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Sinopsis Después del final es una película ficcionada basada en la historia autobiográfica de Luz Fernández Castillo. Ella, emblema de la cultura nacional a sus casi 90 años, recién abandonada por su marido y enfrentando dificultades de salud nos lleva a desandar el camino de su propia vida. Una vida trazada y marcada a fuego por los dos grandes amores que marcaron su existencia… Jorge Luis Borges y Federico García Lorca. Legado de una mujer que cambio la visión del arte y la forma de contarlo en primera persona.
Reseña Mujer empoderada que a lo largo de su trayecto encontró en el arte la manera de extender el vínculo de amor por la lectura que su padre le lego. Una pasión que con el paso de los años se bifurco en otros espacios artísticos transformando su obra en una profunda conexión con sus raíces culturales y una exploración contante de la identidad y la memoria. Promotora de la fotografía de vanguardia y la literatura, fundo espacios culturales como ArteXArte y la editorial Luz Fernández Ediciones, que busca apoyar a nuevos talentos literarios. Vida compleja como la de los grandes artistas, derivando los muros propios y ajenos para buscar la transformación sin límite de edad, y ese es su emblema seguir trabajando, intensa y minuciosamente en su propia luz interior. La película es un profundo recorrido de su historia, a veces un poco desprolijo y con muchos comienzos que deja ganas de finales, pero siempre interesante para descubrir el camino que la trajo a este lugar. Un lugar donde no fue fácil llegar y es ella quien se encarga frente a las cámaras de contarlo, desde el humor y la simpatía que despliega en el trayecto, hasta la emoción profunda que evoca el recuerdo de su padre hay un camino sincero y noble, como su forma artística de expresarse.
Detalle El último 19 de enero falleció Héctor Bidonde, reconocido actor de larga trayectoria que en esta ocasión interpreta al marido fotógrafo de la artista, un actor completo lleno de matices interesantes siempre predispuestas al servicio de la actuación.
Lo primero y único que sabemos es que “En esta casa hay una presencia”, lo leemos en el poster, lo confirmamos con la primera escena y con la particular decisión de que toda la película está filmada desde el punto de vista del fantasma. Soderberg y Koepp, director y guionista respectivamente, no solo le dan un vuelco a la perspectiva desde donde será contada la historia sino que también escapan a la pregunta habitual de las historias fantasmagóricas, en vez de buscar que el espectador dude acerca de si en esa casa hay un fantasma desde el primer momento decide darlo por sentado y buscar que la pregunta que nos hagamos sea: ¿Cual es la razón por la que esta presencia está entre nosotros y que podemos hacer con ella?.
La pareja de Rebekah (Lucy Liu) y Chris (Chris Sullivan) deciden mudarse a una nueva casa con sus 2 hijos adolescentes, Tyler un talentoso y arrogante nadador y Chloe una joven atormentada por la reciente muerte de su mejor amiga. La hija menor de la familia será la primera en percibir que en esta casa hay algo más ahí además de ellos. A medida que avanza la película comenzaremos a preguntarnos cuáles son las intenciones de la presencia y porque elige a Chloe como su principal interlocutora.
Un aspecto que me parece importante destacar es acerca del género en el cual podemos encasillar a la película, ya que si bien es una historia de fantasmas, el tono de Presence estará más cercano al drama familiar que al terror sobrenatural, con más escenas de discusiones, peleas y enfrentamientos entre miembros de la familia que secuencias en las que predomine el suspenso y el terror que quizás esperemos de una historia de este estilo. Cabe aclarar que las escenas de terror aunque son pocas están muy bien construidas y llevadas a cabo por Soderberg que oficia tanto de director como de camarógrafo.
Si destacamos la labor del director también debemos valorar el trabajo como guionista del prolífico David Koepp, que ya había incursionado en el pasado en el subgénero de fantasma con su película Stir of Echoes de 1999 y que hoy vuelve a traernos una historia acerca de las relaciones de la familia, los traumas del pasado y las acciones que decidimos tomar o no tomar para hacer frente a los problemas. Todo esto sumado a un sumamente interesante giro final que le da un tono mucho más oscuro a esta película.
Por último, me parece remarcable el papel de Chris Sullivan como el padre de la familia Payne, oscila de gran manera entre momentos cómicos y familiares con momentos de tensión y drama que personifica de una manera contenida pero no por eso menos convincente.
