Crítica: La casa de Wannsee

Por Marina Biondi

Poli Martínez Kaplun nos presenta su segunda película documental llamada “La casa de Wannsee”. Durante todo el film la directora se adentra a una historia familiar desconocida para ella y de la que todos parecen querer olvidar. Desde siempre supo que los orígenes de su familia se radicaban en el judaísmo pero ella jamás se identificó como judía. Su familia no practicaba la religión y su educación tampoco correspondía a una familia judía tradicional ni mucho menos; fue con la sorprendente celebración del Bar Mitzva de su hijo que ella se dispone a indagar en sus orígenes y en su historia familiar. A través de maravillosos registros fotográficos y fílmicos característicos de su familia, logra reconstruir su historia y su propia identidad viajando en el tiempo y espacio, reedificando acontecimientos históricos, familiares y redescubriendo paisajes maravillosos que no solo contribuyen a la reconstrucción de sucesos familiares, sino también a su propia historia e identidad.

Poli va adentrándose a su historia familiar al mismo tiempo que lo hace el espectador, entrevistando a sus familiares, dejando en evidencia como la misma historia varía e impacta de diferente forma en cada uno, pero siempre dirigiéndose a un mismo camino en común. El documental emociona, impacta e invita al espectador a querer saber más sobre su propia historia, ya que evidencia que nada es casual y que, en parte, todos somos consecuencia de experiencias y sucesos heredados.
La casa de Wannsee es la casa de su historia y la de sus antepasados, una casa que a pesar de los daños y de los años sigue en pie reflejando que la familia y la identidad son más fuertes que cualquier suceso o situación.

Calificación: 9/10

Anuncios

Crítica: El rey león

Por Macarena Maidana
Si de live actions hablamos, Disney tiene bastantes de un tiempo a esta parte. Quizás no sean su fuerte en cuanto a agradar al público adulto, pero a los que repetimos los diálogos de principio a fin es un cariño al alma enorme. El Rey León (The Lion King,2019) regresa a las salas de cine de una manera casi controversial.


Aunque, más que live action es remake en CGI del clásico animado que se estrenó allá por 1994 ;¿Innecesario ? Puede ser, pero que sigue causando el mismo impacto, hay que reconocerlo. Esta vez dirigida por Jon Favreau, quien estuvo al mando de El Libro de la Selva ( The Jungle Book, 2016) , y escrita por Jeff Nathanson. Para la banda de sonido, regresa el ganador del oscar de la primer versión, Hanz Simmer sin perder absolutamente nada de su talento. La música es una pieza casi fundamental en los clásicos de Disney, y por supuesto el Rey León es de las más icónicas.
Para aquellos que no recuerdan la sinopsis o,simplemente no la vieron: Simba, un cachorro de león, es el heredero al trono en la sabana africana. Su padre, el Rey Mufasa, de quien aprende todo lo que necesita saber para enfrentar su destino. Pero cuando el malvado tío Scar causa una tragedia para apoderarse del reino, Simba termina en el exilio. Ahora, con la ayuda de 2 curiosos amigos, Simba iniciará el camino de regreso a casa y reclamará el trono que le pertenece.-
Esta remake tiene algo seductor que , por lo menos a mi , me atrajo desde un principio y es el reparto de voces que van desde Donald Glover, Seth Rogen, Chiwetel Ejiofor, James Earl Jones hasta la mismísima Beyoncé Knowles. Con un despliegue visual demencial, digno de pagar la entrada al cine más cercano y con mejor sala (si el bolsillo lo permite), El Rey León es una copia más del Clásico que está cumpliendo 25 años , pero no deja de ser una joya para nuestros ojos.

Calificación 7.5/10

Crítica: Ricordi?

Elogio del amor.

 

Por Rodrigo F Ruiz

img_20190704_0140371874687408566795104.jpg

 

El cine, desde sus inicios ha demostrado su capacidad para narrar el pasado, el presente y el futuro.  Esta manipulación temporal evidencia o al menos cuestiona la verdad del relato, al poner en primer plano el tratamiento subjetivo del tiempo. Ricordi? , de Valeriano Mieli, es un relato sobre la subjetividad, sobre el recuerdo y como este se transforma, en el recorrido de una relación amorosa.  Lo que en la literatura se vuelve forzado, en la pintura y la fotografía extremadamente críptico, en el cine es casi su materia prima, su capacidad máxima. Las imágenes y sonidos provenientes de la mente de los protagonistas del filme, sus recuerdos y sus deseos nos configuran un relato que funciona como una multiplicación de espejos, donde el reflejo al transformarse constantemente alude al incesante transformar y re armar de la mente, de los vínculos, de la vida.

