Reseña: Piso 35, de Analía Mayta

Por Victoria Seri

El 8/2 se estrenó la segunda temporada oficial de Piso 35 dirigida por Leticia Tómaz y escrita por Analia Mayta. Después de haber presentado en Europa la obra en el 2018, y de hacer funciones de manera aleatoria en Argentina, el espectáculo vuelve a Buenos Aires y a la calle Corrientes. Estarán por 2 meses en Belisario Club de Cultura todos los viernes a las 23 hs.

 

Piso 35 es una comedia, sin embargo durante el transcurso de la función me sentí como si estuviese mirando un capítulo de Black Mirror (serie dramática de ciencia ficción y fantasía que está disponible en Netflix). Es una interpretación que hago en base a los primeros momentos del espectáculo y la  estética que se muestra. La temática me remonta a la tecnología y sus usos con una mezcla de drama psicológico (aunque no lo sea).

La obra aborda con mucho humor y desparpajo, el complejo mundo laboral donde claramente todos nos podemos sentir identificados. Un mundo en el que se despliegan relaciones de compañerismo, competitividad, amistad y respeto.

Cuatro compañeros en una oficina del piso 35 se disputan un ascenso. Se trata de un puesto que ha quedado vacante, por el cual las situaciones que se experimentan sobrevuelan el poder, la lucha y la rivalidad que se genera entre colegas. Mientras tanto suceden otras cosas también.

Los actores utilizan bastante el humor físico lo cual genera, especialmente cuando se trata de una comedia, mayor disfrute y diversión en el espectador. Todos están geniales, cada uno con su ritmo y singularidad aportan una personalidad distinta. Así mismo destaco el vestuario, me encantó la mezcla de colores. Por otro lado recalco toda la puesta en general,  tanto sonido y visuales me parecieron brillantes.

Fue un estreno a sala llena. El público pasó un momento muy agradable y demostró con fuertes risas que la obra definitivamente vale la pena ser vista.

Ficha técnica:

 

Actores:

 

Analía Mayta: Szokolofsky

Ezequiel Olazar: Piccolinni

María Ema Mirés: Taborda

Federico Torres: Ramírez

Daniel Grbec: Rogelio

 

Concepción Espacial y Escenográfica: Leticia Tómaz

Asesoramiento Lumínico: Mariano Arrigoni

Diseño de Vestuario: Ana Julia Figueroa

Diseño de Maquillaje: Lis Iun

Diseño Gráfico: Pablo Peréz Rey, Ignacio Lavizzari

Fotografía: Evann Violeta

Producción ejecutiva: Grupo Subsuelo https://gruposubsuelo.wixsite.com/gruposubsueloteatro

Realización Audiovisual: Nicolás Isasi

Prensa: Correydile

Participación Especial: Sebastián De Marco, Miriam Castañeda

Dramaturgia: Analía V. Mayta

Dirección: Leticia Tómaz

Duración del espectáculo: 55 minutos

Fan Page del espectáculo: https://www.facebook.com/Piso35.Teatro/

Instagram: @35piso

segunda temporada oficial de Piso 35 dirigida por Leticia Tómaz y escrita por Analia Mayta. Después de haber presentado en Europa la obra en el 2018, y de hacer funciones de manera aleatoria en Argentina, el espectáculo vuelve a Buenos Aires y a la calle Corrientes. Estarán por 2 meses en Belisario Club de Cultura todos los viernes a las 23 hs.

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Piso 35 es una comedia, sin embargo durante el transcurso de la función me sentí como si estuviese mirando un capítulo de Black Mirror (serie dramática de ciencia ficción y fantasía que está disponible en Netflix). Es una interpretación que hago en base a los primeros momentos del espectáculo y la  estética que se muestra. La temática me remonta a la tecnología y sus usos con una mezcla de drama psicológico (aunque no lo sea).

La obra aborda con mucho humor y desparpajo, el complejo mundo laboral donde claramente todos nos podemos sentir identificados. Un mundo en el que se despliegan relaciones de compañerismo, competitividad, amistad y respeto.

