Crítica: La nostalgia del centauro

Por Sebastián Sabio

No apta para todo público…

Este no es un film narrativo, no tiene una secuencia cronológica de eventos (no sucede “B” a causa de A) sino que muestra la vida rutinaria de una pareja que vive en el campo.

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Aclaro que no es apta para tobo publico debido a que no es del tipo de película que disfrutan las masas sino que apunta a un pequeño segmento de personas que disfrutan este tipo de arte. Incluso eso es algo que se puede adivinar al ver que se va a proyectar en el Malba.

En el film se ven personas reales viviendo sus vidas, alejados de la ciudad y del mundo moderno. Lo interesante de ver esto es entender el dia a dia de un mundo muy alejado al nuestro pero a la vez cercano geograficamente (sucede en Tucuman).

Algo a destacar es el trabajo de arte y fotografia. La pelicula esta llena de encuadres y tomas realmente bellas.

Calificacion: 7/10

FICHA TÉCNICA:

Dirección: Nicolás Torchinsky
Fotografía: Baltasar Torcasso
Dirección de Montaje: Ana Poliak
Montaje: Ana Poliak y Nicolás Torchinsky
Dirección de sonido: Sofía Straface y Sebastian Gonzalez
Música: Pablo Butelman
Asistente de Dirección: Ignacio Maggi
Jefa de producción: Malena Kremenchuzky
Producción Ejecutiva: Victoria Gómez Acuña
Producción: Nicolás Torchinsky
Compañía Productora: Cabeza Negra Cine, Zebra Films, Puente Films, Mercurio, Milkwood, Universidad del Cine, El Cono del Silencio.

Producción Ejecutiva: Victoria Gómez Acuña
Producción: Nicolás Torchinsky
Origen: Argentina
Año: 2017
Duración: 70′

Intérpretes:
Alba Rosa Diaz y Juan Armando Soria

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Crítica: Nace una estrella

ESPECIAL NOMINADAS AL OSCAR.

A STAR IS BORN (Nace una estrella) dirigida por Bradley Cooper.  Protagonizado por Bradley Cooper, Lady Gaga, Sam Elliott. Guión adaptado por Cooper, Will Fetters y Eric Roth. / Género: romance, drama y musical / Estrenada en Argentina: 11 de Octubre de 2018 / NOMINADA A 10 PREMIOS DE LA ACADEMIA Crítica: CJ COLANTONIO.

Esta es la tercera adaptación cinematográfica de “Nace una estrella” (A Star Is Born), la primera fue estrenada en 1937 y relataba el camino de una actriz, no de una cantante como en esta versión.  Luego hubo una con Judy Garland como protagonista y la anterior a esta -dirigida por George Cukor hace cuarenta años- en donde Barbra Streisand hizo el papel que hoy interpreta Lady Gaga y donde Bradely Cooper hace el personaje de Kris Kristofferson.

Inicialmente era Clint Eastwood quien iba a dirigirla con Beyoncé en el papel de la cantante y luego de muchos imprevistos cayó en manos de quien había sido su actor en American Sniper (Francotirador) y que le da la posibilidad a Cooper de volver a un lugar de confusión y dolor interno que tenía ese papel y donde la Academia le vuelve a prestar atención.

Mi crítica podría ser hacia el personaje antagónico, quien parece la víbora que contamina cualquier triunfo y que su desarrollo termina por ser una caricatura.  Por otro lado, el avance vertiginoso del triunfo, deja de lado la importancia del camino. A favor, la música y lo que como actores logran juntos. Una salida romántica asegurada.

Por cierto, la historia cuenta como Jackson Maine (Cooper), un músico country adicto al alcohol y las drogas, descubre a una joven cantante llamada Ally (Gaga) y trata de mostrar su talento al mundo.

Calificación: 7/10.

Crítica de cine : Anoche

El martes 29 de enero, en el cine Gaumont,  fue la avant premiere de la película Anoche, bajo la consigna Nuncaes tarde para arruinarlo todo. Una deliciosa comedia con las actuaciones de Gimena Accardi, Benjamín Rojas, Diego Velázquez y Valeria Lois

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La trama es divertida, ahonda en las relaciones humanas, en aquello que no tenemos y deseamos con intensidad pero que al conseguirlo no resulta como esperábamos o cuan poco sinceros somos con nosotros mismos y con el entorno.