Espero que puedan verla y formular sus propias opiniones sobre ella. Saludos.
La película 1978, dirigida por Nicolás y Luciano Onetti, llega a las salas con una propuesta arriesgada: la combinación del horror político y lo sobrenatural. Ambientada en la época de la dictadura cívico – militar, el film no sólo reconstruye el clima de la violencia institucional, sino que también introduce elementos de lo fantástico, el terror gótico y el cine gore.
La sinopsis nos cuenta que: “Durante la final de la Copa del Mundo entre Argentina y Holanda, en tiempos de plena dictadura militar, un grupo de torturados irrumpe violentamente en un domicilio y secuestra a un grupo de jóvenes para llevarlos a un centro clandestino de detención. Lo que comienza como un interrogatorio inhumano, se convierte en un verdadero martirio: han secuestrado al grupo de personas equivocado.” Con esto en mente, la propuesta de la película tiene que ver con desafiar las convenciones del cine de terror al combinar el horror político con elementos fantásticos. Su estética y narrativa la convierte en una obra provocadora, que no sólo revisita un episodio oscuro de la historia argentina, sino que también lo resignifica a través de los códigos del género.
Para comenzar es importante destacar que el film está dividido en dos mitades claramente diferenciadas. La primera mitad se desarrolla bajo los códigos del thriller histórico y el cine de denuncia presentando un grupo de militares y torturadores que operan dentro de un centro clandestino de detención. En esta parte, la tensión se construye a través de la recreación de interrogatorios violentos, el abuso de poder y la impunidad de los represores. Adentrándonos en la segunda mitad, ocurre un giro inesperado: las víctimas secuestradas resultan ser integrantes de una secta satánica con poderes sobrenaturales. Este cambio de registro transforma la película en un survival horror, donde los victimarios se convierten en presas de fuerzas que no pueden comprender ni controlar. La transición de lo histórico a lo fantástico es abrupta pero eficaz en su capacidad para subvertir el discurso de impunidad.
Desde el punto de vista visual, la iluminación juega un papel crucial: en la primera parte predominan las luces frías y duras que evocan el realismo de un documental, mientras que en la segunda parte los contrastes se acentúan, con luces rojizas y sombras profundas reforzando así la atmósfera sobrenatural. En el montaje también se puede observar esta dualidad. En la primera parte, los cortes de cámara son pausados, con planos largos y encuadres cerrados que enfatizan la claustrofobia y la opresión. En la segunda parte, el montaje se acelera, con un uso intensivo de planos subjetivos y movimientos de cámara bruscos.
Con respecto a la construcción del espacio, el centro clandestino de detención funciona como un espacio de horror en sí mismo. Su diseño de producción enfatiza la decadencia y la suciedad, con paredes manchadas, pasillos angostos y una iluminación parca reforzando así el sentido de desolación y creando un ambiente misterioso y dramático. En la segunda parte, el mismo espacio se transforma en un escenario de pesadilla, donde lo que antes era un sitio de control y poder para los militares, ahora se convierte en su propia trampa mortal. Las locaciones elegidas refuerzan la atmósfera opresiva de la película. La mayor parte de la acción ocurre en interiores cerrados y en condiciones de penumbra, intensificando la sensación de encierro y peligro. Además, cuando aparecen los espacios exteriores, están despojados de vida y muestran un paisaje frío y amenazante reflejando el clima político en ese momento.
El film juega con dos inversiones posibles. Por un lado, la inversión de roles entre víctimas y victimarios utilizando el terror sobrenatural como una metáfora: dándonos a entender que es imposible escapar de la historia. Los torturadores, que representan el poder represivo de la dictadura, se ven confrontados con una fuerza que los sobrepasa, sugiriendo una especie de justicia poética. Además, es relevante destacar que la elección del Mundial del ´78 como trasfondo no es casual: simboliza la distracción masiva utilizada por el gobierno militar para encubrir sus crímenes. Y, por otro lado, podemos arriesgar que la figura de la secta satánica también puede leerse como una inversión de la narrativa oficial de la dictadura, que demonizaba a los opositores políticos y los presentaba como una amenaza al “orden”. En este caso, los torturadores se enfrentan a una amenaza real que los reduce a la impotencia, revirtiendo el esquema de poder.