Cuatro compañeros en una oficina del piso 35 se disputan un ascenso. Se trata de un puesto que ha quedado vacante, por el cual las situaciones que se experimentan sobrevuelan el poder, la lucha y la rivalidad que se genera entre colegas. Mientras tanto suceden otras cosas también.

Los actores utilizan bastante el humor físico lo cual genera, especialmente cuando se trata de una comedia, mayor disfrute y diversión en el espectador. Todos están geniales, cada uno con su ritmo y singularidad aportan una personalidad distinta. Así mismo destaco el vestuario, me encantó la mezcla de colores. Por otro lado recalco toda la puesta en general,  tanto sonido y visuales me parecieron brillantes.

Fue un estreno a sala llena. El público pasó un momento muy agradable y demostró con fuertes risas que la obra definitivamente vale la pena ser vista.

Ficha técnica:

 

Actores:

Analía Mayta: Szokolofsky

Ezequiel Olazar: Piccolinni

María Ema Mirés: Taborda

Federico Torres: Ramírez

Daniel Grbec: Rogelio

Concepción Espacial y Escenográfica: Leticia Tómaz

Asesoramiento Lumínico: Mariano Arrigoni

Diseño de Vestuario: Ana Julia Figueroa

Diseño de Maquillaje: Lis Iun

Diseño Gráfico: Pablo Peréz Rey, Ignacio Lavizzari

Fotografía: Evann Violeta

Producción ejecutiva: Grupo Subsuelo https://gruposubsuelo.wixsite.com/gruposubsueloteatro

Realización Audiovisual: Nicolás Isasi

Prensa: Correydile

Participación Especial: Sebastián De Marco, Miriam Castañeda

Dramaturgia: Analía V. Mayta

Dirección: Leticia Tómaz

Duración del espectáculo: 55 minutos

Fan Page del espectáculo: https://www.facebook.com/Piso35.Teatro/

Instagram: @35piso

Crítica: Escape Room: Sin Salida

Por Agustín Villegas

Una más que se perdera en el tiempo…

Un grupo de personajes unidimensionales deben resolver puzzles para escapar de unas habitaciones asesinas y así obtener un premio. Wow! Que premisa tan única, nunca la había visto en otra obra del séptimo arte! Y por si no lo notaron eso fue puro sarcasmo!

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Adam Robitel dirige éste film de horror que se queda a mitad de camino en todo lo que intentó imitar de otros films como ‘SAW’ o ‘THE CUBE’. Los personajes que mueven a la historia son el punto mas débil del proyecto, no tienen carisma ni personalidad convirtiendose en recursos narrativos para mover la trama de forma conveniente. El director no aprovechó la tensión que una sala de cine puede brindar ante un proyecto con ésta temática de juegos mortales.

Como punto positivo se puede mencionar que las habitaciones en las que los personajes deben sobrevivir y escapar cuentan con conceptos creativos, hay una que levanta calor sin parar hasta que logren resolver el acertijo, otra se cierra como si fuese la compactadora de basura de La Estrella de Muerte y mí favorita recrea un ambiente nevado y frío. La temática es utilizada hoy en día por empresas de juegos recreacionales, en Argentina tengo entendido que hay una y despues de este film no tengo dudas de que van a explotar de clientes, sea malo o bueno el cine de horror siempre lleva gente al cine.

No voy a decir que ‘ESCAPE ROOM’ es lo peor que vi, pero si llegan a verla les aconsejo que se guarden la plata y la esperen en formato doméstico … hay películas en cartelera que merecen su dinero mucho más que este proyecto genérico.

Calificación 5.5/10

Análisis: Spike Volleyball para PS4

La simulación de deportes ocupa un buen espacio en el catálogo de videojuegos en consolas, obviamente estando presente deportes muy populares como lo son el fútbol, Básquet, Tennis, entre otros. Hemos tenido una buena cantidad de títulos relacionados con el Volleyball, como el Volleyball de la NES, Super Volleyball, Kings Of The Beach, entre otros; aunque la realidad nunca tuvimos un juego de simulación real en esta nueva generación. Spike Volleyball es el juego de simulación que le hacía falta a las consolas, y también resulta un producto muy bien logrado que brinda partidas sumamente entretenidas.

