Archivo del Autor: Daniel Alvarez

Reseña: Cuestión de género


La reciente llegada al Teatro Metropolitan de «Cuestión de género» trae al escenario a la aclamada dupla conformada por Jorge Marrale y Moria Casán. Esta obra, lejos de ser una comedia más, se sumerge en las profundidades de la identidad y los prejuicios contemporáneos, provocando tanto carcajadas como momentos de reflexión.


La trama nos presenta a Jade y Francisco, un matrimonio que lleva 30 años juntos. Sin embargo, su unión se ve sacudida cuando Jade decide confesarle a su esposo, un político en plena campaña electoral, que padece cáncer de próstata. Esta revelación no solo impacta por la enfermedad en sí, sino porque desvela una verdad oculta: Jade nació biológicamente como hombre y es una mujer transgénero que realizó su transición mucho antes de conocer a Francisco, un detalle que nunca le había revelado.


La noticia desata el lado más homofóbico de Francisco, quien hasta ese momento se había mostrado públicamente a favor de la diversidad sexual. Su hipocresía se hace evidente al negarse a seguir viendo a Jade como su esposa, llegando incluso a buscar la nulidad del matrimonio. Es en este punto donde Jade emerge con una fuerza conmovedora, defendiendo su identidad y recordando su compleja trayectoria de vida, desde su niñez hasta su transición. Aunque la obra no evade la realidad de que ella ocultó detalles importantes, como la razón por la que no podía tener hijos (lo que llevó a la pareja a adoptar), este punto añade capas a la complejidad del personaje. La situación se vuelve aún más disparatada con la llegada de la hija adoptada de la pareja, quien revela estar en una relación con un adversario político de Francisco, sumergiendo la trama en situaciones aún más hilarantes.


Sin duda, uno de los grandes aciertos de «Cuestión de género» reside en la brillante química entre Marrale y Casán. Moria Casán se luce en un personaje imponente y con convicciones inquebrantables, demostrando su capacidad para transmitir un mensaje poderoso sobre la diversidad sexual y la importancia de silenciar los prejuicios hacia la comunidad LGBT. Su personaje resuena con su propia personalidad, dejando una huella de empoderamiento. Por su parte, Jorge Marrale encarna a un contrapunto homofóbico, logrando parodiar con humor las reacciones y la hipocresía que surgen al enfrentarse a una realidad personal que choca con las convicciones públicas. Si bien se podría desear un mayor desarrollo o aprendizaje en los personajes a lo largo de la historia, el enfoque cómico de la obra logra su cometido a la perfección.


«Cuestión de género» es una propuesta sencilla que tiene como principal objetivo hacer reír al público a través de una comedia desopilante. Sin embargo, va más allá al enaltecer la figura de Moria Casán como una verdadera diva, que, además de entretener, nos regala un mensaje contundente y necesario.

CUESTIÓN DE GÉNERO

ESTRENO 30 DE MAYO DE 2025 – TEATRO METROPOLITAN

FUNCIONES: MIÉRCOLES 19:30h / JUEVES 19:30h / VIERNES 19:30h / SÁBADO 19:30h / DOMINGO 19:15h

VENTA DE ENTRADAS POR PLATEANET http://www.plateanet.com / 5236-3000

http://www.teatrometropolitan.ar


@teatrometropolitanok

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Reseña: Felices fiestas reina


Por @soynancybenegas


Sinopsis
El vinculo de una madre con su hijo se ve modificado ante la llegada de una nieta adolescente que llega a conocer a la abuela; y la presentación oficial de un viejo amor al círculo familiar que cambiara sus vidas. Una historia sincera que interpela los vínculos familiares y las relaciones que nos rodean, el amor verdadero y la sexualidad sin límite de edad.


Reseña
Comedia dramática que, a partir de un relato simple, encuentra la forma de abordar temas profundos y universales. Desde el humor, invita al espectador a replantearse la complejidad de los vínculos familiares, las elecciones que tomamos en las distintas etapas de nuestra existencia, el amor, el deseo y la sexualidad.


