Crítica: Amor en las montañas

Por: Marie Alvarez

La película comienza como si fuera un cuento, y es que es la trama es similar a la historia de Romeo y Julieta, pero en una campiña irlandesa con familias que se quieren entre ellas y con un final feliz (no estoy spoileando nada, basta con ver el poster).

Los protagonistas son vecinos desde la infancia porque sus familias tienen granjas linderas: Rosemary (Emily Blunt) y Anthony (James Dorman) tienen una relación aparente de apática coexistencia, aunque por supuesto, hay indicios sueltos de que están enamorados el uno del otro. Los padres de ellos, personajes sumamente adorables que aportan comicidad a la historia (Christopher Walken y Dearbhla Molloy), son los acompañantes de nuestros antihéroes. Además, hay un primo que viene desde Estados Unidos (Jon Hamm), que juega un papel importante para acomodar las piezas de este romance.

Lo bueno: sabemos de antemano que es una comedia romántica, con un excelente elenco y unas locaciones divinas. Hay imágenes bellas y momentos actorales de brillo a lo largo de la hora y cuarenta que dura la peli. Además, si seguimos la veta de Emily Blunt como actriz de musicales, no vamos a salir defraudadxs porque, obviamente, hay una escena donde ella canta (por demás emotiva, pero efectiva para la narración). Si nos gusta el género, tiene un ritmo ágil y una buena dirección; cumple su función de emocionar e ilusionarnos por un rato. 

Lo malo: es una comedia romántica… que no tiene nada original, salvo estar localizada en Irlanda. Como espectadora, pienso que podría haber funcionado muy bien hace 20 años atrás; hoy por hoy no aporta nada nuevo y continua mitificando ese tipo de amor “épico” fabricado en Hollywood o en la literatura, hace quién sabe cuántos siglos atrás: relato en el cual dos amantes son unidos por la fuerza imparable del destino (¡¿cuantas historias “épicas” de parejas que se sostienen en el tiempo conocemos en la vida real?!). Por otro lado, en su intento de ser original, el guion tiene unas idas y vueltas extrañas que parecen rebasar la fantasía, pero en fin…

En definitiva, si buscamos una peli de amor (y aceptamos las convenciones del género) para pasar el rato, esta es una opción muy óptima, y podemos aprovechar su estreno el 18 de marzo en el cine online de Cinemark Hoyts.

Calificación: 6/10.

Crítica: La noche mágica

La noche mágica es el primer estreno de cine argentino que podremos ver en las salas de cine luego del cierre de los cines debido a la crisis sanitaria que hemos sufrido en el 2020. Con las actuaciones de Natalia Oreiro y Diego Peretti nos encontramos con una comedia dramática en dónde se lleva a cabo un robo en la noche de navidad, y termina sucediendo cosas poco esperadas.

En un principio me resultó bastante extrano tener que ver un film con un contexto muy navideño estrenandose en marzo. Es posible que al film lo hayan pensado para una época más cercana a fin de año, y que por motivos de público conocimiento, no pudo estrenarse antes. Pero al fin y al cabo, no es un film que tiene como único objetivo, darnos algo de espíritu navideño, sino más bien es un contexto dónde sucede lo relevante del film. El film tiene como inicio un robo, que lo lleva a cabo el personaje de Diego Peretti, la cuestión es que cuando este ingresa se encuentra con situaciones bastante particulares, ya que aquí vemos enredos en la pareja víctima del atraco y es donde los amantes también entran en el juego del robo. Claramente estás situaciones están hechas para que se pueda desnudar los conflictos internos que existen dentro de una pareja de clase alta, dónde se expone la infidelidad, los abusos y la violencia de género, todo endulzado con una buena cuota de humor negro.

En cuanto a las actuaciones, vemos un trabajo correcto y muy coordinado entre los actores. Tenemos a un Peretti que calza con su personaje, que cuenta con el característico de estar usando una gorra de Papá Noel, que tendrá una relevancia dentro de la historia cuando interactúa con la niña de la casa. Las participaciones de Natalia Oreiro, Pablo Rago, Esteban Bigliardi se encuentran muy bien coordinadas, con algunas vueltas de tuercas que funcionan y en los que cada personaje deja plasmada su personalidad aunque actúen sobre los hechos.