Spike Volleyball es un simulador deportivo de voleibol en interior que permite a los jugadores ponerse al mando de 50 selecciones nacionales, femeninas y masculinas, en una propuesta que recrea fielmente todos los elementos de la disciplina: velocidad, reflejos y cooperación. El título se desarrolla a través de distintos modos de juego , que van desde los torneos, partidos amistosos, y los modos de juego online.

Jugabilidad:

Puede que en un principio la cosa no resulte muy sencilla, así que es necesario ir desde un principio con el tutorial que el juego nos presenta. Desde ese momento comienza una guía en cuanto a la selección de equipos, jugadores y detalles técnicos de cada uno. Luego de eso arranca el partido y hay que estar bien atento a las funcionalidades que tiene. En términos de formación y forma de juego, es la reglamentaria a la disciplina, por lo que el jugador debe tener un control de todo el equipo. El sistema tiene una modalidad intuitiva a la hora de la recepción de los balones, luego de ello, el jugador tiene la libertad de manejo y control sobre el equipo. En cuanto a su manejo en PS4, la recepción del balón se realiza con el botón x, luego apareciendo en pantalla las teclas que debes utilizar para pasar la pelota al jugador que prefieras, teniendo las opciones luego de realizar lanzamientos con distintas potencias. Las variables son muchas, por eso requiere un poco de práctica, pero luego de un rato el juego se hace entretenido, hasta un poco adictivo.

En cuanto al torneo principal, tenemos la posibilidad de elegir entre el campeonato de naciones (con 12 equipos), el torneo mundial (Con 24 equipo), y las copas y ligas internacionales (con 12 equipos cada una). Puedes elegir en cada uno de los modos con los equipos femeninos y masculinos, los partidos pueden configurarse en cuanto a la cantidad de victorias por set, además de la cantidad de puntos en cada set, aunque siempre arrancaremos de la forma reglamentaria. También existe la configuración de dificultad, que se divide en tres opciones que va desde fácil, normal y difícil. En términos de jugabilidad, el gameplay está muy bien logrado, al igual que la composición de los jugadores y los escenarios, aunque puede que en las repeticiones haya cierta falta de sincronización de las animaciones con el balón, pero que por suerte no afecta su jugabilidad. También el juego tiene la opción de multijugador que puede llevarse a cabo tanto en modo local como en su forma online.

Apartado Técnico:

El juego tiene un apartado visual muy bien logrado, que si bien existen otros juegos de deportes con un apartado mucho más trabajado, hay que decir que no se ve nada mal. Existe una perfecta conjunción entre el diseño de los jugadores y los escenarios, que aunque está hecho para verse de una forma realista, no escapa de tener un colorido diseño artístico, sobre todo en el escenario de juego. Utilizando el motor gráfico Unreal Engine, el juego corre muy bien, manteniendo una jugabilidad dinámica en cada partido, y puede que la complejidad esté más asociada a sus controles. La música es armoniosa y se acopla perfectamente al apartado visual y a la dinámica del juego.

En cuanto al idioma del juego, está la posibilidad de que el menú y tableros estén en español, pero como detalle a destacar, el relato del juego se encuentra en inglés, tampoco contienen subtitulos.

Duración:

Casi no hay limitación en cuanto a la cantidad de horas de juego, aunque para ampliar la experiencia tenemos los modos de torneos y carrera, que aunque sean modalidades relativamente cortas, tienes varias opciones para aumentar las horas del juego. La opción de multijugador amplía la utilidad del juego en cuanto al tiempo, que mantiene partidas cortas y ágiles, algo que caracteriza a los simuladores de deporte.

