Los frutos no caen tan lejos del árbol. De tal palo tal astilla, y cosas así.
Sí, nepobaby, pero hay criterio cinematográfico, realmente hay futuro.

Ópera prima de Ishana Night Shyamalan, que claramente se ha criado rodeada de cine, y especialmente del cine de su padre. Sí, es hija del mítico M. Night Shyamalan y se nota muchísimo ya que tanto el qué y el cómo a la hora de contar historias con lenguaje cinematográfico parecen ser heredadas del sello autoral de su padre.

Mina (Dakota Fanning) se pierde en un inmenso bosque de Irlanda donde encuentra un refugio donde pasar la noche junto a un grupo de extraños que también parecen haberse perdido y que llevan bastante tiempo intentando sobrevivir ahí. Rápidamente y sin mucha explicación estos desconocidos le avisan que ‘the watchers’ están a punto de llegar y tienen que hacer una puesta en escena para que estos enigmáticos y caprichosos seres, entes o criaturas del bosque no se enfaden con ellos y los dejen vivir. Lo escalofriante de la premisa es que ellos no pueden ver a ‘the watchers’ por un vidrio espejado que les devuelve su reflejo, pero ‘the watchers’ a ellos sí, dejándonos a nuestra imaginación ese fuera de campo amenazante, misterioso y desconocido.

Como gran aprendiz de su padre, el film de Ishana también es una película alegórica y metódicamente pensada mucho antes de empezar a filmar. Cada escena hace avanzar la trama y tiene un porqué clarísimo, aunque otra discusión, ya mucho más subjetiva, es si la trama avanza correctamente. Pero que Ishana piensa el cine correctamente, eso es así. Cada escena nos revela información crucial y cada plano narra con sus imágenes.

Heredera del sello de su padre, con lo bueno y con lo malo. Lo bueno claramente sería que Ishana piensa el cine como una verdadera autora; directora y guionista. Basada en la novela ‘The Watchers’ de A.M. Shine, hace de la obra algo suyo, algo propio con una idea criteriosa de la puesta en escena impactante para una directora novel de 24 años (¡¡24!!). Hace su cine como una autora cinematográfica. Crea con la imagen y el sonido un ambiente que nos mete totalmente en la historia y su mundo folklórico. Planta la cámara para crear planos potentes visualmente, maneja distintos tipos de lentes para connotar mucho más allá de lo que sólo se puede ver, planos cerrados con poca profundidad de campo que aíslan. Como también aíslan los escenarios donde transcurre la historia. Como su padre, ella también elige interiores que aíslan a sus protagonistas pero también poderosos exteriores que los encierran y no los dejan salir.

Lo malo podría ser el exceso de trama. El exceso de trama y de puntos de giro. Y aunque yo no juego a la futurología cuando entro a una sala de cine, la verdad es que sus plot twists son algo predecibles, cuando intenta ocultarnos lo obvio de sus desenlaces, estos no sorprenden al llegar, cuando ese parece ser su objetivo. Ishana se encierra en un film que dura 100 minutos tal cual lo hace su padre, pero ella lo sobrecarga de muchísima información la cual poco profundiza, y pese a ese estándar de duración del metraje se siente pesada y extensa, tanto que el tercer acto se siente tener otro tono comparado al inicio de la obra y las escenas de clímax o resolución no parecen satisfacer la tensión que muy correctamente nos introdujo el film en su primer hora. Yo que no soy una persona de plataformas y streaming, claramente esta historia funcionaría mejor para desarrollar una serie y no una película. Teniendo esta temática de encierro, misterio, terror y al menos 6 historias de personajes, en los cuales la directora podría profundizar para empatizar con cada uno de ellos y tener un final a la altura. Todo estaba dado para hacer una serie de 6 a 8 capítulos y que realmente sea un éxito por su contenido y llegada a una audiencia masiva. Parece que las tradiciones mandan e Ishana, como su padre, también quiere ser directora de cine, no de series de streaming. Banco, celebro y respeto.

