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Un musical sobre un narco que quiere cambiar de género y comenzar una vida nueva que además aborda el tema sobre la desaparición de personas por la guerra narco. ¿Algo puede salir mal con esa mezcla? Lo vemos debajo.
La historia:
Zoe Saldaña, nuestra querida Gamora, es Rita, una abogada mexicana harta de trabajar para hombres ricos que se salen con la suya, que es secuestrada por “manitas”, un jefe narco temido por todo México que le hace un pedido bastante particular, necesita que le encuentre un cirujano para hacerle un cambio de género y empezar una nueva vida como una mujer.
Ella acepta con la promesa de una pequeña fortuna y comienza su búsqueda del otro lado del mundo. Al mismo tiempo tiene que convencer a su mujer y sus hijos de mudarse a Suiza para comenzar una nueva vida después de la supuesta muerte de su padre.
Ya con su tarea concluida se muda a Londres pero se cruza con alguien que le dice que todavía su trabajo no terminó. ¿Aceptara continuar con sus tareas o será este el fin de su contrato al estilo de la mafia? Habrá que verla para enterarse.
¿Qué me gustó?
El tema es al menos diferente e interesante, me gusta que se hayan atrevido a tomar ese riesgo, lo que no quiere decir que asegure un buen resultado.
Alguno de los números musicales están muy bien, aclaro que no todos ellos, pero por lo menos dos de los números musicales, especialmente en los que participa Zoe Saldana son muy interesantes y disruptivos, especialmente por incorporar elementos urbanos .
¿Qué no me gustó?
El resto de los números musicales, muchos no llegan a ser eso sino más bien partes de la letra cantada, se ven forzados y realmente son muy raros. No se entiende bien por qué se eligió esa opción en este caso.
Para una película con tanto dialogo en español se tendrían que haber cuidado un poco más la pronunciación de los actores, algunos parecen que tomaron un cursito online dos semanas antes del rodaje y se les entiende poco de lo que dicen, incluso hacen una mezcla entre español e inglés, lo que termina atentando contra la identificación de los personajes nos distrae de la trama.
¿Aporta algo nuevo al género?
Es original para un musical incorporar la problemática del narcotráfico con la identidad de género, pero a veces cuando nadie elije tomar un camino hay algún motivo detrás.
¿A quién recomiendo ir a ver esta peli?
No es tan fácil la respuesta, calculo que si alguno de estos temas te interpela o te gustan los musicales que rompen los esquemas tradicionales quizás esta película sea para vos.
Disponible el 23 de enero en cines
Calificación: 7/10
Duración: 132 minutos
Para otras opiniones sobre cine y algún que otro cuentito seguirme en Instagram @cronicadeunavidacualquiera.
Sinopsis Durante la segunda guerra mundial, dos hermanos pequeños se ven obligados a cuidarse mutuamente después de que su madre muere. Sin hogar y sin comida, deben enfrentar la dura realidad en la que se encuentran frente al despojos de la guerra. Una historia sobre el amor, la inocencia y el dolor de las pérdidas.
Reseña La tumba de las luciérnagas es una obra maestra emblemática e importante que pertenece al Estudio de Animación Ghibli, un espacio creativo que es mega reconocido con películas clásicas como Mi vecino Totoro (una pelicula bellísima que podemos encontrar en plataformas y no deberían dejar de ver), El viaje de Chihiro y la última gran ganadora de los premios Oscars como Mejor Película de animación 2024… El niño y la garza.
La historia basada en hechos reales que fue estrenada en el año 1988, vuelve a los cines en una edición especial que vale la pena descubrir, y para la suerte de muchos… volver a apreciar en pantalla grande. Un relato crudo de los efectos desbastadores de la guerra en la humanidad, la inocencia arrancada de la niñez ante los efectos de la muerte, la hambruna y la desesperación. Y ahí, en medio del infinito dolor, el poder del verdadero amor y la resiliencia humana, que frente a las adversidades encuentran la capacidad para seguir en pie.
