La Butaca Web. El sitio de difusión de arte y cultura de Buenos Aires y España Reseñas, noticias, críticas en video y mucho más. Visitanos en www.labutacaweb.com ó en alguna de nuestras plataformas. Contacto labutacawebar@gmail.com
Parece que después de volver al futuro sólo queda estar omnipresente a través de la historia.
¿Qué pasaría si dejáramos una cámara fija en un punto del planeta y no la moviéramos de allí por siglos? Esto es la premisa que plantea esta peli. ¿Funcionará esta idea o quedará muy lindo en el papel pero en la práctica no cumple? Lo vemos debajo.
La historia: Es un verdadero desafío resumir esta película porque sencillamente cuenta la historia del mundo desde una sola locación, y ese lugar es aquí. Comenzando con los dinosaurios y llegando a la época actual. Todo por supuesto sumamente editado o nos tendríamos que quedar a vivir en el cine y no veríamos ni una ínfima parte. Para lograr esa titánica tarea el director Robert Zemeckis utiliza diversos personajes, cada uno anclado en una época específica, que van contando sus historias de forma intercalada. Claro que algunas historias tienen más tiempo en pantalla que otras, y la historia de amor que protagonizan Richard y Margaret, Tom Hanks y Robin Wright respectivamente, es la que tiene más peso. Y cuando decimos historia de amor, es literalmente la historia de su relación desde que se conocen hasta que… no les voy a spoilear. ¿Podrá esta pareja sobrevivir al paso del tiempo o todo quedará como un recuerdo? Habrá que verla para enterarse.
¿Qué me gustó? El plano fijo es original y plantea varios desafíos, algunos mejor logrados que otros, me gusta que hayan tomado ese riesgo lo que no quiere decir que todo haya salido bien. El mensaje de una vida cíclica que tiene sus dramas y también sus alegrías es lindo y gracias a la perspectiva que permite esta historia, que transcurre a través de la historia del mundo, se le da otro peso a esta idea.
¿Qué no me gustó? Como mencionábamos antes, el plano fijo es un riesgo que tomaron, y como idea está muy bien pero eso genera ciertas limitaciones, por momentos la película parece una obra de teatro, uno no siente el mismo apego por los personajes, más bien genera distancia, y esta limitación exige que todas las acciones de los personajes tengan que estar muy coreografiado de antemano y eso se nota. Además, quizás por miedo a que se convierta en una película estática y aburrida, la peli salta todo el tiempo a través de la historia, generando escenas muy cortitas y al punto, lo que no está mal en cuanto a ritmo, pero si produce falta de identificación con los personajes, y algunos de los personajes que tienen menor tiempo en pantalla terminan siendo muy estereotipados.
¿A quién recomiendo ir a ver esta peli? A todos los que disfruten de los dramas con una vuelta de tuerca, esta es la peli para ustedes. Y por supuesto a los que quieran volver a ver a nuestro querido Forest (Tom Hanks) y a Jenny (Robin Wright) reencontrándose bajo la dirección de Robert Zemekis, es una linda excusa para volver a verlos juntos.
Estreno 9 de enero en cines Calificación: 8/10 Duración: 104 minutos
Para otras opiniones sobre cine y algún que otro cuentito seguirme en Instagram @cronicadeunavidacualquiera.
Vivienne Le Coudy, una mujer tremendamente independiente, se embarca en una relación con un inmigrante danés llamado Holger Olsen. Después de conocer a Olsen en San Francisco, Vivienne accede a viajar con él a su casa, cerca del tranquilo pueblo de Elk Flats, donde comienzan una vida juntos. Sin embargo, la Guerra Civil los separa, dejando a Vivienne sola en un lugar controlado por el poderoso ranchero Alfred Jeffries y su violento y descarriado hijo, Weston.
Lo que me gustó La dirección de Mortensen es tranquila y pausada, sin prisa por contar la historia. Él prefiere tomarse su tiempo para mostrar las emociones de los personajes a través de pequeños detalles, los silencios y las miradas, en lugar de grandes escenas dramáticas. La película tiene un ritmo lento, pero eso le da una especie de magnetismo: te atrapa en su mundo y te invita a sentir lo que los personajes están atravesando. No es una película para quien busca acción o grandes giros argumentales, sino para los que disfrutan de un cine más reflexivo y emocional.