Conclusión:

Spike Volleyball es un juego de simulación de un deporte complejo para llevar a un videojuego, pero que han logrado brindar una experiencia precisa y entretenida. La variedad de modos de juego y las características de los equipos, hacen de este título un producto muy completo, y un juego casi definitivo para los amantes del voleibol. Con un apartado visual notable, y una jugabilidad dinámica y entretenida, llega este título que se cuela como una buena opción entre los juegos de simulación de deportes actuales.

Lo mejor:

Su dinámica jugabilidad

La variedad de opciones de modos y equipos femeninos y masculinos

Su apartado visual

El multijugador

Lo peor:

Puede que su control resulte algo complejo

Existe una falta de sincronización entre las animaciones y el juego

Puede estar por debajo de otros títulos de deportes, pero en general está muy bien logrado

Calificación 8/10

Crítica: El tío, de Eugenia Sueiro

Con dirección y guionado de Eugenia Sueiro, se estrenó el jueves 7 de febrero, esta película nacional, El tío.

Una trama basada en la ternura, en sensibilizar las fibras del corazón, es la historia de un hombre, de alma noble, el cual toma la responsabilidad de sus sobrinos y su cuñada, porque su hermano ha muerto.
Un hombre retraído, tímido, ese tío solterón, donde la sobrina, una niña de aproximadamente 7 u 8 años, ha logrado conmoverlo. Un tío que adopta a la familia, como propia, en sus alegrías, en sus problemas, con la consigna que la vida sigue y donde la familia de su hermano, termina encontrando como natural, el compartir la vida con él. Se juega en la película con la promesa de un viaje a Disney, que se había truncado, por hechos de la vida y que se reflota porque ese viaje es algo más fuerte que el capricho de una mera vacación.
Todos los miembros del elenco, se lucen a lo largo del film. Contamos con el actor César Bordón, de mucha experiencia en el medio ha abordado tanto cine, como teatro y televisión. lo mejor logrado de su papel , es la capacidad de darle al personaje la fuerza para que gire, lentamente se vaya involucrando un poco más, con el entorno afectivo.
Su co-equiper, en la historia, viene traído de la mano de la actriz Vanesa Maja, una mujer, que tiene una excelente formación actoral junto a Juan Carlos Gene, Cora Rocca, Beatriz Mattar. Me arriesgaría a decir que es su primer papel en cine, con una excelente selección de la directora, porque esta actriz logra ponerle al papel el coraje que toda mujer adopta en pro de proteger a sus hijos, pero sufriendo por dentro esa pérdida.
Dulce Wagner, una niña, con un excelente debut, es muy natural para la actuación, muy fotogénica, simpática. Seguramente esta película será el hermoso inicio de la biografía de una futura actriz que tiene un camino largo y promisorio por andar. La simbiosis, entre el personaje de Dulce y el de Cesar Bordon, se da pocas veces, como fue en Luna de Papel. La lente de Eugenia Sueiro lo busco, lo encontró y ha sabido explotarlo muy bien en la pantalla.
Valentino Barone, con una carrera incipiente, este joven actor, también logra con su personaje dar con el circulo que conforma esta familia También con un debut cinematográfico excelente. Un joven actor,que está transitando las pasarelas del arte y que dió los primeros pasos con anuncios publicitarios.
La recomendamos, es una película donde Eugenia le ha dado un toque femenino, a una película donde los sentimientos de los personajes afloran sin grandes conflictos, van brotando, se encuentran.

Calificación 8/10


Diana Decuto

consignas.de.radio@gmail.com

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Reseña: Diciembre, de Mariana Armelin y Diego Leske

La puesta teatral Diciembre, llegó para quedarse, a Nün Teatro Bar, los viernes a las 20:30 hs.

Esta historia se la podría imaginar, a pocos días del 25 de diciembre, en medio, de una térmica rondando en los 40 grados, las compras navideñas, los reclamos en las calles. Teatralmente, Diciembre, brilla con luz propia en el escenario, colgada como regalito del amigo invisible en cualquier arbolito cambiario de la city porteña.