“Observados” crea un mundo bastante verosímil, un ambiente muy logrado no sólo por la imagen sino también por el sonido, pero se siente que la directora todo el tiempo está intentando hacer que la segunda historia de la película sea más importante que la primera, y aunque esto parece estar bien o no es necesariamente malo, creo que lo hace por demás, subraya lo que no dice para que a nadie se le pase de qué está hablando realmente pero aún así, siento que no lo logra exactamente. Está demás decir que seguramente en un revisionado la obra se sienta un poco mejor y se nota que la directora en ningún momento se olvida que el cine es un espectáculo audiovisual porque no deja de intentar darnos espectacularidad con la imagen o el sonido pero parece que todos los cañones apuntaban al mensaje y no al hacer sentir viva el film. Por eso siento que la película está realmente bien hecha pero mi mayor dificultad con el visionado es que no la sentí viva, no empaticé en ningún momento con ninguno de los personajes, no me importaba si vivían, si morían, nada. Es más, realmente me interesaba que transgredan aún más todas las reglas para ver que podría llegar a suceder en consecuencia y ese límite aunque lo traspasen siento que fue demasiado corto y me quedé con ganas de ver mucho más del presente del bosque y las criaturas más que la explicación de qué son y para qué están ahí ‘The Watchers’.

Todo indica que Ishana Night Shyamalan hará carrera como directora cinematográfica. Así que habrá que estar atentos al cine que creará. Ya que la comparación es casi inevitable, ojalá pueda superar a su padre. Y si es la mitad de gran cineasta que es su padre, sin duda nos dará grandísimas películas.

Calificación: 6.5/10
Por Julián Lloves para La Butaca Web.

¿Qué realidad creamos cuando accionamos motivados por una sed de venganza?
Cometida una alevosa injusticia, ¿Sólo se podría hacer justicia con un alevoso castigo?
¿Buscamos emociones fuertes sólo para llenar los más grandes vacíos emocionales de nuestras vidas? Y si esos vacíos ya nunca se podrán llenar, ¿Qué pasará con nosotros?

Sí, una película que podría ser tildada de sólo un blockbuster comercial de entretenimiento pochoclero también puede cuestionarse semejantes incógnitas intrínsecas al ser humano y no sólo brindar metraje en pantalla como excusa de un modelo de negocio que cada vez más parece sólo importarle vender entradas. Pero ésto sólo ocurre cuando hay autores cinematográficos detrás de las obras, y ese nombre en este caso es el de George Miller.

Ha pasado casi una década desde Mad Max Fury Road y en esta ocasión, el director a sus 79 años nos trae una nueva película de acción en este propio universo de ciencia ficción/post apocalíptico. A los hechos: Furiosa no es mejor película que Mad Max Fury Road. Eso es así, pero el tema es que no tiene porqué serlo e incluso, para mí, Miller ni siquiera ha intentado superarlo, así que no es mejor película sólo porque MMFR es la mejor película de acción-ciencia ficción de, al menos, este siglo. Y Furiosa siendo brillante vuelve a confirmar la obra maestra cinematográfica que Miller filmó en 2015.

Obviamente la obra se analiza como pieza individual pero da a lugar a la comparación con su predecesora ya que este film actúa como precuela mostrándonos el inicio de la historia del personaje de Furiosa que sin ser el protagónico de la anterior entrega se había comido la pantalla interpretada en ese film por Charlize Theron y en esta nueva entrega está caracterizada por Anya Taylor Joy. Un cambio algo brusco ya que es difícil para cualquier actor o actriz estar a la altura de semejante papel cuando hace no tanto otra actriz había brillado con su actuación, y aunque parecía una tarea titánica, Anya no desentona y lo hace fenomenalmente, hace de esta historia su propia historia, en especial en los primeros momentos que aparece en pantalla en la Ciudadela y (casi) toda su interpretación se basa en su capacidad actoral de su mirada. Cuando lo difícil parece fácil merece aplausos.

Chris Hemsworth da vida a Dementus, el líder de una banda de delincuentes en motos que van por el mundo haciendo estragos en pos de sobrevivir y divertirse un poco. Dementus parece ser un papel brillante que fue creado para que sólo él pueda interpretarlo. ¡Y lo bien que lo hace! Lo noto más suelto y más a gusto que en sus mejores momentos como Thor. Ojalá sigan dándole papeles donde pueda liberarse un poco más y darnos más actuaciones en este tono. Me encantó.

Inmortan Joe, en la piel de Hugh Keays-Byrne, sigue reinando en la Ciudadela, que aunque en esta película tenga menos tiempo en pantalla sigue siendo un villano realmente increíble que te pone los pelos de punta en cada una de sus apariciones en pantalla, tanto él como su clan familiar y su ejército de soldados dispuestos a dar la vida por su nombre. Tom Burke cumple caracterizando a Jack como coequiper de Furiosa. Y para mí la revelación actoral es Alyla Browne interpretando la joven Furiosa, que está absolutamente brillante en los primeros minutos del film.