A pesar de algunas transiciones abruptas en su estructura, 1978 logra articular una crítica política utilizando el horror como vehículo para reflexionar sobre la memoria, la impunidad y la justicia.
El miedo a la muerte más allá de la muerte. ¿Qué nos hace humanos? ¿Hay humanidad en aquello que no lo es? ¿Incluso mayor humanidad que en los propios humanos?
El flamante cineasta Bon Joon Ho estrena película tras 6 años desde el éxito total de Parasite, en esta ocasión, Mickey 17 es un film de ciencia ficción basada en la novela Mickey 7 de Edward Ashton, donde en un futuro distópico (no tan lejano) la humanidad emprende un colonial viaje al espacio en búsqueda de un nuevo planeta habitable para nuestro futuro. Una travesía espacial donde nuestro protagonista Mickey (Robert Pattinson) tiene un rol absolutamente clave, ser un «prescindible», una persona que bajo su propia voluntad firma con una corporación para ser un empleado expuesto a riesgos de muerte, y en caso de morir pueda ser clonado en un cuerpo idéntico donde se le transfiera a su nuevo cerebro toda su memoria tras cada «resurrección». La tranquila vida de prescindible del protagonista da un completo vuelco cuando por error Mickey N°18 es clonado antes de que Mickey 17 efectivamente muera.
El director surcoreano vuelve a hacer una crítica a la sociedad tremendamente capitalista en la que vivimos y a sus megacorporaciones explotadoras, ahora también sumando en esa misma canasta de megacorpos la mezcla de cultos religiosos y líderes políticos.
Pattinson, la gran estrella de la película, vuelve a demostrar que es un actor de talla mundial y primerísimo nivel en su oficio con este papel (o papeles) que lo exige para demostrar sus recursos actorales teniendo que interpretar a dos Mickeys en simultáneo, incluso en el mismo plano. El reparto que lo acompaña también es estelar ya que como líder de la corporación sectaria está Mark Ruffalo, aunque logrado, su papel de político villano casi caricaturesco por lo exagerado está por demás subrayado. Toni Collette es la primera dama y quien controla los hilos realmente. Steven Yeun es el peor mejor amigo de Mickey, y quien mejor está en su papel entre tantos estelares es Naomi Ackie haciendo de la novia del protagonista.
Mickey 17 tiene un tono satírico que no es típico de la ciencia ficción y que funciona muy bien pero por momentos podría apreciarse repetitivo por la extensión de la película, que aunque apenas pasa los 120 minutos se podría sentir algo extenso luego de la primera hora de metraje. El film busca ser divertido y realmente lo logra. Y tal vez por esa búsqueda del entretenimiento dentro de la ciencia ficción, y por tener a Warner detrás viendo como se gastan sus millones, ha quedado algo relegada la búsqueda de Bong por exprimir el lenguaje cinematográfico como ya ha demostrado en múltiples ocasiones que puede llevar un poco más allá. Aunque sí, el film logra su principal cometido que es el entretenimiento, esta película es de Warner bajo la autoría de Bong Joon Ho haciendo que Mickey 17 se asemeje más a Snowpiercer (2013) u Okja (2017), sus obras en inglés, antes que a las obras maestras coreanas de Memories of murder (2003) o Parasite (2019).
La mezcla autoral entre lo divertido del film y su (no tan) profunda crítica social funciona muy bien. Tiene escenas divertidísimas entre las cuales hay una cena donde todo sale mal, que pareciera salir de una de Tarantino pero también tiene momentos de drama existencial que aunque sea una obra por demás dependiente de la palabra hablada, deja correctamente preguntas latentes a responder o rever las respuestas actuales. El balance es positivo. Técnicamente la película es perfecta, destacando el gran uso del CGI para crear el gélido planeta al que llegan y a las criaturas que viven allí.
La idea de la obra es magistral pero parece ser poco aprovechada, como por ejemplo la escena del trío, que luego de su resolución anticlimática podría dar la sensación de que el film decae hasta su final pese a querer hacerse más grande. En las secuencias que busca ser una película pochoclera lo hace muy bien pero cuando intenta profundizar en la mente del protagonista lo hace a medias, revela que hay algo poderoso para explorar pero lo hace sólo superficialmente, y aunque se oye la voz en off de los pensamientos de Mickey nos queda tantísimo por saber sobre él y su particular vida, por algo será que prácticamente todos le preguntan lo que queremos saber, «¿Qué se siente morir?» y «¿Qué se siente morir sabiendo que vas a resucitar?»
