Por momentos es bastante lenta para ser una película de acción, tiene momentos en que los actores sólo parecen estar esperando que el otro diga su dialogo para dar la devolución. Especialmente en la primer parte donde conocemos a la escritora y su vida monótona, que queda claro es bastante aburrida y sólo resta sentarse a esperar que comience la acción.
Utiliza varios recursos que en Kingsman eran originales pero en esta película se los ve algo repetidos y faltos de originalidad. Para colmo, parte del elenco, Samuel L. Jackson por ejemplo, está en ambas películas, lo que hace imposible no compararlas y claramente esta no tiene la frescura ni la gracia de la original.
¿Aporta algo nuevo al género? Casualmente busca revivir las películas de agentes secretos de la época de oro de James Bond, igual que hace muy bien Kingsman, lo que más que aportar al género lo revindica frente a las películas de espías más actuales que buscan darle cierto realismo. La intención de esta es claramente lo contrario, hacerla lo más fantasiosa posible para pasar un buen rato, y no hay dudas que por momentos lo logra, pero en otros momentos parece una formula repetida.
¿A quién recomiendo ir a ver esta peli? A los fanáticos de la franquicia de Kingsman especialmente, y a todos los que disfruten de una buena comedia de acción. No se puede negar que es un entretenido viaje para dejar la realidad de lado y meterse en el mundo del “recontra” espionaje.
No se levanten enseguida cuando vean los títulos, hay una escena después de créditos que vale la pena.
Calificación: 7/10
Para otras opiniones sobre cine y algún que otro cuentito seguirme en Instagram @cronicadeunavidacualquiera.
Complicidad para callar y mirar hacia otro lado. La banalidad con la que se trata la crueldad y el egoísmo.
La familia de un general nazi naturaliza al holocausto como una rutina que se deba seguir, como un trabajo o tarea que se tenga que hacer. Donde no se lo cuestiona. Las cosas son como son, y como nosotros estamos bien no hay porqué hacerse más preguntas, siempre y cuando seamos nosotros los que estemos bien.
¿Es una película sobre un doloroso pasado o sobre el más asqueroso presente?
¿Qué es lo importante en una obra artística? En este caso cinematográfica. ¿El mensaje que quiere dar el autor? ¿El objetivo es entretener y gustar? ¿O buscar otro tipo de sentimientos como la incomodidad y el dolor? ¿La meta es que te replantees cosas? ¿Busca el aplauso? ¿Busca fama y explotar la taquilla? ¿O busca quedar grabado por mucho tiempo en tu cabeza? Yo creo que esta última cuestión sin duda logra cumplirla.
Que difícil es escribir acerca de Zona de interés y Jonathan Glazer, porque tanto la película como el director son tan excelentes como inteligentes pero a la vez son tan solemnes y pretenciosos que pueden llegar a alejar más de lo que acercan. Pero eso también puede ser la decisión más acertada por parte del autor, el exigir al espectador quien sea el que haga mérito por entrar en la obra y no que la obra sea quien se esfuerce por llegar al espectador. Considero que hay films o directores que quieren aplausos, otros quieren dejarte mudos; y otros quieren dejarte mudo y a la vez recibir los aplausos, creo que en esta categoría entra Glazer con The Zone of Interest. Tener esas semejantes intenciones es super valorable y está más que excelente, pero es muchísimo.
Apenas terminó la película, a los pocos segundos de que empiecen los créditos finales, hubo tres o cuatro personas que intentaron, muy tímidamente, iniciar un aplauso pero al notar que prácticamente nadie en la sala lo continuó dejaron de hacerlo. ¿Forman parte de una minoría capaz de identificar una obra maestra apenas la terminan de ver, o sin entenderla del todo quisieron aplaudir y al notar que el recibimiento general cambiaron su percepción? Con una duda como tal escribo mi reseña.
¿Cómo hablar de un exterminio sin hablar del exterminio en sí? El horror está retratado pero no en la realidad de los personajes, sino que el horror está en nuestra interpretación, y en alguna que otra pincelada un poco burda pero totalmente funcional por parte del director, que más que nunca afirma ser un fanático de Kubrick haciendo cine en el siglo XXI.