Una critica a las consecuencias del desamor, la avaricia, al poder desmedido y la falta absoluta de empatía en una tierra que lucha por sobrevivir a lo que sigue en pie después de tanta sangre perdida y tanto dolor acumulado. La animación es suprema bajo la dirección de Isao Takahata (he aquí un nombre que si se googlea puede apreciarse algunas maravillas animadas que supo crear en sus roles como productor, guionista y animador en varias películas, incluidas otra belleza que súper recomiendo ver El cuento de la Princesa Kaguya).
Sepan que el contenido de la peli es emocionalmente intenso, si uno espera una animación amorosa con final de rosas, no es por acá. Sin embargo la historia va a llegar profundamente a tu corazón y vas a enamorarte de sus protagonistas, lo prometo.
una aventura llena de humor, emoción y paisajes deslumbrantes.
La tercera entrega de la franquicia, Paddington en Perú, trae de vuelta al entrañable oso con la voz de Ben Whishaw, acompañado de un elenco estelar que incluye a Hugh Bonneville, Antonio Banderas, Olivia Colman y Emily Mortimer. Esta vez, la historia nos lleva al corazón del Amazonas y las majestuosas tierras peruanas en busca de respuestas sobre el origen del querido Paddington.
Descripción La trama sigue a la familia Brown mientras emprenden un viaje al Perú para buscar a la tía Lucy, quien ha desaparecido misteriosamente. A lo largo del camino, se enfrentan a desafíos, se cruzan con nuevos personajes, como el carismático y enigmático Hunter Cabot (Antonio Banderas) y su hija Gina (Carla Tous), y descubren secretos ligados a la legendaria ciudad de El Dorado. Las nuevas dinámicas familiares también toman protagonismo, con un padre en busca de cambios y una madre intentando recuperar la unidad perdida. En cuanto al diseño visual, la película abandona los ambientes cerrados característicos de las entregas anteriores para explorar la belleza natural del Perú. Locaciones como Machu Picchu y la selva amazónica aportan una profundidad visual que refuerza el sentido de aventura.
Lo que me gustó
La dirección de Dougal Wilson, quien mantiene el espíritu humorístico y entrañable de la franquicia, pero añade una dosis de emoción y aventura que refresca la narrativa. La fotografía y el diseño de producción, que capturan de manera impresionante los paisajes y las tradiciones peruanas, integrándose de manera orgánica a la historia. El desarrollo del personaje de Paddington, que sigue siendo el corazón de la saga con su bondad inquebrantable y su lealtad hacia los que ama. Las actuaciones, especialmente la de Antonio Banderas, quien aporta carisma y ambigüedad a su papel como Hunter Cabot, y Olivia Colman, quien ofrece un giro intrigante con su personaje.
Lo que no me gustó
El cambio de actriz para el papel de la madre (de Sally Hawkins a Emily Mortimer) puede sentirse algo desconectado para quienes siguen la saga desde el inicio. Algunos momentos de la trama resultan predecibles, especialmente en la resolución de ciertos conflictos. El villano, aunque divertido, cae en clichés que no aportan una amenaza realmente memorable. ¿A quién se la recomiendo?
Familias con niños pequeños, ya que ofrece una experiencia entretenida y llena de humor. Adultos que disfrutan de historias entrañables y bien ejecutadas, con un toque de nostalgia. Amantes de la naturaleza y la cultura, gracias a la representación visual del Perú. En resumen, Paddington en Perú es una digna continuación de la saga, que equilibra diversión y emoción con un mensaje sobre la familia y la pertenencia. Un viaje que, aunque no es perfecto, vale la pena vivir en la pantalla grande. Disponible en cines desde el 16 de enero.
Si los invitas a venir, después tenés que atender la llamada.
Cuando su hermana gemela muere, Darcy, una mujer ciega que aparte de su negocio de antigüedades es una médium de objetos, recibe el ojo de vidrio del supuesto asesino de su hermana. ¿Podrá averiguar lo que realmente pasó o se quedará con la duda para siempre? Lo vemos debajo.