Dejando las expectativas fuera de la sala de cine, Mickey 17 es una recomendable película de ciencia ficción y entretenimiento que arropa una crítica social. Ojalá este film sea un escalón firme para que pronto podamos ver una nueva película de Bon Joon Ho y no nos haga esperar un lustro esta vez.
Calificación: 7.5/10 Por Julián Lloves para La Butaca Web.
Brian se pelea con un grupo de rugbiers de élite luego de sentirse humillado y queda lastimado. Decide volver a enfrentarlos, pero esta vez armado. Un film de venganza, de épica callejera, de camaradería y guerreros de barrio y a su vez es la historia de un padre que trata de rescatar a su hijo de un destino ineludible.
Lo que me gustó: La trama, aunque centrada en el deseo de venganza de Brian, trasciende el conflicto personal para explorar temas más amplios, como el honor, la lealtad y el sentido de pertenencia. El relato se mueve en un universo de guerreros de barrio, donde la camaradería se mezcla con la violencia, y cada decisión tiene un peso significativo. Vrutos captura con maestría la esencia de un ambiente marginal, en un contexto similar al de Pizza, Birra, Faso, pero con una atmósfera más sombría y peligrosa, reflejando la realidad de muchos jóvenes atrapados en un ciclo de lucha constante.
La película está rodada en el barrio de Lugano, lo que le otorga una autenticidad indiscutible, y Miguel Bou utiliza el lugar casi como un personaje más, un escenario que no solo define la historia, sino que se convierte en un reflejo de la lucha interna de los personajes. Las calles, los edificios en ruinas y los espacios cerrados contribuyen a la tensión palpable que se siente en cada escena. Fue genial ver de nuevo en pantalla a la mitad del elenco de Okupas, mi serie favorita de todos los tiempos. Diego Alonzo, Franco Tirri y Dante Mastropierro,destacan dentro de este universo marginal pero a la vez plagado de valores del bajo mundo.
Lo que no me gustó: Noté ciertos problemas en el área de sonido, que siendo una pelicula de este porte, deberian haber sido corregidos, y la actuación de Grego Barrios, si bien no está mal, no destaca como la del resto del elenco. Se lo nota un poco forzado, bien intencionado, pero no llega a generarnos empatía con el personaje que interpreta.
A veces cuando comenzás el día, nunca sabes cómo va a terminar.
En las olimpiadas de Munich de 1972, todo el equipo de transmisión deportiva de la cadena ABC se transforman en cronistas de guerra cuando un grupo terrorista secuestra a los atletas Israelíes a pocos metros de donde ellos están. ¿Lograran realizar la transmisión en vivo de estos hechos? Y lo que es más importante, ¿mantendrán su ética periodística al hacerlo?
La historia: Es otro día en la vida del personal de transmisión deportiva de ABC, que están en Alemania con motivo de las olimpiadas de Munich 72 están en el sitio realizando una transmisión sin precedentes, tanto por cuestiones técnicas como por lo que significa políticamente que semejante evento pueda realizarse en ese país ante los ojos del mundo. Todo es rutina hasta que se escuchan disparos a la distancia y comienzan a preguntarse qué está sucediendo. Rápidamente descubren que un grupo de lo que después llaman “terroristas” había secuestrado al equipo olímpico Israelí. Ante la urgencia y pese a ser un equipo que estaba allí para transmitir deportes, deciden comenzar a transmitir los sucesos aprovechando la cercanía con el lugar de los hechos y los recursos que tienen que son escasos y están limitados. ¿Lograrán el objetivo manteniendo su ética periodística o harán lo que sea para conseguir la noticia sin medir las consecuencias? Habrá que verla para enterarse.
