Encuentro de Cine Europeo Online – 16° Edición: Charla virtual sobre “Los Soñados” junto a Roger Koza

El jueves 14/5 a las 20 hs, integré la charla virtual para compartir la mirada de la película “Los Soñados” a través de la charla virtual con el crítico, programador y director artistico Roger Koza.

“Los Soñados”, con guión y dirección de Ruth Beckermann, film de origen austríaco, que recrea en un estudio de grabación de radio, las cartas de amor intercambiadas entre entre dos grandes poetas europeos: Ingeborg Bachmann (1926-1973) y Paul Celan (1920-1971), quienes se conocieron en la Viena de la Posguerra en 1948,cuando ella tenía 22 y él 27 años. Concidentemente este año se cumplen los 100 años del nacimiento de Paul Celan.

La Delegación de la Unión Europea en Argentina con el apoyo de diferentes embajadas e institutos culturales de los Estados Miembro de la Unión Europea acreditados en Argentina también ponen su granito de arena para pasar por este difícil momento dejando disponible en su sitio web, varias películas para disfrutar quedándose en casa del mejor cine europeo.

Si bien le reconozco que muchos puedan decir que “Los Soñados”, es una película algo lenta o que desaprovecha todas las bondades que tiene el cine, por la falta acción, les puedo asegurar que los amantes del séptimo arte y del estilo europeo, se sentarán con placer en el living de la casa a disfrutarlo.

La página para consultar es: https://www.cineueargentina.com/quedateencasa


Reseña Diana Decunto – inboxnightradio@gmail.com

Reseña: De mal en peor

Una película de Particular Crowd para TNT Original, estrena el próximo lunes 6 de abril, a las 22.00 horas (ARG / COL / CHI / MEX). Donde tendremos la chance de vibrar juntos, en un género que oscila pendularmente entre el cine de aventura y la comedia, en una historia que mantiene el suspenso hasta el final cuando dos estudiantes jóvenes, quienes planean asaltar una de las casas de un barrio privado y de la cual preveen obtener un suculento botín con muy bajo riesgo.

Escrita y dirigida por Jason Headley, su título en inglés A Bad Idea Gone Wrong traducida seria “Una mala idea que salió mal” es la mejor sinopsis que podemos dar sobre el argumento de está película.

Sus protagonistas el actor Will Rogers que participó también de A Good Marriage, quien encarna al personaje de Leo, quien resulta ser el autor intelectual del robo. Un improvisado total junto al actor Matt Jones, que lo ubicarán por actuaciones en la serie de Breaking Bad / Mom y que encarna el personaje de Marlon, quien es seducido a cometer este robo.

Las pistas que daremos de como sigue este atraco que bien lejos está de ser el robo del siglo pero si para pasar un momento de entretenimiento con las desventuras de dos rateritos novatos. Su primera vez, que si bien logran entrar, exitosamente a la casa del barrio privado se encontrarán con una serie de vicisitudes que mantendrán atento al espectador hasta el final sobre como saldrán del atolladero en que se han metido. Hay un tercer personaje que es quien echa leña al fuego y que está interpretado por la actriz Eleanero Pienta que participó en See You Next Tuesday y que aunque parece que a este dueto el único riesgo que corre es que se pueda llegar a convertir en un terceto, les aseguro: que nada, pero nada, parece moverles el piso pero ellos mismos se irán dando cuenta que la realidad no es tan así.

Una comedia para reír , una obra puesta en la mirada de la generación “z”, en donde justamente saben como entrar en problemas pero no les está fácil salir, en donde a medida que avanza el film, como lo dice su título en castellano, van de mal en peor.


Reseña Diana Decunto – inboxnightradio@gmail.com

Crítica: Una Pérdida aceptable

Una película de Particular Crowd para TNT Original, estrena el próximo lunes 23 de marzo, a las 22.00 horas (ARG / COL / CHI / MEX). Donde tendremos la chance de vibrar juntos, dentro del género del thriller, en una historia que gira alrededor de las decisiones de Estado, la guerra, y también la culpa de quienes participan de esos momentos.