La historia: Dani, una mujer casada está remodelando su casa en un lugar alejado, cuando es visitada por un extraño que le pide pasar porque supuestamente alguien entró antes que él. Por obvias razones ella desconfía y no lo deja pasar. Cuando el misterioso hombre finalmente se va, ella se dispone a acostarse pero se da cuenta que el extraño tenía razón. Pasa el tiempo y su hermana gemela ciega, Darcy, que es una médium de objetos recibe el ojo de vidrio del supuesto asesino de su hermana. Decide leer el objeto. Para el aniversario de la muerte de Dani, Darcy pasa a visitar al ex marido de su hermana y conoce a su nueva novia. Decide quedarse a pasar la noche, aunque los dueños de la casa no están de acuerdo, y trae un extraño baúl con ella. ¿Podrán averiguar la verdad sobre el asesinato de Dani? ¿Qué hay en ese baúl misterioso? Habrá que verla para enterarse.
¿Qué me gustó? Se toma sus tiempos para dar esos saltitos (jump scares) o sustitos que tanto le gustan a los amantes de este género, especialmente en la sala de cine. La incorporación de la lectura de objetos y otros mitos que no voy a spoilear, son elementos no tan vistos en este género, por lo menos no tan desgastados como muñecos poseídos y los fantasmas.
¿Qué no me gustó? La película es de bajo presupuesto y se nota, tiene pocos elementos, cosa que no está mal para este género, pero termina haciendo a la trama muy previsible y poco original. La revelación en la trama es poco creíbles porque no se establecen más temprano en la historia elementos que la justifiquen o al menos puedan dejar algún indicio para lo que viene después.
¿A quién recomiendo ir a ver esta peli? A los fanáticos del género que les gusta ver este tipo de pelis en el cine para tener un par de saltitos en la butaca, en ese aspecto no van a salir decepcionados.
Estreno 16 de enero en cines Calificación: 7/10 Duración: 98 minutos
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Anora es la nueva película de Sean Baker, director y guionista que nos ha da dado películas como Tangerine, The Florida Project y Red Rocket. Sus películas siempre te sumergen en historias de vidas marginales o que no son las más contadas y esta no va a ser la excepción.
Anora es una joven trabajadora sexual que se gana la vida bailando en un club nocturno de Brooklyn, Nueva York. Su vida no se ve mucho más interesante que ir de su casa al trabajo, charlar con sus compañeras y dormir en el metro. Sin embargo, una noche le piden que hable ruso (idioma que conoce por su abuela) con unos clientes y allí conoce a Ivan, un joven ruso cuyos padres son reconocidos en su país por su fortuna. Luego Ivan la invitará a su casa, le ofrecerá pasar una semana juntos y, cuando Ani (como le gusta que la llamen) cree que termina esa semana de derroche y lujuria en Las Vegas, Ivan decide proponerle casamiento. De esa manera, él no tendría que volverse a Rusia y ella podría dejar su trabajo y vivir de la fortuna de Ivan. Ani accede al casamiento, todo es felicidad pero todo lo que brilla no es oro. Los padres de Ivan envían a Toros, el tutor de Ivan junto a unos custodios a verificar si este casamiento es real y cuando lo confirman, avisan a sus progenitores quienes deciden viajar a anular el matrimonio. Lo que hasta el momento suponía una clásica historia de amor al estilo Cenicienta, se convierte en una tragicomedia, con mucho de comedia física, que en sus 138 min te lleva por todo tipo de sensaciones con un ritmo doble, pausado y vertiginoso.
Mikey Madison, quién fuera descubierta por Quentin Tarantino para su Once upon a time in Hollywood, es quien da vida a Ani y encarna uno de esos personajes que la darán a conocer por seguro. Ella brinda una interpretación cruda, verosímil y a la vez profunda y llena de matices. Ani es una chica independiente, divertida que cuando todo se pone tenso lo transforma en rudeza y determinación. Pero en algún momento todos debemos bajar y cuando Sean Baker marca ese momento redondea lo sublime de esta película.