Con dramaturgia de Diego Leske y Mariana Armelin, ponen en el tapete, las miserias de esos personajes siniestros de una cueva cambiaria, que lo único que saben es especular, con un kilometraje importante pedaleando en la bicicleta financiera. El personaje turbio que solo piensa en la oportunidad, con plata mal habida, excelentemente recreado por el mismo Diego Leske. Quien en el escenario lo comparte junto a la actriz Florencia Sacchi, que personifica y se destaca por lograr mostrar la otra cara de la moneda.A una muchacha, venida de la provincia de Corrientes, con acento guaraní, secretaria del malandra financiero y testigo de este ambiente contaminado. Es buena, pero la necesidad es la que la ha llevado en ese antro de corrupción. Hay un tercero en discordia, encarnado por el joven actor Matías Corradino, con un personaje creible, muy logrado.

En la historia, este tercer personaje, con una mente privilegiada, con la capacidad de armar modelos matemáticos aplicando la fórmula matemática de la serie de Fibonacci,es inocente, no sabe que es usado e indirectamente es el culpable de las manifestaciones que se escuchan desde la calle.

No vamos a contarles más, dirección de Diego Leske, una propuesta blindada en todos los sentidos, un elenco maravilloso, que aceptó el desafío de apostar a una puesta poco convencional en cuanto a la temática e inclusive en el desenlace. Un guión sólido con un mensaje claro, mostrando la frialdad numérica con que operan estos ladrones de guantes blanco, desde lujosas oficinas y de generaciones que le van sucediendo, inmersos en la especulación.

La recomendamos, porque la obra propone intentar llegar a Enero, con muchos billetes de por medio y plagado de desafíos. El público será testigo por las pruebas que cruzarán donde nada es como parece ser. Quiero rescatar la frase de la cartelera sobre la obra “en medio del derrumbe, un amor improbable”.


Diana Decunto
anahidec5@gmail.com

El juego God Eater 3 se encuentra disponible en Sudamérica para PS4 y PC.

BANDAI NAMCO Entertainment America Inc. lanzó hoy GOD EATER® 3 en Sudamérica para PlayStation 4 y PC vía STEAM®. Forma un equipo con hasta tres amigos para jugar el modo historia cooperativamente como los poderosos God Eaters, la última esperanza de la humanidad contra la implacable amenaza de los Aragami.

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Asume el rol de un God Eater, la última línea de defensa contra los monstruosos seres conocidos como Aragami que han devastado el mundo. Los God Eaters son individuos únicos con habilidades especiales para empuñar ponderosas armas God Arc, las únicas armas conocidas que pueden destruir un Aragami. Las armas God Arc son muy variadas, de cuerpo a cuerpo o larga distancia, que incluyen espadas, martillos, hoces, lanzas, escopetas, rifles de francotirador, entre otras. Las novedades en GOD EATER 3 son las armas de doble filo y Heavy Moon, cada una de ellas incluye funciones de transformación únicas para ampliar su utilidad y proporcionar opciones de ataque adicionales y daño. Los jugadores pueden determinar que arma funciona mejor para su estilo de juego y perfeccionarse al asumir misiones en el modo historia o en línea con otros jugadores.

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GOD EATER 3 incorpora nuevas mecánicas de combate y opciones de personalización para crear luchas dinámicas que cambian el flujo de las batallas. Después de devorar a un enemigo, los jugadores pueden activar Burst Arts que cambian todos los ataques normales por ataques especiales. Los jugadores también podrán elegir entre varios Burst Arts, así como los efectos específicos de los mismos, para adaptarse a su estilo de juego. Además de Burst Arts, una nueva habilidad de Dive que aumenta la velocidad del combate al hacer que los jugadores corran precipitadamente hacia los enemigos para realizar ataques rápidos, manteniendo la presión constante sobre la oposición.

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GOD EATER 3 continua con el mantra de BANDAI NAMCO Entertainment ‘más diversión para todos’ al proporcionar un mundo rico y emocionantes combates para compartir con amigos,” dijo Jackie Simmons, Brand Manager en BANDAI NAMCO Entertainment America Inc. “Siente la emoción de unirse y derribar un Aragami excepcionalmente difícil y duro de derrotar.”

