Crítica: La casa del eco

La película nos muestra la historia de una pareja de jóvenes profesionales. El es un arquitecto que sufre de una patología del sueño ,en su cumpleaños su padre le hace un enigmático regalo , una casa en un bosque. El Tendrá que trasladarse con su esposa, este será el punto de partida de una viaje donde todo se vuelve confuso. Al llegar al lugar se encuentran con un tosco lugareño , quien servirá de guia las situaciones se vuelven tensas. El Extraño comportamiento del lugareño y repentinas desapariciones en el bosque hace que todo se torne mas difícil.

Con unos pasajes donde habla con su hija, quien parece interesada en temas mitológicos , esto hará que algún momento el arquitecto encuentre en un libro una imagen parecida a la de su hija. Todo esto crea una linea entre el sueño y la realidad donde nada es lo que parece hay una toma representativa de una pared que se derrumba, como al parecer algunas cosas en la vida del arquitecto esto mantendrá entretenido al espectedor. Buenas actuaciones que dibujan una historia con mucho suspenso.

Calificacion 7/10

Reseña: Soy nena , de Lucila Sanles

Háganse un favor y vayan a ver “Soy nena”. Quedan solamente las dos últimas funciones, los domingos de octubre a las 17 hs, en Hasta Trilce, ubicado en el barrio de Almagro. Hasta Trilce es un espacio dedicado a la investigación y creación artística, específicamente se centran en producciones de las disciplinas del teatro y la música. El lugar es ameno, espacioso y tiene un bar.

Soy Nena es un espectáculo de danza contemporánea, y está basada en la historia de Luana. Ella es la primera nena trans Argentina en lograr que gracias a la ley 26.743 de identidad de género, el Estado reconozca su identidad de género autopercibida. A partir de dicha ley, a Luana se le otorgó un nuevo DNI acorde a su identidad, rectificando de esta manera, su partida de nacimiento.

La obra tiene una duración de 50 minutos. Los artistas representan solamente con coreografías y sin dialogo alguno, el proceso hacia la aceptación que experimenta una familia, ante un nene que se siente nena. Este viaje arranca cuando la nena, de adulta, encuentra en un baúl, una muñeca con la que jugaba de pequeña. La transición se muestra difícil para los padres, quienes pasaran por los estados de negación, miedo y aceptación, todo a través de la danza. La obra avanzará con composiciones potentes y dramáticas transmitiendo la dificultad también por la que pasa la nena. La obra tiene momentos emocionantes tales como el renacimiento de la niña y finalmente la aceptación de sus padres.

Los intérpretes son bailarines y algunos poseen más experiencia actoral que otros. Todos hacen un trabajo excepcional especialmente Guillermina Martínez Vega quien interpreta a la pequeña y Fabián Roetto junto a Rocío Álamos quienes interpretan a los padres. Ellos tres son los que pasan más tiempo en el escenario y se lucen con los distintos bailes.

Mención aparte se merece la musicalización, a cargo del productor musical Ramiro Cruz Larrain. Las canciones son protagonistas de muchas escenas que se profundizan cuando suena Corazón delator de Gustavo Cerati o cuando se escucha El avemaría.

La directora Lucila Sanles quien ha manifestado en alguna entrevista tener preferencia por la realización de proyectos sociales, ha hecho un gran trabajo y de mucha sensibilidad. Por Soy Nena ganó el premio Argentores 2017 a la mejor Coreografía. Siento mucha emoción al ver proyectos culturales ideados por mujeres que han podido ser materializados. Recomiendo ampliamente el espectáculo, como entretenimiento y para tomar como aprendizaje sobre la infancia trans.

FICHA TÉCNICO ARTÍSTICA

Intérpretes: Rocío Álamos, Cecilia Cavallero, Julieta Layño, Guillermina Martínez Vega, Estefanía Pastocchi, Fabián Roetto.
Producción musical: Ramiro Cruz Larrain

Realización escenográfica: Macarena Milmar, Sonia Schwarcz

Realización de vestuario: Ailen Cury
Maquillaje y peinado: Nati Rayo

Diseño gráfico: Sol Frisardi

Ilustración: Ximena Larrain, Nahuel Rando

Asistencia general: Lucas Román

Prensa y comunicación: Tommy Pashkus Agencia

Producción general: Lucila Sanles y Jorge Maestro
Asesor creativo: Jorge Maestro

Dirección general: Lucila Sanles.