LO QUE MÁS ME GUSTÓ: Mikey Madison crea un personaje inolvidable, conmovedor, divertido y bien elaborado. Yuri Borisov también tiene una interpretación que va de menor a mayor y logra conmover con sus gestos y muy pocas palabras.
A QUIÉN SE LA RECOMENDAS: A todo el mundo, a quién le guste ver algo no edulcorado, cargado de profundidad y tragicómico.
Parece que después de volver al futuro sólo queda estar omnipresente a través de la historia.
¿Qué pasaría si dejáramos una cámara fija en un punto del planeta y no la moviéramos de allí por siglos? Esto es la premisa que plantea esta peli. ¿Funcionará esta idea o quedará muy lindo en el papel pero en la práctica no cumple? Lo vemos debajo.
La historia: Es un verdadero desafío resumir esta película porque sencillamente cuenta la historia del mundo desde una sola locación, y ese lugar es aquí. Comenzando con los dinosaurios y llegando a la época actual. Todo por supuesto sumamente editado o nos tendríamos que quedar a vivir en el cine y no veríamos ni una ínfima parte. Para lograr esa titánica tarea el director Robert Zemeckis utiliza diversos personajes, cada uno anclado en una época específica, que van contando sus historias de forma intercalada. Claro que algunas historias tienen más tiempo en pantalla que otras, y la historia de amor que protagonizan Richard y Margaret, Tom Hanks y Robin Wright respectivamente, es la que tiene más peso. Y cuando decimos historia de amor, es literalmente la historia de su relación desde que se conocen hasta que… no les voy a spoilear. ¿Podrá esta pareja sobrevivir al paso del tiempo o todo quedará como un recuerdo? Habrá que verla para enterarse.
¿Qué me gustó? El plano fijo es original y plantea varios desafíos, algunos mejor logrados que otros, me gusta que hayan tomado ese riesgo lo que no quiere decir que todo haya salido bien. El mensaje de una vida cíclica que tiene sus dramas y también sus alegrías es lindo y gracias a la perspectiva que permite esta historia, que transcurre a través de la historia del mundo, se le da otro peso a esta idea.
¿Qué no me gustó? Como mencionábamos antes, el plano fijo es un riesgo que tomaron, y como idea está muy bien pero eso genera ciertas limitaciones, por momentos la película parece una obra de teatro, uno no siente el mismo apego por los personajes, más bien genera distancia, y esta limitación exige que todas las acciones de los personajes tengan que estar muy coreografiado de antemano y eso se nota. Además, quizás por miedo a que se convierta en una película estática y aburrida, la peli salta todo el tiempo a través de la historia, generando escenas muy cortitas y al punto, lo que no está mal en cuanto a ritmo, pero si produce falta de identificación con los personajes, y algunos de los personajes que tienen menor tiempo en pantalla terminan siendo muy estereotipados.
¿A quién recomiendo ir a ver esta peli? A todos los que disfruten de los dramas con una vuelta de tuerca, esta es la peli para ustedes. Y por supuesto a los que quieran volver a ver a nuestro querido Forest (Tom Hanks) y a Jenny (Robin Wright) reencontrándose bajo la dirección de Robert Zemekis, es una linda excusa para volver a verlos juntos.
Estreno 9 de enero en cines Calificación: 8/10 Duración: 104 minutos
Para otras opiniones sobre cine y algún que otro cuentito seguirme en Instagram @cronicadeunavidacualquiera.
Vivienne Le Coudy, una mujer tremendamente independiente, se embarca en una relación con un inmigrante danés llamado Holger Olsen. Después de conocer a Olsen en San Francisco, Vivienne accede a viajar con él a su casa, cerca del tranquilo pueblo de Elk Flats, donde comienzan una vida juntos. Sin embargo, la Guerra Civil los separa, dejando a Vivienne sola en un lugar controlado por el poderoso ranchero Alfred Jeffries y su violento y descarriado hijo, Weston.
