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La artista colombiana Greeicy brindó un show la noche del 21 de noviembre en el Teatro Gran Rex, con un teatro repleto y emocionado por la llegada de la cantante en su primer show en el país. Greeicy nos dió un show imponente, con una interesante propuesta visual, musical y que se ha detenido para poder hablar y emocionarse con el público en una noche muy encantadora.
La cita, que esperaba una asistencia masiva de fanáticos, demostró una vez más la conexión única, el fervor, y el fanatismo que la artista ha generado entre su público. Desde la apertura de puertas hasta el último acorde, la audiencia bailó con cada canción al ritmo de sus grandes éxitos como «¿QUÉ TE PASÓ?, «A VECES A BESOS» y «AMANTES». El concierto estuvo lleno de momentos memorables, con grandes invitados como Santi Talledo, sorpresas de su club de fans y constantes interacciones con el público.
El show fue marcado además por sus canciones, por la forma en la que Greeicy se abrió con el público para hablar por sus sentimientos, el amor de ser madre y algún que otro chisme para divertir a la gente.
Greeicy nos dió una noche única en el Gran Rex, tras el primer concierto en el país, el público se noto muy emocionado y ella expresó el deseo de poder regresar pronto. La artista termino el concierto con su célebre canción «Destino» que puso a todo el público a cantar en un ambiente festivo.
Agradecemos enormemente a CyG comunicación y Foggia por habernos invitado al show.
Después de esta peli no vas a querer entrar a la casa de nadie.
Dos jóvenes religiosas van a dar su discurso y entregar su panfleto a la casa del señor Reed lo que no saben es que son ellas las que recibirán la lección sobre religión ese día.
La historia: En un pintoresco pueblito, la hermana Barnes y la hermana Paxton hacen su recorrido predicando la palabra de su iglesia. Van a visitar al señor Reed, interpretado por Hugh Grant, que es uno de los que solicito esa visita. Debido a un fuerte temporal las invita a pasar, cosa que sólo pueden hacer si está presente una mujer. El señor le dice que su mujer está adentro y ellas deciden pasar. Ya adentro toma sus abrigos y les ofrece algo de tomar mientras les muestra el análisis que hizo de su iglesia y les pregunta cosas que intentan hacerlas dudar de su fé. ¿Podrán estas chicas salir con vida de esa casa o finalmente conocerán a su creador?
¿Qué me gustó? El planteo que se hace sobre la religión es muy interesante y didáctico de la forma en que está explicado. Claro que hay teorías conocidas y que ya pueden haber escuchado en otros lados, pero le dan a este personaje una retorcida justificación de sus acciones. La actuación de Hugh Grant es realmente impresionante, debe ser uno de los pocos actores que pueden hacer este rol de un tipo simpático, cálido y agradable y al mismo tiempo totalmente aterrador. El suspenso se va construyendo lentamente hacia el final a medida que va aumentando la tensión, pero la espera vale la pena
¿Qué no me gusto? Es algo lenta y encerrada en la casa y en esos personajes. Creo que diversificar la atención en el afuera hubiese sido contraproducente para la construcción de tensión y hubiese sobre complicado la trama pero entiendo también que a algunos espectadores les pueda parecer aburrida al principio.
¿Aporta algo nuevo al género? No necesariamente, hemos visto otras historias de un psicópata encerrando a otras personas y haciéndolos participar contra su voluntad de juegos perversos, el ejemplo más conocido que se me viene a la mente es Saw (2004), pero utilizar la religión como marco teórico para crear a este monstruo me parece un acierto y algo no tan explotado.
¿A quién recomiendo ir a ver esta peli? A todos los que les guste disfrutar de un buen thriller, especialmente de esos que construyen poco a poco y nos van dejando cada vez más al borde de la silla.
Disponible el 21 de noviembre en cines Calificación: 8/10 Duración: 111 minutos
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_Entre Piazzolla y Ravel_ son tres obras del repertorio del Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín que rinde homenaje de dos grandes referentes musicales universales: Ástor Piazzolla y Maurice Ravel. Las piezas del programa fueron creadas por coreógrafos consagrados para la compañía y que cuentan con numerosas presentaciones en su historia. Se estará presentando de jueves a domingos a las 20 h, hasta el sábado 7 de diciembre (del 21 al 24 de noviembre no habrá funciones) en el Teatro Presidente Alvear (Av. Corrientes 1659).