La noche mágica es una película que resulta una grata sorpresa para ser el primer film de cine argentino que se estrena en salas después de tanto tiempo. Quédense tranquilos que no es la típica comedia con tintes navideños, puede que estemos muy a marzo, pero el tiempo es relativo. La historia que nos cuentan está trazada con un buen sentido del humor, pero que no se olvida de su toque dramático, dónde se desnuda la violencia a través de sus personajes.

Calificación 7.5/10

EUROPA+, nuevo servicio de streaming por suscripción, lanza oficialmente en América Latina y el Caribe

Un amplio catálogo de las series de televisión más populares de Europa, ahora disponibles sin publicidad

Miami, los Estados Unidos, 23 de septiembre, 2020:  Europa+ (Europa Más) pone ahora a disposición de las audiencias de América Latina y el Caribe las últimas y más populares series de televisión de toda Europa. Creado para los expatriados europeos, los latinoamericanos de ascendencia europea y la gran comunidad de apasionados de la cultura europea, el servicio de Europa+ ofrece una gran variedad de la mejore y más reciente programación europea para que los usuarios se conecten con sus raíces, cultura y gustos.

El servicio incluye programas de reconocidos productores de contenidos europeos como BBC Studios, Studio Canal, TF1, ZDF, Nordic World, Studio 100, Spiegel y Mediaset, y está disponible por 5,99 USD al mes en la mayoría de los países. Los programas se presentan sin publicidad, en alta definición y en su idioma original; cuentan con subtítulos, la mayoría de ellos en español e inglés. 

Una prueba gratuita de 7 días, sin riesgos, está disponible en www.europamas.com

Europa+ ofrece una alternativa única a los servicios existentes de SVOD y de la televisión tradicional en América Latina y el Caribe: más de 1,500 horas de las series más recientes y populares de la televisión europea, así como de programas especiales, a los que el usuario podrá acceder fácilmente por género, idioma y opciones de subtítulos. Está disponible en los dispositivos iOS, Android, Apple TV, Roku y Amazon Fire TV. Además, todos los programas se pueden descargar para verlos posteriormente sin conexión a internet en dispositivos móviles.

“Durante casi 30 años, Castalia ha forjado un historial de lanzamientos exitosos de nuevas empresas de medios en todo el mundo”, declaró Luis Torres-Bohl, presidente de Europa+ y Castalia Communications. “Nuestra misión siempre ha sido brindar a las muchas y diferentes voces de nuestro mundo la oportunidad de ser escuchadas”.

“Ofrecemos programación que logra que los europeos que viven y trabajan en América Latina y el Caribe se sientan más conectados con sus países de origen”, dijo el COO y Director General de Europa+, Rubén Mendiola. “Los espectadores de Europa+ tendrán a la mano lo más fascinante y nuevo de los dramas europeos, comedias, documentales, realities, programas sobre naturaleza, automóviles, caricaturas y más”.

Europa+ es un servicio OTT que pertenece y es operado por Innokap, un fondo de inversión con sede en la Ciudad de México, y Castalia Communications Corporation, con sede en Atlanta, Georgia.

Crítica: Tom y Jerry

Por Daniel Alvarez

Por algún motivo, a los famosos animales animados de Hanna Barbera, se les ocurrió ir a pasar unas aventuras a la gran manzana, extrañamente con gente de carne y hueso. La realidad es que la mezcla resulta algo rara, aunque la finalidad es dar un entretenimiento ligero para que se diviertan los más chicos. Es así como el próximo 11 de marzo se estrena Tom y Jerry en las salas argentinas, con sus correspondientes protocolos sanitarios.