Lo que no me gustó En lo personal el genero Western siempre le siento aroma a algo viejo. No me agrada, no me interpela, si bien la peli cumple, no hay sorpresa. Parece que los mismos decorados pasan de pelicula en pelicula a lo largo de los años, y si bien seguramente no sea asi, a mi me huele a naftalina.
Odio y amo, pero ¿Por qué lo hago, te lo preguntarás? ¿Cuándo muere un imperio? ¿Es este tipo de sociedad la única disponible para nosotros? ¿Deberíamos aceptar este conflicto sin fin en el que vivimos ahora? ¿No hay tiempo para hablar del futuro de la gente? ¿La suerte ya está echada? Megalópolis y Francis Ford Coppola, una fábula gigante.
César Catilina (Adam Driver) es un polémico artista-inventor, premio Nobel por descubrir un material de construcción milagroso llamado Megalón. César tiene una misión personal, crear un futuro mejor para el ser humano frente al latente peligro del callejón sin salida que es vivir en una sociedad corrompida. En su epopeya situada en Nueva Roma, gobernada por el alcalde Franklyn Cícero (Giancarlo Esposito), ciudad que utiliza el autor como paralelismo entre Nueva York y el antiguo imperio romano, el protagonista tiene varios frentes con los que lidiar durante la búsqueda de la creación de Megalópolis, un jardín del Edén futurista que quiere construir desde la ruinas de la sociedad actual para no dejar fuera a nadie.
Un mundo torcido, que no respeta las instituciones y desdibuja sus importancias es un mundo que está en peligro de caer. Con ese plano aberrante abre su film Francis Ford Coppola, la mente maestra detrás de algunas de las mejores películas de la historia del cine que a sus 85 años vuelve a apostar todo, ya que en sus propias palabras es imposible hacer arte sin correr riesgos, para crear una película gigante y que más allá de su invaluable legado también se siente como un testamento que aborda críticamente temas como la mentira, la cancelación, la demagogia política, la acumulación capitalista, los vínculos familiares, las pérdidas y los duelos, la ambición y los delirios de grandeza, el tiempo y el arte, la vida en sociedad y los pilares fundamentales que fueron pervertidos, intentando abrir una conversación sobre el futuro repensando una y otra vez sus intereses y obsesiones.
¿Un artista puede detener el tiempo? No dejaré que el tiempo domine mis pensamientos. Cuando saltamos a lo desconocido demostramos que somos libres, César continuamente se autoconvence de eso frente al espejo. Si somos capaces de inventar dioses con un poder infinito, ¿Por qué no podemos aplicar con nuestra propia mente ese mismo poder? ¿Por qué el humano necesita crear algo gigante para demostrar ese poder?
Megalópolis es una película realmente colosal, esa es su mayor virtud pero también es su punto débil al no estar con esa misma grandeza en todos sus apartados. De ahí nacen las críticas que se le hacen al film. Sí, el CGI se ve algo dudoso e inacabado, su estética dorada no es la más agradable y el montaje no ayuda en la narrativa de la película, ya que parece que escenas enteras fueron recortadas, en especial en la segunda mitad. Tal vez el guion plagado de parlamentos y citas filosóficas tenga falencias, y no siga las recetas que se enseñan en las escuelas de cine o sea el fiel reflejo de los guiones estándar algoritmizados que la industria plantea pero con todos esos posibles defectos, quedando lejos de sus mejores films y entendiendo la obviedad que ninguna película es perfecta, esta obra sigue siendo de Francis Ford Coppola. Merece el respeto y el análisis necesario, no sólo por su nombre sino por el tamaño de la fábula que crea y los temas que lleva a la gran pantalla.