¿Qué me gustó? Logra captar muy bien el espíritu de las transmisiones en vivo, especialmente en esa época donde la tecnología no estaba avanzada y cada pequeña cosa como poner un zócalo al pie de la pantalla tenía que hacerlo una persona físicamente. La tensión va increyendo y es palpable, pese a que prácticamente la película no sale del centro de transmisión de la ABC, donde no corre verdadero peligro la vida de nadie. Lo que si corre peligro es la integridad periodista y se plantean un montón de dilemas éticos. Las actuaciones son excelentes, cada miembro del equipo se destaca en algún momento y el elenco logra transmitir ese espíritu de equipo donde todos contribuyen para que la transmisión salga pese a todos los contratiempos. Está fecha no solamente marco un antes y un después en las olimpiadas, sino también en las transmisiones televisivas y la mirada global sobre el terrorismo y el periodismo.
¿Qué no me gustó? Algunos de los comentarios que hacen sobre lo que están viendo, no parecen orgánicos de los personajes sino más información que se quiere transmitir al espectador y no se encontró una mejor manera de mostrarla.
¿Aporta algo nuevo al género? Podríamos decir que es un thriller político basado en un hecho real, se puede comparar con Spotlight (2015) o The Post (2017) que también se desarrollan en el universo del periodismo político. Por supuesto no se puede dejar afuera la referencia de Munich (2005) que cuenta el mismo suceso y todo lo que eso desencadeno después.
¿A quién recomiendo ir a ver esta peli? A los que les gusta un buen thriller, no van a estar decepcionados, no hay mucha acción pero la tensión se va construyendo muy bien. Para los que quieren conocer la historia, esta película lo cuenta de una forma clara y lineal, incluso utiliza muchas grabaciones de la época pese a no ser un documental. También a los que les gusta ver cómo funcionaba la transmisión televisiva en esa época, la película se toma su tiempo para dar una buena impresión de cómo lo hacían.
Disponible el 27 de febrero en cines Calificación: 8/10 Duración: 95 minutos
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La celebración del reciente ascenso de Iman como juez investigador de la Corte de la Guardia Revolucionaria coincide con protestas públicas tras la muerte de una joven bajo custodia policial en Teherán. Las tensiones sociales y la dura respuesta del gobierno alteran la dinámica de su familia. Mientras Iman lidia con la carga psicológica de su trabajo, sus hijas, Rezvan y Sana, se ven impactadas por los eventos, y su esposa, Najmeh, intenta mantener unida a la familia. La situación se complica cuando Iman descubre que su arma de servicio ha desaparecido y sospecha de su propia familia. Paranoico y temeroso de perder su reputación y trabajo, inicia una investigación en su hogar que lleva a cruzar límites irreversibles.
Lo que me gustó
Me gustó lo arriesgado del director, Mohammad Rasoulof. Filmó la pelicula de manera secreta y tocando un tema que es super delicado en esa parte del mundo, el uso del velo en las mujeres. Narrada como ficción, pero intercalando escenas reales grabadas con un celular, “La semilla de la higuera sagrada” es un pelicula comprometida, dificil, que no tiene filtro a la hora de contar la verdad.
Lo que no me gustó
Las casi tres horas de duración de la peli son un verdadero calvario, se hace un embole total. Si bien tiene algunos puntos aceptables, está llena de falencias que hacen imposible disfrutarla. Desde el arranque, la introducción es interminable, con un montón de explicaciones innecesarias que no aportan nada, y lo peor es que se sienten como si te trataran de tonto, explicando todo hasta el hartazgo. La historia no sabe para dónde ir. En un momento pasa de la dramatización ficticia a metraje de archivo, pero en vez de sumar, lo único que hace es confundir y restar. Ese cambio tan brusco parece más un intento de tapar huecos, cuando lo único que logra es quitarle ritmo a lo que había hasta ese momento. Con casi 170 minutos de película, te dan ganas de tirar la toalla en cada escena. Se hace pesada, lenta, y la trama nunca termina de enganchar. Todo se siente repetitivo, sin que pase nada interesante, y no se decide por un tono narrativo claro. La película va dando vueltas sin un rumbo fijo, perdiendo la tensión que podría haber generado. Lo más frustrante es que la historia tiene todo para ser buena, con un contexto social y político iraní que podría haber dado mucho, pero en vez de aprovecharlo, la peli te lleva por un camino chato y sin sorpresas. Al principio daba la sensación de que podía mejorar, pero termina siendo un trámite aburrido y sin chispa. Al final, te quedás con la sensación de que la oportunidad de contar algo realmente potente se desaprovechó por completo.