La historia empieza con Pily, encarnada por Gimena Accardi, en pijama, en la cocina, hablando por celular con su mamá, en la voz de Mirta Busnelli. Mientras charla con su madre, come compulsivamente. Con ese indicio, sabemos que Pily está en problemas. Cuando se despide de su madre, llega de improvisto su novio, encarnado por el actor Benjamín Rojas. Una noche de soledad se transforma en una noche intensa, porque casi en el mismo momento, sin invitación previa, arriba al departamento la actriz Valeria Lois, quien interpreta a Emma, su hermana. La definiría como una hermana intensa que sigue enganchada con su ex marido.

En el guión es interesante cómo se enfatiza en el perfil psicológico de los personajes. Dos hermanas sufriendo tensión pero haciéndole frente a las balas, de distinto modo; Pily, introvertida, y Emma, en cambio, extremadamente extrovertida. No vamos a contar mucho más, pero la comedia logra el climax cuando en esa noche toca el timbre un cuarto personaje en discordia: el actor DiegoVelázquez, interpretando al ex cuñado, quien también trae sus mambos.

Con estos cuatro personajes en escena, la guionista Paula Manzone explota la capacidad del elenco para lograr una excelente atmósfera de comedia, una dirección con un profesional manejo de la cámara, a la cabeza del binomio Paula Manzone y Nicanor Loreti.

Al finalizar el film, se pasa el backstage con algunos bloopers, donde no cabe duda que el rodaje transcurrió en un ambiente agradable y jovial. De esta manera se reafirma la teoría que para  lograr una buena puesta depende del clima amable del equipo durante la filmación.

Una película para reír, donde Anoche no es lo mismo que hoy, donde los conflictos salen a flote, los trapitos se ventilan a la luz de la luna y el amor lo supera o no.

Calificación 9/10

Diana Decunto para La Butaca Web
consignas.de.radio@gmail.com

Crítica: Como entrenar a tu dragón 3

COMO ENTRENAR A TU DRAGÓN 3 (How to train your dragon: The Hidden World) escrita y dirigida por Dean DeBlois, adaptación libre de los libros Cressida Cowell.  Con las voces de Cate Blanchett, Gerard Butler, Jonah Hill, entre otros. Producida por DreamWorks Animation y distribuida por Universal Pictures. / Estreno en Argentina: 31.01.2019 / Crítica: CJ COLANTONIO.

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Esta tercera parte de “Cómo entrenar a tu dragón” es una maravilla de animación; cascadas, rocas, nubes… todo como si pareciera que son los personajes animados quienes están interactuando con los escenarios reales y no los personajes reales, actores, con efectos de animación como suele suceder siempre.

Esto, que pareciera algo menor para reflexionar, es lo que esta película se diferencia de las demás sin la necesidad de golpes bajos -convengamos que varios hemos llorado en historias animadas- por el contrario, se las ingenia para otorgar diversión, profundidad y valores que rodean la trama por sobre todo lo demás, y crean en nuestro inconsciente un realidad en donde empatizar.  Sino fíjense, el protagonista es un hábil dibujante que dibuja lo más irreal que podría tener la película, dragones; algo que justamente -en esta tercera parte- hace la diferencia al poner sobre la mesa algo tan simple como “lo que no vemos, no quiere decir que no exista, posiblemente no estemos preparados para ver”.

Seguramente lo más importante son las enseñanzas que deja esta película que supone el fin de la trilogía, las que son mejores que las que te pueda entregar Disney, sin lugar a dudas.  Ya sea la amistad sin egoísmos, la responsabilidad, el creer en uno mismo, el arriesgarse, el saber soltar. Una propuesta a la altura para ver en familia.

Calificación: 7/10.

Crítica: El hombre que mató a Don Quijote

Por Agustín Villegas

17 años y un documental después…

¡Terry Gilliam lo logro! Tras un exceso contratiempos finalmente pudimos ver la nueva película de el ex Monty Python, una película que ya considerabamos maldita por la cantidad de trabas que tuvo en su historial. Los problemas que rodearon la producción fueron tantos que los directores Keith Fulton y Louis Pepe estrenaron en 2002 un aclamado documental armado con material del making off que estaban haciendo en el primer intento frustrado de rodar el film. En un principio Johnny Depp, Jean Rochefort y Vanessa Paradis iban a protagonizar el proyecto narrado por Jeff Bridges, pero tras cancelarse Gilliam estuvo por años renovando el cast y, convirtiendose en un ejemplo de la frase hecha “persevera y triunfaras”, el alocado director logro estrenar la esperada revisión del clásico literario de Cervantes.