Es una película de acción-aventura en un mundo post apocalíptico donde los habitantes se mueven de un lado a otro de esos grandísimos desiertos gracias a sus motocicletas. Miller filma la velocidad y a los motores (y sus rugidos) de una forma excelsa, tanto que salís de la sala y no te querés comprar una moto, te querés comprar 3. El espíritu rockstar sigue estando presente, aunque en menor medida que en su entrega anterior pero al ver a Chris Hemsworth movilizarse con su carruaje de motocicletas es imposible no querer ser él.

Miller planta bandera reconfirmando que es el mejor director de cine de acción vivo, y aunque para mí Furiosa no está al nivel de MMFR es una película con secuencias de acción frenética que dan un espectáculo visual sublime y que dan cátedra de lo que un verdadero director de LENGUAJE cinematográfico puede hacer en pantalla. Hace parecer absolutamente sencillo lo que es muy difícil, lo que es complejo y se suele resolver en 4 o 5 planos Miller lo hace en uno solo, con una coreografía de blocking y staging fenomenal sin siquiera llegar a burdos planos secuencias injustificados. CINE. 

El guion logra capturar en profundidad y con matices una esencia tan interna y personal de una mujer con una dura herida de su niñez que al llegar ese momento cúlmine de venganza el resultado es como la vida misma. Hagamos lo que hagamos eso ya no volverá. Aplausos. Es verdad que la fotografía no es perfecta como en MMFR y en esta entrega se usa más CGI pero realmente la narrativa acelera tanto que en ningún momento te da el tiempo necesario para que eso entorpezca la experiencia y cada una de las secuencias de acción como la de Bullet Farm o las persecuciones a lo largo de Wasteland son de una maestría de dirección que nos dejan tensos y al borde de la butaca.

Se cumplen 45 años del estreno de la primera entrega de Mad Max y el universo creado por Miller parece ser cada vez mejor. También planta la semilla para seguir expandiéndolo a futuro, así que ojalá siga deleitándonos con su gran cine para que otros directores puedan seguir tomando notas y nosotros podamos ver este calibre de dirección reflejado no sólo unas pocas veces en el año sino más seguido. Gracias.

Calificación: 8.5/10
Por Julián Lloves para La Butaca Web.

¿Qué pasa cuando un montón de ideas interesantes se amalgaman para crear un producto de entretenimiento banal-pretencioso? Monkey Man está bien, pero hasta ahí.

“Kid, un joven anónimo que se gana la vida a duras penas en un club de lucha clandestino donde, noche tras noche, con una máscara de gorila, es golpeado hasta sangrar por luchadores más populares a cambio de dinero. Después de años de ira reprimida, Kid descubre una manera de infiltrarse en el enclave de la siniestra élite de la ciudad. A medida que el trauma de su infancia se desborda, sus manos misteriosamente llenas de cicatrices desataron una explosiva campaña de represalia para ajustar cuentas con los hombres que le quitaron todo.” Según la sinopsis de la película.

Flashbacks, deidades, un Joe Pesci hindú, vengadores marginados LGBT+ y una megaestrella en busca de una venganza personal que es en simultáneo actor, productor, guionista y director que a base de golpes y tiros retrata una historia yankee-hindú desde una perspectiva hindú pero con los ojos de un yankee. Cine de acción Bollywoodense en una estructura y trama chata Hollywoodense.

Me interesa muchísimo la historia personal que intenta retratar pero lamentablemente nunca ingresa como debe ser en esa historia. El primer acto de la película está realmente muy bien, el problema lo encontramos cuando ingresa al segundo acto y se pierde cierto interés al no poder mantener la atención en el conflicto, y ni hablar cuando termina la primera gran secuencia de acción/persecución a mitad del film y ya pierde todo el tono creado en la primer obra. A partir de ahí prefiere seguir abriendo tramas en vez de profundizar en un arco realmente dramático o en uno o dos villanos fuertes. Prefiere demostrar un viaje de transformación que realmente no hace falta que nos lo enseñen, en vez de la culminación del viaje logrando un clímax de mayor impacto.