Clase magistral de estilo, Glazer demuestra que no hace falta ser aparatoso y descomunal para ser impecable. Puesta en escena, fuera de campo, composición de cada encuadre. Una dirección de 10. Lástima que si viste el tráiler prácticamente viste la película y podrías entender el mensaje que quiere dar durante 105 minutos, pero que esto no te saque las ganas de ir al cine, si dudás entre un sí o un no, la respuesta es claramente sí, vale la pena. Glazer encierra en cada frame a sus protagonistas, interpretados por los brillantes Christian Friedel y Sandra Hüller (que gran año tuvo ella) en el papel de Rudolf y Hedwig, que te hacen creer totalmente lo que podría estar pasando por la cabeza de un nazi y no es exactamente lo que, casi siempre, se plasmó en el cine y la literatura este último siglo.
El fuera de campo hecha película. Lo importante no es lo que vemos, no es lo que se habla. No es lo que les pasa a los protagonistas. La película realmente está más allá de esos muros que dividen el hogar de la familia Höss del campo de concentración más espeluznante del nazismo. Una gran obrapero que me genera contradicciones, si me parece que es tan buena… ¿Por qué no me gustó tanto como debería? ¿Las obras maestras pueden ser aburridas?
“Reconocer al matrimonio Höss como seres humanos fue una gran parte de lo terrible de todo este viaje de hacer la película, pero seguí creyendo que, si podíamos hacerlo, tal vez nos veríamos a nosotros mismos en ellos”, confesó el director en entrevista con The Guardian. “Para mí, esta no es una película sobre el pasado. Se trata, de tratar el ahora, de nosotros y de nuestra similitud con los perpetradores, no de nuestra similitud con las víctimas”.
Entiendo que a quienes no les guste digan que es de esas que «no pasa nada», cuando en realidad están pasando un montón de cosas. Entiendo que habrá quienes no les gustará del todo y la considerarán olvidable, otros la elogiarán sólo por meteterse con un tema tan jodido como el holocausto desde la perspectiva de una familia nazi privelegiada por serlo. Y antes de afirmar lo siguiente quiero aclarar que yo no me considero aún un espectador apto, ya que la vi una sola vez, pero creo que quienes puedan palpar e interpretar el mensaje que quiere dar Glazer con su obra realmente les va a encantar, los va a perturbar y puede que sea su film predilecto sobre las atrocidades causadas por el nazismo sobre el pueblo judío.
Por fuera de lo que es lo cinematográfico, el título y su póster son realmente espectaculares y son el moño ideal para cerrar la obra. Como película obviamente la recomiendo pero a pesar de ser excelente no estoy del todo seguro que me haya gustado, considero que algunas escenas ya habían cumplido su cometido y aún así se seguían estirando en un ritmo lento. No creo que gane el Oscar a mejor director, ni es mi favorito, pero Jonathan Glazer hace un trabajo formidable con la dirección del film. Me parece increíble y prácticamente única la forma con la que eligió retratar la historia, y hasta me da curiosidad cómo lo hubiera plasmado otra persona a cargo de la dirección.
Tiene alguna que otra secuencia donde busca ser disruptivo, y por un lado valoro la arriesgada decisión pero por otro siento que es más experimental de lo que me gustaría, hubiera preferido que lo que quiere decir lo diga con herramientas clásicas del cine y no busque tanto ser ese ‘director diferenciado’. Obviamente lo que hace está bien hecho, pero los directores en los que percibo un aire de «miren lo que hice, aplaudan lo inteligente y original que soy» me generan inquietudes.
No me emocionó tanto como debería pero realmente es una maestría de dirección cinematográfica y no una clase de historia o el drama de una biopic de un jerarca nazi reconocido. Voy a recordarla más de lo que me gustó realmente, y por eso siento también que es una gran pero gran película. Donde hoy todos parecen correr detrás de la novedad, donde una película que se estrenó hace 2 semanas ya fue devorada por la vorágine de la actualidad, del scrolleo, de actualizar el feed, y ni hablar de una que se haya estrenado hace un mes o dos, siento que The Zone of Interest puede llegar a ser recordada y revisionada para seguir encontrando detalles en esta cruel historia.
El director afirma que siempre buscó retratar a la familia nazi como personas ‘normales‘, no quería retratarlos como monstruos para que no le sea sencillo al espectador distanciarse, alejarse de los personajes, por más que creamos que jamás le haríamos algo así a otro ser humano, hace no tanto tiempo, humanos de carne y hueso con sentimientos como vos y yo, cometían estos crímenes atroces sobre otras personas y si eso ya ocurrió, aunque nosotros no nos creamos capaces, tal vez deberíamos estar menos seguros de eso.