El increíble Adam Driver interpreta a Toby, un prometedor cineasta con una personalidad cínica y pedante. Cuando el rodaje de su nueva y enorme película se ve afectado por miles de inconvenientes el personaje decide ir al pueblo en donde filmo la película independiente de DON QUIJOTE DE LA MANCHA que lo catapulto a la fama en su juventud. En el lugar se da cuenta que, desde su partida, la vida de los pueblerinos cambio para siempre, acá nos presentan a Javier (Jonathan Pryce), un zapatero que, despues de interpretar a Quijote en el proyecto de graduación de Toby, se convenció de que el es EL CABALLERO DE LA TRISTE FIGURA creado por Miguel De Cervantes.

La película cuenta con el inevitable surrealismo de Terry Gilliam pero tratado de una forma mucho más sutil que la mayoría de proyectos del director. La historia se torna atemporal por momentos, pasamos de ver la España del siglo XXI a la España del siglo IIXX para luego fusionar ambos tiempos en una explosión visual que aprovecha a mil por ciento las locaciones seleccionadas para el rodaje. Lo genial del estilo de Terry Gilliam es que los personajes se dejan llevar por los eventos lisergicos de la narrativa de sus películas, nadie hace más preguntas de las necesarias generando una sensación de inmersión que te deja atrapado en esos mundos por un buen rato luego de terminar de terminar la cinta.

Los personajes son auténticos y muy bien actuados. El personaje de Driver es natural y real, su cantidad de defectos y sus actitudes cuestionables lo hacen ser un elemento PERFECTO de contraste con el conflicto. El Quijote interpretado por Pryce es la joya de la corona de la película, un personaje encantador que hace una dupla cómica ideal con Toby, a quien lo confunde con su fiel escudero Sancho Panza. Ésto fue una de las decisiones más creativas que se tuvo para la idea, el guión no se distrae con respecto a quien es el protagonista, nunca nos permiten olvidar que el viaje que transitamos es el de este joven cineasta, por lo que convertirlo en el escudero de un hombre que, si bien CREE que es el Don Quijote, captura la escencia melancolica, valiente y demente del protagonista del libro original con una certeza inigualable y simbólicamente leal al material original. Los guionistas no se privaron de hacer metahumor con respecto a lo jodido que fue llevar a cabo la película, hay una subtrama discreta y atrapante dedicada a esta cuestión.

La pregunta central de la review es ¿valió la pena la espera? … como fan de la obra de Cervantes la verdad que me sentí satisfecho. Espero que “EL HOMBRE QUE MATO AL DON QUIJOTE” llegue a cines, es una película digna de verse más de una vez para absorber con totalidad el mensaje que intenta transmitir.

Crítica: Como entrenar a tu dragón 3

Por Daniel Alvarez

Luego de las primeras dos entregas de Como entrenar a tu dragón, esta saga se ha convertido en una de las franquicias más importantes para el estudio Dreamworks Animation. La realidad es que estos films estaban pensado tanto para el público adulto, gracias a la profundidad y emotividad que denotaba su argumento, y a su vez era muy entretenida para toda la familia. Esta última entrega es el cierre que la historia necesitaba, aunque lamentablemente su argumento es tratado de una forma muy superficial, descuidando tramas y personajes. Pero tampoco se asusten, sigue siendo un film bastante entretenido para todos.

Esta historia ocurre tiempo después de los hechos del segundo film, donde Hipo ha tomado el mando de aquella civilización de Vikingos, y su dragón chimuelo, se ha convertido en el alfa, logrando mantener el orden entre todos los dragones rescatados. La ambición humana sigue siendo un peligro para estos seres voladores, y el pueblo de Berk cuenta con demasiados de ellos para poder protegerlos a todos, todo esto se dificulta ante la aparición de un cazador indomable que complicará las cosas. A su vez también tenemos la aparición de un dragón hembra de la misma especie que chimuelo, donde obviamente este simpático ser volador se enamora. La trama en general está bastante bien , el tema central de buscar una solución para encontrar la paz entre los dragones y los humanos es lo que justifica este cierre de la historia, aunque lamentablemente no se encuentra muy bien desarrollado. La película le da demasiado protagonismo a la trama amorosa de chimuelo, que obviamente es muy tierna y dará muchas risas en el camino, pero no llega a complementarse con la trama principal. A su vez también tenemos personajes que quedaron muy descuidados, y van por el lado femenino, tanto por el papel que cumplía la madre de Hipo al ser una protectora de dragones, como Astrid, cuyo mayor conflicto, es ver si se quiere casar o no con el líder de los Vikingos. A pesar de todo , el film logra cerrar de una manera digna y con la dosis de emotividad que ha caracterizado a cada una de las entregas.