Forma un equipo con hasta 3 God Eaters para enfrentar misiones del modo historia juntos o unir fuerzas con otros siete jugadores en las misiones de asalto,  para experimentar las batallas grupales más grandes jamás vistas en un GOD EATER. Cooperar y luchar en equipo puede ayudar utilizar el Battle Support System. Al pelear junto a sus compañeros de equipo, los jugadores pueden desatar esta nueva habilidad que comparte varios power-ups para ayudar a todo el equipo a superar batallas difíciles y asegurar la victoria.

GOD EATER 3 ya se encuentra disponible en Sudamérica para PlayStation 4 y PC vía Steam.

Reseña: Andrés Ini presenta “Lo que se me canta”

Por Victoria Seri

“Lo que se me canta” se presenta en el teatro Maipo los viernes y sábados a las 21.30 hs. Es un espectáculo divertido, en el que se tocan temas de actualidad y también tiene música en vivo. Es ideal para distraerse y relajarse después de la semana laboral.

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La sala Maipo Kabaret es una sala un poco más pequeña que la principal y está ubicada en el segundo piso del edificio teatral. Lo que tiene de atractivo el lugar es que su estructura es parecida a la de un café concert. Se puede comer y beber mientras se disfruta de la función.

Andrés Ini, no Andrés Iniesta, como repite en el show varias veces, pide a su público que para que lo recomendemos de boca en boca, solo recordemos que la diferencia entre Ini e Iniesta es ésta.

Él es comediante, actor, cantante y licenciado, entre otras tantas cosas y nos entretiene en “Lo que se me canta”, una mezcla de stand up y musical. Es inevitable la risa porque el show logra que te sientas identificado con las situaciones que presenta y las cosas de las que habla. Y ahí está la cuestión: encuentra en lo cotidiano, en lo naturalizado una forma de canalizar esas experiencias en entretenimiento. También realiza un análisis sobre nuestra coyuntura, que provoca risas y distención con la ayuda de la participación del público.

Adicionalmente, incorpora la música, elemento muy importante en el unipersonal. Al artista Ini lo acompaña otro artista, el músico y compositor, Daniel Pragier. Toca el piano y es cómplice/espectador durante el espectáculo.

Definitivamente es super recomendable esta propuesta, una hora y veinte de pura alegría y distención.

 

 

Ficha Técnica:

Autor e intérprete: Andrés Ini

Dirección Musical y piano: Daniel Pragier

Coordinación de producción: Romina Rodríguez Acha

Asistencia general: Agustín Belloli

Colaborador artístico: Santiago Leiro

Vestuario: Le Bon Marche

Prensa: Duche&Zárate

Web: www.andresini.com.ar

Funciones: Viernes y sábados a las 21.30hs

Localidades: $ 400.- En venta por www.Plateanet.com

Boletería: Lunes a lunes de 10 a 20 horas / 5352-8384

Maipo Kabaret – Esmeralda 443 – CABA

Crítica: Suspiria

Por Agustín Villegas

¿Quienes somos nosotros para decir que un remake es innesesario?

Suspiria_poster Argentina

 

La tarea de rehacer un clásico de culto como lo es el film de Dario Argento es una aventura que siempre va a ser transformada en desventura. La película original es tan densa y potente que inspiró a directores con poéticas corrosivas como Nicolas Winding Refn o, en menor medida, Denis Villeneuve; la brutalidad de la historia llevo ¿cómo adaptar una historia así en los tiempos que corren?

Luca Guadagnino actualiza a los personajes de una forma creible y renovada, agregando nuevos elementos que hacen, en términos generales, una película digna pero que en lo personal no creo que supere a la original. Visualmente tenemos cambios, nos alejamos de las paletas de colores brillantes y exageradas, ahora este mundo se ve mas opaco y apagado. La sutileza del proyecto ante las escenas de violencia y sufrimiento son una técnica de contraste para que la remake no se vea una burda imitación de la original.