La obra demuestra el minucioso trabajo de repositorio que se realizó para desentrañar las distintas capas de significados y emociones presentes en cada movimiento y reconvertirlo en algo nuevo. Cada pieza coreográfica posee un lenguaje propio, una estructura precisa y nos deleita con una intención artística que fueron restauradas con mucha fidelidad a las originales, pero que también realizaron un detallado trabajo de adaptación para resonar con los bailarines de esta generación. Es admirable la manera en la que cada pieza adquiere nuevas dimensiones, no sólo en términos coreográficos sino en la interpretación, las emociones y los contextos que la alimentan.
La primera obra del programa se titula _Bolero_, una coreografía de Ana María Stekelman sobre la música de Maurice Ravel. La coreógrafa nos ofrece un lenguaje que se siente íntimo y experimental. En este contexto, la música de Maurice Ravel se convierte en un vehículo para explorar una estética casi teatral, donde los cuerpos rígidos narran historias fragmentadas, llenas de simbolismos. _Bolero_ se caracteriza por su ritmo hipnótico y en constante repetición de un mismo motivo rítmico y melódico. Se destaca por su construcción orquestal, ya que comienza de manera casi individual y, a lo largo de toda la pieza, se va enriqueciendo gradualmente mediante la adición de nuevas capas de instrumentos y, a su vez, va aumentando de intensidad. Destaco el vestuario de la obra, ya que esas líneas horizontales que se impregnan en los cuerpos también se ven reflejadas en los movimientos notorios y segmentados; sin dejar lugar a otra cosa no sean las notas bien marcadas de la percusión en conjunto con los pasos de los bailarines.
La segunda pieza _Ahí viene el Rey_, a cargo de Ana Itelman y con música del compositor Ástor Piazzolla, nos brinda una reflexión más profunda sobre la fuerza coreográfica en tiempos de transformación, replanteando la figura masculina en el tango. La pieza es un fragmento de la obra Ciudad nuestra, Buenos Aires estrenada en 1968, está inspirada en los versos de _Poeta al pie de Buenos Aires_ de Fernando Guibert, evocando el espíritu vibrante y único de la ciudad porteña. Se trata de un solo que nos induce a un momento íntimo y sintético. Ese varón sin rostro, en soledad, que baila con la vista al piso es un tópico que subraya la tanguedad del compositor.
El programa cierra con una tercer obra llamada _Estaciones porteñas_, coreografiado por Mauricio Wainrot en donde damos cuenta de una mirada más moderna tendiendo un puente entre el pasado y la actualidad. El uso de la música de Ástor Piazzolla potencia un lenguaje coreográfico visceral, cargado de emociones que evoca la intensidad del tango desde una perspectiva abstracta. La coreografía se destaca por sus líneas limpias y composiciones grupales armónicas que capturan una sensación de constante movimiento y fluidez. A través de duetos y conjuntos, Wainrot aborda la tensión entre el deseo y la melancolía, pilares de la tradición tanguera, pero despojados de la literalidad.
Entre _Piazzolla y Ravel_ es un homenaje a la riqueza del ballet contemporáneo argentino, en donde se vislumbra una celebración a su tradición como a su capacidad de reconfigurarse. La obra no sólo pone en valor al lenguaje coreográfico como una forma de expresión artística, sino también como un puente que conecta épocas, estéticas y generaciones de intérpretes.
Wicked comienza con una noticia: la malvada bruja del oeste ha muerto. Los habitantes de Oz se encuentran revolucionados y Glinda, la bruja buena, interpretada por Ariana Grande, es quién les trae tranquilidad.
Pero alguien pregunta si ellas fueron amigas y así da comienzo a la narración de la historia de estas dos amigas, totalmente incompatibles. Glinda y Elphaba, interpretada por Cynthia Erivo, se conocen en la Universidad de Shiz, en el Maravilloso Mundo de Oz. Elphaba es una joven que ha sido rechazada y marginada por su aspecto lo que la hace retraída y poco sociable pero con muchos dones para la hechicería que aún no logra explotar. Todo lo contrario que Glinda quién es popular y vanidosa. Así se forja una amistad intensa pero inesperada entre ellas.
Lo que me gustó: El gran despliegue en escena. La película es una superproducción colmada de colores, con bailarines y extras perfectamente coreografiados. Ariana Grande es una Glinda ocurrente, graciosa, fiel al estilo del musical original. Cynthia Erivo, interpreta en cada gesto, en cada diálogo y maravillosamente con su voz cantada, la evolución de su personaje. La dirección de John Chu que no cambió absolutamente ni una línea de la obra teatral. El elenco secundaria que complementa muy bien a las protagonistas.
Lo que no me gustó: Que haya que esperar tanto para la parte dos.