Lo que me gustó La dirección de Mortensen es tranquila y pausada, sin prisa por contar la historia. Él prefiere tomarse su tiempo para mostrar las emociones de los personajes a través de pequeños detalles, los silencios y las miradas, en lugar de grandes escenas dramáticas. La película tiene un ritmo lento, pero eso le da una especie de magnetismo: te atrapa en su mundo y te invita a sentir lo que los personajes están atravesando. No es una película para quien busca acción o grandes giros argumentales, sino para los que disfrutan de un cine más reflexivo y emocional.
Lo que no me gustó En lo personal el genero Western siempre le siento aroma a algo viejo. No me agrada, no me interpela, si bien la peli cumple, no hay sorpresa. Parece que los mismos decorados pasan de pelicula en pelicula a lo largo de los años, y si bien seguramente no sea asi, a mi me huele a naftalina.
Odio y amo, pero ¿Por qué lo hago, te lo preguntarás? ¿Cuándo muere un imperio? ¿Es este tipo de sociedad la única disponible para nosotros? ¿Deberíamos aceptar este conflicto sin fin en el que vivimos ahora? ¿No hay tiempo para hablar del futuro de la gente? ¿La suerte ya está echada? Megalópolis y Francis Ford Coppola, una fábula gigante.
César Catilina (Adam Driver) es un polémico artista-inventor, premio Nobel por descubrir un material de construcción milagroso llamado Megalón. César tiene una misión personal, crear un futuro mejor para el ser humano frente al latente peligro del callejón sin salida que es vivir en una sociedad corrompida. En su epopeya situada en Nueva Roma, gobernada por el alcalde Franklyn Cícero (Giancarlo Esposito), ciudad que utiliza el autor como paralelismo entre Nueva York y el antiguo imperio romano, el protagonista tiene varios frentes con los que lidiar durante la búsqueda de la creación de Megalópolis, un jardín del Edén futurista que quiere construir desde la ruinas de la sociedad actual para no dejar fuera a nadie.
Un mundo torcido, que no respeta las instituciones y desdibuja sus importancias es un mundo que está en peligro de caer. Con ese plano aberrante abre su film Francis Ford Coppola, la mente maestra detrás de algunas de las mejores películas de la historia del cine que a sus 85 años vuelve a apostar todo, ya que en sus propias palabras es imposible hacer arte sin correr riesgos, para crear una película gigante y que más allá de su invaluable legado también se siente como un testamento que aborda críticamente temas como la mentira, la cancelación, la demagogia política, la acumulación capitalista, los vínculos familiares, las pérdidas y los duelos, la ambición y los delirios de grandeza, el tiempo y el arte, la vida en sociedad y los pilares fundamentales que fueron pervertidos, intentando abrir una conversación sobre el futuro repensando una y otra vez sus intereses y obsesiones.
¿Un artista puede detener el tiempo? No dejaré que el tiempo domine mis pensamientos. Cuando saltamos a lo desconocido demostramos que somos libres, César continuamente se autoconvence de eso frente al espejo. Si somos capaces de inventar dioses con un poder infinito, ¿Por qué no podemos aplicar con nuestra propia mente ese mismo poder? ¿Por qué el humano necesita crear algo gigante para demostrar ese poder?
Megalópolis es una película realmente colosal, esa es su mayor virtud pero también es su punto débil al no estar con esa misma grandeza en todos sus apartados. De ahí nacen las críticas que se le hacen al film. Sí, el CGI se ve algo dudoso e inacabado, su estética dorada no es la más agradable y el montaje no ayuda en la narrativa de la película, ya que parece que escenas enteras fueron recortadas, en especial en la segunda mitad. Tal vez el guion plagado de parlamentos y citas filosóficas tenga falencias, y no siga las recetas que se enseñan en las escuelas de cine o sea el fiel reflejo de los guiones estándar algoritmizados que la industria plantea pero con todos esos posibles defectos, quedando lejos de sus mejores films y entendiendo la obviedad que ninguna película es perfecta, esta obra sigue siendo de Francis Ford Coppola. Merece el respeto y el análisis necesario, no sólo por su nombre sino por el tamaño de la fábula que crea y los temas que lleva a la gran pantalla.
