Por Gustavo Condano

Los Thunderbolts y el misterio del asterisco.

La historia:
Yelena Belova, la hermana de Black Widow que interpreta Florence Pugh está cansada de su vida de agente secreta/ asesina, por lo que acuerda con la nueva jefa de la CIA, interpretada por Julia Louis-Dreyfus, para realizar una última misión a cambio de que la deje ir.

Esta misión consiste en ir a un alejado edificio en medio de la nada y asesinar a una supuesta ladrona. El problema es que cuando ingresa al edificio se encuentra no sólo con su objetivo, sino también con John Walker (el segundo capitán américa) y Taskmaster (un villano que apareció en black widow). Luego de un rato peleando entre ellos se dan cuenta que están en una trampa (si, tardaron bastante para ser agentes extraordinarios), y deciden colaborar entre ellos para escapar de allí con vida.
¿Podrán estos anti héroes trabajar juntos y lograr desenmascarar a la nueva jefa de la CIA, o sus viejas mañas los traicionarán? Habrá que verla para enterarse de eso y sobre qué significa el asterisco al final del nombre.  

¿Qué me gustó?
Los personajes principales, a muchos de ellos los conocimos como personajes secundarios o villanos de otra película, están muy bien desarrollados. A cada uno se le encontró la vuelta para tomar lo que ya conocíamos y darle cierta profundidad, algunos más que otros por supuesto. Destaco a Yelena, en gran de la película la protagonista, y a Red Guardian, interpretado por David Harbour, que es un comic relief de la peli, pero también funciona como el corazón del equipo y el guía espiritual de Yelena en otros momentos. 
La comedia y la acción en esta peli están a la altura de los mejores momentos de Marvel cuando sus pelis eran divertidas y no había que andar pensando de donde era cada referencia, aunque no es una peli perfecta, tiene sus fallas también.
Sorprendentemente es una peli a la vez muy introspectivo, lo que está muy bien articulado en la trama pero por momentos se hace algo pesada.

¿Qué no me gustó?
La trama tiene algunas fallas de coherencia en los personajes,  no puedo contar mucho para no spoilear, pero uno de los peores es la transformación de uno de los personajes principales,  de no recordar nada de su pasado a manejar sus poderes prácticamente en un día.
Marvel ya tendría que saber que ya pasó el chiste de que los grupos de super héroes, o los mismos héroes renieguen del nombre que tienen. En este caso lo llevan a otro nivel haciendo una suerte de misterio alrededor de todo eso, pero realmente ya hay que ir aflojando con eso.

¿Aporta algo nuevo al género?
Esta peli claramente busca retomar el espíritu de la primera etapa de universo cinematográfico de Marvel y lo logra en parte, con una adición de sesión de psicoanálisis de los personajes. Aunque no llega a alcanzar la magia que tenían las películas de los vengadores originales.

¿A quién recomiendo ir a ver esta peli?
Por supuesto a todos los fans de Marvel, no van a decepcionarse. Si no viste nada y querés empezar esta puede ser una buena primera incursión, aunque te van a faltar datos previos de los personajes, deberías ver por lo menos la película de Black Widow (2021) y la serie de Falcon y el soldado del invierno (2021).

Dato: hay dos escenas post créditos, una ni bien termina la peli y la segunda cuando terminan los créditos qué es la más «fantástica» de las dos.

Disponible 1 de mayo en cines
Calificación: 7/10
Duración: 126 minutos

Para otras opiniones sobre cine y algún que otro cuentito seguirme en Instagram @cronicadeunavidacualquiera.

Por Gustavo Condano

No sólo podemos utilizar el vino para olvidarnos del pasado, sino para cambiarlo también.