La película trata sobre la vida de Elizabeth Lamm (Tika Sumpter, Southside With You / Ride Along),una hermosa mujer joven, que intenta rehacer su vida, siendo docente en un campus universitario, habiendo ya pasado, cuatro duros años, después de su renuncia, tras haber pertenecido a las decisiones de la alta política de seguridad Nacional de la Casa Blanca habiendo sido participe, en ese momento, de una decisión, que la marcaría para toda la vida. Elizabeth sufre el proceso de “haber sido una figura de controversia” “y que con el paso del tiempo surgirán otras controversias” (las de la conciencia). En un pasaje recordará las palabras del historiador británico Toynbee, que dijo que “La historia es una maldita cosa tras otra”.

Elizabeth cree estar sola, en este intento de búsqueda de una segunda oportunidad, luchando por recomponer su vida, esforzándose por olvidar el pasado pero es inevitable cruzarse con Martin Salhi (Ben Tavassoli, Overlord / Tyrant), un estudiante de post-grado del campus universitario, algo extraño también, que actuará como un personaje bisagra en el argumento.

Tampoco podemos dejar de lado, la relación de mujer a mujer, que une a Rachel Burke (Jamie Lee Curtis, True Lies / Halloween), vicepresidenta al momento de tomar esa dura decisión, donde se podrá ver, ante el mismo hecho, la posición que asumen estas dos mujeres.

Por si fuera poco, el personaje de Adrian Little (Jeff Hephner, Peppermint / Chicago Fire / Boss) un hombre que dejo huellas imborrables en el recuerdo de Elizabeth de cuando trabajaron juntos en la Casa Blanca y siendo actualmente el jefe de gabinete hoy resulta ser una amenaza.

A lo largo de este thriller, irán descubriendo los tormentos de Elizabeth, que no son algo menores ni es la única responsable. Un film para buscar respuestas que tal vez no las encuentre, con un elenco apropiado a la historia que se desea contar, un film ágil e inquietante.

Como dijo el poeta T.S. Elliot: “No dejaremos de explorar y al final de nuestra búsqueda llegaremos donde empezamos y conoceremos el lugar, por primera vez”. Le aconsejamos que se siente cómodo, en el sillón de su casa, a ver cuando de ésto, hay de verdad.


Reseña Diana Decunto – inboxnightradio@gmail.com

Crítica: Retrato de una mujer en llamas

Por Nicolás Pileci

Retrato de Una Mujer en Llamas es una película dramática francesa de 2019 escrita y dirigida por Céline Sciamma y protagonizada por Noémie Merlant y Adèle Haene.
La historia gira en torno a Marianne, una talentosa pintora que deberá retratar a una mujer llamada Héloïse, quien se encuentra a punto de casarse, y tendrá que hacerlo sin que esta se dé cuenta de ello.


En un tiempo muy lejano y en un lugar alejado, nos encontramos con dos mujeres de caracteres muy distintos que, abordando la pintura, la música y el arte, nos entregaran una historia original y exquisita que nos llevara a las lágrimas y/o las risas.
Ambientada en el siglo XVIII, la película es una fabulosa mezcla entre el drama y el romance. Dotada de signos humorísticos y amplios toques artísticos, donde la fotografía juega un papel fundamental y donde la música nos ambienta de manera perfecta. Las actuaciones marcadas se dejan apreciar en cada escena, donde el erotismo, el amor, el silencio y las miradas cómplices predominan.
En aspectos más técnicos, los planos simétricos que juegan entre la oscuridad y la luz le dan un sentido más artístico y personal. Los sonidos aislados y la falta de ellos, recrean los escenarios para generar más tensión e inquietud en cada escena.

La belleza y la elegancia, refinadas y autóctonas, decoran la película de forma estética y preciosa. También se exploran temas más semánticos como el deseo, los sentimientos y el enlace que dos almas pueden sentir tanto a nivel interior como a flor de piel. Detalles que se van construyendo de a poco y sin prisa alguna.
La historia, además de estar fuertemente marcada por las protagonistas, deja escapar otros aspectos secundarios pero no por ello menos importantes.

Finalmente, el desenlace, dotado de todo lo antes mencionado y sumando la tristeza y el desapego, se transforma en una conclusión real e icónica en torno a los tiempos y condiciones en que desarrolla la película.