A quién se la recomendas: A los amantes de los musicales, del Mago de Oz y de la fantasía
Si hay una película que desde el último Festival de Cannes, viene dando de qué hablar, es Emilia Pérez. No solo por la ya gastada anécdota de “ovación de diez minutos”; sino porque había cosechado algunos premios, y a la crítica especializada le había volado la peluca. Veamos si de verdad es para tanto, o es otra cinta inflada por la prensa.
Siendo una obra ficticia, Emilia Pérez cuenta cómo Rita, una abogada radicada en México, es contratada por Manitas, el peligroso líder de un cartel narco de la zona; no solo para que reubique a su familia en Europa, sino para una tarea mucho más peculiar: que le consiga el mejor médico posible para convertirlo en una mujer.
La verdad que casos como el de Emilia Pérez son digno de análisis, porque cuesta creer si uno vio la misma película, que a tanta gente que vive de dar premios y hacer análisis, le pareció la joya que supuestamente vieron. Y esto lo digo porque el proyecto falla en algunas cosas que cuesta creer que se sigan dando en pleno 2024.
Primero tenemos que hablar del dialecto español. Como digo, es increíble que en el 2024 sigan existiendo cineastas que piensan que cualquiera con un mínimo de raíces latinas, sabe hablar en castellano, en este caso, con modismos mexicanos. Una falta de respeto para el pueblo azteca, que no solo se ve insultado en ningunear su forma de hablar, sino en cómo se representa a la sociedad mexicana. Pareciera que ni siquiera se dignaron a buscar en Google un poco de información de dicho país.
Aparte hay que agregar que ninguna de las tres protagonistas canta bien. Esto podría esperarse de Carla Sofia Gascón o Zoe Saldaña, pero ¿De Selena Gomez? Puede ser una justificación que la mayoría de sus melodías son en castellano, idioma que como dijimos, no sabe hablar; pero esto no es excusa para alguien que salió de Disney, y, por ende, debería haber aprendido a cantar antes que a hablar.
¿Entonces por qué le pongo un 6? Porque el resto si funciona. Zoe Saldaña da quizás la mejor actuación de su vida, mientras que Carla Sofia Gascón (a quien desconocía), acompaña muy bien. Si, Selena Gómez sigue siendo lo más flojo en este apartado, pero no lo suficiente como para echar por tierra el buen trabajo de sus compañeras de elenco.
Aparte que contrario a otros musicales de este año (ejem, cierto payaso), las canciones si están integradas en la trama. La narración nunca se corta en post a que los personajes empiezan a cantar mientras tiran los pasos prohibidos; y al menos en este apartado, todo el elenco se desenvuelve bien.
En conclusión, Emilia Pérez es una película regular. Nos hubiera encantado ver lo mismo que vieron los expertos, pero a gusto personal tiene demasiadas cosas en contra como para dejarlas pasar, o peor aún, tenerla como candidata en los próximos Oscar.
Calificación: 6/10
Lo mejor: algunas actuaciones, la historia en sí.
Lo peor: el desgano que se le puso en todo lo referente a México, las canciones.
Tuvimos el placer de asistir a la segunda fecha de los dos Movistar Arena agotados del artista cordobeses Luck Ra, quien se encontra apenas recuperado de una reciente fractura de pierna pero que eso no impidió que se llevará a cabo esta fiesta llamada «El último baile del año»
El estadio ya se encontraba repleto a la hora del show y se respiraba un aire festivo en el que se encontraba gente de todas las edades para disfrutar del concierto. Así en sus primeros minutos sonaron temas como «Te mentiría» «Y te vas» con un sonido que ha hecho bailar a todos. Obviamente no faltó la presencia de invitados especiales para esta fecha, como La Bersuit para «Toco y me voy», Nicki Nicole que hizo su presencia para cantar «Doctor», Khea con el gran éxito «Hola perdida» y la sorpresa de tener a Elvis Crespo con quién cantaron su mítico tema «Suavemente» y quien tambien se prestó para cantar uno de los temas de Luck Ra.
También hay que destacar el trabajo en escenografía, en la que se montó un gran espacio para que se pueda disfrutar el show desde cualquier parte del estadio, con sus grandes pantallas y el buen acompañamiento de las visuales. Un momento destacado también fue cuando el artista recorrió todo el campo del Movistar en un carro con la figura de una botella cortada con fernet, aquí aprovechó para cantar melodias movidas para dar un aire festivo en el que todos puedan bailar.
Otro de los momentos destacados de la noche es cuando Luck Ra dió un momento para rendir homenaje a los grandes del cuarteto, interpretando «Fuego y pasión» y «Fue lo mejor del amor» de Rodrigo Bueno y terminando con «Por lo que yo te quiero» que también lo ha inmortalizado el catamarqueño Walter Olmos, además del anterior mencionado.