Sin golpes bajos, con una narración sensible y cercana, la obra te permite empatizar con los personajes y dejarte llevar a través de sus historias. Propone un dialogo sincero sobre del amor verdadero como una apuesta por la que vale la pena luchar, sobre las relaciones que nos rodean y las decisiones que marcan nuestro recorrido.


El texto propone una gama de matices que se aparta del rosa romántico para acercarse bastante a lo crudo de lo posible. Un guion que aborda de manera inteligente el amor en sus distintas formas; en los vínculos familiares, en la pasión, en la sexualidad en la madurez, y en el maravilloso deseo de permitirse vivir sin censura.


Una puesta en escena sencilla y efectiva, con una buena iluminación que resalta los momentos más significativos. Los pasajes emotivos están bien logrados y el espacio elegido para la función, por su cercanía con el público, potencia la intimidad del relato.
Su protagonista, Patricia Alonzo, representa en Bea a una mujer que elige priorizar sus verdaderos sentimientos, reencontrándose consigo misma y buscando el equilibrio para vivir sus emociones con autenticidad.
Celebramos el teatro independiente que sigue apostando a obras originales, pensadas e interpretadas por artistas que entregan su pasión en cada función. Felices fiestas reina, es una recomendación interesante para quienes buscan historias que emocionen, hagan pensar y dejen tema para charlar después de la función.


Ficha Técnica
Dirección: Gustavo Reverdito
Reparto: Patricia Alonso, Charo González, Mili Gurovich, Isaac Jorge Lisorski, Marcelo Saltal, Pablo Turchi
Duración: 70 minutos
Funciones: Viernes 21 hs en el Teatro Abasto Social Club, ubicado en Yatay 666

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Análisis: Doom: The Dark Ages


«Doom: The Dark Ages» se alza como un gran título de esta trilogía de Id Software, ofreciendo una experiencia visceral y pulida que, si bien pierde el factor sorpresa de sus predecesores, lo compensa con la madurez y la experiencia acumulada de toda la saga. Disponible ya en PS5, Xbox Series X, Xbox Series S y PC, esta entrega promete horas de acción trepidante.


Uno de los pilares fundamentales de la saga Doom, y en «The Dark Ages» no es la excepción, es su apartado audiovisual, que alcanza cotas de notable. Visualmente, el juego se sumerge en una atmósfera gótica y medieval, bañada en un gore explícito que se manifiesta tanto en los entornos como en las brutalmente variadas y satisfactorias ejecuciones. Los escenarios, más amplios y diversos que nunca, invitan a la exploración, recompensando a los jugadores con mejoras y coleccionables que ya son un sello distintivo de la franquicia y que, lejos de aburrir, añaden profundidad a la jugabilidad.
En el ámbito sonoro, id Software demuestra una vez más su maestría. La selección y composición de las pistas, aunque sin entrar en gustos personales por el hard rock, son inmejorables y se integran perfectamente con la acción. Además, «Doom: The Dark Ages» marca un hito al ser la primera entrega de la saga en llegar completamente doblada, un añadido que se agradece enormemente dadas las numerosas escenas de vídeo. El doblaje es inmaculado y contribuye a una inmersión aún mayor en la experiencia de juego.