Gran acierto el atreverse a poner el foco en los perpetradores y no en las víctimas. Pero el foco en unos perpetradores que no son retratados como monstruos sino simplemente como personas que naturalizan o ignoran lo que realmente están haciendo, ella cuida sus propios interés y los de su familia, intenta cuidar su futuro quedándose a vivir en esa villa de Auschwitz, pese a vivir pegado a un campo de concentración donde se escuchan los gritos de los judíos asesinados o como llegan los trenes que cada día traen más personas a ser masacradas. Ella cuida su lugar, su anhelado hogar, que le llevó tiempo hacer realidad y ahora no lo quiere perder, ya sea por poder, estatus o simplemente mantener el privilegio a costa de que tantos otros sufran en la masacre durante.
Lamentablemente siento que hay un momento donde empieza a decaer, donde esperaba que la trama vaya a peor y no fue a peor, sino simplemente el ritmo seguía su curso y una vez ya planteada la historia, situación y personajes era un eco de lo mismo, y parece que eso era exactamente lo que Glazer quería: la película trata de esto y sólo de esto, no de otra cosa ni de lo que vengas a buscar con tus expectativas. No vas a ver en mi película villanos nazis gritando demostrando los monstruos que son, los nazis que más daño hicieron también podrían ser personas promedio, que querían lo mismo que podrías querer vos, vivir bien, amar a tu familia e intentar darles lo mejor a tus hijos. Y eso es lo terrorífico. Cómo una persona que hace tales atrocidades tiene tanta semejanza con uno.
Lollapalooza Argentina dio a conocer el lineup por día de Kidzapalooza: Plim Plim lidera la grilla el viernes, Panam hace lo suyo el sábado y Topa cierra el domingo.
Además, se complementará con muchísimas actividades recreativas para las primeras generaciones de fans de la experiencia de Lollapalooza Argentina: escuelas de Rock, Talleres de DJ, espacios de baile, pistas de Skate y actividades de ecología y arte.
Será el 15, 16 y 17 de marzo en el Hipódromo de San Isidro. Tickets y abonos generales a la venta a través de All Access. Los niños menores de 10 años ingresan gratis con un adulto responsable con entrada.
La primera generación de fans del festival vivirán una experiencia imperdible que es gratuita para todos los menores de 10 años acompañados por un adulto responsable con entrada, acreditándose con anticipación en la web del festival luego de haber retirado los tickets.
Producido por DF Entertainment y presentado por Flow, este año el festival redoblará la apuesta para ofrecerle al público infantil sus primeros acercamientos a la magia de la música en vivo, los festivales, los diferentes géneros musicales y los variados modos de creación que existen, las artes plásticas, así como otras formas de expresión donde reina el movimiento como el baile o el skate.
Además, se plantean actividades diseñadas para fomentar la conciencia sobre temáticas ambientales, poniendo la creatividad a trabajar para dar con ideas y soluciones a los problemas de nuestro presente y de su futuro, siempre centrales en la cultura de Lollapalooza Argentina y de todas las ediciones del festival en el mundo.
“La Papa” es una obra autobiográfica que no buscar cuestionar sino más bien dialogar y comunicar la posibilidad de convivir en un mundo que se encuentra repleto de diferencias. La autora Natalia Jesica Slovediansky, con gran sensibilidad y honestidad, pone en escena su propia historia de vida, y es notorio gracias a la autenticidad tanto de los personajes como de las situaciones presentadas.
La pieza teatral cuenta la historia de Nuni y Luli, dos hermanas que crecen en una familia judía ortodoxa que, con el paso del tiempo, van distanciándose por la necesidad de aferrarse o alejarse de dicha religión. La narrativa de la obra propone una cronología por la vida de estas hermanas mostrándonos los conflictos fraternales de cada protagonista al tomar caminos separados.
Ambientada en los años ’90, Nuni y Luli son hermanas que viven en Buenos Aires. Nuni es una niña curiosa y rebelde, mientras que Luli es una niña obediente y creyente. A medida que crecen, las hermanas se distancian. Nuni comienza a cuestionar las tradiciones de su comunidad, mientras que Luli se profundiza en su fe. Cuando Luli decide convertirse en una mujer jasídica, su decisión pone a prueba el vínculo entre las hermanas. Nuni no entiende la elección de su hermana y se siente traicionada.