 

En Ricordi? se narran los pormenores de una relación amorosa. Pensemos cómo narrar el amor; en una relación se comparten recuerdos construidos, elaborados, idealizados. La construcción de un pasado y un futuro en común, el tener un testigo de la vida del otro. El amor, en muchos casos consta de compartir el ser con otra persona, abrirse al mundo. Este film lo construye a través de la manipulación temporal, vemos el pasado, el presente de los dos protagonista, hay saltos temporales constantes, prácticamente de plano a plano, lo cual da una profundidad y una forma de narrar contemporaneamente bella. Quizá tan bella como intrigante o bella justamente porque la intriga se construye mediante esta pregunta de lo idealizado y de lo bello y como eso se marchita o mejor decir se renueva para representar y para poder presentar.

 

El film trata esta tensión constante entre el pasado y el presente, el pasado entrando en tensión con el presente, transformándolo. Es que somos nuestro pasado, pero nuestro pasado es subjetivo y se transforma con cada acción del presente; esto busca representar el film, y lo trabaja sobre algo que el amor o las relaciones amorosas nos fuerzan a enfrentar y es pasar desde la idealización completa a la realidad. El recuerdo idealizado, o  peor petrificado se transforma indefectiblemente con el paso del tiempo y del amor. El recuerdo traumático pasa a poder ser sobrellevado, tamizado , por la complejidad de la vida, complejidad en el sentido de la variante. Aquí se nos muestra dos formas de transformación del recuerdo desde la desidealización en el caso de la protagonista hasta, el dejar de ver todo negro en el pasado departe de el protagonista. El autor, expone esta hipótesis sobre el amor, donde al compartir esta experiencia aprenden a matizar la vida. Así el arte cinematográfico exhibe todos sus trucos, desde el trabajo con el color, que nos permite establecer que tipo de recuerdo expectamos, hasta el puro trabajo de punto de vista de cámara, donde revivimos una misma situación desde la mirada o el tamiz de otro personaje, o del mismo pero con una visión diferente de lo sucedido. La mayor virtud en el film es también su defecto, en la constante manipulación del espacio / tiempo en el film muchas veces no queda aire, justamente se fuerzan ciertas situaciones y al recurrir siempre al artificio se esquiva la crudeza. En este gesto podríamos decir, inquieto del director, hay una falta de sutilezas y una dirección demasiado incisiva sobre el adónde mirar.

  

Como dije al principio esta forma de narración es la que hace propio al cine, es una forma que despega todas sus facultades. Ricordi se enfrenta tanto con su forma, como con su tema frente a dos cuestiones universales, eternamente tratadas y sale airosa, extremando en la forma y profundizando en el tema logra desde sus minutos iniciales meternos en la particularidad de su tiempo narrativo, y una intensa identificación con sus protagonistas. Este tipo de films muestra  cómo a estos 100 años de cine, el autor puede darse grandes libertades a sabiendas que cualquier espectador podrá seguirlo. Ricordi resulta una película atrayente y recomendable, y una muestra que siempre hay una nueva forma de volver a tratar los temas de siempre. Porque el amor y el tiempo no son solo la materia prima del cine, sino de la vida.

 

CALIFICACIÓN: 7.5 / 10

 

Título original: Ricordi?

Estreno: 04.07.2019

Clasificación: Apta para mayores de 16 años

Actores: Luca Marinelli, Linda Caridi, Giovanni Anzaldo, Camilla Diana

Director: Valerio Mieli

Guionistas: Valerio Mieli

Director de fotografía: Daria D`Antonio

Montaje: Desideria Rayner

Producción: Angelo Barbagallo

 

Ricordi? fue estrenada, en nuestro país, en el marco del “La semana de Cine Italiano”. A partir de el primer fin de semana de Julio puede verse en el BAMA y en el Village Recoleta.   

 

rfraudiovisual@gmail.com

Crítica: Cara Sucia

por Ignacio Festa

“¿Como vamos a hacer? Somos niños”,  le dice Mariel al mono Vivaldi. Este dibujo animado, que habla gracias a la voz de el negro Rada, le dijo a ella y a sus amigos que son ellos quienes tienen que luchar con la empresaria que quiere destruir la selva. Increíblemente, la magia de la naturaleza le permitirá a estos chicos que viven una pequeña ciudad del noroeste argentino entorpecer los planes de una empresa multinacional.

IMG_20190708_171159.jpg

Cara Sucia, con la magia de naturaleza es la nueva película de Gastón Gularte. El film cuenta la historia de Mariel, una chica que vive en la provincia de Misiones, en un localidad cercana a las cataratas. Ella y sus amigos tiene mucha preocupación por cuidar a los animales del lugar y la naturaleza. Después que su papá pierde su trabajo talando árboles, ella y sus compañeros de escuela reciben la visita del mono Vivaldi. Una empresa dirigida por una malvada ingeniera se acaba de instalar en el lugar con el fin de destruir la selva y se ha ganado el agrado de los adultos haciéndoles regalos para que apoyen el proyecto de la compañía. Por este motivo, el mono les dice que son ellos quienes deben luchar por salvar la naturaleza, que con su magia les permitirá a los chicos transformarse en dibujos animados y tener superpoderes.