En cuanto a la historia hay poco que decir, casualmente el gato y ratón se fueron a Nueva York a probar suerte, también casualmente se encontraron con un hotel donde Jerry decidió ir a ocupar un espacio para ir a vivir ahi, justamente cuando se iba a llevar a cabo una importante boda. Del lado humano, tenemos al personaje de Chloe Grace Moretz, una chica que se quedó sin trabajo y también de una forma muy extraña se va a pasear a dicho hotel y robarle el currículum a otra persona para conseguir un trabajo del que apenas sabía de su existencia. El problema es que se va a llevar a cabo la boda y la existencia de un ratón complica el prestigio del establecimiento, así que el resto de la película va sobre cómo intentan deshacerse de Jerry mientras muchas cosas pasan. La realidad es que no hay mucha inspiración en el desarrollo de la historia, quizá lo importante sería el como es la interacción de los personajes y los momentos graciosos que pueden brindar. Con mucha sinceridad, los momentos graciosos son muy pocos, Tom y Jerry se ha caracterizado por un humor más físico, plagado de golpes en el intento de cacería del gato y el ratón, es verdad que esto sucede, pero está tan poco inspirado que extrañamente se te escapa una carcajada. En el desarrollo de la trama hay demasiados momentos absurdos, que tampoco van en función de hacerlo a modo de chiste o en referencia a algo que puede resultar gracioso. El último tramo de la película puede ser el mejor, dónde la locura ya se desató y se busca dar un buen final, que termina lográndose a pesar de todo.

En cuanto a los actores de carne y hueso, tenemos a una Chloe Grace Moretz y Michael Peña casi en piloto automático, dónde la primera llega a lucirse un poco más. ¿Estaba en la película Ken Jeong? Apenas me di cuenta y no se que era lo que estaba haciendo ahí.

No tengo mucho más que decir sobre el film, que resulta bastante soso y aburrido, aunque tal vez pueda llegar a entretener a los más pequeños, ya que se trata de personajes con un humor físico y fácil, aunque podría haber estado mejor implementado. Podemos destacar la animación de los personajes, a pesar de que en muchos momentos se sienta ese desfase entre lo animado y real, tampoco esperemos un Roger Rabbit. Si a tus nenes les gusta Tom y Jerry y quieren ir al cine después de tanto tiempo, va a ser una experiencia que los va a entretener , aunque sea algo pasajero y olvidable.

Calificación 4/10

Crítica: Tenet

Por Daniel Alvarez

Tenet ha sido en su momento cuánto tuvo su estreno en Estados Unidos y en otros países dónde permanecían los cines abiertos, como el film que vino a salvarnos de esta pandemia. Puede que en algunos aspectos sea cierto, como en el riesgo de estrenar una producción de esta talla en un momento delicado, aunque el impacto que ha tenido en el mundo fue bueno, aunque sin tantos sobresaltos. Ahora el film de Christopher Nolan también es el estreno fuerte en nuestro país, la película con la que inicia la reapertura de los cines en Buenos Aires, la zona donde se reúne la mayor cantidad de espectadores.

Empezando con la crítica del film, hay que reconocer que Nolan es uno de los directores capaces de hacer una película de carácter mainstream, aunque manteniendo su sello de autor. No muchos pueden darse el lujo de realizar un film de 200 millones de dólares, con una temática que quizá no es para todo tipo de público. Para explicar de una manera simple y resumida, la película nos trae un elemento fantástico como conflicto de la trama, que resulta ser la manipulación del tiempo, más propiamente la capacidad de invertirlo y utilizarlo como un arma. El film nos sigue al personaje protagonizado por John David Washington, un agente de la CIA que se ha visto obligado a investigar unos hechos conspirativos, que utilizan la inversión del tiempo como un arma desconocida y peligrosa. Es una realidad que el espectador necesita tomarse un tiempo para comprender los hechos, ya que este elemento fantástico tarda tiempo en explicarse, ya que en un principio el film se toma bastante tiempo en este juego de conspiración y una tediosa presentación de personajes que parece olvidarse del problema principal. La cosa cambia cuando estos temas son explicados y se empiezan a atar cabos sueltos, manteniendo un ritmo más trepidante en la segunda mitad de una película que alcanza las dos horas y media.

Si hay algo de lo que no nos podemos quejar es de la cinematografía y todo el apartado visual y técnico que la película nos brinda. Creo que esto es algo que jamás decepciona en un director como Nolan , aunque no tenga el mismo impacto narrativo como en anteriores films.