El arte, la fotografía y el sonido durante las secuencias de pelea en el ring me parecen extremadamente bien logradas, no así la dirección. Tenía todo el setup dispuesto para que un director, y más un director novel como lo es Dev Patel, se luzca pero no lo hace de tal manera. El guion intenta generar empatía con el protagonista de diversas formas en diversos momentos, en mi opinión sólo lo logra con uno, los flashbacks  y el resto de intentos quedan en evidencia por lo mal ejecutados que están, y tal vez le estoy exigiendo mucho a una película de acción de entretenimiento, o tal vez no. La creación de los villanos parten de una buena base argumental pero rápidamente notamos que sólo son una buena idea, una fachada para que la película parezca más de lo que es y nunca logra crear antagonistas de verdadero peso narrativo. 

Patel muestra que tiene capacidad para dirigir pero realmente es un actor y eso se nota, como predomina el ejercicio de un oficio sobre el otro. Por más que sea una película de acción el cine está para contar historias y la película tiene una muy buena historia para contar, sólo que no lo hace de la mejor manera, aún así logra un buen trabajo y quien busque cine de acción lo encontrará en esta película.

Yo creo que hay un grandísimo chiste interno en la producción, que celebro por lo irreverente, pero que realmente no funciona para la película. Hablo del fundido encadenado a un mono en el momento de máxima revelación para el protagonista, en el momento cúlmine de transformación durante su entrenamiento. ¿A que no te animás a…? Y Patel dio luz verde para que haya una disolución de un cuadro a otro para que nos enseñe un pequeño mono que parece sacado de un video de stock. Graciosísimo como chiste interno de tan poco serio que es, en un momento que no debería serlo. Banco reírse del propio género pero es algo que no aporta y está pésimamente realizado.

Si la película hubiera seguido con el nivel del primer acto, incluso la primera mitad hubiera sido una muy buena película para un director en su primer film. Y aunque el balance para el actor-director sea más que positivo parece que perdió en cierto punto el control total de su obra.

Los amantes de este género cinematográfico la pasarán bien aunque no encuentren nada realmente novedoso. Agradezco el intento, aunque no del todo logrado, de crear profundidad dramática en el género. Prueba de fuego superada para Patel que seguramente vuelva a la silla de director en el futuro.

Calificación: 6/10
Por Julián Lloves para La Butaca Web.

¿Única? Única. ¿Graciosa? Graciosa. 
¿Talento desordenado o talento que no encaja en el orden?
Aún así, las rarezas siempre enamoran.

Lucía Seles, directora ganadora del Gran Premio del Jurado en la competencia nacional de la edición pasada del BAFICI, gracias a Terminal Young, ahora con school privada alfonsina storni logra ser la película de apertura del festival en esta edición 25, y qué manera de iniciar. La historia nos sitúa en un colegio privado donde el personal de la institución, entre distintas situaciones, espera la llegada de una nueva directora. Grandes interpretaciones para cada uno de estos personajes, que logran sentirse vivos pese al tono realista poco natural con el que se abordan, donde una clara y concreta referencia podría ser la serie de televisión norteamericana The Office. 

Algunos la amarán, otros la odiarán. La virtud del arte y la subjetividad. Si nunca viste algo de Seles probablemente te cueste entrar en el tono y la propia narrativa particular, lúcida, lúdica y tan chiquita como espectacular. Durante las distintas y variadas películas que vi hasta el momento en el BAFICI, Lucía Seles, directora y montajista del video, (utilizo esa palabra y no película ya que su propia autora se refiere a su obra de esa manera, y con sentido) nos regala el mejor chiste de todos. Un chiste que sí utiliza un lenguaje cinematográfico. Tal vez el único que aprovecha correctamente y de forma excepcional el poder propio del cine: el montaje.

«las rarezas siempre enamoran.»

Es el mejor chiste de la película; Perdón, video. A partir de ese momento pude entrar del todo en la obra y me relajé para poder disfrutarla sin exigirle nada a cambio, porque antes de ese chiste se me había dificultado un poco y si nos sentamos en la butaca con exigencias de un estándar estético-narrativo o alguna expectativa en particular, es difícil que esta pueda ser saldada. Pues, la filmografía de Seles tiene un lenguaje, visual y literal, muy propio. Y aunque en un principio parezca algo burdo y hasta snob se podría terminar apreciando pese a esto. Textos sobreimpresos en la imagen como si fueran comentarios en un pie de página, como bitácora personal de la directora, narrativa poco convencional que se va hilando sólo porque vamos avanzando por un chiste detrás de otro. Un tratamiento y (poco) cuidado en la imagen de una forma no tradicional, en la que, para disfrutarla como es, necesitamos soltar un estándar preexistente. Aún así, si te interesa este tipo de cine es una película muy recomendable.