Victoria Seri

Reseña: Minimusicales en calle Corrientes

Bajo la coordinación general de Fabrizio Origlio, con un estiilo minimalista de reducir a lo esencial, despojando de sobrantes, se presenta “Minimusicales en calle Corrientes”, los domingos a las 19 y a las 20 hs. Como suerte de merienda o a la hora del vermouth, que mejor que nos cuenten tres historias, “mini” porque son de corta duración y musicales, porque sin grandes despliegues instrumentales, ni coreográficos, la consigna es que la música de alguna manera los atraviese.

Se estrenó el 7 de octubre y son cuatro únicas funciones, en la Sala Cortazar del Complejo La Plaza.

Donde serán testigos de El Guardarropas, de María Rojí, que es la breve historia, del encuentro entre un hombre y una mujer, que tiene como escenografía un guardarropas y toda una historia de dimes y diretes con el amor. La música es un tanguito y un bolero. Sonidos de gaviotas junto al mar, él ya decidi{o cual es su lugar en el mundo, resta que ella lo sepa. El desenlace los invitamos a que lo conozcan viniendo a ver la obra.Cuenta con las actuaciones de Viviana Saez, Carlos Kaspar y Rodrigo Smella.

La segunda historia es CEPO, de Diego Coran Oria y Jorge Soldera. Es la historia de un hombre que lucha con sus dos mitades: bien versus mal, luz versus oscuridad, locura versus qué? La música le servirá de medio para hacer catarsis. Si quieren más detalles los invito a que se acerquen sobre el destino de este hombre que sufre. Es un unipersonal de Angel Hernández, con música original de Diego Coran Oria.

La tercer historia es Notas de Mujer de Fabrizio Origlio. Un snack musical donde se recuerdan los más bellos y románticos temas musicales que fueron compuestos por mujeres. Un encuentro con ”Quiere mucho”, con Chabuca Granda, cantando la Flor de la Canela, voces femeninas actuales y presentes como Shakira, un recuerdo desde la voz, de Maria Elena Walsh, en sus canciones románticas y para cerrar Eladia Blázquez con Honrar la vida. El elenco lo conforman Geraldine Farhat y Gabriela Bevacqua. Músico invitado: Agustín Fares

Un espectáculo para oír, pasar un buen momento, diría una peña teatral para hacer lo mejor que se puede hacer como dice Eladia Blázquez que es Honrar la vida.


EL GUARDAROPAS De María Rojí

Con Vivi Saez, Rodrigo Esmella y Carlos Kaspar

Libro y dirección María Rojí


CEPO De Diego Corán Oria

Con Ángel Hernández

Coreografía Seku Faillace

Música Original Jorge Soldera

Libro y dirección Diego Corán Oria


NOTAS DE MUJER De Fabrizio Origlio

Con Geraldine Farhat y Gabriela Bevaqua

Músico en vivo Agustín Fares

Arreglos musicales, libro y dirección Fabrizio Origlio


Teatro Complejo La Plaza (sala Cortazar)
  • Av. Corrientes 1660
  • Tel: +54 (011) 6320-5300
  • Microcentro
  • Ciudad de Buenos Aires
  • Buenos Aires. Argentina

Reseña Diana Decunto – consignas.de.radio@gmail.com

Crítica: ¿Qué puede pasar?