El trabajo de animación es cada vez más detallado y fino, con un diseño artístico que sorprende a través de sus coloridos paisajes y la conjunción con la variedad de las especies de dragones. El apartado técnico es lo que mejor se ha trabajado, y que junto a una hipnótica banda sonora, permite al público alucinar con cada detalle, colores y personajes que aparecen en la película.

En cuanto a las voces, hemos tenido la oportunidad de ver el film en su versión original con subtítulos, y podemos destacar el trabajo actoral en cuanto al doblaje de los personajes. Entre los actores principales que forman parte del reparto, tenemos a Jay Baruchel como Hipo, América Ferrera como Astrid, Cate Blanchett como Valka. También están las participaciones de Kit Harrington, Jonah Hill, entre otros.

Como entrenar a tu dragón 3 es una película que si bien no le da un cierre por todo lo alto a esta conmovedora saga, logra otorgarle un final digno con la emotividad y el entretenimiento necesario. A pesar de ser algo predecible , y descuidada en el desarrollo de algunos personajes, el film es entretenido tanto para grandes y chicos, cerrando está historia con puro amor y amistad.

Calificación 6.5/10

Crítica: Green Book

GREEN BOOK: UNA AMISTAD SIN FRONTERAS – Dirigida por Peter Farrelly – Guión de Nick Vallelonga, Peter Farrelly y Brian Hayes Currie – ESTRENO Argentina: 14 de FEBRERO / Crítica: CJ COLANTONIO.

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Uno de los hermanos Farelly, los recordarán por “Loco por Mary”, “Tonto y retonto”, y una veintena de películas de comedia donde los personajes solían caminar por la cornisa, es el director de esta película y co-guionista, lo que supone un antes un después en su carrera como realizador.

Con un Viggo Mortensen que por fin le ha llegado un papel para lucirse -desde su transformación física, como de su acento al hablar- y con Mahershala Ali, quien el año pasado fuese ganador del Oscar por Moonligth y quien ya se ha hecho -por este papel- de un globo de Oro, su tercer premio del “Sindicato de actores” (SAG) y está nominado a los Oscar de manera consecutiva, crean un dupla con un aire a “Conduciendo a Miss Daisy” que te convencerá desde donde lo mires.

Green Book -o Libro Verde del automovilista negro- era una guía escrita por un cartero -Victor Hugo Green- que tuvo su primera versión en el año 1936 y era una recopilación de todos los restaurantes, hoteles o estaciones de servicio -en todo Estados Unidos- en donde aceptaban clientes afroamericanos, con la idea de hacerles los viajes más fáciles y cómodos.

En esta película, basada en hechos reales y co-escrita por uno de los hijos del protagonista –que además aparece en el film- es acerca de la amistad que nace en ocho semanas de viaje en auto entre el virtuoso pianista afro-estadounidense Don Shirley y un patovica italo-americano Tony Vallelonga (alguien que con el tiempo participó en películas de Coppola, Scorsesse y reconocido por su papel como el jefe mafioso Carmine Lupertazzi en la serie televisiva “Los Soprano”; y que como maître del Club Copacabana y supervisor, se codeó con gente famosa de la talla de Frank Sinatra, Tony Bennett, Dean Martin, entre otros).  Tony es contratado como chofer y guardaespaldas durante una gira por el sur de los Estados Unidos en 1962, en una época dominada por el racismo.

Calificación: 9/10.

Crítica: La Boda, de Stephan Streker

LA BODA (Noces) Escrita y dirigida por Stephan Streker (Bélgica) – ESTRENO en Argentina: 14 de Febrero por Mirada Distribution / Crítica: CJ COLANTONIO.

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Cuanto menos sepan de esta película, mejor.  No lean comentarios, no busquen en internet… Lamentablemente algunas publicaciones no pueden hablar sólo del contexto y terminan por arruinar la sorpresa que este tipo de películas posee per se.  Acostumbrate a no ver trailers, te aseguro que disfrutarás más de las películas.

En correlación a ello, lo único más importante que te puedo decir es que el asunto aquí, es la enorme creación de un protagónico femenino que parece destinado a revelarse contra los mandatos y costumbres del origen de su familia.  