Calificación 8/10

Crítica: Grandes espías

Por Bruno Glas

Reconocimientos

Si uno mira solamente el poster de esta película, puede darse una idea de cómo va a ser: vemos a los protagonistas, una nena y un señor grandote de traje, de espaldas. Al lado del señor en cuestión (de nombre JJ) hay una mochila carrito rosada, mientras que la susodicha niña (Sophie) está subida a un maletín. Con esto, lo que uno puede esperarse es una comedia de acción familiar, con dos personajes bien distintos, donde el humor surge a partir de sus actitudes antagónicas.

Grandes espías no se aparta de este esquema en casi ningún momento. Uno puede prever, más o menos, cómo va a resultar la acción de los personajes: JJ (pronúnciese “yei-yei”), el duro agente de la CIA (un Dave Bautista en estado de gracia) que de a poco muestra un lado sensible a medida que conoce a la niña que debe cuidar; Sophie, cuyo carisma e inteligencia se potencian al conocer al espía; la agente que acompaña a JJ, que al principio se muestra inútil a la hora de manejar las armas, para luego mostrarse eficaz a la hora de combatir a los malos; la madre soltera de Sophie, quien terminará por engancharse con el protagonista. A esto se le suman las dosis de humor y de drama que abarcan la mayor parte del metraje, y que conviven con la trama de espionaje. Esta última justamente queda apenas esbozada, mostrándose de manera muy pobre frente a la relación entre JJ y Sophie.

Aún con esta suma de elementos previsibles, lo cierto es que la virtud del filme está, curiosamente, en cómo reconoce sus clichés, especialmente los del cine de acción. O sea que incluso si esta película se interna por caminos ya conocidos, puede a través de ellos encontrar momentos de vitalidad. Esto ocurre en la secuencia con que abre el filme, donde vemos a JJ hacerse pasar por uno de los rusos malos para desbaratar su plan, sólo para ser descubierto por uno de ellos que le retruca “¿con quién tomaste clases de actuación? ¿Con Mickey Rourke en ‘Iron Man 2’?”. O en las escenas en que JJ enseña a Sophie a no mirar a las explosiones mientras caminan hacia adelante. Quizás donde esto mejor se expresa sea en el clímax, donde una escena de extrema tensión es interrumpida por un personaje que dice “siento que vi esto antes. Sólo faltan los nazis”. Esta autoconciencia es lo bastante notable como para mantener la película a flote. Exigir más sería pedirle peras al olmo. Aunque el olmo pueda resultar simpático.

Calificación: 6/10

Crítica: Feedback

En el género thriller de terror, dirigida y escrita por Alberto Marini y Pedro C. Alonso, la película Feedback española (2019) estrenará por TNT el próximo 2 de marzo, la cual los hará vibrar, porque a poco de comenzar, todo se saldrá de control, debido a verdades que habían permanecido escondidas y que por los hechos y circunstancias tomarán identidad propia.


Es la historia de un programa de radio “La cruda realidad” muy exitoso, donde dos periodistas, en el mundo real, no se llevaban del todo bien, pero el productor los reúne porque sabe que profesionalmente juntos hacen una buena dupla y son los ingredientes necesarios para lograr un programa radial de alto rating.
Los dos periodistas se afrontan a comenzar a las 22 ha el programa radial cuando dos enmascarados por la fuerza toman el control de la emisora, todo aparentara para el público ser normal, pero lo que se transmitirá y lo que pasará en la cabina, lejos está de ser normal.
Excelentes las actuaciones de Eddie Marson (21 gramos, Ray Donovan, The World’s End) encarnando a Jarvis Dolan quien junto a su colega radial interpretado por el actor Paul Anderson ( Peaky Blinders, Sherlock Holmes, A games oficial shadows, The Revenant) lograrán una historia de terror de alto voltaje, de emociones fuertes.
La protagonista principal femeninas es la actriz Ivana Baquero (El laberinto del Fauno , The Shannara Cronicles).
En el film pasarán muchas cosas, todo lo que pase dejará huellas, a veces tener Feedback, como en este caso puede dar miedo.

Crítica: El llamado salvaje

Por Brenda Molinari
El llamado salvaje es una película centrada en los actos humanísticos que tiene el perro Buck. Como en otras películas de Chris Sanders se puede entender la sensibilidad de los personajes, en esta última, se trasluce mucho más con cada acción.