Dakota Johnson sorprende con su calidad actoral, su mirada y expresiones colaboran en hacer del personaje una mujer en busca de liberación dejando a un costado el papel de victima suftida y sometida que la protagonista de la versión original plasmo en su historia. Con respecto a Tilda Swington no puedo negar que su triple actuación es digna y sorprendente, solo que no creo que sea algo tan innovador y genial como los medios intentan pi tar. Si recuerdan Eddie Murphy y Mike Myers ya hicieron algo así en sus comedias y nadie se detuvo a apreciar sus trabajos en su momento.

Dario Argento critico la película de forma negativa, dijo que el espíritu de su obra original no se encontro presenta en la reimaginación … y si bien algo de razón tiene (el terror y la música son factores secundarios) hay que acudir a “la muerte del autor” y hacer un analisis objetivo y separado de este duelo de ver quien la tiene más larga. En lo personal siento que el concepto de la historia se mantuvo, de forma renovada y centrada en cuestiones mas personales, pero la falta de horror y violencia explícita podría molestar a aquellos que querían un calco modernizado del film original.

“SUSPIRIA” es recomendable siempre y cuando quieran ver una REMAKE que no caiga en imitar a la obra original. La intención del italiano en hacer algo diferente se noto y, si bien los cambios fueron excesivos, la película tiene un buen gusto exuberante y precioso.

Calificación 7/10

Análisis: Piczle Colors para Nintendo Switch

Piczle Colors es un título independiente que se ha lanzado para la plataforma Nintendo Switch y que su jugabilidad se basa en una serie de puzzles donde debes calcular la cantidad de colores que debes colocar en cada casilla, utilizando la lógica para lograrlo. Se trata de un título sencillo y entretenido para aquellos que son amantes de los juegos de puzzles.

El juego tiene un prólogo donde te cuenta la historia por el cuál se desarrollará el juego. Un científico creó un artefacto que sirve para borrar el color de las cosas, una discípulo hace uso de dicho artefactos y borra el color de todo, para recuperarlos debe superar una serie de puzzles divididos en 6 colores , donde debes usar la lógica para cumplir los objetivos.

Jugabilidad:

La jugabilidad resulta bastante sencilla, basta con probar el tutorial donde te explica que es lo que debes hacer. Tienes una superficie dividido en casillas, cada casilla representa un color específico, debes seguir las listas numéricas para calcular que color va en cada casilla. Los retos en un principio son bastante sencillos, y permite al jugador asociarse con las pautas del juego, para luego aumentar la dificultad de los desafíos. Cada mundo representado por un color , contiene una gran cantidad de niveles, donde cada nivel representa un objeto que vas desbloqueando al superarlo. El juego es una pasada, si bien la jugabilidad resulta repetitiva, el aumento de difícil la hace una experiencia gratificante y adictiva, eso sí, si eres jugador que se lleva bien con los puzzles. Par aquellos que les cuesta un poco más razonar, tienes la posibilidad de utilizar el modo con las pistas activadas, que facilita la experiencia si no querés tener grandes desafíos.

En general el juego está muy bien logrado, puede que le haga falta algún modo multijugador, ya que la premisa funciona bastante bien para esta modalidad. Pero bueno, existe la posibilidad de que si no lo quieres jugar en solitario ir alternando los niveles con un amigo, que también resulta una experiencia entretenida.

Apartado técnico:

En cuanto al aspecto visual del juego, toca decir que se ve bastante bonito. La idea en general es resaltar los colores que son parte de la jugabilidad, todo eso combinado con una banda sonora armoniosa aunque algo repetitiva. El diseño de los personajes es más que una mera excusa para darle una imagen al títulos, ya que lo importante son los tableros de puzzles. Los diseños de los objetos que se van desbloqueando nivel a nivel son ocurrentes y atractivo, que también sirve para descifrar que es lo que estás creando a medida que completas los tableros.

Duración:

La duración depende de la facilidad que tengas en superar los niveles, hasta la mitad del juego, los niveles son casi una pasada, luego la dificultad es bastante desafiante. Lo bueno del título que está bastante nutrido en niveles en cada mundo, por lo que te garantiza varias horas de juego.