Lo mejor, además de su propia particularidad como obra, son las interpretaciones de los actores y actrices que lo hacen fascinantemente, tanto que lo hacen parecer fácil, cuando lograr una comedia que sea genuinamente graciosa de esta índole y timing no resulta ser algo sencillo en lo absoluto. Se festeja.

Te queda una única oportunidad para ver school privada alfonsina storni en este BAFICI. La última función es este jueves 25 a las 21:30 en Cinépolis Plaza Houssay.

Por Julián Lloves para La Butaca Web.

Cuanta pretensión en esas críticas que nunca dirigieron nada es una frase que tengo siempre presente en mí, y en especial cuando escribo, por eso no voy hacer una crítica de estas dos obras de arte sino que te voy a recomendar ir a verlas en pantalla grande en este festival de cine. 

Si ya las viste o sería la primera vez da igual, After Hours y Paris, Texas son dos experiencias cinematográficas únicas y verlas en la sala Leonardo Favio completamente llena del Cine Gaumont, como fue mi experiencia, es algo hermoso. Escuchar las risas o lágrimas del público por estas películas es único. Salir de la sala después de las proyecciones y notar en el ambiente que todos vivimos una experiencia trascendente o enriquecedora es algo muy especial que hay que vivir, y en lo posible vivir mucho más seguido y en especial por el contexto en el cual se está realizando este BAFICI. 

Sentir que saliste de la sala y que algo cambió un poco en vos. La esencia de ese algo ordenador del arte cinematográfico que vamos a buscar (para buscarnos) cada vez que vamos al cine. BAFICI además de darnos la oportunidad de vivir eso con cine independiente argentino o internacional también nos regala la oportunidad de hacerlo con grandísimas películas de grandísimos directores clásicos como lo son Martin Scorsese y Wim Wenders.

No hay que desaprovechar la última función que queda, así que si te interesa ver After Hours (1985) de Martin Scorsese tu cita es el domingo 28 a las 21:55 en la Sala Lugones del Teatro San Martín.

Si te interesa ver Paris, Texas (1984) de Wim Wenders la próxima función será el día viernes 26 a las 21:05 en la Sala Lugones del Teatro San Martín o el domingo 28 a las 19:35 en Cinépolis Plaza Houssay.

Nuestro derecho a la cultura es innegociable. Sea como público o realizadores, debemos defender estos espacios, debemos defender nuestras pantallas, debemos defender nuestras butacas.

Por Julián Lloves para La Butaca Web.

Llega la edición 25° del Buenos Aires Festival Internacional de Cine Independiente.
12 días y alrededor de 280 películas.
13 salas en 6 sedes.
500~ funciones programadas.
Del 17 al 28 de abril de 2024.
BAFICI 25°

La Butaca Web estuvo presente en la conferencia de prensa del festival de cine independiente más importante de Latinoamérica en la que se mencionó una cifra cercana a unas 3500 inscriptas de las cuales han sido seleccionadas menos del 10% tras la curaduría, una cifra cercana a las 280 películas entre cortos y largometrajes, sean ficciones o documentales.

El dato más importante que tenés que saber es que las entradas salen a la venta este martes 9 de abril a las 10am y las podés comprar en la nueva web del festival https://bafici.org/ (¡al fin!) o en las boleterías de los cines.

Ya tenemos en la web del festival el catálogo de la programación y grilla horaria completa del festival. Así que ya mismo podés entrar a conocer el listado de las películas seleccionadas este año. https://bafici.org/noticias/programacion-completa-del-25-bafici/

Vemos gran presencia de cine argentino, no sólo inscripto sino también programado en el festival. Así que es récord absoluto de cine argentino en esta edición 25 del BAFICI. Donde más del 50% de la programación son de estreno mundial o internacional, es decir, que no han sido vistas antes. No sólo los cineastas argentinos confían en el BAFICI como lugar de estreno para sus films sino que también muchísimas películas extranjeras harán su estreno mundial o internacional en el festival de la ciudad.

Como dijimos, tendremos 6 sedes para las aproximadamente 500 funciones exclusivamente presenciales que tendrá esta edición del festival. Y acá te dejamos toda la data necesaria de las salas para que ya te vayas preparando.