Buck es un perro bondadoso, de mucha humildad y al separarlo de su familia quiere encasillar en otra. Es un perro con el que te podés sentir identificado en muchos aspectos, pero en otros puntos es muy empalagoso. Si bien, como toda construcción de personaje debe tener sus tres esferas, pero a Buck le falta sus aspectos negativos. Se puede decir que es un personaje terco, pero no se profundiza lo suficiente este lado. Me parece que, si se hubiese prestado más atención a esto último, se podría haber exprimido mucho más al personaje para enriquecer la historia. Sin embargo, la voz en off termina de complementar a la historia en sí y terminar de entender qué le sucede a este personaje. Por otro lado, me parece interesante cómo desde las expresiones de estos animales se entienden sin ningún diálogo. La historia termina de generar una empatía gracias a la utilización de la música y, desde este lugar, termina de englobar lo que les suceden a estos personajes ya que sin diálogo las emociones se pueden comprender igual.

Desde los aspectos técnicos, la música esta bien utilizada. No hay un abuso en ella y además desde el sonido se justifica todo lo que se ve. El arte respeta la época en la que se trasluce, 1890 y tanto las locaciones como los efectos de ella son excelentes en cuánto a lo estético. Desde el lado de montaje hay un abuso de parte de los fundidos a negro porque después el personaje de Harrison Ford justifica que Buck duerme dos días seguido siendo que directamente se podrían haber omitido los fundidos a negros. En lugar de esto último, se podría haber utilizado un fundido y luego el personaje de Ford decir que Buck durmió dos días.

Como conclusión, este último film de Sanders tiene un buen mensaje detrás del personaje de Buck y transmite una calidez muy realista para la actualidad.

Calificación 8/10

Crítica: Bad Boys Para Siempre

Por Jorge Marchisio
Mike y Marcus ya llevan veinticinco años en las fuerzas de la ley. Cuando este último se convierte en abuelo, se plantea seriamente si retirarse o no. Pero todo se complica cuando alguien del pasado de Mike se hace presente. Ahora los Bad Boys, junto con un nuevo equipo de la policía, deberá detener a un peligroso criminal.


Seamos honestos. Cuando nos enteramos que se venía una tercera entrega de Bad Boys, la mayoría pensamos que era un intento desesperado de Will Smith para revivir su carrera, y que Martin Lawrence debía tener problemas económicos. Y la verdad, da gusto cuando pese a los prejuicios, nos cierran la boca de tal manera.
Siendo conscientes de la saga donde se metían, los nuevos realizadores a la cabeza de este proyecto (recordemos que Michael Bay solo hace de productor), tuvieron como acierto hacer de Bad Boys Por Siempre una cinta honesta con el público y con su propio espíritu, es decir, mucha acción desenfrenada, pero sin caer ya en el extremo del ridículo como franquicias al estilo Rápido y Furioso, donde ya se entra en el mundo de lo irreal.
Bad Boys Por Siempre camina en ese fino borde, sin lograr caerse al barranco. Esto también quiere decir que la química entre Smith y Lawrence sigue intacta; e incluso los chistes (a veces poco graciosos) de este último en otros films, acá si funcionan. Hasta podríamos decir que, en más de un momento, el propio Lawrence tiene algunas líneas de dialogo bastante emotivas, que, en manos de un mejor actor, hubiera hecho lagrimear a más de uno.
Pero sabemos que la mayoría no busca buenas actuaciones a la hora de ir a ver Bad Boys Por Siempre. Las escenas de acción son bastante espectaculares, pero sin el grado de ridiculez que padece el cine de Michael Bay hasta donde un tacho de basura explota al recibir un impacto de bala. Si bien hay muchas cosas que revientan, se le busca dar una explicación lógica. Lo mismo que a las contadas (pero largas) balaceras, aunque por desgracia volvemos a caer en la típica de ver armas con munición infinita.
Sin mucho más que agregar, Bad Boys Por Siempre es una buena película de acción, tanto para fans de la saga como para los que son nuevos. Bien secundados, Will Smith y Martin Lawrence nos cierran la boca mostrando que si tenían algo que ofrecer más que un viaje a la nostalgia de los seguidores de la acción del principio de milenio.

Calificación 7/10

Crítica: Amenaza en lo profundo

Por Juan Ignacio Aguilar
El inmenso océano.