Conclusión:

Piczle Colors es un juego de puzzles ocurrente y muy entretenido, que fácilmente te adaptas a su forma de juego y se termina volviendo adictivo. Ideal para los amantes de este tipo de juegos, ya que se trata de una propuesta sencilla y eficaz.

Lo mejor:

Su jugabilidad sencilla y adictiva

La gran cantidad de niveles

Lo peor:

Si no te interesan los puzzles no es un juego te brinde algo nuevo

La falta de un multijugador

Calificación 7.5/10

Piczle Colors es un juego desarrollado por Rainy Frog y puede adquirirse en formato digital a través de la eshop de Nintendo.

Crítica: La gran aventura de LEGO 2

Por Daniel Alvarez

Desde hace un tiempo, LEGO ha sabido explotar muy bien sus franquicias que iban desde los vídeojuegos, las películas animadas en dvd, y obviamente sus famosas piezas de juguetes. Recién en el año 2014, la empresa ha dado el salto a la pantalla grande con La gran aventura de LEGO, y que además de resultar una película muy entretenida, encontró una nueva forma de contar sus historias y explotar todas las licencias que tiene en su haber. La gran aventura de LEGO 2 llega para demostrar que las segundas partes pueden ser muy entretenidas, y también para devolvernos otra vez al carismático de Emmet como protagonista.

Para apreciar esta secuela hay que tener muy bien en cuenta los hechos que sucedieron en el primer film, sobre todo su desenlace. Ya que sorpresivamente vimos que toda la historia de la película estaba conectada con lo que sucedía en la realidad con el señor de arriba (Personaje de Will Ferrell que aparece al final de la cinta) y la relación con su hijo y sus apreciadas figuras de LEGO. Está segunda entrega sucede tiempo después de los hechos de la primera, y ya desde el principio sabemos que existe una conexión directa con el afuera, pero que sus intenciones se van descubriendo poco a poco. Es así como vemos a Emmet, Wyldstyle y todo el pueblo viviendo en un mundo distópico con claras referencias a Mad Max, todo esto se debe a que los hijos del personaje de Will Ferrell ahora tienen el control de los LEGO, y las acciones de cada uno va repercutiendo en la vida de estos personajes.

La historia va mucho más allá de la pequeña aventura de sus protagonistas, ya que la relación con el afuera construye una historia mucho más profunda que logra desatarse en el momento justo. Ya no puedo decir más sobre la trama sin caer en el spoiler, pero si puedo comentar que la película es una aventura llena de color , entretenida para los chicos, y cargada de referencias que harán reír a los más grandes también. Su último acto puede resultar algo extenso, pero cierra a la perfección la conexión que han logrado contruir desde el primer film.

En el terreno de la animación, el trabajo es mucho más colorido que en la primera entrega, denotando también los contrastes que hay en los mundos creados por los de afuera , siendo el motivo de la guerra que se inicia en el mundo de los LEGO. Si bien no son tantos los personajes de licencias que aparecen en el film, si tenemos una mayor presencia de los personajes de DC, sobre todo Batman, que ha sabido cautivar al público con su película en solitario.

El guión de Phil Lord y Chris Miller demuestra las intenciones que los directores del primer film tenían para con la historia, en profundizar la conexión con el afuera pero sin descuidar el mundo de los personajes de LEGO. El director Mark Miller (Kung fu panda 3, Trolls) ha sabido aprovechar la intenciones de la historia para expandirse en el humor de los personajes, centrándose en el público infantil pero sin olvidarse del público adulto, brindando algo más que simples referencias.

La gran aventura de LEGO 2 demuestra que todo sigue siendo increíble, en una película llena de color para entretener a los más chicos y sin olvidarse del público adulto. La película logra expandirse a nivel narrativo, dejando un gran cierre sobre lo que se construyó en su primera entrega.

PD: Emmet es un personaje fabuloso…

Calificación 8,5/10