Lo que más aprecio de cada nueva entrega de DOOM es cómo logra innovar en su jugabilidad mientras mantiene viva la esencia de la saga. Aunque elementos clásicos como la gestión de munición, vida y escudo, las llaves, secretos, calaveras de colores y una Big Fucking Gun siguen presentes, cada juego les da un giro fascinante. La filosofía de combate ha evolucionado significativamente: si DOOM (2016) se centró en el «run and gun» (correr y disparar) y DOOM Eternal en el «jump and shoot» (saltar y disparar), DOOM: The Dark Ages propone un enfoque de «stand and fight» (mantenerse y luchar). Este concepto de «luchar» es crucial, ya que el combate cuerpo a cuerpo se vuelve indispensable, no solo una opción. El movimiento y planteamiento de The Dark Ages evoca la nostalgia de los DOOM noventeros, con la acción a ras de suelo y la esquiva de proyectiles como pilares. Sin embargo, la gran novedad es el escudo-sierra, que transforma al Slayer en un tanque inamovible. Este enfoque prioriza la fuerza bruta y un sistema de ataques cuerpo a cuerpo renovado, donde las ejecuciones se sustituyen por parrys y combos, convirtiendo el combate cercano en el centro de la experiencia.

En definitiva, Doom: The Dark Ages se consolida como un cierre espectacular para esta trilogía de id Software. Aunque pueda carecer del impacto inicial de sus predecesores, lo compensa con creces gracias a una jugabilidad madura y pulida que innova en cada encuentro. Su impresionante apartado audiovisual, con una dirección artística gótica y un gore explícito que se integra a la perfección con la acción, sumerge al jugador en un mundo brutal y fascinante. La maestría sonora, con su icónica banda sonora y un inmaculado doblaje al español, potencia aún más la inmersión.


Calificación 8/10

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Reseña: El árbol más hermoso del mundo



Por @soynancybenegas
Sinopsis
Una mujer se pierde en una reserva natural, allí es rescatada por el guardaparques del lugar, al que le pide por favor que no reporte su presencia. Lejos del ruido de la ciudad, de ese inesperado encuentro surge una conexión especial que los lleva a replantearse el resto de sus vidas.


Reseña
Comedia con tono dramático que narra el encuentro entre dos individuos de personalidades radicalmente diferentes que se encuentran en una reserva natural. En ese espacio, alejados de todo y a solas con el sonido de la naturaleza, la sabiduría del tiempo encontrara las cosas en común que hay entre ellos, permitiendo a través de esa conexión, reconstruir juntos el sentido de lo que verdaderamente importa.


Y es allí donde perdidos sin querer o tal vez queriéndolo demasiado, deciden encontrarse en el relato de sus propias historias, descubriendo que a veces el camino que queda por elegir es aquel que no tenías previsto. Dejando un mensaje sincero en donde perderse puede ser la mejor manera de encontrarse.


Que belleza las narraciones simples cuidadosamente retratadas de historias profundas y reflexivas, contadas en un tono divertido y con detalles bellos de los pequeños momentos. Con el tiempo preciso para encontrar el camino sin prisa, para llegar a la emoción y la intimidad a la que el texto se dirige de manera sutil y amorosa, sin golpes bajos, pero apuntando directo a los sentimientos.


El cuidado trabajo de su guionista y director Francisco Lumerman, encuentra en el proceso de su búsqueda ordenar la historia con un humor fresco, dejando el espacio necesario a la emoción. La escenografía presenta un mobiliario preciso y eficiente, con una iluminación justa que recae en momentos claves para elevar la narración y el clima de cada uno de los personajes.
Carismática y empática Ana María Orozco, luce cómoda en un personaje que le sienta muy bien. Aunque en la entrevista confiese que se diferencia notablemente de la actriz a la que personifica en la obra, es imposible no comparar un poco su vida personal con la historia, teniendo en cuenta el éxito personal que significo Betty la fea para la interprete.
El reconocido actor y ex primer ministro de Perú, Salvador del Solar, acompaña, contiene y eleva con su interpretación la obra. Su desempaño permite un balance armonioso e interesante entre ambos personajes que fluyen muy bien.


El árbol más hermoso del mundo es una obra emocionalmente honesta, que atrapa, entretiene y te permite reflexionar sobre la búsqueda personal de cada uno. Una propuesta encantadora que se luce con un buen libro e interpretaciones muy logradas.