Teatro San Martín – Sala Lugones
Av. Corrientes 1530

El Cultural San Martín – Salas Graciela Borges y Manuel Antín
Sarmiento 1551

Espacio INCAA Cine Gaumont – Salas Leonardo Favio y María Luisa Bemberg
Av. Rivadavia 1635

Cinépolis, Plaza Houssay – Salas 1, 2, 3 y 4
Av. Córdoba 2135

Cacodelphia – Salas 1, 2 y 3
Av. Pres. Roque Sáenz Peña 1150

Museo del Cine “Pablo Ducrós Hicken”
Agustín R. Caffarena 51

Desde clásicos internacionales de reconocidos directores como After Hours (1985) de Martin Scorsese o París, Texas (1984) de Wim Wenders a clásicos nacionales y en 35mm como serán las proyecciones de Adiós Sui Generis (1976) de Bebe Kamin o Los inconstantes (1963) y Pinamar (1956) de Rodolfo Kuhn.

Tendremos presencia argentina en la competencia oficial internacional con tres largometrajes y dos cortos, los cuales son:
El placer es mío (Sacha Amaral, 2024, 95′)
La odisea de Kamatsu (Leo Liberman, Sofía López Mañán, 2024, 60′)
La pasión (Lorenzo Ferro, Lucas A. Vignale, 2024, 15′)
La vuelta (Gastón Urquía Romano, 2024, 15′)
Lenny (Nicolás Gontovnikas, 2024, 19′)

La apertura del festival será school privada alfonsina storni de Lucía Seles (Argentina, 2024, 128′) y la clausura Fuck you! El último show de José Luis García (Argentina, 2024, 83′)

El festival contará con 3 competencias con diferentes premios en esas categorías: COMPETENCIA OFICIAL INTERNACIONAL, COMPETENCIA OFICIAL ARGENTINA, COMPETENCIA VANGUARDIA Y GÉNERO. Y además el premio del público al mejor largometraje argentino siendo un premio transversal a las tres competencias.

¿Precio de las entradas?
Entrada general: $1500
Entrada con descuento para estudiantes y jubilados: $1200
(Y si tenés tarjetas del Banco Ciudad averiguá por la promo 2×1)

Repetimos lo más importante que tenés que saber la VENTA DE ENTRADAS será a partir de este MARTES 9 a las 10am, desde la nueva web oficial del festival https://bafici.org/ y desde la boleterías de las salas.

Ahora ya tenés toda la info necesaria para esta nueva edición del BAFICI pero si querés seguir el día a día del festival y no perderte de nada no te olvides de seguirnos por Instagram en @labutacawebes

Por Julián Lloves.
¡Nos vemos en el cine!

Es una historia y mirada que enriquece, vayamos al cine. Y no lo digo porque hay que apoyar el cine argentino, sólo porque sea cine argentino. Sino porque nuestro cine es buenísimo.

Hay que apoyar a las directoras argentinas, y no sólo porque sean mujeres directoras. Sino porque tenemos directoras argentinas que son buenísimas.

Amanda, o Ada como la llaman, es una veterinaria rural que durante una tormenta se encontraba asistiendo a una vaca que estaba por dar a luz a su cría, por azares o destino de la vida justo en ese momento cae un rayo que la impacta, al que sobrevive y tras un tiempo en coma despierta para notar que su vida y cuerpo cambió para siempre. Mientras Ada estaba internada recuperándose de las heridas del rayo; Juan, un misterioso médico, la invita a un grupo de personas que tal como ella vivió también padecieron el impacto de un rayo, juntos intentan sanar y entender el porqué les pasó lo ocurrido. 

Lucía Puenzo sin duda no sólo es una gran directora sino también una autora. Su cine es propio, retrata a mujeres con conflictos particulares que a su vez pueden reflejarse en nuestras realidades, o de cierta manera son extrapolables a lo que vivimos sin que nos haya ocurrido a nosotros mismos. Tiene excelentes trabajos en su filmografía que demuestran su sello autoral y una particular sensibilidad mezclada con rudeza, no sólo es brillante para poner el ojo en estas historias cinematográficas sino también para escribir y dirigir obras como XXY, su ópera prima del 2007, su anterior película La caída de 2022, o también El niño pez (2009), Comodoro (2014) y Wakolda de 2013.

En Los impactados encontramos fotografía, arte, sonido, VFX, maquillaje, música, actuaciones, dirección; todos apartados de un excelente primerísimo nivel. Protagoniza la película maravillosamente Mariana Di Girolamo interpretando a Amanda; Germán Palacios es Juan el médico y líder de los impactados; Mariana Anghileri es Ofelia, una de las impactadas; Guillermo Pfening es Jano, la pareja de Ada; Osmar Núñez es el padre de Ada y Malena Sánchez es la madre de la protagonista.