¿Qué nos quiere contar Coppola con esta fábula? ¿Cuál es su visión acerca del mundo actual y su potencial futuro? ¿Es esta película una alegoría de su vida, su visión y el futuro del cine? Al ver a César en cuadro estoy viendo a Coppola crear Megalópolis, crear tanto la ciudad como a la misma película.
No es solemne pero es inmensa. Es ególatra y megalomaníaca. No quiere asumirse así aunque lo sea. Es Coppola hablando de Coppola, de su cine, de su visión. Es Coppola poniéndose en distintos personajes y hablándose a sí mismo a través de ellos. Habrá espectadores que detesten estas conductas de parte de un autor así sólo porque hay un grueso que lo deteste, a mí realmente me encanta.
César se autofelicita por sus propias ideas y se remarca cuanto le gustan a sí mismo. «No te mires la nariz en el espejo porque ya no está donde solía estar» le dicen a César tras ser (mal) cancelado y golpeado, no es otra cosa que Coppola diciéndose, cuidado con mirarte al espejo porque podrías no ver al director que solías ser, o mejor dicho, cuidado con no ver la imagen que crearon de vos mismo.
Es una película tan grande que es difícil hacerle justicia con una breve crítica y no con el extenso análisis escena a escena que merece, pero también eso es lo bueno. Es una película que te queda en la cabeza, que realmente abre debate como su protagonista quiere hacerlo, en palabras de César, las utopías no ofrecen soluciones prefabricadas ya que no están hechas para ofrecer soluciones sino para hacer las preguntas correctas.
César enfrenta a Cícero frente a la prensa; entre las cuales está Wow Platinum (Aubrey Plaza dando una excelente interpretación). César plantea frente a todos la construcción de Megalópolis con este milagroso material que descubrió interrumpiendo al alcalde Cícero que pretende hacer de Nueva Roma un negocio con divertidos casinos «sin problemas de tiempo ni acciones sindicales». Es decir, una construcción hecha sólo para un rédito económico sin importarle la destrucción de la ciudad como bien para la sociedad. Como bien afirma Clodio (Shia LaBeouf) el excéntrico y caprichoso primo de César, que es su total opuesto, «cualquiera puede ser dueño de esta ciudad. Hay un gran cartel clavado de: ciudad en venta.»
Entre César y Cícero, hay una gran enemistad tanto por sus pasados como por la visión del futuro. El artista-inventor plantea una ciudad que inspire y con la que la gente pueda soñar con el porvenir. Mientras que el político arraigado al momento presente sólo promete el status quo actual por miedo a que la utopía construída de Megalón se transforme en una distopía. Cícero cree que César es un soñador imprudente que destruirá al mundo, antes de que pueda construir uno mejor. Entre acusaciones varias el alcalde es el primero en querer llevar esa discusión intelectual al plano de la violencia física, es ahí cuando Coppola con el lenguaje propio del cine, el montaje, utiliza el iris para acercarnos, separarnos y darnos la intimidad que una acusación y secreto como el que se revela merece, con un tratamiento sonoro que realza lo que está pasando en cuadro.
Tras el altercado entre César y Cícero nos enteramos que César y Wow Platinum son amantes, y el primer acercamiento es con una discusión donde ambos están hablando de cosas diferentes sin interesarse en lograr una conversación real, cada uno está hablando de sí mismo y sus propios intereses. Wow Platinum le miente descaradamente, le declara un verdadero amor (no tan) camuflado en una intención de ser quien deba ser con total de ocupar un espacio de poder. Ella quiere más. No importa qué sea ni lo que ya tenga, quiere más porque lo que uno tiene nunca alcanza. A lo cual Cesar le responde con el dolorde una mente corrompida, que nunca se case por amor. Wow, encuentra en la televisión, en el reflejo de sus acciones pasadas, la revelación del futuro que desea, planea conquistar al multimillonario tío de César, Hamilton Crassus III (Jon Voight).