 

“Los niños somos el presente señor. El presente y el futuro”, le dice Mariel al comandante del ejército que ha ido a secuestrar a la malvada empresaria. La película transmite como mensaje la capacidad de los chicos de dejar de lado el dinero para hacer valoraciones y defender lo que para ellos es importante. El problema es que la trama se plantea de una manera poco realista y los personajes, en particular el de la antagonista, están demasiado exacerbados. El desenlace de la historia conduce a que los adultos recapacitan sobre su actitud de respaldar a la empresaria y terminan ayudando a los chicos para derrotarla.

 

Cara Sucia, con la fuerza de la naturaleza es una película que fracasa por su falta de innovación. El papel de los personajes está propuesto sin ningún aporte creativo y transmite un mensaje poco realista. Lo único destacable del largometraje es que incorpora imágenes de la selva misionera y a animales autóctonos como algunos de los personajes animados. La trama se basa en el reiterativo argumento de que los buenos triunfan sobre los malos.

 

Calificación 3/10

Crítica: Spider-Man Lejos de casa

Por Macarena Maidana

Spiderman: Lejos de Casa (Spider-Man: Far From Home, 2019) es la tan esperada secuela de Spiderman: De Regreso a Casa (Spider-Man: Homecoming, 2017). Jon Watts vuelve a ser el director así como el guión otra vez está co-escrito por Chris McKenna y Erik Sommers. Tom Holland vuelve a ponerse el traje arácnido;y junto a él también regresan los personajes interpretados por Jacob Batalon, Zendaya, Jon Favreau, Marisa Tomei, Tony Revolori, Angourie Rice, Martin Starr, entre otros. Samuel L. Jackson y Cobie Smulders, también están presentes como Nick Fury y Maria Hill respectivamente; y a este gran cast llegó el increíble Jake Gyllenhaal como el nuevo villano: Mysterio.

La película retoma luego de lo sucedido en Avengers: Endgame, Peter Parker (Tom Holland) debe lidiar con la tristeza de haber perdido a su héroe y mentor, mientras carga una pesada mochila, la que conocemos como “herencia”. Intenta despejarse aprovechando una excursión escolar a Europa, con la intención de hacer cosas respectivas a la edad que tiene y llevar a cabo su plan de conquistar a MJ (Zendaya).
Pero, por supuesto, la tranquilidad no existe en el vocabulario de un superheroe. En Venecia, Peter y sus amigos serán testigos del ataque de un villano compuesto de agua. Poco después de dicha catástrofe, Nick Fury contacta a Peter (Samuel L. Jackson), por lo que pronto conocerá a Quentin Beck (Jake Gyllenhaal ), un superhéroe que viene de otra dimensión (explicando como funciona el multiverso) en donde los Elementales (fuerzas del mal en forma de fuego, tierra, agua y aire) mataron a su familia. De esta manera, Peter Parker no tarda en unirse con Quentin para que Italia no sea un desastre .

El fin de la Fase 3 dentro del Universo Cinematográfico de Marvel, Spiderman: Lejos de Casa llega a la cartelera siendo una agradable secuela. Y lo hace fiel al estilo Marvel,con la cuota justa de comedia y acción, el amigable Hombre Araña logra ser mucho mejor que su predecesora.
Aunque la trama puede volverse un poco previsible para los que conocemos los cómics o a los que les dio curiosidad el papel de Gyllenhaal como para googlear que traje se calzaría, el desarrollo, tanto de, los personajes nuevos como los que ya conocemos esta muy bien adaptado y no deja nada sin explicar.

El lado más adolescente de Peter Parker está súper bien tratado, Tom Holland retruca (una vez más) por qué es el perfecto Hombre Araña. El guión hace un destacado trabajo al relucir lo que realmente es: un chico de 16 años bajo muchísima presión por aceptar el lugar que no le corresponde e intentar ser quien no es.

Por suerte para nosotros, el villano que construye Jake Gyllenhaal es impecable, logra que todos nos lanzemos de cabeza a su Quentin Beck. Hasta me animo a decir que se ubica en el top tres de villanos dentro del MCU.
Y si hablo de un gran desarrollo de personajes, es el momento de Zendaya, la joven se encuentra en un excelente camino actoral y nos regala una genuina y muy querible MJ. (Face it, haters) .