¿Qué nos quiere contar Coppola con esta fábula? ¿Cuál es su visión acerca del mundo actual y su potencial futuro? ¿Es esta película una alegoría de su vida, su visión y el futuro del cine? Al ver a César en cuadro estoy viendo a Coppola crear Megalópolis, crear tanto la ciudad como a la misma película.
No es solemne pero es inmensa. Es ególatra y megalomaníaca. No quiere asumirse así aunque lo sea. Es Coppola hablando de Coppola, de su cine, de su visión. Es Coppola poniéndose en distintos personajes y hablándose a sí mismo a través de ellos. Habrá espectadores que detesten estas conductas de parte de un autor así sólo porque hay un grueso que lo deteste, a mí realmente me encanta.
César se autofelicita por sus propias ideas y se remarca cuanto le gustan a sí mismo. «No te mires la nariz en el espejo porque ya no está donde solía estar» le dicen a César tras ser (mal) cancelado y golpeado, no es otra cosa que Coppola diciéndose, cuidado con mirarte al espejo porque podrías no ver al director que solías ser, o mejor dicho, cuidado con no ver la imagen que crearon de vos mismo.
Es una película tan grande que es difícil hacerle justicia con una breve crítica y no con el extenso análisis escena a escena que merece, pero también eso es lo bueno. Es una película que te queda en la cabeza, que realmente abre debate como su protagonista quiere hacerlo, en palabras de César, las utopías no ofrecen soluciones prefabricadas ya que no están hechas para ofrecer soluciones sino para hacer las preguntas correctas.
César enfrenta a Cícero frente a la prensa; entre las cuales está Wow Platinum (Aubrey Plaza dando una excelente interpretación). César plantea frente a todos la construcción de Megalópolis con este milagroso material que descubrió interrumpiendo al alcalde Cícero que pretende hacer de Nueva Roma un negocio con divertidos casinos «sin problemas de tiempo ni acciones sindicales». Es decir, una construcción hecha sólo para un rédito económico sin importarle la destrucción de la ciudad como bien para la sociedad. Como bien afirma Clodio (Shia LaBeouf) el excéntrico y caprichoso primo de César, que es su total opuesto, «cualquiera puede ser dueño de esta ciudad. Hay un gran cartel clavado de: ciudad en venta.»
Entre César y Cícero, hay una gran enemistad tanto por sus pasados como por la visión del futuro. El artista-inventor plantea una ciudad que inspire y con la que la gente pueda soñar con el porvenir. Mientras que el político arraigado al momento presente sólo promete el status quo actual por miedo a que la utopía construída de Megalón se transforme en una distopía. Cícero cree que César es un soñador imprudente que destruirá al mundo, antes de que pueda construir uno mejor. Entre acusaciones varias el alcalde es el primero en querer llevar esa discusión intelectual al plano de la violencia física, es ahí cuando Coppola con el lenguaje propio del cine, el montaje, utiliza el iris para acercarnos, separarnos y darnos la intimidad que una acusación y secreto como el que se revela merece, con un tratamiento sonoro que realza lo que está pasando en cuadro.
Tras el altercado entre César y Cícero nos enteramos que César y Wow Platinum son amantes, y el primer acercamiento es con una discusión donde ambos están hablando de cosas diferentes sin interesarse en lograr una conversación real, cada uno está hablando de sí mismo y sus propios intereses. Wow Platinum le miente descaradamente, le declara un verdadero amor (no tan) camuflado en una intención de ser quien deba ser con total de ocupar un espacio de poder. Ella quiere más. No importa qué sea ni lo que ya tenga, quiere más porque lo que uno tiene nunca alcanza. A lo cual Cesar le responde con el dolorde una mente corrompida, que nunca se case por amor. Wow, encuentra en la televisión, en el reflejo de sus acciones pasadas, la revelación del futuro que desea, planea conquistar al multimillonario tío de César, Hamilton Crassus III (Jon Voight).
¿Con que Coppola está viejo y ya no sabe filmar? Sólo con ver la calidad de la dirección del plano inicial en la escena que Julia (Nathalie Emmanuel) visita a César en su oficina es más que suficiente.