Aplausos por los y las cineastas que se animan a un poco más, en este caso al echarse a explorar con la temática y mezcla de géneros creando un cine que no apunta a ser mainstream pero sí a poder encontrar el público que sepa apreciarlo. Lo dicho, Lucía Puenzo se anima a más, un ejemplo concreto de esto puede ser que decida enseñar la escena donde Amanda es impactada. Todo el diseño sonoro y los VFX de los rayos son de primer nivel. Un cine nacional que no tiene nada que envidiar. Las escenas de los rayos realmente te impactan sentado desde la butaca, de sólo pensarlo al escribir me gustaría volver a ver esas escenas nuevamente en el cine. Aplausos y todo mi respeto por querer mostrarlo, ya que alguna otra persona a cargo de la dirección posiblemente decida no retratarlo por el esfuerzo de producción que eso conlleva y lo termine resolviendo con un fuera de campo. 

Un párrafo dedicado únicamente a todas las escenas de Malena Sánchez interpretando a la madre de Ada que son sublimes y hermosas, como la primer escena del film. Creo que la cantidad de minutos en pantalla es perfecta y no pido más de esos recuerdos o secuencias oníricas, pero me hubiera gustado que sea vea un impacto más directo de eso en la consciencia de Amanda en su presente, ya que esto marca una herida y sanación importante para ella, o que en algún cuestionamiento, se plantee qué hubiera pasado si su madre estaría con ella y no sea sólo un traumático recuerdo; bonito pero traumático.

La mirada de Jano y Amanda en el ascensor. CINE. Creo que es mi plano favorito de toda la película por más sencillo que este sea ¿Interpretación y subtexto puestas en imágenes en movimiento? Eso es cine. Y eso que la película tiene muchos hermosos planos, y no me refiero sólo a lo estético visualmente, pero esa mirada del ascensor después de recibir esa importante noticia para Amanda, y su pareja, me cautivó al instante por lo que significaba. 

Los impactados es una película que me gustó mucho pero no es perfecta (y no tiene porqué serlo) pero siento que hay momentos donde algo me faltó para que me impacten de la misma forma como en sus mejores escenas. No sé si es el guion y hacia dónde se dirige, la interpretación, el montaje o el ritmo. Algo que no logro entender aún qué, pero obviamente volveré a repasar en cines para ver si esta vez sí me funciona, me encantaría que así fuera. Por ejemplo la escena donde Amanda tiene una especie de crisis cual Chuck en Better Call Saul. 

«Nada hace sentir al cuerpo como la electricidad», eso lo deja bien claro pero me hubiera gustado que se profundice en eso desde una perspectiva más íntima y personal de parte de Amanda, y no que la mayoría de las veces tenga que incluir a Juan o al grupo. Cuando la veo sola pasar por cada etapa del reconocimiento de su nueva identidad es algo que me encanta pero cuando me lleva a las subtramas de los terceros siento que me aleja y vuelvo a apoyar la espalda en la butaca. Así que me hubiera encantado que se explorara más el interés de Amanda en la búsqueda de la electricidad ya sea en el miedo generado por la misma, el anhelo para sentirse balanceada nuevamente o ¿Por qué no? La búsqueda de placer en esta atracción, que siento que se podría haber desarrollado aún más, pues el título en inglés de la obra es ‘Electrophilia’ y aunque lo llega a abordar no del todo. 

Algo que me choca es que frente a la gran sensibilidad que la directora tiene para crear esta historia y lo que creo que la subyace, además de todos sus anteriores trabajos, haya tantos diálogos que en un primer visionado me hayan parecido demasiado explicativos. Obviamente no somos fanáticos acérrimos que corren detrás de una detallada verosimilitud realista, podemos dejar pasar alguna que otra conveniencia del guion siempre y cuando sea en pos del conflicto de la película y su protagonista sin que nos entorpezca la experiencia. La cual es muy buena cuando se enfoca en Ada y en lo que le pasó. Siento que abre demasiadas subtramas que por más que tengan premisas super interesantes no terminan siendo tan efectivas como otros tópicos que sí toca pero no llega a profundizar tanto como me gustaría.