Detalle
Luego de la función, ambos actores junto al guionista y director de la obra dieron una conferencia ante el público presente. Cada uno habló de lo significativo de ser parte de este proyecto que fue ganando confianza con el paso del tiempo y lo cómodo que se sienten de trabajar juntos.


Ficha Técnica
Dirección: Francisco Lumerman
Reparto: Ana María Orozco, Salvador del Solar
Duración: 65 minutos
Funciones: La obra se encuentra actualmente de gira.

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Q’Lokura Conquista el Movistar Arena: Una Noche Épica de Cuarteto Imparable


Q’Lokura lo hizo de nuevo. La banda cordobesa, liderada por Nico Sattler y Chino Herrera, regresó al Movistar Arena y lo conquistó con un show explosivo y con entradas agotadas, reafirmando su lugar como uno de los fenómenos más arrolladores del cuarteto actual. La noche de este sábado fue una fiesta inolvidable, marcada por la energía inigualable de la banda, un público entregado y la participación de invitados estelares que elevaron el espectáculo a otro nivel.


En apenas siete años, Q’Lokura ha logrado lo que pocas bandas: no solo dominar la escena local, sino también proyectarse internacionalmente. Su capacidad para llenar conciertos y generar éxitos virales es prueba de su talento y de la conexión única que tienen con sus fans. Con un estilo que honra la esencia del cuarteto clásico, pero que se atreve a explorar nuevas sonoridades, han revitalizado el género y lo han acercado a las nuevas generaciones, como lo demostraron las colaboraciones con artistas de diversos géneros que se sumaron a esta celebración.

Desde que las luces se apagaron a las 21:11, el público no dejó de cantar, bailar y acompañar cada nota. Por casi tres horas, Nico y el Chino desplegaron un setlist arrollador con más de 50 canciones, incluyendo éxitos como «Bailando Bachata», «Espejo», «Cien Años», «No Se Va», «Frágil» y momentos más íntimos como «A un milímetro». La previa, a cargo de Juli Cardozo, había encendido los motores con clásicos como “Cuánto soñé” y “Mil horas”, preparando el ambiente para la gran fiesta que se venía.


Las apariciones de los invitados fueron, sin duda, los puntos culminantes de la noche. Rusherking desató la locura colectiva con «Perfecta», mientras que Luciano Pereyra sorprendió con su interpretación cuartetera de «Si no es muy tarde». Agus Bernasconi sumó su voz en “Creo en mí” y Valentina Olguín brilló con “Aventura”. Cerca del final, la ovación estalló cuando Karina La Princesita se unió para cantar “Otra oportunidad” y “Díganle”, dejando al público en éxtasis.
Un Brindis por el Futuro y la Expansión Internacional


El fervor del público no decayó en ningún momento, y el cierre épico con «La Mano de Dios» cerca de la medianoche se transformó en un verdadero himno coreado con fuerza y emoción. En medio de la euforia, Nico y el Chino brindaron por los siete años de Q’Lokura y mostraron con orgullo un cartel que anunciaba «35 mil entradas vendidas para las fechas en el Movistar Arena». Además, lanzaron una «bomba para fin de año» en Buenos Aires, manteniendo la expectativa sobre su próximo gran movimiento.


La puesta en escena fue simplemente espectacular. Dos pantallas laterales, una gigante en el centro y varias más distribuidas en cada tarima, junto a una sincronización impecable de luces, rayos láser, fuego y efectos visuales, le dieron al espectáculo un aire internacional sin perder la esencia popular que los caracteriza. El sonido potente y ajustado, sumado a la formación completa de músicos en el escenario, garantizó una experiencia inmersiva.


Este show en Villa Crespo fue la segunda de tres fechas programadas en Buenos Aires, con la tercera el próximo 26 de junio que promete otro estadio lleno. Antes, Q’Lokura se embarcará en una gira internacional por Estados Unidos en junio, llevando el cuarteto argentino a ciudades como Dallas, Los Ángeles y Nueva York, consolidándose como embajadores globales del género.