«¿Esto es?» Se pregunta Julia, la hija del alcalde Cícero, al ver la primera maqueta de lo que sería Megalópolis. ¿Sólo esto es? Sí, es eso. Será mucho o poco, tendrá más o menos potencial, mayor o menor profundidad según quién y cómo lo observe. Pero sí, eso que parece una puesta en escena miniatura, un juguete a medio terminar es en lo que podría convertirse el futuro, y eso es cómo ve el futuro su creador y una persona bajo su guía, incluso con los ojos cerrados.
César le pide a su mano derecha, Fundi Romaine (Laurence Fishburne), que lo lleve al purgatorio. Es decir, a ese último plano no físico donde lavar culpas antes de la trascendencia, el lugar para limpiarse de los pecados que aún quedaron sin el perdón de Dios. En ese camino hacia el purgatorio, Cesar va charlando de un interés que sigue sin descifrar, el tiempo. Julia lo persigue, mientras se cuestiona sobre el pasado de César, sobre la desaparición de su esposa, y a su vez Clodio los persigue a ambos. Los tres durante sus trayectos van obsesionados por aquello que persiguen y que no logran poseer, persiguen lo que no entienden y quieren dominar.
Cesar compra flores y se encuentra con su ex mujer en este purgatorio mientras que Julia lo espía, y cual Rebecca de Hitchcock, afirma que él todavía la ama y no la puede dejar ir. Tras esa escena Fundi Romaine relata que, tales son los misterios del corazón humano, que se hace difícil el comprender, y no hace falta aclarar nada más. La película, en especial en su primera mitad, está llena de escenas que condensan tanta verdad como belleza cinematográfica que parecen pasar inadvertidas para aquellas críticas que pasan por alto algunas secuencias para sólo enfocarse en los apartados menos logrados del film.
Pan y circo. Mientras se alce el coliseo, Roma se alzará. Cuando el coliseo caiga, Roma caerá también. Y cuando Roma caiga, el mundo caerá con ella. Este capítulo es la incomodidad que genera la inescrupulosa alta sociedad y una familia de ese tipo. Las mentiras y el aparentar, un show que sólo puede montar la cúpula del poder y el dinero. Una mención más que especial a la madre de Cesar (Talia Shire) que pese a tener poco metraje sus escenas son realmente sublimes, esas que condensan verdad como pocos momentos del film. Otra secuencia tremendamente lograda es en la reaparición de Wow Platinum para ejecutar su plan de quedarse con el banco de Crassus, donde actúa como una serpiente perspicaz y seductora para así dominar eróticamente a Clodio.
Tras liberarse de su conflicto, ahora con el amor de Julia y en la espera de una hija, César empieza a construir en medio de la decadente Nueva Roma en ruinas, su Megalópolis, algo que a simple vista no se entiende cómo es, por más que uno lo observe no logra comprender su forma al no se parecerse a lo que acostumbramos habitar.
El film es un constante diálogo de transición entre el pasado y el presente pensando en el futuro. Está llena de líneas que sostienen esta preocupación del autor.
«¿No podemos ser como éramos antes? – ¿Podemos?»
«No me preocupa mi lugar en la historia. Lo que me preocupa es el tiempo, la conciencia y el valor. ¿Y qué es el valor, sino el comienzo de una conversación vital? Necesitamos un gran debate sobre el futuro.»
Coppola cierra la película con la misma angulación que la inicia pero ahora parece que el mundo podría llegar a ordenarse si los principios de Megalópolis se cumplen. Afirma que queda tanto por hacer, por construir pero, ¿hay tiempo para hacerlo? El pasado le pide al presente que construya noblemente y este se compromete a hacerlo. El tiempo se detiene para las generaciones pasadas pero no para las venideras. Francis Ford Coppola nos dice que hasta acá llegó su obra, que es el momento para que las nuevas generaciones continúen su legado cinematográfico siendo conscientes de todo lo bueno así como de todo lo malo que nos trajo hasta hoy, para que así se pueda construir noblemente un nuevo futuro.
Calificación: 8/10 Por Julián Lloves para La Butaca Web.