La historia:
Una joven sommelier, interpretada por Luciana Lopilato, vuelve a visitar una vieja bodega en su pueblo natal después de haber perdido un importante concurso de cata.
En honor a su cumpleaños, descorchará una exclusiva botella y realizá una vieja tradición que le había enseñado su padre de dejar un mensaje para ser leído el año en el que ese vino fue embotellado. Sin saber que ese mensaje realmente llegaría a su yo del pasado y eso desencadenaría una serie de hechos que cambiarían su vida y la de las personas que la rodean para siempre.
¿Podrá alterar su historia lo suficiente para dejar de arrepentirse de su pasado y llegar a tener un final feliz, o terminará abusando tanto de este extraño poder que nunca podrá arreglar las cosas? Habrá que catarla para enterarse.

¿Qué me gustó?
La peli tiene una historia bien redondita, que no deja cabos sueltos y está muy bien estructurada como nos tiene acostumbrados este Realizador.
Los personajes secundarios son una de las mejores cosas de la peli y los que se llevan las mejores carcajadas.
Mención especial para el personaje de Gabriel Corrado, que hace del mismo Gabriel cortado y nos hace recordar un poquito a los campos de todos contra juan.
Normalmente en las películas de viajes en el tiempo la teoría a veces nos embarulla un poco, acá está bastante bien justificado todo y explicado con un guiño a volver al futuro por lo que es bastante claro, nada del lío que quisieron hacer los vengadores.

¿Qué no me gustó?
La resolución es algo predecible, aunque no le quita emotividad al final, simplemente se termina sintiendo algo estirado al ya tener una idea de para dónde va la cosa.

¿Aporta algo al género?
Es una comedia romántica con elementos de ciencia ficción, algo al estilo de Cuestión de tiempo (2013), aunque aquí el interés amoroso queda un poco relegado por la relación de la protagonista y su padre interpretado por Eduardo Blanco.

¿A quién recomiendo ir a ver esta peli?
Por supuesto los fanáticos de las anteriores producciones de Gabriel Nesci no se irán decepcionados. Todos contra Juan (2008), Días de Vinilo (2012), Casi Leyendas (2017).
Por otro lado a los que disfrutan de los enredos de las comedias con viajes en el tiempo seguramente también la van a disfrutar. 

Disponible el 1 de mayo en cines y Amazon Prime
Calificación: 8/10
Duración: 126 minutos

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Por @soynancybenegas
Sinopsis
Unipersonal que nos sumerge en la historia de Pedro, el Rojo. Un ser a medio camino entre un simio y un hombre que debe obtener sus derechos como hombre y dejar de ser un animal. Una propuesta atrevida que indaga en la búsqueda constante de la aprobación humana.

Reseña
Nada parece quedar a medias y por ahí transita la narración. Ese camino complejo y profundo, que tanto se parece a la realidad y tan bien interpretado podemos encontrar en esta historia. Que de alguna manera logra llevarte directo a tomar partido ¿Serás quien juzga o quien es juzgado?
El sonido inmediato que se escucha en la sala te sumerge en el momento que da lugar a la presentación de Pedro, el Rojo. Un simio-hombre que se planta frente a la audiencia para ser lo más parecido a aquello que otros quieren imponerle. Una búsqueda audaz, mordaz y opresiva que invade e incómoda.
Nada de relatos simples, ni la búsqueda de un final ideal. Un humor irónico y delicado con sutilezas afiladas y audaces, que nos muestra, nos identifica y nos deja un camino de interpretaciones punzantes y poderosas.

Luis Sartor es un artista talentoso y atrevido que se anima a apostar a la complejidad y la construcción minuciosa de un personaje que atrapa con la ayuda de todo lo que puede transmitir su cuerpo. Un cuerpo que se adapta al encuentro del personaje, incorporando cada detalle de forma tan precisa que resulta imposible apartar la mirada. La transformación de su postura, la complejidad de cruzar los límites y convertir cada recurso en herramienta para dar vida al Rojo. Su mirada, su manera de caminar, la forma en que respira, el modo de hablar; todo comunica una entrega absoluta que traspasa y moviliza a la audiencia.
Precisa, profunda y correcta, esta comedia dramática surca el universo del sarcasmo para conducirnos a la incomodidad de mirarnos hacia adentro. Un texto complejo y provocador dirigido de forma cuidada e inteligente por Víctor Laplace.