Volviendo un poco a la reapertura de los cines, la función de prensa a la que hemos asistido ha servido para poder ver una muestra de lo que sería ir al cine en esta época de distanciamiento social. Luego de nuestro registro, hemos pasado por boletería donde nos han asignado la ubicación de la entrada, dónde al ingresar, verifican el ticket con un lector de código de barras para evitar el contacto físico. La asignación de asientos están preparados para tener un aforo del 30 porciento, que es lo permitido para los cines en la actualidad. Nos han invitado un refrigerio para consumir en la sala, con una distancia de dos asientos con el otro espectador, y dónde luego de consumir el alimento, debemos estar con tapabocas el resto de la función. Estos son los protocolos que se están implementando en la apertura de los cines , por lo que el respeto de los mismos dependerán para que podamos mantener los cines abiertos, siempre y cuando la situación sanitaria no sufra cambios significativos.

Volviendo al film, no es una de las mejores producciones que nos ha dejado Christopher Nolan, al menos comparándolo con anteriores films. Pero la realidad es que a pesar de todo termina siendo una experiencia satisfactoria, dónde si aprecias el film en todo su conjunto, nos encontramos con una trama atractiva y bien resuelta. Para nuestro inicio en la vuelta a los cines, es una experiencia necesaria y que no dejará indiferente a nadie.

Calificación 7.5/10

Reseña: Mare (Festival Al Este 2020)

En la sección Competencia Al Este del Festival on-line de Cine de Europa Central y Oriental 2020 (del 3 al 10 de diciembre) tuve oportunidad de ver una película de produccion: suiza y croata, bajo el título de Mare, con dirección y dramaturgia de Andrea Štaka.

La historia trata por una familia, integrada por la madre Mare, el marido que es controlador de las pistas aéreas, un hijo y una hija adolescentes y un hermanito de unos ocho años. Mare se aboca a las tareas domésticas, quiere volver a trabajar y el marido no está de acuerdo, pero hay necesidades de Mare insatisfechas y no es una mujer sumisa que se conforme con un no.

El elenco está compuesto por Marija Skaricic, Goran Navojec, Mateusz Kosciukiewicz, Mirjana Karanovic. Routinely y la película tiene como premio a la Mejor Actriz en el Festival de Cine de Sarajevo. Las actuaciones son excelentes como así también la dirección y guion porque hay una tensión que se mantiene, el film marcha a una velocidad adecuada y el espectador la sigue con atención.

La página del Festival es https://www.elekran.com/

Los invitamos a la que la visiten hay un viaje por cine Latinoamericano, Europa del Este y Central, de la cual tenemos pocas posibilidades de acceder y les aseguro son viajes de exploración que valen la pena.


Reseña Diana Decunto – inboxnightradio@gmail.com

Pantallazo festivalero: Vistazo Animado

Por: Gonzalo Esteba Borzino

Cobertura del 35º Festival de cine de Mar del Plata

The Chronicles of Rebecca (Japon) || Dirigida por: Yukiyo Teramoto

“Rebecca es una niña de 10 años, la segunda de siete hermanos, que vive en un pueblo rural de Maine, Estados Unidos, en el siglo XIX. En un momento en que la familia está en las malas, su padre muere, por lo que su madre la envía a vivir con sus dos tías, Miranda y Jane. Jane es encantadora, pero Miranda es demasiado estricta y no la deja hacer nada. Luego de un escándalo que involucra un vestido rosa, Miranda insulta la memoria de su padre y Rebecca decide huir por la ventana, con la intención de volver a la casa de su mamá.”

Traída de 1903, desde la novela “Rebecca of Sunnybrook farm” de Kate Douglas Wiggin, Rebecca representa la inmadurez que se atraviesa en la juventud y que, con el tiempo, acaba impactando con la amargura de la adultez. El contexto rural del siglo XIX, escenario paralelo de otras tantas historias de campo donde niños atraviesan momentos que les marcarán de por vida, pinta el cuadro perfecto para un corto infantil que vibra en sintonía con Heidi. Caprichos y peleas, una visión del mundo que aún no nos pertenece, pero que nos afecta a diario con su impactante momentum. El metraje, bellamente animado por estudiantes partícipes del proyecto “Huevos del Anime”, se encarga de darle vida a esta pequeña historia, que se siente un fragmento autoconclusivo de algo mucho más grande.

Leaf (República Checa) || Dirigida por: Aliona Baranova

“Un marinero grandote recibe una hoja otoñal de una niña. Le recuerda a su hogar. ¿Cuánto tiempo estuvo lejos? El marinero huye al encuentro de sus padres ancianos. ¿Qué encontrará allí?”