DESCRIPCIÓN: Dirigida por Robert Eggers, Nosferatu es una película de terror gótico que narra la historia y relación que existe entre la joven muchacha atormentada, Ellen, y el terrorífico vampiro, el Conde Orlok, que se enamora de ella y la acosa constantemente con el fin de tenerla para sí mismo. Nuestro protagonista, Thomas, intentará todo lo posible para acabar con este ser maligno y así salvar a su esposa, y en el proceso también salvar a la ciudad, que está siendo acechada por la peste y una invasión de ratas.
LO QUE ME GUSTÓ: La fotografía, la ambientación, la actuación de los actores y actrices, la calidad del sonido. Todo esto que acabo de mencionar me parece de primer nivel, el ambiente que se genera es bastante inmersivo. Por otro lado, me gusta cómo se ven las dos realidades, la de nuestros protagonistas, quienes están directamente relacionados con el ser que trajo consigo todas desgracias y males a la ciudad y, por otro lado, la realidad de los ciudadanos en sí, que creen que simplemente es una plaga de ratas y peste. Por último, me gustó mucho la forma en que hacen sentir incómodo o desorientado al espectador a través de los sonidos y los movimientos de cámara.
LO QUE NO ME GUSTÓ: Quizás fue la sala en que vi la película, pero en algunos momentos el sonido se sentía demasiado alto, al punto de llegar a saturase incluso.
¿A QUIÉN SE LA RECOMIENDO?: La recomiendo en general, pero también es cierto que puede ser un poco fuerte para aquellas personas sensibles respecto a la sangre o escenas de violencia.
Romy es una alta ejecutiva que inicia una ardiente aventura de sexo extremo con su joven becario, Samuel (Harris Dickinson) a espaldas de su marido Jacob (Antonio Banderas). Romy invertirá su rol habitual en el trabajo, pasando de ser quien da las órdenes a disfrutar siendo sometida en la cama. Esta tórrida relación extramatrimonial le permitirá encontrar el camino hacia su libertad sexual, a pesar del riesgo y los prejuicios.
Lo que me gustó:
«Babygirl» es una película que sorprende por lo atrevida y emocionante que es. La pelicula nos lleva a explorar la vida de Romy, una mujer poderosa pero llena de contradicciones, interpretada de manera increíble por Nicole Kidman, quien se arriesga a ir un poco mas lejos en varias escenas. La historia, que trata de la relación entre Romy y su pasante (Harris Dickinson), está contada de una manera que se siente honesta y natural, sin caer en lo típico. La química entre ellos es intensa, pero siempre con un trasfondo emocional que le da más profundidad al asunto. Además, el guion toca temas como el deseo, el poder y las segundas oportunidades de una manera fresca y actual. Antonio Banderas se luce tambien, como el esposo de Romy. Es imposible no sentir compasion por el rol que le toca en esta historia, un hombre que ama pero que no logra que su pareja llegue al orgasmo. En resumen, «Babygirl» es una de esas películas que te hace pensar, sentir y cuestionar cosas sobre la vida, el amor y las decisiones que tomamos. Y con una Nicole Kidman entregándose al máximo, se convierte en un must para quienes disfrutan de historias intensas y bien hechas.
Lo que no me gustó:
El guion, aunque bien intencionado, a veces resulta demasiado predecible y no logra explorar completamente los temas que aborda, como la dinámica familiar disfuncional o la lucha por la identidad. En última instancia, Babygirl tiene potencial, pero su falta de cohesión y profundidad narrativa hace que se quede a medio camino de lo que podría haber sido una experiencia cinematográfica memorable.
SInopsis Varias familias de diferentes generaciones vistas en una única habitación del hogar que formaron. Una historia de amor, pérdida, risas y vida, desde un pasado muy remoto hasta un futuro próximo. Un viaje a lo largo de cientos de miles de años que transcurre, de principio a fin, en un solo lugar: aquí.