“Los genios son incomprendidos en su entorno” pareciera ser lo que se repite para sus adentros Marito (Darío Lopilato), un treintañero que se dice inventor pero que aún no puede conseguir ninguna estabilidad en su vida. Su carencia de responsabilidad será puesta a prueba el día en que sus padres lo dejen solo y, en apenas unas horas, se las arregle para perder los ahorros familiares en un descuido. Influenciado por su mejor amigo Peter (Grego Rossello), intentará recuperar la escueta fortuna familiar, camino que los llevará a conocer a una femme fatale (Luciana Salazar), que los contratará para abrir la bóveda de su tío Hans Müller (Emilio Disi), un millonario que ha quedado incapacitado para donar sus millones a una ONG. Allí, con la sobrina de viaje y el anciano perdido en si mismo, los amigos tendrán la posibilidad de lanzar la fiesta de sus sueños, al mejor estilo norteamericano, a la espera de que se presente, quizás, alguna chica llamada Kimberly.

Viniendo de una carrera de producción (Alejandro Gluz, Ideador original de 100% lucha, el amo de los clones) y de edición (Andrés Tambornino, director de S.O.S. Ex y El descanso), no sería extraño tenerle desconfianza a esta obra dirigida por dos si ninguno reparó en la carencia de estilo del ridículo poster publicitario, tan simplista que resulta insultante a la vista. Esta falta de criterio a la hora de percibir un estilo fílmico extendido a una grafica, se ve evidenciado en el ritmo del film, el cual se torna no intencionalmente extraño, un poco tedioso y hasta repetitivo por momentos. Por ejemplo, la película comienza con un muestrario de claras referencias a películas ochentosas, como Volver al Futuro o Mi Pobre Angelito, pasando incluso a un guiño al estilo de Scott Pilgrim vs the world, pero rápida y prematuramente esta atractiva línea se pierde y nunca más es retomada.

La dupla principal, estelarizada por Lopilato y Rossello, es sin duda lo mejor del metraje. La química entre ellos es adecuada, haciendo un balanceado papel del amigo socialmente extraño pero con los pies sobre la tierra contra su compañero extrovertido pero con la cabeza en las nubes. Esta lucha entre la responsabilidad y el descontrol es lo que lleva a Marito a terminar en todos los problemas en los que se ve envuelto, y es una interesante metáfora de como nuestro entrono nos termina afectando. También resulta interesante el añadido de Chang Sung Kim en el papel del guardia de cuadra que, hacia los últimos momentos de la película, le añade una pizca de bizarrees que le hace mucho bien al desgaste del segundo acto. Asimismo, hace falta hacer mención de Emilio Disi, quien demuestra tener fascinante control gestual y habilidad expresiva para comunicar sin decir palabra. Lamentablemente, el resto de los secundarios no cuentan con una gracia actoral a la altura de los protagónicos, y dan una exposición bastante penosa que acaba, por suerte, en segundo plano.

La historia es propia del patetismo derivado de una película de bañeros, pero con mucho menor presupuesto y cameos. Una serie de chistes que a uno lo hacen fruncir el rostro, oliendo la decadencia de las últimas cinco décadas del cine humorístico argentino, paseándose frente a uno como un camión atmosférico. Cualquier espectador podría percatarse de la insuficiencia en este ámbito del trabajo, es algo quedado en el tiempo y sin tener la decencia de la auto-referencia. Sin embargo, hay que resaltar que algunos chistes, más que nada los relacionados con la dupla principal y su relación manipulador-manipulado, arrancaron alguna que otra risotada en la sala. Da que pensar, sin embargo, cuando uno se percata de que este film fue escrito por cuatro personas.

En un principio podría resultar deprimente pensar que esta película pasará a la historia como la última vez que Emilio Disi provocó risas aunque, analizando su papel y el tipo de humor imperante, quizás no hubiese ninguna otra película que realmente mereciese llevar dicho honor. Por lo demás, y obviando la divertida pareja protagónica, el largometraje resulta agobiante. Da la sensación que detrás de este no hay más que unos desorientados directores metiendo la menor cantidad de presupuesto posible, preguntándose desabridamente “¿Que puede pasar?”.

Puntaje: 3.0/10.0

Gonzalo Borzino

Crítica: Todas esas noches sin dormir

“Todas Las Noches Sin Dormir” (Wszytskie Nieprzespane Noce) del Director Michał Marczak, la que se proyecta dentro del marco del Festival de Cine Polaco.  // Crítica por CJ. Colantonio.