El próximo domingo 2 de marzo es la entrega 97° de los galardones más importantes de la industria cinematográfica los esperadísimos Premios Oscars. Se transmiten en vivo y en directo por TNT, a partir de las 20 hs.
Este año un tanto polémico por la altísima cantidad de nominaciones a la controvertida Emilia Pérez, posiblemente el desacierto más grande de la terna, está rodeado de grandes propuestas que vale la pena tener en cuenta. A continuación te cuento cuales son las nominadas como Mejor Película del año y una pequeña razón para que vayas a verlas.
*Conclave: Muy buena historia, visualmente increíble. *Anora: Adrenalina pura, la mujer bonita versión 2025. *Aún estoy aquí: Basada en hechos reales, emotiva, impactante y conmovedora. *El brutalista: 3 horas y 35 minutos con una trama bien contada. *La sustancia: Intensa y original con un mensaje interesante. *Wicked: Una aventura llena de música y magia. *Un completo desconocido: Para redescubrir al gran Bob Dilan. *Duna 2: Para amantes de la Ciencia Ficción, la joya que no puede faltar. *Nickel Boys: Intensa y conmovedora. *Emilia Pérez: Controversial y diferente.
Detalle: Creo que Conclave en la gran candidata, aunque podría ganar Anora y estaríamos muy felices igual.
Ahora un repasito a las nominaciones de Mejor Actor y Actriz Protagonica *Ralph Fiennes: Conclave *Sebastián Stan: El aprendiz *Timothée Chalamet: Un completo desconocido *Colman Domingo: Sing Sing *Adrien Brody: El brutalista Detalle: Todas las apuestas van a Adrien Brody, se lo súper merece Timothée Chalamet, sería una grata sorpresa que ganará Ralph Fiennes. *Fernanda Torres: Aún estoy aquí *Demi Moore: La sustancia *Karla Sofía Gascón: Emilia Pérez *Cynthia Erivo: Wicked *Mickey Madison: Anora Detalle: Se lo súper merece Demi Moore, aunque Mikey Madison es una muy buena candidata también.
Estos son los nominados como Mejores Actor y Actriz de reparto *Guy Pearce: El Brutalista *Yura Borisov: Anora *Edward Norton: Un completo desconocido *Kieran Culkin: Un dolor real *Jeremy Strong: El aprendiz Detalle: Absolutamente Kieran Culkin, o sea… no hay probabilidades de que gané otro.
*Zoe Saldaña: Emilia Pérez *Felicity Jones: El Brutalista *Monica Barbaro: Un completo desconocido *Ariana Grande: Wicked *Isabella Rosellini: Conclave Detalle: Se lo lleva Zoe Saldaña que viene arrasando con todos los premios de cine que ya se entregaron, sería una buen sorpresa otra ganadora, todas se lo merecen cada una brillo en su papel.
Detalle final posta final… final: El Premio a Mejor Director debería ganarlo Sean Baker por Anora, por su idea disruptiva de contar las cosas. La mejor Película extranjera se lo merece Aún estoy aquí. Y por re ultimo la Mejor Película de Animación es para, muy posiblemente Robot salvaje pero que bellísima sorpresa sería que se lo lleve Flow. Recomendación básica y elemental: Si aman el cine pues… vayan al cine. Las plataformas son cómodas y practicas pero el placer de disfrutar una película en pantalla grande comiendo pochoclos no se compara con nada.
Sinopsis La familia Perez-Osos se ve obligada a dejar la comodidad de su hogar cuando un desastre natural arruina su casa y deben mudarse a una nueva ciudad en su camión de comida. Nada volverá a ser igual para todos ellos quienes juntos enfrentaran los nuevos desafíos que traen los cambios. Una encantadora historia sobre el valor de las relaciones, las tradiciones familiares y la fortaleza para superar los miedos.
Reseña Una película visualmente bella con un mensaje poderoso sobre la importancia de la unión familiar y la presencia de los amigos; nos recuerda que no importa la edad que tengas, siempre es una oportunidad para animarse a enfrentar los cambios con valentía y superar los temores. A través de sus personajes principales, la trama muestra como cada uno enfrenta sus propios miedos e inseguridades, será el apoyo y conexión con los más cercanos los que finalmente ayude a superar las barreras, dejando una lección inspiradora.