Lo que me gustó Zemeckis, conocido por contar historias complejas con un corazón humano (Forrest Gump, Náufrago), logra nuevamente una dirección impecable. En Here, explora la conexión emocional con un único espacio físico a lo largo de siglos. Su enfoque visual, combinado con efectos especiales sutiles pero impactantes, transforma cada rincón de la habitación en un testimonio de amor, pérdida y esperanza. Uno de los aspectos más destacados de Here es su estructura narrativa única, que entrelaza múltiples líneas de tiempo sin perder coherencia. Cada salto temporal está cargado de significado, y los momentos cotidianos, aparentemente simples, se convierten en poderosos hilos que conectan generaciones. La banda sonora, a cargo de Alan Silvestri, complementa perfectamente la atmósfera, añadiendo una capa extra de emoción. En esencia, Here no es solo una película; es una meditación sobre lo que significa existir y pertenecer. Con actuaciones inolvidables, una dirección visionaria y un guion que captura la esencia de lo humano, esta obra tiene todo para convertirse en un clásico moderno. Una experiencia imperdible .
Lo que no me gustó Las peliculas filmadas en una sola locación suelen ser un poco tediosas y Here, no es la excepcion, me encantaria ver un poco mas de esa casa, de esos espacios, que nuestros personajes habitan tambien. Si bien Tom Hanks le imprime comedia a casi todo lo que hace, en esta oportunidad, para mi gusto, le faltó humor. Y los efectos especiales… el tamaño de la cabeza de Tom Hanks al principio, tiene un tamaño exagerado en las primeras escenas, donde con FX intentaron recrear un Tom Hanks de 18 años sin lograrlo. El drama familiar central resulta débil y con pocos matices dramáticos mientras que los vistazos al pasado con los demás habitantes y al futuro quedan como solo una anécdota. Algunas escenas en ese encuadre son atractivas , Zemeckis utiliza los efectos visuales además para rejuvenecer a sus actores cuyo resultado es atroz de mirar, Hanks ni siquiera se esfuerza en actuar un personaje, se trata de él mismo y esto contrasta con el excelente desempeño de Wright, su personaje es lo único interesante. “Here” es un experimento fallido viniendo de un director que buscaba innovar, pero algo sucedió tras “Forrest Gump” y su formalidad que le vino a afectar considerablemente.
Si nunca viste Forrest Gump te va a conmover, pero es basicamente el mismo tono . El final, la cámara moviéndose por fin para darnos un plano exterior aparte de cursi es un auto homenaje: quiten la pluma deambulando y ahora es un colibrí.
Más grande, más espectacular y con un Jim Carrey brillante
Por Jhon Wolf
Descripción La tercera entrega del famoso erizo azul de Sega regresa con una apuesta clara: más acción, más humor y un despliegue visual que supera a sus predecesoras. En esta ocasión, Sonic forma un vínculo más estrecho con Tails y Knuckles, mientras enfrenta al icónico Shadow, quien llega para complicar las cosas. Además, el Doctor Robotnik, interpretado nuevamente por Jim Carrey, se roba el show con una actuación que le permite explorar nuevas facetas. Dirigida por Jeff Fowler, la película mantiene el tono familiar y accesible de la saga, pero con algunos giros que le dan mayor identidad. No busca revolucionar el cine, pero sí entregar un producto entretenido y espectacular para las fiestas.
Lo que me gustó Jim Carrey brilla una vez más como Robotnik. Su carisma y energía elevan la película, añadiendo momentos memorables que combinan humor y excentricidad. También destaca la dinámica entre Sonic, Tails y Knuckles, que resulta más desarrollada y emocional, aportando mayor corazón a la historia. El enfrentamiento con Shadow introduce un componente épico que ayuda a mantener la atención del espectador, además de que el diseño visual y las secuencias de acción son impresionantes, demostrando una clara inversión en efectos especiales.
Lo que no me gustó La trama, aunque funcional, sigue siendo predecible y carece de profundidad. El humor, que era uno de los puntos fuertes de las entregas anteriores, tiene menos presencia, algo que quizá no complazca a quienes esperaban más comedia. Los personajes humanos secundarios continúan siendo poco relevantes y su aporte a la historia es mínimo. Además, aunque el enfrentamiento final tiene un mayor componente dramático, la resolución es bastante obvia y sigue un esquema ya conocido en la saga.