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Muy pocos entenderán la profundidad de esta película.  Muchos creerán que se enfrentan a un relato antojadizo de jóvenes perdidos en la vida nocturna de Varsovia.  Nada más lejos de la verdad.

La película hace una búsqueda inaugurada por el director estadounidense Terence Malik donde emerge el trabajo de la “no-dualidad”.  Ésa que en términos simples se concentra en la idea de los límites del lenguaje para expresar algo como si fuese una afirmación. La idea de que en la superficie está todo separado, pero en donde en lo profundo de la vida, todo es uno.

Lo importante de la “no-dualidad en el protagonista es la de encontrar un lugar en donde pueda ser consciente de eso, donde pueda vivir en lo separación con ése conocimiento de la unidad.  Y cuando eso está realmente presente, se da en él el amor, que es como se siente la unidad.

La “no-dualidad” es una invitación a recordar lo que has sido siempre, que tenías al nacer y que se comienza a olvidar con el tiempo.  No por nada, cuando su amigo lo acusa de egoísta, se apaga la luz en la noche de un parque público y se sienta a mitad de una escalera, del camino al conocimiento, al recordar, repasar.

“Piensa menos”, le dice un desconocido.  Luego, uno de los personajes secundarios se ocupa de decir de manera textual sobre la búsqueda absurda que sólo tiene que ver con entender el juego que es la experiencia de estar vivo.

La voz en off -al estilo de Malik- es la que parece separarse del protagonista que en realidad es un creador, que es un Dios dentro y a la vez no lo es, pero que es parte de un todo.

(Calificación: 8/10)

Batman:El Caballero de la Noche – A 10 años de la leyenda

El Legado de una nueva Generación

Normalmente en la historia del cine, son muy pocas películas en donde sus secuelas han sido superiores a la primera, por citar algunas ejemplos como “El Padrino 2″, ” Terminator 2: El Dia del Juicio”, “Star Wars: El Imperio Contraataca”, entre otras más. Pero más cuando haces algo familiar, algo reconocible e icónico y al mismo tiempo lo reinventas, esto es lo que logra Christopher Nolan en Batman-El Caballero de la Noche. Si bien su reinvención del personaje a un toque realista creando a un Batman que podría existir en la vida real, en el mundo real como nos muestra su viaje en “Batman Inicia”, es recién en” El Caballero de la Noche”, su secuela, donde logra un éxito sin precedente en el género y creando a iconos para lo que la cultura-pop, como es el Joker de Heath Ledger.

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En “El Caballero de la Noche”, Bruce Wayne lleva un tiempo siendo Batman limpiando las calles de Gotham City de los criminales y la mafia, por otro lado Harvey Dent el nuevo fiscal acorrala a los corruptos con la ayuda de Jim Gordon jefe de policía, y donde los tres comienzan a hacer de la ciudad un lugar mejor. Pero la mafia para contraatacar contrata al Joker, una fuerza verdadera indomable del caos y la anarquía, que llevaba a toda Gotham al borde la locura. En principio la trama parece sencilla y nada fuera de lo común, pero….¿ Que la hace tan memorable? Los personajes. Algo que hace muy bien esta película es que en los primeros 20 minutos nos presentan a todos los personajes y nos deja bien en claro quienes son, cuales son sus motivaciones y sus conflictos cuales se van desarrollando e incluso cambiando como fluye la trama. 