La obra sigue a Nuni en su viaje de autodescubrimiento. A medida que se enfrenta a sus propios miedos y culpas, comienza a comprender mejor a su hermana. La obra es un viaje emotivo y revelador que explora temas complejos como la identidad, las diferencias culturales y religiosas y la familia. La obra conlleva un ritmo ágil y un tono que alterna entre la comedia y la tragedia. Gracias a la efectiva dirección de Nicolás Salischiker, logra crear un ambiente íntimo que permite a los espectadores conectarse con los personajes y con la historia que cuentan. El director guía a todo el elenco en la construcción de un mundo onírico y metafórico donde las fantasías y la realidad se entremezclan en la toma de decisiones importantes.
“La Papa” expone toda una serie de juegos dramáticos y escenográficos que se vuelven impredecibles entre escena y escena. Natalia Jesica Slovediansky genera empatía al interpretar un personaje complejo que lucha constantemente por encontrar su lugar en un mundo lleno de desigualdades y tensiones. Nos muestra cómo estas diferencias pueden poner a prueba los lazos afectivos, pero también nos enseña que el amor familiar es capaz de superar cualquier obstáculo.
“La Papa” se presenta los domingos a las 19 hs en Paseo La Plaza (Av Corrientes 1660).
“Un MUSIC HALL, que busca traer al presente recuerdos, reencuentros, donde sin lugar a dudas la nostalgia estará presente entre los espectadores”
El sábado estuve en el Teatro Regina, casi a las 21 hs comenzó un espectáculo que es más que un concierto, es lo que venden y es lo que entregan. 19 artistas en escena: bailarines y bailarinas que no paran de bailar en las casi dos horas de espectáculo. Chapeu. Buenas coreografías, son tantos arriba del escenario y nunca se chocan, tienen un gran dominio de su cuerpo y se los ve disfrutar en cada canción y eso hace que el espectador también disfrute. Cantantes que se lucen (sobre todo dos de ellas, Selene Belardone y Thelma, que no sé su nombre porque era un reemplazo e hizo un “toro” impresionante, chapeau también) Las hermosas luces y las pantallas acompañan a cada cuadro, que está dedicado a algún artista de rock argentino, lindas armonías en canciones conocidas por todos pero no por eso menos efectistas y emocionantes. Lo único que les pediría es que bajen un poco el volumen de las pistas musicales, porque al estar tan fuerte el sonido de las mismas, los micrófonos también estaban muy fuertes y por momentos se pierden los matices de las voces y de los coros porque se escucha muuuuy fuerte. Pero como digo esto del sonido, también digo que es un espectáculo que hay que ver, son jóvenes artistas de musicales, que cantan y bailan con una entrega y un profesionalismo que da gusto ver. Gracias por el arte y por una noche más de puro talento Apoyemos al teatro independiente ELENCO: Camila Abriola. Luz Navarro. Selene Belardone. Juana Nieto. Blanco Zunino. Bruno Novas. Nicolás Cúcaro. Fernando Palladino. Blanca Curra. Verónica Pereyra. Rodrigo Devita. Federico Romero. Milagros Llanos. Nicolás Sarro. Ariel López. Lucía Tanco. Teo Mallach. Leila Vidriales. Rodrigo Muñoz FICHA TÉCNICA DISEÑO GRAFICO: Punto A Partes DISEÑO ILUMINACIÓN: Juan Pablo Ragonese DISEÑO VESTUARIO: Vanesa Abramovich PRENSA: Agencia AB – Alejandra Benevento PRODUCCIÓN EJECUTIVA: Emiliano Miguez – Juan Pablo Ragonese PRODUCCIÓN GENERAL: Emiliano Miguez – Leila Vidriales FOTOGRAFÍA: Nacho Lunadei ASISTENTE DE DIRECCIÓN: Magali Iglesias DIRECCION VOCAL: Juan Pablo Ragonese REDES SOCIALES: Melany Vilmaski ASISTENTE: Camila Cobo DIRECCIÓN MUSICAL: Juan Pablo Ragonese – Franco Laguzzi ARREGLOS MUSICALES: Franco Laguzzi DIRECCIÓN GENERAL: Juan Pablo Ragonese – Tomás Luna REALIZACIÓN DE VESTUARIO: Mario Pera – Abril Vonscheidt – Stella Maris Villamayor ASISTENTE DE VESTUARIO: Estrella Villamayor ASISTENCIA DE COREOGRAFÍA: Sabrina Marcos DIRECCIÓN DE COREOGRAFÍA: Tomás Luna OPERACION DE SONIDO: Damián “Chiqui” Traverso OPERACION DE LUCES: Matías Canony ARREGLOS VOCALES: Juan Pablo Ragonese
Una historia familiar cercana, criolla y muy reconocible en cualquier entorno de cualquier ciudad en cualquier país. Cuenta la historia de Iván Bilbao, un personaje que se desprende de la película el rancho, que luego de cumplir su condena en la cárcel, sale para formar su vida la cual estuvo privada de libertad por años. Llevando los consejos que le dan sus compañeros de celda.