¿Qué oscuros secretos esconde en sus profundidades? ¿Qué tesoros de la historia yacen en su piso? ¿Cuán vasto es, y qué tantos recursos puede otorgarnos? ¿Hay vida aún desconocida?

El género survival es uno que ha ido ganando tracción en la producción hollywoodense debido a su fácil adaptación en el mercado. De una narrativa bastante similar entre sus distintos productos, destaca por su alta inversión en efectos especiales y en alguna que otra personalidad del star-system que lleve audiencia a las salas.

En la mayoría de los casos entrega un film mediocre. En otros, uno digno de aplaudir. Otros se quedan en un puesto intermedio. Como el último trabajo de William Eubank.
En búsqueda de recursos, la compañía TIAN taladra a siete millas de profundidad de la Fosa de las Marianas. Pese a las advertencias, lo peor ocurre y la base subacuática comienza a implosionar. Seis empleados, al mando del Capitán Lucien y la ingeniera mecánica Norah Price, dan inicio a un arriesgado plan que les permita llegar a salvo a la superficie. Pero ni derrumbes, ni problemas de oxígeno o presión los puede preparar para el mayor problema: lo desconocido.

Si la película suena conocida, es porque probablemente lo sea.

Hay un gran esfuerzo de parte de Brian Duffield y Adam Cozad para que su guión no pase al olvido entre sus congéneres. Aun así, los puntos de giro y el carácter de ciertos personajes permiten dar con un patrón que posibilite al espectador saber lo que se viene.

Es, sin embargo, un esfuerzo digno de notar en el apartado técnico. Las tomas subacuáticas ya son suficientemente complicadas en condiciones normales, pero dar con una que efectivamente retrate la falta de luz, de esperanza, característica del piso marino, es admirable. La cinematografía de Bojan Bazelli, con una gran predominancia de los verdes fríos, se disfruta bastante.
Eubank logra dar algunos momentos verdaderamente atractivos en el género en cuanto a la desenvoltura de la acción. Aún con todas las ineptitudes del guión, se nota la mano de un cineasta con mucho camino por delante. Sumado a la fantástica banda sonora de Marco Beltrami y Brandon Roberts, el resultado es una trepidante y asfixiante batalla por la vida.

El elenco da lo mejor de sí a sabiendas de las trabas del género. Stewart, experimentada en el cine independiente, parece haber encontrado un balance para darle a su Norah algo más interno con lo que trabajar, haciendo caso omiso del evidente conflicto con el entorno.
J. Miller es Paul Abel, el mismo tipo de comic-relief al que nos acostumbró gracias a “Sillicon Valley” y “Deadpool”, y Vincent Cassell está automatizado a la función de autoridad lúcida y sagaz en la figura del Capitán Lucien, aquel que el argumento demanda. Sobresale Jessica Henwick con su Emily Haversham, la pata más débil de equipo. En contraste con los demás, tiene mejor material con el que trabajar, y Henwick lo aprovecha al máximo con cada una de las horrorosas y traumáticas situaciones en las que cae el grupo.

La audiencia deberá prepararse para respirar profundo y no mirar demasiado en los detalles. Puede que “Underwater” sea la experiencia terrorífica que todos imaginamos cuando pensamos en el fondo del mar, pero hace un gran esfuerzo por llegar ahí.

Calificación 6/10

Crítica: Sonic: La Película

Por Agustín Villegas

Y la fantabulosa emancipación de un Jim Carrey…

Que EL ERIZO AZUL de SEGA llegue al cine es un evento grande, todos lo sabemos, es un personaje amado con un club de fans conflictivo y apasionado. El proyecto ya genero polémica desde su primer trailer, mostrando a un Sonic con aspecto seudo humano tirando a furry, un diseño tan espantoso que todos nos quedamos conmocionados mas que enojados. Tras ver el desagrado del fandom (y de los espectadores mainstream debido a lo horrible del personaje) el director Jeff Fowler anuncio que el proyecto iba a atrasarse un poco con el fin de rediseñar al personaje y contentar a los espectadores. Bueno bien, acá entra el entretenido debate de que si el diseño de Sonic fue un horror y tuvieron que cambiarlo por cuestiones obvias o, poniendonos conspiranoicos y no por eso equivocados, si en realidad el primer trailer fue un cebo de atención. Esta segunda teoría no solo es la mas probable (los primeros artes del merchandising del film tenían al Sonic actual) sino que es una movida de marketing digna de ser mencionada. Como mencione antes el fandom de Sonic es conflictivo, era difícil hacerlos felices y a la vez cumplir con las espectativas Hollywoodenses de una película infantil (porque al fin y al cabo eso es) por lo que hacerle creer a todos que la empresa escucho a los fans y cambio al personaje con fines benevolentes iba a atraer al publico de una forma masiva. Sea la cuestión que sea el diseño del bicho quedo hermoso, lleno de carisma y un placer a la vista de aquellos que nos criamos con éste personaje (a pesar de que yo soy mas del team Mario).