 

Nos centraremos en los cuatro personajes que mueven la historia : Batman, Joker, Harvey Dent y Jim Gordon. A lo largo de la película nos muestra y nos deja la pregunta de ¿qué es Batman? ¿héroe o villano? y en el desarrollo vemos como la gente de Gotham llega a considerarlo a ambos debido a las acciones que el Joker lo obliga a cometer. Batman hasta cierto punto subestima al Joker, como si fuera un criminal mas un mafioso mas pero se da cuenta que nunca se había enfrentado a alguien como él con los objetivos como el, Alfred describe perfectamente al Joker “hay hombres que no buscan nada lógico como dinero o poder. No puedes comprarlos, intimidarlos o negociar con ellos. Hay hombres que solo quieren ver arder el mundo”. Eso es exactamente lo que es el Joker una fuerza imparable de anarquía y caos, Batman por su parte una fuerza inamovible e incorruptible de la ley y el orden, opuestos uno del otro, por esto el Joker es tan buen antagonista para Batman se opone directamente a todo lo que Batman quiere y cree. Batman quiere limpiar las calles de Gotham de todo tipo de criminales y Joker por su lado quiere demostrar que todos somos como el que solo se necesita un mal dia para perder completamente la cabeza y la cordura, que todos tenemos un precio en este mundo. Las acciones del Joker prueban los límites de Batman, por ejemplo, la escena del video donde hace una amenaza pública diciendo que todos los días iba a morir gente si Batman no se entregaba y sacaba la máscara, incluso haciendo elegir entre una decisión personal o una correcta. Pero antes de llegar a esa elección que Batman debe tomar, tenemos que centrarnos en el personaje de Harvey Dent quien es la esperanza de Bruce, ya que cree que es capaz de acabar con el crimen organizado y que Gotham no necesite más a Batman, que un héroe con rostro es lo que la gente necesita y junto con Gordon depositan las esperanzas de limpiar la ciudad en Dent. Acá es donde el Joker golpea, ataca a Dent dejándolo en una situación de vida o muerte, donde Batman debe escoger entre salvarlo a él o a Rachel Dawes, su amiga de la infancia y el amor de su vida. Batman toma una decisión pero al llegar se da cuenta que no puede salvar a Rachel y salva a Dent, pero Rachel muere, Harvey es quemado y se convierte en Dos Caras. Batman falla en todo sentido.

 

Esto es lo genial de esta película, hay un héroe con errores que le va mal y con esto Harvey culpa a Batman por no haber salvado a Rachel y cae en la oscuridad más profunda de sí mismo. Así el Joker demuestra que hasta el hombre más bueno y honesto, con solo un mal día puede caer. Gordon se siente responsable por involucrar a Harvey en todo y como sus esperanzas se una Gotham honesta se van con el. Batman entiende que no existe la felicidad para él y sobre el final de película nos responde la pregunta de ¿ Qué es Batman? ¿ héroe o villano? Batman es lo que Gotham necesita que sea, al principio necesitaban un héroe para limpiar la ciudad pero al final necesita un villano para que la gente piense que Dent es un hombre al final, todo se resume con la frase a lo largo de la película que es “Mueres siendo un héroe o vives lo suficiente para volverte un villano”.

Christopher Nolan hace un trabajo extraordinario mezclando una película pochoclera y llenarla con elementos narrativos para una historia inteligente y para pensar. Todo perfectamente conectado nada librado al azar, hasta los más mínimos detalles y diálogos concluyen siendo fundamentales para el final de la película. Cada escena acompañada por un soundtrack épico que logró Hans Zimmer que te hace poner los pelos de punta y te compenetran de lleno en la situación. Las actuaciones son todas memorables, Christian Bale es el Batman perfecto para esta película, Michael Caine es la voz de la razón, Heath Ledger que su Joker rodeado de un misterio y misticismo alrededor de él no solo del personaje sino del propio actor ya que no hay muchas fotos de Ledger en set de filmación o detras de camara en la sala de maquillaje, concuerda un poco lo que quisieron lograr para el personaje eso de que durante el film el Joker siempre una historia distinta de su origen nos da a pensar cuál será el verdadero o como sera quien llegó a ser.

 

Recaudando más de 1000 millones de dólares a nivel mundial, se convirtió en la primera película del género más taquillera en la historia del cine, multipremiada y ganadora a dos premios Oscars en el que se destaca al de Heath Ledger como el Joker, siendo la primera persona en recibir un premio post mortem e interpretando a un personaje de cómic. Nolan logró hacer algo, no solo con este película sino con su trilogía en sí, que durará por muchas generaciones y que cambió la forma de hacer películas de superhéroes, ya que los héroes mueren pero las leyendas perduran.