Un viaje prolongado que llega a su fin, una pequeña acción que despierta la nostalgia, y un marinero gigantesco, que no para de crecer. Desde su formación, Baranova nunca quiso ser precisa y en su corto lo expresa representando un paisaje acuarelista que se pisa a sí mismo, personajes que se mueven de forma independiente y, con la expresividad avalada por el dibujo animado, permiten que la vida fluya de forma caótica, incluso dentro de claras geometrías. Leaf es una historia de retorno, donde uno regresa a un hogar lejano, sintiéndose más grande que cuando partió, pero aún más pequeño que los árboles que lo reciben.

Boriya (Corea del sur y Francia) || Dirigida por: Min Sung Ah

“A Boriya, una niña de siete años, le aburre la rutina de su vida cotidiana en el campo. Le encantaría jugar con alguien, pero es tiempo de cosecha y todos están ocupados. Sola, bajo el puente que atraviesa el río, rodeada de campos de cebada, entenderá que la vida no es lo que ella creía que sería.”

Al igual que Rebecca, Boriya es una pequeña historia rural donde una niña incontenible debe hacer frente a las consecuencias de sus actos, de cara a una adultez que llegará. Aunque con mucho menos diálogo, su tono un poco más armónico la convierte en una experiencia visual a ser atravesada. La historia es simple, pero no por ello menos compenetrante puesto que la expresividad de la pequeña acompañará al espectador en su viaje de frustración, aburrimiento, sorpresa y miedo. 

El árbol ya fue plantado (Argentina) || Dirigida por: Irene Blei

“Un libro abierto es la ventana para entrar a este cortometraje de protesta sobre la espera de un permiso para plantar un laurel en el Río de la Plata. La autorización debe pasar por el Virrey, el Rey y la Reina. Demasiado tiempo para un deseo tan vital. Papeles recortados, animados cuadro por cuadro, nos llevan a recorrer el complejo camino de la burocracia para concretar una simple acción. Los paisajes cambian al ritmo de la música para que el relato avance y crezca como ese árbol que desean plantar.”

Un libro de recortes coloridos que danzan al ritmo de una revitalizada canción folklórica. La melodía, originariamente de Los Trovadores, ahora emana la vida reminiscente a una tardía Maria Elena Wash, expuesta a través de personajes enemistados con la figura del “árbol plantado sin permiso” y de los pájaros que a su alrededor gozan, como alegoría de un pueblo rebelde que no se contenta con acatar formalismos injustos. Y que luego, ante la represalia, se encarga de esparcir la voz y llenar el cuadro con más y más laureles, más y más desobediencia. Es una nueva forma de acercar este canto de reclamo a las infancias, con un ritmo mucho más digerible.

Bosquecito (Argentina) || Dirigida por: Paulina Muratore

“Mizu descubre un retoño en el bosque y vuelve todos los días a regarlo. Con el paso de los años, ella y el pequeño árbol crecen, pero el bosque ha sido deforestado. Una tarde de lluvia el bosque se inunda y Mizu intentará salvar su vida con la ayuda de su árbol.”

Un corto para contemplar. El plano estático en el espacio, mas no en lo temporal, acompaña a la diligente Mizu a cumplir con su tarea a pesar del decaimiento del entorno. Los ecos de su narrativa expresan ironía, donde un personaje pasa su vida regando un árbol, haciéndolo resistir el avance imparable del desmonte, para que luego ese avance vuelva a tomar forma con otro rostro. Musicalmente brillante, los personajes se ven caracterizados desde los instrumentos, y van evolucionando en conjunto a través del tiempo. Muratore nos invita a adentrarnos en el bosque y a mimetizarse con el dolor de la deforestación.

Festival de Mar Del Plata | El árbol ya fue plantado

En la competencia: Mar de Chicas y Chicos, disponible hasta el 29 de noviembre (inclusive), con siete minutos de duración, producción argentina, de Irene Blei, un film de animación, que lejos la intención de spoilear, les dejaremos con la intriga de saber que pasa cuando un laurel se quiere plantar a orillas del río de La Plata y no lo ha autorizado el rey.