Al salir forma una familia, entrena boxeo y enseña este deporte, es prestamista entre los vecinos del barrio y se autodenomina el rey de Chascomús por su pasado y por la historia que se creó bajo su nombre y su pasado.
La película pasa bajo la vida cotidiana de la familia de Iván, del día a día, de los problemas con los vecinos, los problemas con su entorno y el de llevar una vida dura en el lugar donde vive.
Lo bueno:
Los cortes que tiene la película para pasar de una transición a otra, la sencillez y profundidad de las actuaciones, las localidades donde fue filmada la película, la fotografía y los diálogos que se suceden entre los personajes que le dan un gran peso a la película y a todo el entorno de esta.
Lo malo:
Sinceramente no tiene nada malo, pero si en algunos momentos (que son pocos) se hace media lenta, pero fuera de eso nada.
Marina Otero regresa a Argentina con fuerza y con polémica, quién no esté acostumbrado a su estilo se llevará una sorpresa al ver la cantidad de cuerpos desnudos en Fuck me, su más reciente obra perfomatica.
Más allá de abrir la mente y romper con el pudor, hay que estar preparado para la intensidad que ofrece la propuesta de Otero. Fuck me es un viaje del cuerpo hacia los cuerpos, una muestra del dolor y las limitaciones del mismo, un estudio de la anatomía del creador en su fase más narcisista.
Esta obra se ejecuta como un ensayo y repasa las anteriores presentaciones de Otero, siendo la última de esta trilogía. Un biodrama potente que repasa la niñez, la familia, el arte, el sexo y la protesta. La catarsis de la artista es contundente y se refleja en cuerpos masculinos desnudos, cada uno diferente, entre hegemonico y andrógino.
Augusto Chiappe, Diego Gómez, Juan Francisco Lopez Bubica, Fred Raposo, Matias Rebossio, Miguel Valdivieso y Cristian Vega son los interpretes de Fuck Me, la misma Marina Otero además de dirigir y ser la creadora, es la protagonista. Es un ejercicio de ella y para ella, pero nosotros somos el espectador atónito ante su show.
En una hora atravesaremos diversas emociones, la primera el pudor al ver gónadas colgar y poses subjetivas en una coreografía desafiante. Sudor, sexo y expresión son los ingredientes de Fuck me.
Lucio Bazzalo es el artista visual que comprende la idea de Otero, sin su colaboración, la obra quedaría concentrada en los bailarines desnudos. Su composición visual nos expande el testimonio para hacer de la historia más sensible y menos pudorosa.
Fuck me es un espectáculo no apto para moralistas ni conservadores; en el primer segundo se muestra como es y si no se acepta la propuesta, el espectador tiene la opción de cerrar los ojos o irse, pero si se queda, será testigo de cómo romper con el pudor puede ser un acto revolucionario.
Fuck me se presenta este martes 30 de enero en el Teatro Metropolitan Sura.
El sábado pasado tuvimos el agrado de asistir, en la cómoda Sala Córtazar del Paseo de la Plaza, a “Mylch, descubrí quién es” escrita por Edu Blacher. Actúa junto a él Emmanuel Degracia y ambos hacen de esta comedia musical-teatral algo único. Edu Blacher como Mylch, pianista de bar, con una interpretación de muy buena calidad musical e instrumental y buenas canciones y Emmanuel Degracia como Rodolfo, el mesero del bar, quien con títeres da vida de manera muy expresiva y con buena técnica a seis personajes más!
Los seis títeres son la dueña del bar y sus habitués de la noche que dialogan con el pianista del bar, anclado a sus historias y que pone en canciones los deseos, las problemáticas, las humanidades profundas de estos. La escenografía de tonalidades amarillo pastel y blanco, construida sobre las palabras e imágenes de margaritas y chanchos son: el piano, una mesa con sillas, una barra y el baño.