El artista, quien antes de cerrar el show brindó unas palabras sobre lo que fue llegar a hacer estos dos últimos conciertos y el trabajo duro que fue llevarlo a cabo a pesar de no haberse recuperado del todo de su incidente, llegó a emocionarse de tal manera que provocó la emoción del público, que pudo terminar su show a puro cuarteto.
Argentina es una tierra llena de historias que desconocemos, especialmente, la primera mitad del siglo XX, décadas donde la anarquía, corrupción y la formación de una nueva sociedad se forjaba, millones de inmigrantes, diferentes culturas e idiomas y dos argentinas: La gaucha y la porteña. Hay personajes que han tenido reconocimiento por la cultura popular y su comparación con leyendas literarias universales; uno de ellos es Juan Vairoleto, el Robin Hood argentino.
La prensa de Buenos Aires tuvo el honor de presenciar ‘Juan Vairoleto’, la obra póstuma del recordado dramaturgo Juan Carlos Gene, dirigida por Carlos Di Pasquo y Fernando Martín.
La obra se centra en la vida de Juan Vairoleto, un «bandido» rural que se convirtió en un símbolo de justicia popular. A través de una sesión de espiritismo, los protagonistas narran los hechos previos y la muerte de Vairoleto a manos de la policía de La Pampa y Mendoza.
Protagonizado por Juan Gil Navarro junto a Luis “cuervo” Lento, Fernando Fernández, Gabriel Galindez, Luciano Guglielmino, Fernando Martín, Leandro Morcillo, Federico Navajas, Juan Pablo Martínez y Federico Uzinka Queipo; Juan Vairoleto es una obra muy masculina de testimonios entrecruzados, todos conocen a este Robin Hood y cada uno tiene algo qué decir, su legado jamás se podrá borrar.
Carlos Di Pasquo es el encargado de la puesta en escena que si bien es simple, se apoya de utilería, efecto de luces para recrear a los »muertos» que están encerrados en una tela translúcida. El grupo de Teatro comunitario Pompeya, además de hacer papel de soporte, realiza el diseño sonoro en vivo utilizando hojalatas y cachivaches para dar un efecto de radionovela.
Juan Vairoleto es una obra que tiene fuerza, es corajuda con el tema a tratar y un homenaje a un antihéroe que si bien es cuestionado por sus actos, es venerado por sus acciones a la comunidad, una especie de Gauchito Gil de la década de los treintas, cuando Argentina intentaba crear su civilización durante su barbarie.
Disponible este 20 y 27 de noviembre en el Teatro Dummont 4040.
La cantautora noruega Aurora regresó al país luego de su paso en Lollapalooza 2023, esta vez con un show en solitario, con la presentación de «What Happened to The Heart?», su más reciente trabajo de estudio. Con un show producido por DF Entertainment y DG Experience, se desplegó un concierto que trajo también muchos clásicos y favoritos entre los fans. Su espectáculo se caracterizó por la gran voz de la artista, sus visuales y la conexión directa que ha tenido con el público durante todo el recital.
What Happened to The Heart?, su quinto álbum, explora la complejidad y el misterio de las emociones humanas y su contradictoria belleza. Tras recorrer Europa y presentarse en icónicos escenarios como el Glastonbury Festival y el Royal Albert Hall, Aurora transportó al público en un viaje sonoro que recorrió tanto la oscuridad como la luz, yendo de la vulnerabilidad a la fuerza y de la autodestrucción a la sanación.
En un principio pudimos disfrutar de temas “Goddess Of Dusk” y “Churchyard”, “Soulless Creatures”, y “A Soul With No King”. Entre medio la artista se ha tomado el tiempo para hablar junto al público, incluso de preocuparse por la gente que se encontraba delante, preguntando si estaban bien o si necesitaban agua, llevando a un miembro divertido donde se interrumpió una canción y cuando se dió cuenta que estaba todo bien, retomó donde quedaba con su voz única. Uno de los momentos más conmovedores de la noche fue con “The River” y “Echo Of My Shadow”, temas que hicieron emocionar hasta las lágrimas a más de uno de los presentes, y que Aurora interpretó con una intensidad emocional que ya es su marca registrada.
La artista no solo demostró su talento vocal y musical, sino también su capacidad de conectar a nivel profundo con su público, creando un ambiente íntimo y acogedor en el estadio. “The Dark Dresses Lightly” y “Heathens” también formaron parte del repertorio, dejando claro el mensaje de sanación y transformación personal que Aurora transmite en este último trabajo. El cierre llegó con “Invisible Wounds”, una canción que resume el espíritu del show y del nuevo disco: un viaje de autoconocimiento y una reflexión sobre cómo el corazón, que para las culturas antiguas era el centro de la emoción y la intuición, se ha convertido en la medicina moderna en solo un músculo vital.