Detalle
Si no tuviste la oportunidad de descubrir a Luis Sartor en escena, es una experiencia que todos los que amamos el teatro deberíamos regalarnos. Una clase magistral de lo que un artista profesional es capaz de explorar para encontrar el personaje; la muestra de lo que el trabajo preciso y comprometido puede alcanzar.

Ficha Técnica
Dirección: Víctor Laplace
Reparto: Luis Sartor
Duración: 60 minutos
Funciones: Sábado a las 18 hs en el Teatro Nüm, ubicado en Juan Ramírez de Velasco 419

Por Jorge Marchisio

Marvel sigue ampliando su universo, y esta vez hacen debutar en la gran pantalla a un grupo bastante conocido en los cómics, pero no tanto fuera del mismo, los Thunderbolts*. El problema en un inicio, es que todos alzamos una ceja al ver la formación de dicho grupo, compuesto por, digamos, personajes segundones. Veamos si este prejuicio estaba fundamentado o no.

La trama se centra en Yelena, quien siente un vacío existencial, que trata de ocupar haciendo misiones para Valentina Allegra de Fontaine. Y su última misión, consiste en detener a alguien que quiere robarle algo a Allegra. Lo que Yelena no esperaba, es que todo era una treta para limpiar cabos sueltos que podrían llevar a su jefa presa, y para peor, acaban de liberar a alguien con el poder de cientos de soles explotando.

Como dije, pocas eran las expectativas que había con respecto a Thunderbolts*, sintiéndose más como una película para matar el tiempo hasta que llegaran Los Cuatro Fantásticos. Bueno, nada m nada errado de la realidad; porque Thunderbolts*es en realidad, una buena película y quizás lo mejor que estrenó Marvel en el cine en un tiempo.

Lo primero a destacar, es que hicieron lo correcto y se esforzaron en hacer buenas escenas de combate, debido a que casi todos los personajes tienen poderes similares (son supersoldados o espías). Esto hace que dichas secuencias sean bastante dinámicas y de tintes “más realistas”, algo al estilo visto en El Soldado de Invierno, considerada como la mejor película del MCU (me incluyo).

Otro punto favorable son las actuaciones. No me malinterpreten, ninguno está para premios; pero tampoco nadie lo hace mal. Si, el personaje de David Harbour sigue siendo insoportable, pero es más un problema de guión que del actor. Quien por obviedad si destaca por sobre los demás, es Florence Pugh, pero esto no debería sorprender, porque es la mejor actriz del reparto.

Pero como no podía ser todo perfecto, toca hablar de lo malo, y es que se siente un poco el pastiche en el montaje final. Si bien Lewis Pullman no lo hace mal, por todos es sabido que su personaje lo iba a interpretar Steve Yeung, y eso se nota. Pero en especial, queda en evidencia lo que pasa con cierto personaje al cual no vamos a nombrar para no hacer spoiler.

Para ir cerrando, Thunderbolts*es una sorpresa. Primero porque no esperaba demasiado, y segundo, porque parece que desde Marvel parecen haber escuchado las quejas hacia un universo que venía en caída libre. Ojalá que sea el inicio para el camino final que nos promete un todos contra todos digno de ver.



Lo mejor: Florence Pugh, las escenas de acción, aporta al MCU

Lo peor: no ofrece nada nuevo en un subgenero ya sobreexplotado

Calificación: 7/10

Por Jhon Wolf

Terror interactivo sin control en su versión cinematográfica

Until Dawn es la adaptación cinematográfica del popular videojuego narrativo de 2015 para Playstation, donde los personajes reviven una y otra vez una noche de horror al estilo slasher, intentando sobrevivir a base de decisiones que marcan su destino. Bajo la dirección de David F. Sandberg (Shazam, Annabelle: Creation), la película mezcla sustos descarados, gore digital y un despliegue de monstruos y clichés clásicos del terror juvenil. Si bien resulta un entretenimiento cumplidor, no consigue capturar la tensión interactiva del juego y se queda a mitad de camino entre homenaje ochentero y horror genérico contemporáneo.