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Crítica: Gala y Kiwi

Critica Por PablinTeve


Gala y Kiwi, inseparables en la escuela secundaria, se distanciaron a medida que crecieron. Después de seis años, se reúnen para una noche especial llena de baile, actuación y relatos de sus experiencias personales. La narrativa se desarrolla como una obra de teatro, donde la incomodidad de fingir que todo está bien oculta una sutil tensión.



Lo que me gustó
Gala & Kiwi transcurre en un único departamento con apenas cuatro personajes, y en su esencia comparte la obsesión por los vínculos tóxicos donde el poder y la sumisión se dan en los contextos más cotidianos. Muy buenas actuaciones, un contexto extraño y la participación de Toto, le suman al film dirigido por Axel Cheb Terrab.



Lo que no me gustó
Quiza, me pasa solo a mí, pero me siento socavado cuando las  peliculas transcurren en una sola locación, y acá me pasó lo mismo, entiendo la intención del director, de sumarnos a esa noche en la que Gala y Kiwi se redescrubren, pero una tomita  en un balcón , algo de exteriores, quizá …
Lamentablemente, la película no logra sostener su intensidad durante los 109 minutos de duración. A medida que avanza, la sucesión de enfrentamientos comienza a perder fuerza. La narrativa se vuelve reiterativa, y en lugar de conducir hacia una resolución emocional, Gala & Kiwi opta por sumar nuevas capas de conflicto que diluyen los anteriores.


Calificación 5/10

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Reseña: Cyrano

Cyrano de Bergerac: Un clásico indispensable de calle Corrientes

»Me han quitado todo, el laurel y la rosa, pero no me quitarán mi Panache»
Es quizá la frase más emblemática de Cyrano, clásico  francés de 1897 original de Edmond Rostand. Inspirada en la trágica pero intensa vida del poeta libertino Cyrano de Bergerac, nacido en París en 1616.



La historia sigue a un hombre desgraciado por la vida al no poseer una belleza estándar, aún así su orgullo o su »panache» lo convierte en uno de los hombres más talentosos y desafiantes de París del siglo XVI. Profundamente enamorado de su prima e incapaz de confesar su amor, decide que un barón apuesto  la enamore usando sus poemas.

Willy Landin es quien dirige, adapta, traduce, monta la escena, diseña el escenario y compone la música de Cyrano, es su obra enteramente y su regalo para el público de calle Corrientes. El amor que siente por el personaje hace que se sienta personal, sincera y elocuente, el público conecta con la historia y pasa de la risa al llanto; todo esto es posible gracias a la interpretación de Gabriel ‘El puma’ Goity.

María Abadi, Mariano Mazzei, Horacio Acosta, Daniel Miglioranza, Larry De Clay, Fernando Lúpiz, Pacha Rosso, María Rosa Frega, María Morteo, Hernán, “Curly” Jiménez, Dolores Ocampo, Pedro Ferraro, Ricardo Cerone, Tomás Claudio, Pablo Palavecino, Agustín Suárez,Néstor Caniglia, Tito Arrieta, Rodrigo Cárdenas, Lucía Raz, Jess Rolle, Paloma Zaremba y Eduardo Perilli forman parte del aparatoso elenco de esta obra. Un grupo comprometido a interpretar franceses del siglo XVI pero dando su propia personalidad. Los actores  ejercen una excelente sincronización y armonía en sus entradas, salidas y en los momentos en que deben destacar. Hay un trabajo coreográfico con el uso del movimiento y los distintos escenarios.



Cyrano es una obra larga (dos horas con 20), posee un intervalo de 10 minutos; pero que esto no asuste al público, la obra es inmersiva y carismática, se vuelve entrañable desde la primera hora y eso hace que nos quedemos hasta el final.



El Puma Goity está en su salsa siendo Cyrano. Es capaz de transmitir emociones diversas al espectador y mantenerse a flote durante la extendida duración de la obra. Es una interpretación segura con un inolvidable soliloquio..