¿A quién recomiendo la película? Esta película es perfecta para quienes disfrutaron las dos entregas anteriores o para aquellos que buscan una opción ligera y entretenida para toda la familia. Es ideal para niños y fans de Sonic, quienes reconocerán muchos guiños al material original. Los admiradores de Jim Carrey también encontrarán en esta entrega una razón suficiente para verla, ya que su actuación sigue siendo uno de los mayores atractivos. Si simplemente buscas una producción espectacular y divertida para pasar un buen rato en estas fiestas, Sonic 3: La película es una elección segura. No cambiará tu vida, pero cumplirá con el objetivo de entretenerte y mantenerte enganchado durante sus dos horas de duración. Puntuación 8/10
La película que es precuela y secuela del live action del 2019 con Barry Jenkins como director, llega a los cines. En el 30° aniversario de El rey león, Mufasa funciona contando la historia del león que llegó a rey en flashbacks y también muestra cómo es la vida de Simba y los suyos en la actualidad. Así es como Nala está por dar a luz y Simba va a su encuentro por lo que Kiara, su pequeña hija queda al cuidado de Rafiki, Timón y Pumba. Cuando se desata una tormenta y Kiara se asusta, Rafiki comienza a contarle cómo un pequeño Mufasa se perdió en una inundación y quedó completamente solo. Un cachorro llamado Taka lo encuentra y él y su madre lo llevarán a su manada donde crecerá pero siempre añorará a su familia de sangre.
La película también nos ofrece algo de musical, con canciones de Lin-Manuel Miranda que ofrecen entretenimiento pero no logran ser tan icónicas como las composiciones originales de Elton John y Tim Rice. Si bien no funciona como remake como el live action del 2019, la narrativa se vuelve monótona en sus 2 horas de duración. Lo que más nos importa es conocer la historia de Mufasa y sus orígenes pero se entremezclan con subtramas innecesarias que le quitan fluidez a la historia.
La animación está muy bien lograda, incluso mejorada en comparación con el live action anterior y los animales se sienten más naturales. Las escenas de acción están en cada detalle pero eso muchas veces entorpece seguir el hilo de la trama. Mufasa es una película entretenida, para ver en familia. La amistad, la identidad y la lealtad siguen siendo los valores que pregona El rey león.
LO QUE ME GUSTÓ: Conocer la historia detrás de los hermanos Mufasa y Scar, Timón y Pumba. Las escenas de acción y donde podemos ver la gran sabana africana.
LO QUE NO ME GUSTÓ: La película se torna larga, algunas escenas entorpecen y desorientan de la trama original.
A QUIEN SE LA RECOMENDAS: Todo a quien le guste Disney y El rey león querrá saber esta parte de la historia.
Una fábula épica romana ambientada en una América moderna imaginada. La ciudad de Nueva Roma debe cambiar, lo que provoca un conflicto entre César Catilina, un genio artista que busca saltar hacia un futuro utópico e idealista, y su opositor, el alcalde Franklyn Cicero, que sigue comprometido con un statu quo regresivo, perpetuando la codicia, los intereses particulares y la guerra partidista. Dividida entre ellos está la socialité Julia Cicero, la hija del alcalde, cuyo amor por César ha dividido su lealtad, obligándola a descubrir lo que realmente cree que la humanidad merece.
LO QUE ME GUSTÓ Visualmente, Megalopolis es un espectáculo. Coppola combina lo mejor de la tecnología moderna con su inconfundible estilo clásico, creando una ciudad que parece sacada de un sueño (o una pesadilla, dependiendo de cómo la mires). La mezcla de arquitectura futurista y ecos del pasado es simplemente hipnotizante. El elenco es otro de sus puntos fuertes, contando con un grupo de renombrados actores que incluyen a Adam Driver (Star Wars: El Despertar de la Fuerza), Aubrey Plaza (Parks and Recreation, The White Lotus), Nathalie Emmanuel (Juego de Tronos), Forest Whitaker (La habitación del pánico), Laurence Fishburne (Matrix), Jon Voight (Vaquero de Medianoche), Talia Shire (Rocky) y Shia LaBeouf (Transformers). Si este es el adiós de Coppola, no podría haber elegido un mejor cierre. Megalopolis es su legado, una obra que celebra la ambición y el poder del cine como arte.