Por si esto fuera poco… la historia también nos habla del valor de lo artesanal, de lo que se puede conseguir con el trabajo, el tiempo y la experiencia. Resalta la importancia de valorar nuestras raíces y nuestra cultura por encima del comercialismo que busca ganancias inmediatas sin medir costos. OK es una peli infantil, pero podemos discutir entre los papis el excelente concepto sobre la furiosa industrialización volviendo zombis consumistas a los que forman parte de la escena, y también podríamos enamorarnos un poco más de esos detalles hermosos como el cuidado de lo que queremos, la confianza en uno mismo y la capacidad de superar nuestras limitaciones
Los dibujos y la calidad de colores son sumamente atractivos, marcado por un estilo mexicano que se aprecia en los detalles estéticos y las referencias a las comidas. Los diálogos son encantadores y transmiten un mensaje de esperanza y optimismo.
Detalle: Me encanto una escena de riesgo al ritmo de tango y las referencias a otras pelis muy pero muy conocidas. Ficha Técnica Dirección: Tania Vincent, Ricard Cussó Año/País: 2024 – Australia Duración: 84 minutos
Un musical “original” sobre la vida de Robbie Williams, que por supuesto está representado con un mono humanoide al mejor estilo “el planeta de los simios”. Por las dudas aclaro que sólo él es un simio el resto es gente normal, lo que en este mundo ficticio parece la normalidad. ¿Valdrá la pena o será sólo una monada? Lo vemos debajo.
La historia: Como ya se podrán imaginar, esta biopic sigue la vida de Robbie Williams de una forma bastante lineal. Comienza cuando él es un niño, o en este caso un mico, y no tiene muchos amigos. El momento más importante de su día es cuando ve la tele con su abuela, comiendo papa fritas y viendo a su padre cantar a duo con Frank Sinatra que estaba en la transmisión. Claramente esos momentos tan especiales marcaron su vida porque ya siendo adolescente busca la popularidad como integrante de una boy band. En el casting no se destacó particularmente hasta que le guiño el ojo al productor antes de irse y eso fue lo que, según él, lo hizo ingresar en la banda. Ya como miembro de este grupo, que las fanáticas por supuesto saben que se trata de “Take That”, llega la popularidad y con ello otros problemas como las adicciones y la lucha de egos. Todo se va contando a través de vistosos musicales con reversiones de las canciones más conocidas de Robbie cantadas por él mismo. ¿Cómo terminará la historia de este gran showman? Ya lo sabemos, pero aquí lo importante es cómo se muestra y se canta cada uno de esos hechos ya conocidos por los fans.
¿Qué me gustó? La música y la simpatía de Robbie para contar su propia historia es lo más destacable de esta peli, en conjunto con los números musicales que visualmente son realmente impactantes. La representación de los “fantasmas” que acosan a Robbie es muy interesante, cómo y cuándo van apareciendo en su vida y como él intenta resolverlo o esconderlos debajo de la alfombra.
¿Qué no me gustó? Algunas situaciones, por más que estén basadas en una historia real, no distan tanto a una típica historia de ascenso y caída genérica de una estrella de la música o del deporte. La diferencia aquí tiene que ver con el carisma de Robbie que en este caso no siempre se transmite a través del personaje animado.
¿Aporta algo nuevo al género? Podríamos definirla como un musical + biopic. Original por el uso de efectos especiales para la animación del personaje principal y el encanto de Robbie narrando lo que le fue pasando en voice over, pero en el resto de los aspectos se apega bastante a lo que habitualmente vemos en el género.
¿A quién recomiendo ir a ver esta peli? Obviamente las fanáticas y fanáticos de Robbie ya tienen la entrada comprada, la duda es si los que disfrutan de algunos de sus temas ocasionalmente tienen que hacerse cita en el cine para ver esta peli, y creo que ante todo este cantante es un gran showman y todo el que vaya va a sentirse entretenido y satisfecho con los números musicales y esta historia.
Disponible el 27 de febrero en cines Calificación: 7,5/10 Duración: 91 minutos
Para otras opiniones sobre cine y algún que otro cuentito seguirme en Instagram @cronicadeunavidacualquiera.
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