Disponible de jueves a domingo hasta el 15 de junio en el Teatro Alvear.



Escribe Sebastián Arismendi para La butaca web

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Reseña: Mi hermano y el puma

Hermanos hasta el final

No hay relación más compleja que la que hay entre hermanos. Se dice que son nuestros únicos compañeros de la vida, pero la genética no condiciona que dos personas sean compatibles aunque ya hayan nacido de los mismos progenitores.



¿Cuántas veces hemos dicho palabras de odio a nuestros hermanos?, ¿Cuántas veces nos sentimos mal luego de cada pelea? Tenemos la responsabilidad genética de perdonar y querer, pero el contexto social y la competencia sobre el favorito, siempre va a tensar la relación.

»Dos hermanos jóvenes huyen a la naturaleza tras ser cancelados por su familia y su medio social. Obligados a huir de un lugar que ya nada tiene que ver con ellos, se enfrentan a la elección de pasar el resto de la vida juntos sin saber cómo convivir, separados por un abismo de silencio que duró años. Una coraza de rigidez y violencia masculina les impide acercarse a su hermano desde un lugar de afecto o intimidad». Esta es la sinopsis del libreto original de Santiago Nader.

Mi hermano y el Puma está protagonizada por dos jóvenes promesas actorales: Tomás de Jesús y Santiago García Ibañez. Los actores dan toda su energía a una obra que nunca para, se mantiene muy arriba y se vuelve casi crossfit actoral. Se destaca la coreografía y sincronía entre ambos.

Lucia Deca es quien dirige esta obra y es quien da el control a la velocidad a los actores ante la manija y euforia.
Se trata de una obra sobre dos chicos que intentan ocultar el secreto de otro,  dentro de un ambiente privilegiado como es un barrio cerrado y dentro de un contexto de masculinidad tóxica.

Los traumas de la infancia, la crianza, el entorno social y el favoritismo, marca la diferencia entre los hermanos, la serie muestra la grieta que parece grande, pero en el fondo es solo una excusa para evitar el acercamiento. Al final del camino, ese hermano que detestas, es tu mejor confidente, aunque en este caso, sería un puma.

Mi hermano y el Puma es una muestra de energía actoral con dos jóvenes que dan todo en una obra intensa e interesante.

Disponible en Fundación Cazadores los sábados a las 21:30.

Escribió Sebastián Arismendi Ramos.

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Reseña: Familia, sustantivo femenino

Por @soynancybenegas


Sinopsis
Una cena de fin de año reúne a nueve mujeres de la familia con caracteres e historias de vida muy distintas. Lo que pretende ser una celebración tranquila se transforma en una velada compleja cargada de tenciones y secretos familiares que cambiaran el brindis de fin de año.


Reseña
Comedia musical en código bien argentino. Una de esas historias en las que es imposible no sentirse identificado con alguno de los relatos de estas mujeres empoderadas, tan parecidas a la abuela, a la madre, a la tía o a cualquiera de esas figuras femeninas que todos tenemos en la familia.
Una obra bien construida, que va ganando ritmo y fluides con el paso de los minutos hasta volverse irresistible. Con buenos diálogos cargados de humor e ironía dispuestos a ventilar secretos familiares muy bien guardados antes de que llegue el brindis.
Las últimas horas del año traerán propuesta de casamiento, herencias que arreglar, amores prohibidos y varias historias más. Una dosis extra de alcohol y algunas sustancias prohibidas en el camino desataran una noche desopilante y emotiva.
Los cuadros musicales son atractivos, con buenas coreografías y una puesta de luces que acompaña y refuerza la narración. Los músicos en vivo transforman y potencian la es escena, aportando una cuota interesante de energía y dinamismo para la obra.
Fede Fedele y Lali Vidal, guionistas y directores jóvenes e inteligentes que entienden lo que quieren y como llevarlo a escena permitiendo una comedia ágil, atrevida y entretenida con la que uno se puede identificar sin mucho esfuerzo y salir con una sonrisa. Una apuesta fresca y emotiva que invita a reírse de lo propio y a reconocerse en los vínculos más íntimos.