Si experimentás un evento que de un segundo a otro te cambia la vida para siempre… que te reconfigura tanto física como psíquicamente, donde hay algo que se rompe y nace una nueva persona en vos, algo que te duele y que te lastima, algo que tenés que asimilar para emprender esta nueva identidad y esto te aleja de lo que solías ser. Esta crisis, ¿No te sacaría más de una lágrima en el proceso? Creo que me faltó ver en qué punto exacto Amanda toca fondo y ya no se halla a sí misma con la nueva realidad que la rodea, el momento que ya no puede conectar con la que era antes de su impacto. No veo en pantalla claramente ese punto de inflexión íntimo que la hace retomar su nuevo camino. 

Juan es algo misterioso y la historia juega con la dicotomía de si él realmente está ayudando a Ada por genuino interés en su salud o actúa como un líder sectario para seguir experimentando con impactados luego de un escándalo por el cual le retiraron su licencia de médico. Eso es un gran acierto, pero también considero que es un personaje que por más que busque tener su redención, que parece tenerla muy internamente, no logra tener la importancia necesaria para la historia, sino que este perdón o redención se lo aplica Amanda desde antes que suceda pero sólo desde su perspectiva, tratando de trasladarlo a toda la película y a los hechos en sí.

«Nada hace sentir al cuerpo como la electricidad», y aunque vemos a la protagonista buscar esa electricidad en su intimidad, y también junto a los impactados del grupo; me faltaría un poquito más de qué siente Ada, qué se le cruza por la cabeza, qué le hace sentir realmente y porqué vuelve tras eso. Tampoco quiero que me expliquen y muestren todo pero ya habiendo algo de diálogo que subraya hubiera preferido que sea por parte de Amanda cuestionándose lo que está atravesando y no de otros personajes hacia ella.

El primer acto me parece muy bueno, los primeros minutos son realmente fascinantes, luego creo que al abrir tantas ramas en el segundo acto que aborda superficialmente o por lo menos no toca en profundidad las subtramas que más me hubiera gustado personalmente (aunque frente a esto me la tengo que aguantar y listo, pues un autor, autora en este caso, no puede satisfacer las expectativas generadas por cada espectador, sino retratar la propia historia que quiere contar) y sí aborda, por ejemplo, un interés amoroso que demasiado no me interesó y cuando logra que me interese me cuenta que el suceso más trágico que le podría ocurrir a una persona sin que se le caiga una lágrima, incluso narrando lo ocurrido en el lugar de los hechos, y aunque claramente quien cuenta esa experiencia intenta minimizar el dolor no utilizando palabras que le duelan al mencionar tan directamente lo ocurrido para no reabrir esa herida, no me llega como debería. Si a esa escena se la hubiera cargado de más drama ya sea en el guion, puesta en escena o en la actuación me hubiera funcionado mucho mejor. Y obviamente no está para nada mal lo que tenemos en pantalla, al contrario, está muy bien pero son puntos altamente subjetivos desde el espectador y las decisiones plasmadas de dirección, guion e interpretación.

Fuera de lo que es el cine en sí y suponiendo… Que está mal pero no tan mal, debe haber mayor metraje que no quedó en el corte final de lo que sería el tercer acto, me hubiera gustado ver un poco más de Amanda con su pareja, su comunicación y vínculo. Además de ver ella como intenta retomar su vida y el futuro que ahora le espera. Y no es que quiera ver que pasa después del último plano de la película, que me parece un hermoso cierre, sino los días o semanas previas a eso para poder tratar de entender como Amanda enfrenta su situación con todo lo aprendido a partir del rayo y las reuniones con los impactados. 

Me interesaría saber si el guion se abordó a partir de un caso real (o varios) y se desarrolló a partir de esa experiencia o si desde la necesidad de contar una historia se ficcionó el contexto necesario para sostener lo que realmente Lucía, y Lorena Ventimiglia con quien coescribe el guion, querían hacer y narrar, 

Es una de esas películas que al ser independientes y sin demasiado marketing en nuestro país, las encontrás un tiempo después en alguna plataforma de streaming y al verla te preguntás ¿Por qué no habré ido al cine a verla si es tan buena? Y sólo hay dos respuestas, o nunca te enteraste de su existencia o no confiaste en el cine argentino y seguramente priorizaste algún producto anglosajón. Banquemos en las salas al cine argentino de autor. 

Gran gran película. Realmente me encantaría que le vaya bien en salas a una obra así y que el público sea quien exija más historias como esta. Aguante el cine argentino.

Calificación: 7/10

Por Julián Lloves para La Butaca Web.