Vale la pena mencionar que ésta película no solo es un evento en sí misma por el videojuego que adapta, sino que a ésto se le suma el regreso de Jim Carrey a la comedia. El actor interpreta al Profesor Robotnik, mejor conocido como DOCTOR EGGMAN, el nemesis del erizo. Las espectativas con respecto al personaje fueron mas que saciadas, al fin y al cabo es un cast ganador en todo sentido, el histrionismo de Carrey le brinda a la película un toque único. A éste se le complementa con excelencia James Marsden como TOM WACHOWSKI, un oficial de GREEN HILLS admirado en secreto por Sonic.

El punto mas débil de la película es la trama. Sonic llega a la tierra para ocultar sus poderes de super velocidad de unos malvados … ¿nativos? De su planeta, lo que lo lleva a tener que vivir en las sombras. Tras ser descubierto el gobierno manda a Robotnik a cazarlo, pero éste tiene planes propios de usar su energía para sus drones del mal. Hasta acá todo bien, pero en cierto punto de la película Sonic pierde lo único que lo iba a hacer zafar de éste quilombo, emprendiendo un road trip a San Francisco junto a TOM. Si, considerando que estamos ante un personaje con super velocidad hacerlo ir en un road trip con James Marsden suena como una falta de verosimilitud grosa. Los dialogos son cursis y solo funcionan cuando hay humor de por medio, algunos chistes son hasta salvados gracias a lo magnífico del cast, incluido Ben Schwartz como la voz del erizo azul. Otra cosa negativa es que se siente como que no se la jugaron, buscaron hacer una peliculita mas o menos normal con el fin de ver si funciona, por lo que (considerando el espectacular epilogo) espero que tengamos una secuela con un mundo mas similar al del juego. ¿a alguien le molestaria ver una película en donde solo Jim Carrey es el actor humano? A mí no y se que a ustedes tampoco.

Visualmente la película rosa lo genérico, las secuencias de velocidad de Sonic son practicamente las mismas que las de Quicksilver en las últimas de X-MEN. El mundo de la primera escena de la película (que simula ser la GREEN HILLS original del juego, ya que acá es el pueblo donde vive Tom) es brillante y te deja re manija de ver mas, pero en vez de ésto tenemos toda una película en la tierra que vuelve a ser visualmente interesante durante la pelea final entre Robotnik y Sonic.

El humor de la película hace que quiera volverla a ver. La comedia le da un ritmo atrapante que te hace olvidar los claros errores de la trama, con chistes físicos que explotan al máximo los poderes del personaje. Sonic y Tom entablan una amistad creíble, al punto de olvidarme de que estamos viendo a un actor hablando con un monigote animado. Todos los actores funcionan, todas las situaciones se llevan con naturalidad y el exceso de cliches cinematográficos son creativos en una era de cine cargado de agenda política. El primer acto cuenta con la mayor carga de risas con respecto al Erizo, el segundo se lo roba Carrey y el tercero culmina de forma satisfactoria, con un epilogo que como mencione mas arriba me hizo querer ver una secuela casi de inmediato. Éstas ventajas permiten que una trama mediocre se filtre en el carisma de los personajes ¿pudo haber sido mejor? Sí, pero si bien no es bueno que una película este diseñada para mejorar en su secuela hay que mecionar que las escenas post créditos generan una espectativa enorme para el futuro de ésta franquicia … ya verán de lo que hablo.

“SONIC LA PELÍCULA” es una película perfecta para los nenes y aceptable para los fans de Sonic. No se pierdan la escena post créditos, más de uno va a salir con una sonrisa de oreja a oreja.

Calificación 7/10