Reseña: Qué harían sin mí

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De autoría de Hugo Daniel Marcos, una comedia de enredos, donde las frases con segunda intención, los equívocos, están a la orden del día.

El director Tomás Blatt, dirigió esta historia, que tal vez, es muy conocida por todos que es esa madre en este caso el personaje de Ana, encarnado por la actriz Selva Bado,  que mueve todos los hilos de la casa, para tener un hogar ordenado y satisfacer las necesidades del resto de la familia, dejando de lado sus propios deseos . El marido de Ana, Juanjo encarnado por el actor Daniel Ciana,  es un Odontólogo, muy enfrascado en su trabajo. Una hija adolescente y estudiante de teatro, Vicky, en el rol la actriz Daiana Velozo, que grita Ma! todo el tiempo. Una vecina, Beba, por la actriz María Fernanda Cabrera, una separada, algo sola, que además sube porque los plomeros le están arreglando el departamento. Y por si fuera poco, se le suma el técnico del lavarropas, el actor Ezequiel Herbas,  el testigo involuntario de todas las lìos  y el actor Augusto Scalme en el papel de Fede.

Un guion  entretenido, dinámico, de muchas confusiones, con un elenco sacando viruta al escenario para hacer brillar la comedia, los hará pasar un momento de risas, desenchufarse de los problemas del afuera, e intrigados por ver cómo termina esta historia, donde el final es conocido, cuando está por terminar por arte de magia  las piezas se vuelven a colocar en su lugar, pero  quedan flotando dos dudas.

Si vienen a ver la obra se enteraran de la respuesta de la familia a la pregunta de Ana,  Que harían sin mí.

La otra pregunta es  que mejor programa que pasar un sábado a las 22:00 por el teatro El Porteño, para lograr encontrar una  bocanada fresca de risa, que los hará pasar un excelente fin de semana. La recomendamos.


Ficha técnico artística

Autoría: Hugo DanielMarcos

Idea: Tomi Blatt

Actúan: Selva Bado, María Fernanda Cabrera, Daniel Ciana, Ezequiel Herbas, Augusto Scalise, Daiana Velozo

Fotografía: Ezequiel Demaestri

Diseño gráfico: Victoriano Pololla

Producción ejecutiva: Perspectiva Producciones

Dirección: Tomi Blatt

Duración: 70 minutos
Clasificaciones: Teatro, Adultos

TEATRO PORTEÑO
Corrientes 1630  Capital Federal – Buenos Aires – Argentina
Teléfonos: 4372-5474
Web: http://www.teatroportenio.com.ar
Sábado – 22:00 hs – Del 06/10/2018 al 17/11/2018


Reseña Diana Decunto – consignas.de.radio@gmail.com

Reseña: Ricos, de Lee Blessing

“Ricos” es una obra del dramaturgo estadounidense Lee Blessing y es la primera vez que se presenta en Buenos Aires. Está dirigida por el multipremiado director LIZARDO LAPHITZ. Se puede ver todos los lunes a las 21 hs., en la sala MDA del teatro-bar El Método Kairós, ubicado en El Salvador 4530, Ciudad de Buenos Aires.

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Un matrimonio aparentemente consolidado decide festejar su aniversario número 21 en el mismo hotel donde se hospedaron el día de su boda. Él está muy entusiasmado, ella no tanto, y eso se nota. Lo que comienza con un buen augurio termina desatando algunas situaciones que provocan un desenlace inesperado. La obra es un drama aunque tiene momentos en los que provoca risas. Sin embargo, quizás sean de los nervios o sean para descomprimir. Las temáticas que se abordan son amplias y bien específicas tales como la violencia, el deseo, y también se cuestiona el “para toda la vida”. Todos los tópicos son tratados desde una perspectiva dialoguista que logran resurgir las épocas felices de la pareja sin lograr que dichas épocas permanezcan en el presente.