Ella es Zahira, una joven belga-paquistaní de 18 años, quien tiene una buena relación familiar hasta que sus padres le piden que siga la tradición paquistaní para elegir un marido.  Ahí es donde los miembros de su familia se convierten en sus carceleros, y más allá del amor, están todos separados. Sin duda, algo sutil que tiene que ver en “cómo los individuos son el escenario de poderosas luchas morales en nuestra sociedad”, aún hoy.

La crítica social también es hacia la ignorancia “del bien” que tiene todo aquel que no entiende el respeto por las costumbres y la enorme deshonra que esto podría suponer para la vida de una familia donde los mandatos lo son todo.

Calificación: 7/10.

Festivales y Premios: NOMINADA a 5 Premios César (Incluyendo Mejor Película Extranjera) / GANADORA de 2 Premios Magritte Awards / NOMINADA a 6 Premios Magritte Awards / Nominada Mejor Película Extranjera en Lumiere Awards / Competencia Derechos Humanos en el Festival de Estambul / Mejor Director en el Festival de Rotterdam.

Crítica: El tío, de Eugenia Sueiro

Por Sebastián Sabio

Una pelicula “dulce” sobre la familia.

Esta historia tiene como protagonista a un personaje poco común, un tio. La película se trata de un hombre que, tras la muerte de su hermano, busca cumplir el sueño de su sobrina (hija de este hermano) de viajar a Disney, lo cual es difícil debiso a la situación económica de la familia.

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El film esta repleto de ternura e inocencia infantil. Muestra la facilidad que tienen los chicos con ilusionarse con las promesas que les hacen los adultos y nos invita a pensar sobre la forma en la que los padres se comunican con los adultos y el efecto que sus palabras tienen.

El personaje del tio (interpretado por Cesar Bordon) esta muy bien logrado. Se lo puede ver inocente, vulnerable, afectuoso (a su manera) muy tierno logrando asi que el espectador se “enamore” de él.

Otro personaje muy destacable es el de la cuniada (interpretado por Vanesa Maja). Este personaje es mucho mas duro y fuerte, busca imponerse consantemente pero también cuenta con un costado dulce y soniador. El perfercto contraste que generan estos dos personajes es sumamente interesante y atractivo de ver.

Un aditivo particular que tiene esta película es el uso de animación. Por momentos se cuenta la historia a través de dibujos infantiles, un “toque” original que combina perfectamente con la historia.

Calificación: 8/10

Crítica: La Favorita

LA FAVORITA (The Favourite) película biográfica dirigida por Yorgos Lanthimos y escrita por Deborah Davis y Tony McNamara.  Protagonizada por Emma Stone, Rachel Weisz, Olivia Colman. – Estreno en Argentina: 07/02/2018 – Crítica: CJ COLANTONIO.

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Deborah Davis y Tony McNamara supieron dotar de ironía una versión libre de hechos históricos a un relato que no creo que ningún otro director podría haber llevado a cabo sin la mirada de Yorgos Lanthimos –realizado griego, interesado en la psicología humana- y quien hace rato hace migas con actores de Hollywood.

La película se centra en la disputa de dos primas por ser “la favorita” de Ana de Gran Bretaña, la última soberana de la Casa de los Estuardo, y durante su reinado con treinta y siete (37) años, y entre 1707-1714.  Un duelo interpretativo de tres generaciones diferentes, y retrato realista de la relación de dependencia emocional que la Reina padecía y cómo esa fragilidad mental ponían en peligro decisiones manipuladas por estas, sobre cuestiones como la guerra contra Francia o la subida de impuestos a los terratenientes; y con el consecuente enfado de la Corte y los políticos.

A saber.  La reina, estuvo embarazada en 18 ocasiones, pero ninguno de sus hijos vivió más de 11 años.  Sufrió varios abortos, algunos de sus bebés nacieron ya muertos. Esta tragedia difícilmente soportable para ningún ser humano alteró su salud mental, con problemas de bulimia, anorexia, sobrepeso y algunas crónicas de la época señalan que gota, debido a una dieta descontrolada con la que intentaba aplacar su desgarro interior. En su necesidad de amor, atención y compañía, la Reina, que subió al trono con 37 años, estableció una relación obsesiva con Sarah Churchill (Duquesa de Marlborough).

La naturaleza real de la relación entre Sarah y la reina Ana no está documentada históricamente -no se sabe con exactitud si llegó alguna vez al plano sexual- pero marcó sus vidas para siempre. 

Un detalle histórico.  La célebre canción “Mambrú se fue a la guerra” se refiere al esposo de la Duquesa de Marlborough, en una deformación de su apellido, el general que lideró la guerra contra los franceses.

Calificación: 9/10.