Es una obra que canta a la vida y destaca por su humor, el bien preciado humor. Nos motiva y despierta nuestra pasión por el teatro y nos anima a disfrutar e ir más seguido a propuestas como estas! Las funciones son los sábados 20:30hs en la Sala Córtazar del Paseo de la Plaza.
Una comedia romántica protagonizada por una pareja heterosexual, rubia, joven y hermosa, pero no de preocupen, casi todas las demás parejas en la peli son diversas para compensar. ¿Valdrá la pena verla en la pantalla grande, o mejor esperar a una aburrida tarde de streamming?
La historia:
Se aman, se odian y se vuelven a amar. No, no es un tema de Ricky Martin ni Montaner, es la trama clásica de este género. Bea, el personaje de Sydney Sweeney se encuentra de casualidad con Ben, el personaje de Glen Powell, cuando él la salva de no poder usar el baño en una cafetería. A partir de allí pasan el día y la noche juntos derrochando carisma. Pasan la noche juntos, pero cuando llega la madrugada ella se asusta y se va. Cuando está caminando por la calle hablando con su hermana sobre el lindo chico que conoció, se da cuenta de su error y vuelve, con tanta mala suerte que escucha la conversación de Ben con su hermanastro sobre como la chica que acaba de conocer no era nada para él.
Pasan los meses y de casualidad vuelven a encontrarse, porque sino no habría película, y se dan cuenta que sus hermanas están en pareja y quieren casarse en Australia, de donde son los padres adoptivos de Ben y su hermana.
Emprenden el viaje y las constantes peleas entre estos dos hacen que toda la familia, especialmente las novias, piense que van a arruinar la boda perfecta que habían planeado, por lo que pergeñan un intrincado plan para unirlos. ¿Podrán estos intentos hacer que esta pareja que circunstancialmente se odia termine amándose? Todos sabemos que sí, pero por el bien de la trama vamos a plantear esto como una gran incógnita
¿Qué me gustó?
La química entre la pareja protagónica está ahí, esto es fundamental en este género. Si la pareja no te engancha y no parecen tener nada entre ellos el resto de la peli no va a funcionar por más bueno que sea el guion. Aparte ambos son muy agradables a la vista y el viaje a la soleada Australia parece ser la excusa perfecta para verlos todo el tiempo en malla e incluso a veces directamente sin ella, no es que me esté quejando de eso desde ya.
También destacó dos recursos bien utilizados: la música, que ponen para acompañar determinadas situaciones graciosas y las frases que arman como capítulos a lo largo de la peli. Me parece un lindo diferencial para algo que de otra manera seria muy genérico.
¿Qué no me gusto?
Algunas conveniencias son demasiado exageradas, lo que te saca un poco de la trama, y parece que todas las conversaciones son o escuchadas por todo el mundo o no escuchadas por nadie más que los protagonistas que están a dos pasos de los demás, todo a disposición de avanzar con la trama. Por momentos termina siendo como una suerte de gran reality donde hay un director que sube y baja micrófonos según le parezca.
Por otro lado, pese a que la, en mi opinión, exagerada corrección política no hace demasiado ruido en general, hay momentos que algunos diálogos quedan demasiado forzados y resultan innecesarios en una película así.
Incluso tienen un personaje que parece exclusivamente puesto para decir lo políticamente correcto y que no todo se sienta como ricos privilegiados que invitan a toda la familia al otro lado del mundo (Australia) solamente para celebrar su boda.
¿Aporta algo nuevo al género?
No demasiado en realidad, todo es bastante genérico y esperable en este tipo de films, pero a su vez está bien realizado y en su punto, por lo que resulta agradable de ver. Seguramente es una película que a futuro tendrá muchas reproducciones en el streaming pero no quedará en la historia como un gran referente, sino simplemente como una buena peli que cumple lo que promete.
¿A quién recomiendo ir a ver esta peli?
A los amantes de las comedias románticas, ideal para primeras citas o para parejas que ya llevan un tiempo y quieren pasar un lindo rato e identificarse, al menos un poco, con los protagonistas.
Calificación: 7/10
Para otras opiniones sobre cine y algún que otro cuentito seguirme en Instagram @cronicadeunavidacualquiera.
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