Lo que me gustó:
El mayor acierto de Until Dawn está en su ambientación siniestra y en cómo Sandberg despliega con desparpajo una antología de monstruos clásicos del género: asesinos enmascarados, criaturas deformes, zombis y dosis de body-horror. El director, lejos de tomarse demasiado en serio, se entrega al entretenimiento slasher con una vena vitalista que recuerda al terror de los 80 pero con un toque visual más refinado. También se agradecen los guiños a la estructura del videojuego original y su esfuerzo por trasladar la dinámica de decisiones colectivas al lenguaje cinematográfico

Lo que no me gustó:
El gran problema de Until Dawn es que no logra replicar la esencia del juego en términos de tensión y participación emocional. Aquí, como espectadores pasivos, ya sabemos las reglas del juego antes que los protagonistas, y sus decisiones, en lugar de generar interés o dramatismo, se sienten previsibles. Además, la ausencia del reparto original del videojuego (con Rami Malek y Hayden Panettiere) deja al elenco de la película varios escalones por debajo. Por último, aunque la película ofrece momentos de buen susto, nunca consigue realmente asustar ni destacarse dentro del género.

A quién se la recomiendo:
Esta versión de Until Dawn es ideal para fans de los slashers juveniles con espíritu ochentero y para quienes disfrutan de películas que mezclan monstruos, gore digital y clichés del terror clásico sin mayores pretensiones. También puede funcionar para los nostálgicos del videojuego original, siempre y cuando no esperen una adaptación fiel ni una experiencia tan intensa. Si buscas un terror psicológico más elaborado o una propuesta interactiva, quizá debas mirar hacia otro lado.

Puntaje 7/10

«Infierno en el pantano» es una película que se presenta con una premisa sencilla en la que un grupo de náufragos aéreos debe luchar por su supervivencia en un humedal infestado de cocodrilos letales. La película introduce un elemento adicional que busca justificar la agresividad inusual de los depredadores: una contaminación del río producto de una redada antidrogas. Esta excusa argumental establece que los cocodrilos no solo atacan por instinto, sino por una sed de sangre.

Sin embargo, este potencial se ve rápidamente empañado por una caracterización de personajes que roza la parodia. El texto describe acertadamente un desfile de estereotipos andantes: el piloto alcohólico redimido por el instinto de supervivencia, la joven traumatizada convertida en experta en supervivencia, la chica insoportable cuyo destino fatal todos deseamos, y el ejecutivo obsesionado con su teléfono móvil. En resumen, personajes planos y predecibles. Sus diálogos son ridículos y no hacen más que acentuar la superficialidad de la narrativa.

No obstante, el film rescata un aspecto positivo: la efectividad de los sustos. A pesar de sus carencias narrativas y de personajes, «Infierno en el pantano» logra generar momentos de tensión y sobresalto gracias a la imprevisibilidad de los ataques de los cocodrilos, con escenas de muerte inesperadas que cumplen su función de mantener al espectador, al menos parcialmente, enganchado.

En definitiva, «Infierno en el pantano» es una película fallida en muchos aspectos, principalmente en su desarrollo de personajes y diálogos. Sin embargo, su capacidad para generar sustos y sus momentos involuntariamente cómicos le otorgan un valor de entretenimiento básico. La ambientación del humedal cumple su cometido, pero la recomendación final es clara: si tienes la oportunidad de evitarla, hazlo. No obstante, si te encuentras atrapado en una sala de cine proyectando esta película, puedes estar tranquilo de que, al menos, no te aburrirás hasta el punto de quedarte dormido.