¿Con que Coppola está viejo y ya no sabe filmar? Sólo con ver la calidad de la dirección del plano inicial en la escena que Julia (Nathalie Emmanuel) visita a César en su oficina es más que suficiente.
«¿Esto es?» Se pregunta Julia, la hija del alcalde Cícero, al ver la primera maqueta de lo que sería Megalópolis. ¿Sólo esto es? Sí, es eso. Será mucho o poco, tendrá más o menos potencial, mayor o menor profundidad según quién y cómo lo observe. Pero sí, eso que parece una puesta en escena miniatura, un juguete a medio terminar es en lo que podría convertirse el futuro, y eso es cómo ve el futuro su creador y una persona bajo su guía, incluso con los ojos cerrados.
César le pide a su mano derecha, Fundi Romaine (Laurence Fishburne), que lo lleve al purgatorio. Es decir, a ese último plano no físico donde lavar culpas antes de la trascendencia, el lugar para limpiarse de los pecados que aún quedaron sin el perdón de Dios. En ese camino hacia el purgatorio, Cesar va charlando de un interés que sigue sin descifrar, el tiempo. Julia lo persigue, mientras se cuestiona sobre el pasado de César, sobre la desaparición de su esposa, y a su vez Clodio los persigue a ambos. Los tres durante sus trayectos van obsesionados por aquello que persiguen y que no logran poseer, persiguen lo que no entienden y quieren dominar.
Cesar compra flores y se encuentra con su ex mujer en este purgatorio mientras que Julia lo espía, y cual Rebecca de Hitchcock, afirma que él todavía la ama y no la puede dejar ir. Tras esa escena Fundi Romaine relata que, tales son los misterios del corazón humano, que se hace difícil el comprender, y no hace falta aclarar nada más. La película, en especial en su primera mitad, está llena de escenas que condensan tanta verdad como belleza cinematográfica que parecen pasar inadvertidas para aquellas críticas que pasan por alto algunas secuencias para sólo enfocarse en los apartados menos logrados del film.
Pan y circo. Mientras se alce el coliseo, Roma se alzará. Cuando el coliseo caiga, Roma caerá también. Y cuando Roma caiga, el mundo caerá con ella. Este capítulo es la incomodidad que genera la inescrupulosa alta sociedad y una familia de ese tipo. Las mentiras y el aparentar, un show que sólo puede montar la cúpula del poder y el dinero. Una mención más que especial a la madre de Cesar (Talia Shire) que pese a tener poco metraje sus escenas son realmente sublimes, esas que condensan verdad como pocos momentos del film. Otra secuencia tremendamente lograda es en la reaparición de Wow Platinum para ejecutar su plan de quedarse con el banco de Crassus, donde actúa como una serpiente perspicaz y seductora para así dominar eróticamente a Clodio.
Tras liberarse de su conflicto, ahora con el amor de Julia y en la espera de una hija, César empieza a construir en medio de la decadente Nueva Roma en ruinas, su Megalópolis, algo que a simple vista no se entiende cómo es, por más que uno lo observe no logra comprender su forma al no se parecerse a lo que acostumbramos habitar.
El film es un constante diálogo de transición entre el pasado y el presente pensando en el futuro. Está llena de líneas que sostienen esta preocupación del autor.
«¿No podemos ser como éramos antes? – ¿Podemos?»
«No me preocupa mi lugar en la historia. Lo que me preocupa es el tiempo, la conciencia y el valor. ¿Y qué es el valor, sino el comienzo de una conversación vital? Necesitamos un gran debate sobre el futuro.»
Coppola cierra la película con la misma angulación que la inicia pero ahora parece que el mundo podría llegar a ordenarse si los principios de Megalópolis se cumplen. Afirma que queda tanto por hacer, por construir pero, ¿hay tiempo para hacerlo? El pasado le pide al presente que construya noblemente y este se compromete a hacerlo. El tiempo se detiene para las generaciones pasadas pero no para las venideras. Francis Ford Coppola nos dice que hasta acá llegó su obra, que es el momento para que las nuevas generaciones continúen su legado cinematográfico siendo conscientes de todo lo bueno así como de todo lo malo que nos trajo hasta hoy, para que así se pueda construir noblemente un nuevo futuro.