LO QUE NO ME GUSTÓ Quizás el mayor problema de Megalopolis es su propia ambición. En su intento por ser un proyecto monumental y trascendental, se siente dispersa, como si Coppola quisiera abarcar demasiados temas sin profundizar realmente en ninguno. La película aspira a ser el testamento artístico de un maestro, pero termina siendo una obra que se ahoga en su propia grandilocuencia.
En resumen, Megalopolis es una obra que, aunque merece crédito por su valentía y ambición, falla en ser la culminación épica que podría haber sido. Para los fanáticos de Coppola, puede ser una curiosidad interesante, pero para el público general, es un recordatorio de que incluso los más grandes pueden tropezar.
Octavio, un guía de caza del Sur argentino, lucha desesperadamente para esclarecer la muerte de su sobrina Sofia (14), descubierta con un disparo en el coto de caza donde trabaja. La tragedia ocurre tras una noche fría y enigmática: mientras Octavio y Klaus, el poderoso terrateniente que es como un padre para él, comparten copas junto al fuego, tres adolescentes –Sofia, Julio y Max– se adentran en el bosque situado dentro del coto. Un disparo irrumpe en la oscuridad, desatando un enigma que sacude a todo el pueblo. Entre silencios, tensiones y el peso de la influencia de Klaus, Octavio se verá obligado a desentrañar qué ocurrió realmente esa noche entre muchos posibles culpables y así confrontar una verdad que amenaza con cambiarlo todo para siempre.
Lo que me gustó:
Una muerte silenciosa es de esas películas que te atrapan desde el minuto uno y no te sueltan hasta el final. Con Joaquín Furriel, Soledad Villamil y Alejandro Awada como protagonistas, la película logra algo que pocas veces se ve: un thriller psicológico que tiene tanto suspenso como profundidad emocional. Lo primero que viene a la mente mientras la ves es Río Místico. La comparación es inevitable porque ambas historias te sumergen en un drama oscuro lleno de secretos entre amigos y culpas del pasado. Pero Una muerte silenciosa tiene su propia identidad. A diferencia de la obra de Clint Eastwood, acá el enfoque es más íntimo, casi claustrofóbico, con un uso del silencio y las miradas que te pone los pelos de punta. Joaquín Furriel se luce en un papel que le queda como anillo al dedo. Su personaje lleva el peso de los dilemas morales, y cada gesto suyo dice más que mil palabras. Soledad Villamil, como siempre, aporta una intensidad emocional que le da mucha vida a la historia, mientras que Alejandro Awada tiene una presencia escalofriante, perfecta para el tono oscuro de la película. La dirección de Mateo Bendesky es uno de los puntos fuertes. No hay explosiones ni giros forzados, pero cada plano está cargado de tensión. Es el tipo de película donde sentís que algo va a explotar en cualquier momento- Si te gustó Río Místico, esta es una de esas joyas que no te podés perder. Una muerte silenciosa tiene esa misma combinación de misterio y drama humano, pero con un toque más introspectivo que la hace especial. Un thriller argentino que demuestra que acá también sabemos hacer cine de nivel mundial.
Lo que no me gustó:
La película tiene una atmósfera inquietante y un elenco sólido, con Furriel y Villamil liderando con interpretaciones cargadas de tensión y matices. Sin embargo, a pesar de las grandes actuaciones, la trama parece avanzar demasiado lentamente en algunos momentos, lo que puede hacer que la experiencia pierda fuerza.
Calificación: 8/10
El estilo visual y el manejo del suspenso recuerdan a grandes películas como Río Místico, pero carece del impacto emocional y narrativo que hizo de aquella un clásico. Si bien se siente esa influencia, Una muerte silenciosa no logra salir completamente de la sombra de sus referentes.
La Butaca Web 