Calificación 5/10

Por @soynancybenegas
Actor, productor, director y sin dudas, una de las figuras que ha cambiado la forma de crear contenido para la televisión. Adrián Suar celebra el éxito de su segunda película Mazel Tov, luego de su destacado trabajo en “30 noches con mi ex”. La Butaca Web tuvo la oportunidad de entrevistarlo y conocer más sobre su mirada, su trabajo y los desafíos detrás de este proyecto.

Amable y carismático, responde mirando a los ojos con un tono de voz suave. Comienza diciendo que si bien Mazel Tov tiene cosas en común con su vida no es autobiográfica. Nos contó que priorizo en todo momento contar el valor de los vínculos familiares, a través de una historia que pueda, además de entretener, movilizar a quienes la ven.
Pero ¿qué significa Mazel Tov? Es una expresión en hebreo que quiere decir buena suerte o felicidades. Se usa especialmente para celebrar momentos felices como casamientos, nacimientos o logros importantes. “Es un título que pensé mucho, de hecho, no iba a llamar así. Era difícil porque no todo el mundo sabe lo que significa y es difícil pronunciarlo; pero siento que el nombre le queda bien a una película que retrata los eventos de la vida cotidianas que atraviesan las familias. El nacimiento, el casamiento, la muerte y la herencia son cuatro rituales que pueden ser judíos, católicos, italianos, situaciones de la vida que van más allá de la religión de cada uno.”

Expresó amable “La intención que tuvimos es que la gente pase por muchas emociones, que rían, que se sientan identificadas. Tiene una temática muy popular, Mazel Tov es una película muy Argentina”.
Pablo Solarz es el guionista de Mazel Tov y trabaja con Suar hace muchos años. Nos contó que, a lo largo de este tiempo compartido, se han hecho amigos y lograron una gran química laboral. “Nos entendemos muy bien, nos respetamos, estamos en un buen punto creativo con Pablo, un muy buen punto”.
Sobre su futuro nos comentó: “Me veo en la tele gestionando una ficción. Son difíciles los costos, es difícil financiarlo, sale muy caro hacerlo. No se dan las condiciones para generar lo que se generaba, pero vamos a ver cómo se puede articular para poder producir de nuevo.”

Asegura que se lleva bien con la crítica en general, aunque admite que le afecta cuando los comentarios vienen con malas intenciones. Con el tiempo aprendió a distinguir entre una opinión sincera y una que quiere lastimar.  Por más trayectoria que tenga, reconoce que aún se siente nervioso frente a los estrenos y que la intuición de que algo funcione siempre prima sobre la experiencia.
“No he perdió el impacto de seguir estando curioso por las cosas. Curioso de aprender de ver que está bien, que está mal. Lo digo genuinamente, no es una pose sigo estando curioso. Tengo mucha experiencia, soy un médico que ya opero mucho, pero me gusta seguir aprendiendo”.
Cerramos la entrevista preguntándole con quien le gustaría trabajar que no lo ha hecho hasta el momento, para alegría de los presentes aseguró “me gustaría hacer una película con Darin. Me debo una película con Ricardo.

Mazel Tov se estrenó el 17 de este mes con gran éxito. La película aborda la relación de cuatro hermanos que ante la muerte de su padre deben resolver viejos conflictos y secretos que salen a la luz, llevando a toda la familia a enfrentar secretos de su pasado. Una gran trama, muy bien contada. Como él mismos aseguró “es una historia con la que todos podemos identificarnos”.

Por Jorge Marchisio

Las adaptaciones de videojuegos siguen y siguen, y hoy toca hablar de uno que llega al cine, Until Dawn: Noche de terror. Y si bien siempre dejo en claro que soy habitué a los videojuegos, a este, precisamente, lo jugué. Así que desde ya les aviso, que esta reseña no va a indagar demasiado en cómo funciona como adaptación, y si como película de terror. Empecemos.