Con una técnica de animación diferentes a las que se presentaron en el Festival, pero no por ello deja de ser atractiva, con música de Damián Sánchez, Sergio Desanze, Pepa Pascal, los papis descubrirán lo importante que son estas herramientas audiovisuales, para formar a los niños y niñas, excelente lograr belleza en los contenidos.

Lo he dicho en otras reseñas de este 2020, que una de las mejores facetas del Festival fue darnos a conocer todas las capacidades de la animación, compartir los cineastas con el público, su exploración aplicando la animación como técnica comunicacional, con excelente material logrado y cuan prometedor es todo lo que está por venir. Me parece interesante recalcar que son orillas aptas para recalar toda la familia y compartir momentos inolvidables.


Reseña Diana Decunto – inboxnightradio@gmail.com

Reseña de cine : Leaf

Leaf , su traducción es hoja. Siempre me impresionó de Lin Yutang, el título de su novela “Una hoja en la tormenta”, y me la recordó la infografía, juegos e ironías de la mente.

Leaf es un film de animación de corta duración de Aliona Baranova, y justamente esta hoja, es seguramente la que los niños ven en su infancia, es recogida por una niña en el muelle antes de subir al barco y cuando sube con su madre, se lo entrega al marinero del barco.

Esta hoja lejos de atravesar una tormenta se deja llevar por la brisa de la inocencia, una bella estética y música, construye oasis fílmicos para los más chicos y dejan reposar la mente del adulto.

Les comparto mi hoja con ustedes, para que también puedan disfrutarla. Les comparto la página del festival, donde pueden acceder a todo el material de Leaf: https://www.mardelplatafilmfest.com/35/es/pelicula/leaf, la pelí está hasta el 29 de noviembre.


Diana Decunto – inboxnightradio@gmail.com

Crítica: Inmortal (35º Festival Internacional de Cine de Mar del Plata)

Dentro de la Selección Oficial – Fuera de Competencia, del 26 al 28 de noviembre, de Fernando Spiner, producción Argentina, un film que los invitamos a que no se lo pierdan. Logra sumergirnos en una historia ficcionada y muy convincente. A medida que el relato avanza el suspenso no hace incursionar a mayores profundidades.

Si deseamos catalogar, es thriller, es ciencia-ficción y si lo deseamos hacer más fácil es un film que atrapa, por lo que tiene que contar, es una historia que ronda entorno a la vida y a la muerte y como nos llevamos con esas ideas.

Excelente el elenco, la dirección, la fotografía. Inmortal trata de una fotógrafa Ana interpretada por Belén Blanco, quien ha vuelto a regañadientes a Buenos Aires, tras la muerte de su padre, a arreglar papeleríos. Leteo es el nombre adoptando por un mundo de ficción, que está surgiendo, en una dimensión diferente a la nuestra la de los vivos. Gracias a Leteo, Ana podrá reencontrarse con su padre, interpretado por Patricio Contreras, pero Ana además de adentrarse en ese mundo no puede darle la espalda a éste, donde aparecerán caminos imprevistos al reencontrarse con el amigo de su padre, interpretado por Daniel Fanego.

Una película que sale de las temáticas a las que estamos acostumbrados en nuestro cine y que lo hace con alta calidad, sin nada que envidiar a otros cines que tienen años de experiencia en estos géneros. Les aseguro que Inmortal los dejará reflexionando y se levantarán de la butaca de casa, con el placer de haber visto un film que valia la pena ser visto.


Fernando Spiner es egresado del Centro Sperimentale di Cinematografia de Roma. Sus películas fueron premiadas en numerosos festivales internacionales, y Aballay, el hombre sin miedo (2010) fue seleccionada como candidata argentina para los Oscar. Fue director artístico del Festival.


Ficha Técnica:

G: Fernando Spiner, Eva Benito, Pablo de Santis 
F: Claudio Beiza 
E: Alejandro Parysow 
DA: Juan Mario Roust 
M: Natalia Spiner 
P: Magdalena Schavelzon 
CP: Boya Films 
I: Belén Blanco, Daniel Fanego, Diego Velázquez, Analía Couceyro, Patricio Contreras


Reseña Diana Decunto – inboxnightradio@gmail.com