El director hizo un trabajo muy bueno propiciando el clima de la sala al incluir música en vivo. La saxofonista Daniela Haikins nos recibe desde que ingresamos con melodías que relajan y que durante la obra aportan marcando acontecimientos y profundizando momentos lúgubres. En relación al trabajo actoral, los dos profesionales, la actriz Rosario Charo Jaimes y el actor Alejandro Holm  prometen que mientras dure la obra, la sala se mantendrá con un nivel de tensión muy elevado. Esa tensión será sostenida por el constante ida y vuelta entre la pareja que no para de trabajar ni un momento durante la hora que dura la función.

La trama sucede en un cuarto de hotel que está correctamente escenografiado y dispuesto en el escenario. Todos los momentos y situaciones que descubrimos fluyen en el espacio. Se utilizan recursos sonoros que colaboran en el desarrollo de la historia.

“Ricos” es una historia potente que se puede ir a ver con amigos, en pareja o solo. Pasar un buen momento está asegurado durante el espectáculo y después también. El Método Kairós divide su espacio entre las salas de teatro y un bar que favorece a todo el ritual de ir al teatro y tiene precios amigables.

 

Ficha Técnica

Autor: Lee Blessing.

Director: Lizardo Laphitz.

Elenco: Rosario Charo Jaimes y Alejandro Holm.
Saxofonista: Daniela Haikins.

Escenografía: Paula Picciani.

Diseño de vestuario: Paula Picciani.

Diseño de luces: Caio Senicato.

Realización de escenografía: Maximiliano Méndez.

Diseño gráfico: María Forni.

Asistencia de dirección: Lucas Álvarez.

Producción ejecutiva: Marina Kryzczuk y Melissa Prieto Amaya.

Coordinación escénica: Osvaldo Bermúdez.

 

*Todos los lunes a las 21hs., en El Método Kairós, El Salvador 4530, C.A.B.A.  – Argentina.

*Reservas: 4831-9663 //produccioncreativa.cuentas@gmail.com. Valor entrada: $250. Más info:http://www.elmetodokairos.com.ar

 

Reseña: Victoria Seri 

Crítica: Christopher Robin

Me parece curioso que a través de las redes sociales he leído muchos comentarios negativos sobre el diseño de Winnie The Pooh y sus amigos en este live action. Al contrario de los demás , a mi me ha parecido de los más bello, obviamente cuesta desacostumbrarse de la forma en que conocemos a estos pequeños personajes de animación, pero viendo la película, esto supone un gran trabajo artístico. Se trata de una película entretenida para los chicos , emotiva y nostalgia para los adultos , que si bien no es una idea muy original, nunca está de más ver una historia que nos recuerde que nunca es tarde para sentirse como un niño.

El pequeño Christopher Robin debe despedirse de sus amigos , ya que partirá hacia un internado lejos de su hogar, estos pequeños amigos son Winnie Pooh y otros animalitos con aspecto de peluche. Luego de esta despedida se hace un repaso sobre lo que sucede en la vida de este muchacho hasta llegar a la vida adulta. Siendo un adulto , vive cargado de responsabilidades en una Inglaterra post guerra , donde la economía no funciona muy bien, y el está a cargo de tomar decisiones difíciles, como despedir al personal. Todas estas responsabilidades hace que Christopher tenga muy poco tiempo para su familia, cuya hija reclama la presencia de su padre al que quiere mucho, pero siempre está ausente. Luego de todo el estrés que ocurre por la urgencia laboral , aparece Winnie Pooh en la vida de este hombre , con la intención de revivir aquella amistad que tuvieron hace muchos años y hacerle recordar valores que al parecer tenía olvidados.

La realidad es que no se trata de una idea original, ya que hemos visto infinidad de producciones que intentan revivir al niño que tiene dentro a un adulto lleno de responsabilidades, la diferencia es que en esta película está Winnie Pooh. La presencia de estos personajes funciona para apelar a la nostalgia , aunque en esta ocasión se los ve muy distintos al no ser una animación. La historia es bastante sencilla, pero resulta efectiva con la ternura y el mensaje positivo que busca dar. A nivel argumental es una película que resulta interesante, entretenida tanto para chicos como a grandes, con la dosis justa de emotividad.