La trama se centra en un grupo de amigos, encabezado por Clover, quien hace un viaje para cerrar la desaparición de su hermana mayor. Pero tras la pista de que podría estar viva, terminan en un extraño edificio, y, sobre todo, en un ciclo sinfín de muerte. Ahora deberán tratar de salir del mismo ciclo, sobreviviendo a la noche.

Bueno, al inicio de la reseña mentí un poco, porque si jugó un par de horas, dejando al videojuego eventualmente, pero viendo un gameplay hace poco para poder estar a tono con esta película. Y debo decirles que estamos ante una adaptación aceptable, pero mala película de terror. Paso a aclararme.

A sabiendas que estamos ante un juego muy de nicho, voy a hablar de forma vaga para que sus fans me entiendan; y es que las referencias están ahí. Es bastante ingenioso como implementaron el hecho de que tengamos que rejugar, todo en torno a una historia de terror sobrenatural.

El tema es que, como producto independiente del videojuego, Until Dawn: Una noche de terror, no funciona. Primero porque los personajes tienen la profundidad de un charco de agua; salvo la protagonista, ninguno tiene un pasado y apenas un atisbo de personalidad. A eso hay que sumarle que el factor terror, parece un pastiche de cosas tomadas de otras cintas, lo cual hace que Until Dawn: Una noche de terror, carezca de identidad.

A esto hay que sumarle, que a nivel dirección, Until Dawn: Una noche de terror es bastante mediocre. Plagada de jumpscares, ningún susto está bien trabajado o planeado. Todos son los clásicos sustos de que aparece una imagen grotesca, o un sonido fuerte y ya, asustense. Demasiado vago y mediocre.

Until Dawn: Una noche de terror es una adaptación decente, pero falla como película en sí. Si bien no es un total desastre en un género que suele darnos más malas obras que buenas. Eso sí, si son fans del juego, le van a sacar más jugo que el espectador promedio.



Lo mejor: la esencia del videojuego está presente.

Lo peor: cae en todos los clichés de una película de terror.

Calificación 5/10

Por Gustavo Condano

Las familias pueden ser muy distintas, pero los problemas muchas veces son los mismos.

La historia:
Darío Roitman, a quien interpreta Adrián Suar, debe volver a Argentina tras el fallecimiento de su padre para arreglas las cosas con su familia, sus tres hermanos, con los que tienen algunas diferencias.
Para empeorar las cosas, su hermana Daniela, interpretada por Natalie Pérez, que está embarazada y a punto de casarse no planea suspender el casamiento por el duelo y lo mismo sucede con la hija del personaje de Fernán Mirás, que al ver esto tampoco quiere suspender su bat mitzva.
En medio de todo ese lio, Darío va de un lado a otro tratando de hablar con cada uno de sus hermanos para arreglar las cosas aunque generalmente las empeora. Especialmente por ver sólo su punto de vista de las cosas. ¿Logrará finalmente su cometido o deberá irse del país sin arreglar las cosas? Habrá que verla para enterarse.

¿Qué me gustó?
El elenco es soñado, todos están muy bien en su rol, incluso algunos actores muy buenos no llegan a ser aprovechados como el caso de Ajaka, que hace de “el negro”, el mejor amigo del personaje de Suar.
Pese a no ser puramente una comedia, es una comedia dramática, los momentos de comedia funcionan muy bien y Suar demuestra su mejor faceta.
Los cuatro personajes principales están muy bien definidos, no sólo el de Suar. Cada uno tiene su momento y su destaque. No sucede lo mismo con los personajes secundarios que tienen menor profundidad y son más funcionales a la trama

¿Qué no me gustó?
La película tiene muchos términos de la comunidad judía y aunque tiene la intención de explicar algunas tradiciones, los que no pertenecemos nos  sentimos afuera en algunas ocasiones.
Termina siendo una película muy hablada, donde los conflictos se resuelven hablando, casi siempre con el personaje de Suar, lo que la torna por momentos en repetitiva.  La máxima show don’t tell acá no aplica tanto.