Aurora brindó un concierto íntimo donde la conexión con el público fue fundamental para lograrlo. Se trató de un espectáculo donde las visuales y los músicos en vívo, estaban preparados para hacer lucir a la artista de una manera única. El público pudo emocionarse con cada interpretación con un show que esperamos que regrese pronto.
Vera, una adolescente de 17 años, reparte sus días entre el vóley, la escuela y un pasatiempo secreto: subalquilar por un par de horas un departamento vacío para que otros adolescentes tengan sexo. Para esto le roba las llaves del “3.B” a su madre, quien administra esas propiedades inmobiliarias. Vera no necesita el dinero de estas rentas, lo hace porque disfruta escuchar detrás de las puertas el placer ajeno jugando a ser invisible.erna.
Lo que me gustó
A través del personaje de Vera, interpretada por la magistral Lu Grasso, la película explora aspectos complejos de la psicología adolescente de una forma única, capturando la esencia de la búsqueda de autodescubrimiento y el juego con los límites entre lo personal y lo social. Uno de los aspectos más destacados de la película es cómo aborda la sexualidad adolescente de una manera natural y honesta. La sexualidad de Vera no se presenta como algo trivial o superficial, sino como una cuestión compleja que está profundamente relacionada con su curiosidad. La película se centra en el voyeurismo de Vera como una forma simbólica de entender su propio deseo. El hecho de que Vera no participe directamente en los actos sexuales, sino que los escuche del otro lado de la puerta, puede ser visto como una representación de cómo los jóvenes a menudo intentan comprender la intimidad de una forma emocionalmente segura, experimentando primero a través de la observación. Cabe destacar la banda de sonido original a cargo de Pablo Crespo, y como frutilla del postre, para los que tenemos mas de 40, fue una sorpresa muy agradable escuchar un tema de Bom Bom Kid, banda de cabecera de mi adolescencia.
Lo que no me gustó
Sinceramente, seria muy rebuscado tratar de encontrar algo que no me haya gustado, quizá, lo que no me gustó, es que no haya una Secuela
La primera etapa de la gira por los 15 años se coronará el 23 de noviembre, en el Estadio Ferro Carril Oeste donde la Orquesta tocará por primera vez.
Luego de su segundo paso por Europa y de recorrer ciudades en Argentina, Chile y Uruguay, La Delio Valdez (LDV) tendrá su gran fiesta de 15 para desplegar el enorme universo de delirio y cumbias que han construido a lo largo de este camino.
La cita es el 23 de noviembre en el Estadio Arquitecto Ricardo Etcheverri, más conocido como Estadio Ferro, donde celebrarán el espíritu del trabajo cooperativo e independiente que existe desde los comienzos de la banda.
La Delio Valdez viene produciendo su música, espectáculos, giras y festivales desde los primeros años. Desde la autogestión concretaron venues como el Teatro de Flores, Ciudad Cultural Konex, el Teatro Vorterix, el Gran Rex y seis Luna Park, por donde pasaron más de 50 mil personas. Así como los Cumbiones, mítica fiesta de cumbia, baile y alegría que realizan desde sus inicios y en las que están en cada detalle.
Con el despliegue de la Orquesta completa, la teatralidad que les caracteriza, los vestuarios, las coreografías y una puesta en escena digna de la fiesta de 15, LDV invita en esta fecha a la alegría colectiva. Una celebración de cumbia que es mucho más que un ritmo musical, es un movimiento. La banda sabe que la fiesta tiene un rol fundamental que es conectar a las personas y reivindicar el derecho al disfrute.
SOBRE LA DELIO VALDEZ La Delio Valdez es una orquesta de cumbia creada en Buenos Aires, Argentina. Desde el 2009 desarrollan una propuesta artística propia, entendiendo a la cumbia como el lenguaje común que surca toda Latinoamérica en clave musical.
Con más de 16 músicos y músicas en escena, La Delio Valdez retoma la gran tradición orquestal del continente. Su organización cooperativa referencia a las Orquestas Nacionales de Tango de la década del ‘50; su distinción y teatralidad sobre el escenario aluden a las grandes Orquestas Caribeñas, donde se destacan el baile y un sonido potente y arrollador.
En sus sonidos se funden recursos de la tradición andina, la salsa, el rock, el jazz y el reggae para dar lugar a un estilo a la vez tradicional y moderno: un sonido internacional y contemporáneo donde se reflejan las identidades mestizas de la región