Lo más destacable de la cinta son los diseños que se hicieron de los personajes de mundo de Winnie Pooh. La realidad es que cuando salieron los primeros tráilers y pósters, a mucha gente le pareció un poco terrible la forma en que hicieron a estos personajes en live action, sobre todo Pooh, que parecía un aterrador oso de felpa con la cara chata. Al ver la película completa, se puede decir que fue un acierto en la forma que se mostraron a los personajes , quizá sean un poco más sombríos de la forma en que se veían en animación, pero se adaptan muy bien a la tonalidad en que está ambientado el film.

En cuanto a las actuaciones, debo decir que están mucho mejor los animalitos que los propios actores. Ya que hasta la participación de Ewan Mcgregor resulta un tanto plana y sin muchos matices. Hayley Atwell está bastante desaprovecha, mostrándola nomás como una mujer que solo está para los reclamos y hacer honor a sus funciones perteneciente al patriarcado de la época.

Christopher Robin es una película entretenida y bastante correcta en lo que quiere transmitir. Es una historia bastante simple y ya vista , pero el añadido de Winnie Pooh, nos regala ternura y nostalgia. Se trata de un film bonito para llevar a los chicos, y a la vez , sacar el sentimiento nostálgico de los grandes .

Calificación 7/10

Reseña: De amores y cantares

Los días jueves a las 20:30, quedan tres funciones en octubre y dos fechas en noviembre, en un hermoso rinconcito de Buenos Aires donde un ángel nos regaló una Botica, que mejor manera de cortar la semana que con una velada de varieté con la mejor música, teatro y danza, con evocaciones, suspiros y nostalgia de ese arte español de antaño, en un escenario porteño de hoy, bajo el título de “De amores y cantares”.

Con la actuación de Julieta Cancelli, la directora, bailarina y cantante flamenca, recordada este 2018 por “Yerma y la cuadratura del círculo” en Hasta Trilce. La andaluza, con su estilo y garbo Pepa Luna más Diego Sassi Alcalá, conocido como actor por interpretar a Marotti en “Violetta” y Matías Gómez Campo en guitarra.

Transportándonos en el tiempo, inspirado en ese hermoso lugar que es el Museo Escenográfico “Bótica de Angel” con la voz de Lolita Torres, como preludio, con los hermosos cuadros y con frases en el mejor fileteado porteño, pegado a sus paredes, podemos disfrutar de una variette, al mejor estilo ibérico, con canciones populares españolas como “Molondron y a casa de Tío Vicente”, “En que nos parecemos” o un pasodoble “Alacena de las monjas de Carlos Cano”, amenizado con un schotis “Ay Cipriano”. Para seguir despuntando el vicio, una rumba flamenca: “No me tires indiré” y hermosos fragmentos en guitarra de Paco de Lucía.

La dirección general y dramaturgia es de Norberto Vázquez Freijó, quien en el dossier nos cuenta que “De amores y cantares” nació después de haber estrenado su obra anterior, “Cuatro Barrios”, donde Norberto dejó “sobre la mesa de trabajo, tantas fotos familiares, anécdotas y tantos sabores de infancia y adolescencia, que el lápiz siguió corriendo sobre el papel” .

Con esa nostalgia, Freijó, desempolvó viejas partituras, hizo acopio de poesías del romancero español, cantos populares, dando una cuota de humor, para redondear la idea y dar lugar a esta varieté.

Además les recordamos que el Museo Escenográfico “Bótica de Angel”, refugio del arte, se encuentra abierto de martes a viernes de 15 a 18 hs., con entrada libre y gratuita. Hay visitas guiadas y es el lugar obligado al que no pueden faltar, aquellos que participan de la Noche de los Museos, a realizarse este año 2018, el próximo sábado 10 de noviembre.


Página del Museo escenográfico “Bótica de Angel”: http://boticadelangel.usal.edu.ar/


Reseña Diana Decunto – consignas.de.radio@gmail.com