Spiderman: Lejos de Casa es el claro ejemplo que a las segundas partes del amigable vecino, siempre hay que darles una oportunidad. Con una montaña rusa de situaciones que van desde el romance hasta el típico autodescubrimiento heroico, es una espectacular adaptación del gran Hombre Araña.

Por último, pero nunca está demás aclarar, la cinta cuenta con dos escenas post créditos, y si, ambas valen la pena.

Crítica de Tr3sh: la concha de su madre

Por Bruno Glas

Cinepunk is not dead

El cine de terror argentino en clave más trash corre muchas veces el riesgo de que su espíritu de bizarrez por la bizarrez misma haga que las películas no puedan ser tomadas muy en serio.

Tr3sh, tercera parte de la trilogía cinepunk de la productora Sarna integrada por Trash (2010), y Trash dos: las tetas de Ana L. (2010), se hace cargo de esto desde el principio. Una voz en off aclara que “el que hace esto una o dos veces, es un hijo de puta o un enfermo. ¿Pero, tres veces? ¡Eso ya es una tomadura de pelo!”Esas palabras resultan lo bastante claras para entenderse como una declaración de principios hecha y derecha: con la autoconciencia de saberse lo más trash y bizarros posibles, el director Alejo Rébora y su equipo técnico utilizan todo el arsenal posible (léase: drogas, zoofilia, rituales, mafiosos, gore, escatología y un largo etcétera) con la humilde intención de divertirnos durante la hora y cuarto de metraje. Y, aún con cierta autoindulgencia, lo logra.

La trama gira en torno a Mamá Bruselas, que ante la desaparición de sus hijos Ansio y Ana, se lanza a buscarlos montada en su silla de ruedas con enfermera a cuestas. Al mismo tiempo, los hijos se hallan secuestrados y buscan escapar por su cuenta. Las calles de la ciudad, mientras tanto, se inundan de drogas nuevas y de peligrosas sectas. Lo curioso es que todos estos elementos se integran bien dentro de las líneas narrativas. Es así que el filme crea una coherencia donde los momentos más asquerosos y divertidos (lo de la secta de los abortistas del séptimo día es sublime) funcionan de manera individual pero aportando a la totalidad del universo. Por eso es que el momento de la batalla final sea lo más fallido, porque ahí el exceso no está más que de fondo a la acción principal, operando simplemente de relleno.

De todas maneras, la culminación (o no…) de la saga de Sarna transmite la mayor parte del tiempo la vitalidad de sus realizadores por hacer mucho, en términos visuales y narrativos, con pocos recursos.

Calificación: 6/10

Crítica: Delfín

Por María Luz Stella

Una semana en la vida de un niño de 11 años de escasos recursos que vive en un pueblo alejado. Su firme interés por la música lo llevará a retomar junto con su padre un camino olvidado.

IMG_20190627_121638

Delfín es el nombre de esta película argentina dirigida por Gaspar Scheuer que se encuentra en la selección Cannes Écrans Juniors 2019. También es el inusual nombre del protagonista: un chico de 11 años que vive con su padre en una casa precaria de un pueblo aislado en la provincia de Buenos Aires. Allí, el tiempo se detuvo para su padre, que desolado en un contexto de pobreza y sin contención se encuentra solo frente al cuidado de su hijo.

En la cotidianidad que va construyendo la película se presenta la posibilidad de una audición para una orquesta juvenil en la ciudad de Junín. Delfín tiene en claro que quiere ir allí a hacer la prueba. LLega tarde a su casa, aún solo, saca de una caja una manguera y un embudo con los cuales improvisa el instrumento: el corno francés. El cual aprendió a tocar en la escuela, donde tienen uno, pero no se lo prestan por fuera de la institución porque es considerado una reliquia.  

La relación padre-hijo se ve afectada por la falta de recursos. El padre trabaja muchas horas en una construcción y el hijo en una panadería realizando entregas antes del horario escolar. El hogar se transforma en un reflejo de la supervivencia, allí duermen y se alimentan con lo que consiguen. Las pocas horas que pasan allí están impregnadas de cansancio y la necesidad de distenderse de esta situación agotadora. Causa por la cual, el padre de Delfìn no podrá cumplir con una promesa que le ha hecho. Sin embargo, la fuerte convicción que vive en Delfín será el motor para continuar un camino abandonado por su padre.

Más allá de que el film está bien logrado en cuanto a guión, puesta en escena, imagen y sonido, me deja la sensación de que hay un distanciamiento frente a la situación de pobreza que ilustra. La historia muestra un panorama desolador pero no se cuestiona las circunstancias. El film termina con un aire de esperanza sin dar ninguna solución a sus vidas, se queda en el hecho de resolver un conflicto interno estancado.

 

Calificación 6/10