Calificación: 8/10 Por Julián Lloves para La Butaca Web.
DESCRIPCIÓN: Dirigida por Robert Eggers, Nosferatu es una película de terror gótico que narra la historia y relación que existe entre la joven muchacha atormentada, Ellen, y el terrorífico vampiro, el Conde Orlok, que se enamora de ella y la acosa constantemente con el fin de tenerla para sí mismo. Nuestro protagonista, Thomas, intentará todo lo posible para acabar con este ser maligno y así salvar a su esposa, y en el proceso también salvar a la ciudad, que está siendo acechada por la peste y una invasión de ratas.
LO QUE ME GUSTÓ: La fotografía, la ambientación, la actuación de los actores y actrices, la calidad del sonido. Todo esto que acabo de mencionar me parece de primer nivel, el ambiente que se genera es bastante inmersivo. Por otro lado, me gusta cómo se ven las dos realidades, la de nuestros protagonistas, quienes están directamente relacionados con el ser que trajo consigo todas desgracias y males a la ciudad y, por otro lado, la realidad de los ciudadanos en sí, que creen que simplemente es una plaga de ratas y peste. Por último, me gustó mucho la forma en que hacen sentir incómodo o desorientado al espectador a través de los sonidos y los movimientos de cámara.
LO QUE NO ME GUSTÓ: Quizás fue la sala en que vi la película, pero en algunos momentos el sonido se sentía demasiado alto, al punto de llegar a saturase incluso.
¿A QUIÉN SE LA RECOMIENDO?: La recomiendo en general, pero también es cierto que puede ser un poco fuerte para aquellas personas sensibles respecto a la sangre o escenas de violencia.
Romy es una alta ejecutiva que inicia una ardiente aventura de sexo extremo con su joven becario, Samuel (Harris Dickinson) a espaldas de su marido Jacob (Antonio Banderas). Romy invertirá su rol habitual en el trabajo, pasando de ser quien da las órdenes a disfrutar siendo sometida en la cama. Esta tórrida relación extramatrimonial le permitirá encontrar el camino hacia su libertad sexual, a pesar del riesgo y los prejuicios.
Lo que me gustó:
«Babygirl» es una película que sorprende por lo atrevida y emocionante que es. La pelicula nos lleva a explorar la vida de Romy, una mujer poderosa pero llena de contradicciones, interpretada de manera increíble por Nicole Kidman, quien se arriesga a ir un poco mas lejos en varias escenas. La historia, que trata de la relación entre Romy y su pasante (Harris Dickinson), está contada de una manera que se siente honesta y natural, sin caer en lo típico. La química entre ellos es intensa, pero siempre con un trasfondo emocional que le da más profundidad al asunto. Además, el guion toca temas como el deseo, el poder y las segundas oportunidades de una manera fresca y actual. Antonio Banderas se luce tambien, como el esposo de Romy. Es imposible no sentir compasion por el rol que le toca en esta historia, un hombre que ama pero que no logra que su pareja llegue al orgasmo. En resumen, «Babygirl» es una de esas películas que te hace pensar, sentir y cuestionar cosas sobre la vida, el amor y las decisiones que tomamos. Y con una Nicole Kidman entregándose al máximo, se convierte en un must para quienes disfrutan de historias intensas y bien hechas.
Lo que no me gustó:
El guion, aunque bien intencionado, a veces resulta demasiado predecible y no logra explorar completamente los temas que aborda, como la dinámica familiar disfuncional o la lucha por la identidad. En última instancia, Babygirl tiene potencial, pero su falta de cohesión y profundidad narrativa hace que se quede a medio camino de lo que podría haber sido una experiencia cinematográfica memorable.
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