¿Aporta algo nuevo al género?
Es una comedia dramática bastante estándar que balancea bien los momentos dramáticos con la comedia, aunque parece tenerle miedo a caer en un punto demasiado dramático por lo que apela rápidamente al humor, pero esto le quita algo de profundidad.

¿A quién recomiendo ir a ver esta peli?
Seguramente a los que aprecian este tipo de comedias dramáticas que relatan problemas familiares que se disparan a partir de la muerte del patriarca, algunos ejemplos pueden ser “Hasta que la muerte los junto” (2014) o Una muerte en un funeral (2007).
Por supuesto también a los que disfrutan de Adrián Suar como comediante, no se verán decepcionados, aunque si trata de tocar otras notas un poco más sensibles de lo habitual.

DATO:
Vale destacar que la dirección es del mismo Suar y el guionista de esta película es Pablo Solarz qué también escribió Un Novio para mi Mujer (2008) y Me Case con un Boludo (2016), siendo esta la tercer película en la que coinciden.

Disponible el 17 de abril en cines
Calificación: 7/10
Duración: 97 minutos

Para otras opiniones sobre cine y algún que otro cuentito seguirme en Instagram @cronicadeunavidacualquiera.

Por Jorge Marchisio

Como saben, soy partidario de ir a ver las películas sabiendo lo menos posible, para no tener las expectativas demasiado altas, ni para esperar una basura. Apenas tenía noción de que la protagonizaban Hailee Steinfeld (que en algunas promocionales salía bañada en sangre) y Michael B. Jordan. Basta de palabrería y veamos de que trata Pecadores.

La trama se sitúa en Misisipi, año 1932. Los hermanos Smoke y Stack deciden abrir un bar para gente afroamericana en un antiguo granero propiedad de unos blancos. A medida que reclutan a los músicos, cocineros y demás empleados, veremos como la segregación racial los afectó a todos. Pero en plena inauguración, unos peligrosos seres de la noche se hacen presentes en el lugar.

Si, si estaban pensando en chupasangres, van bien encaminados, porque Pecadores logra mezclar, de forma magistral, la segregación racial de principio del siglo pasado, con los colmilludos en una película que pareciera ser en realidad dos historias metidas en el mismo largometraje, al más puro estilo de Del Crepúsculo al Amanecer.

Se que muchos acá se van a quejar porque bueno, pareciera que les molesta el contenido social en las películas, pero nada más lejos de la verdad, porque las pistas de lo que va a pasar, están ahí frente a nosotros. Aunque si creo que las dos horas y diez si se hacen un poquito largas. Aparte que hay una escena post crédito así que tienen que quedarse hasta el final.

Pero quitando eso, en ningún momento lo que vemos se siente aburrido. Y en gran parte es porque todo está acompañado por la banda sonora compuesta por Ludwig Emil Tomas Göransson , a quien ya pudimos escuchar en Oppenheimer, y que seguramente sabremos más de él en el futuro. Y creo que es por este motivo que Pecadores es de esas películas llamadas “para ver en cine”.

En el apartado de actuaciones, nada que decir sobre los protagonistas; sabemos que Steinfeld y Jordan son garantía en la mayoría de las ocasiones. Si hay que destacar a alguien, podría decir a Wunmi Mosaku y a Delroy Lindo en dos personajes bien diferentes, pero que son claves para la trama.

Pecadores es una buena película, extraña, pero buena. En un Hollywood que adolece de originalidad, se agradece un proyecto que intenta hacer algo diferente. Así que ya saben, si buscan algo que se salga un poco de lo convencional, lo nuevo de Ryan Coogler es una más que buena opción.



Calificación: 7.5/10

Lo mejor: la música,la mezcla de estilos.
Lo peor: se hace un poco largo