Detalles
Maravillosos momentos que quiero destacar, la invitada religiosa que agradece los alimentos y el efecto de sustancias no aptas son maravillosos, originales y muy muy divertidos.


Ficha Técnica
Dirección: Fede Fedele y Lali Vidal
Reparto: Denise Cotton, Estefanía Alati, Marcelo Albamonte, Agustina Vera, Silvana Tomé, Laura Montini, Florencia Róvere, Juana Cardozo, Camila Ballarini, Lula Andrada, Lu Hayes, Lucia Berraud
Duración: 80 minutos
Funciones: Jueves a las 21 hs y Domingos a las 20 hs en el Teatro Maipo, ubicado en Esmeralda 443

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Crítica: Misión imposible: Sentencia final



¿Quién lo hubiera pensado? Un día vimos el final de esta mítica saga protagonizada por Tom Cruise. Luego de una excelente primera parte, nos llega el desenlace de la franquicia de Ethan Hunt; que prometía no solo cerrar por todo lo alto, sino, aparte, de darnos algunas escenas bastante emotivas ¿Recibimos lo que nos prometieron? Veamos que nos trajo Misión Imposible: Sentencia Final.



Luego de los acontecimientos de la anterior entrega, el mundo está al borde del colapso. Con la Entidad controlando casi todos los silos nucleares del mundo, Ethan y su equipo son la última defensa de la humanidad antes de sumirse en una guerra nuclear entre las pocas potencias que quedan en pie.

Antes de ir a ver esta película, había leído por ahí que era de visionado casi obligatorio, repasar al menos la primera y la tercera parte. Bueno, para arrancar con lo malo, vamos a empezar diciendo que esto no es necesario, porque el director Christopher McQuarrie toma de tonto al espectador, poniéndole la secuencia a la que se hace referencia en lo que están diciendo los personajes. No vaya a ser que nos de un acv por tener que hacer un poco de memoria y esfuerzo mental.

Para seguir con lo que no me gustó, si bien la amenaza global sigue siendo la misma, el tono con el que se la enfoca no pareciera ser el de un final de saga. El famoso caos mundial solo lo vemos en un par de escenas protagonizadas por militares y la Presidenta de Estados Unidos. En ese sentido hubiera sido ver algún estallido social o como algún país terminó desapareciendo ante tal peligro armamentístico. Y para terminar con lo malo, hablemos del villano.

Esai Morales había hecho un trabajo aceptable en la anterior entrega, como un villano que siempre parecía estar un paso adelante del protagonista, pero mostrándose sobrio e incluso sofisticado. Bueno, no sabemos si fue por mala dirección de actores, o por motus propio del actor, pero se transforma en una caricatura que hace caras y se ríe mientras hace maldades. En fin, un retroceso para lo que debería ser una de las mayores amenazas qua las que se enfrentó Ethan Hunt.

Pero para hablar un poco de lo bueno, vale decir que el nuevo equipo es bastante interesante y dinámico. La sumatoria de Pom Klemetieff aporta bastante, mientras que el tándem Cruise-Pegg-Rhames se entiende de memoria, y en lo personal, los voy a extrañar. Aparte que las escenas de acción, si bien se sienten pocas en las casi tres horas que dura Misión Imposible: Sentencia Final, siguen siendo bastante adrenaliticas.

Misión Imposible: Sentencia Final es una película okey, que cumple; pero que si se la tiene como el final de una longeva saga, al menos para mí, deja mucho a deber. Una lástima, nos merecíamos un final por todo lo grande.



Lo mejor: entretiene.

Lo peor: el villano pierde con respecto a su predecesora, se queda corta para ser el cierre de toda la saga.



6.5/10

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