Crítica: Violentia

Por Gonzalo Borzino

Cobertura del festival Buenos Aires Rojo Sangre

En un presente alternativo, el Dr. Adam Anderson (David Lewis), creador de nanobots que alteran la percepción de la memoria a voluntad, es contratado por un departamento gubernamental secreto para colaborar con el proyecto de reinserción para sujetos psicológicamente peligrosos. Mezclando los medicamentos de control de actitudes creados por la Dra. Rachel Porter (Emily Holmes), deberán tratar a Simon Frost (Scott Lyster), un violador y asesino serial que se encuentra internado en el instituto y quien guarda una siniestra relación con el senador benefactor del proyecto Edward Frost (Mackenzie Gray). Adam lucha con ser integrado a esta maquiavélica maquina estatal pero acaba cediendo cuando, durante un tiroteo escolar, su hija acaba muerta, dándole la visión de que la violencia está realmente fuera de control y se le debe buscar una cura.

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Dirigiendo, produciendo y escribiendo, el primerizo director Ray Raghavan nos trae este interesante drama de ciencia ficción, donde se pone el dedo sobre la violencia desmesurada a la que, día a día, nos vemos sometidos. El director indio propone un acercamiento dignificado por la contemporaneidad y la falta de empatía que los estados parecen ejercer sobre sus pueblos atemorizados por “los enfermos que andan sueltos”, atravesado por el futuro de la súper-tecnología. Lo que en un pasado hubiesen sido drogas psicotrópicas, ahora es nanotecnología que se infiltra en nuestra cabeza y toma control de nuestros pensamientos.

Claramente influenciada por El Eterno Resplandor de una Mente sin Recuerdos, el film presenta un trasfondo sumamente atractivo, pero acaba resultando tedioso. Los diálogos se vuelven monótonos y extensos, los actores carecen de sentimiento al hablar y, en algunos casos, contradicen lo que ellos mismos plantean. A pesar del inesperado giro final y del manejo del suspenso a lo largo de toda la película, lamentablemente esta se ha quedado corta en el fluir de las acciones. Quizás, con otro manejo temporal y explicando sus lógicas de formas un poco menos directas, hubiese logrado ser lo suficientemente atractivo como para considerarla una discusión certera sobre la cuestión de la violencia. En su lugar, nos quedamos con una pobre imitación sin una reflexión clara.

Presentada en el Buenos Aires Rojo Sangre, en la categoría de Competencia Internacional , esta producción canadiense logra hacernos cuestionar por momentos que es real y que es un artificio de la mente. Sin embargo y, para nuestro lamento, la carencia de interés y el arrastre que generan los diálogos sin fuerza provocan en el publico una reacción de frustración que, de manera accidental, los incitara hacia la violencia.

 

Puntaje: 4.5/10.0

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Crítica: No te preocupes no irá lejos

NO TE PREOCUPES, NO IRÁ LEJOS (Don’t Worry, He Won’t Get Far on Foot) Guión y DIRECCIÓN: Gus Van Sant. / ACTORES: Joaquin Phoenix, Jonah Hill, Rooney Mara y Jack Black. // Crítica: CJ COLANTONIO.

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Gus Van Sant vuelve a una historia de la vida real -como lo hiciere con Milk- y logra un relato eficaz sobre como un hombre se rompe y se construye a partir de sus miserias.  Para ello, hace uso de una avezada estructura no lineal logrando, de esta manera, decidir y hacer mayor hincapié sobre esa reconstrucción.

John Callahan yace en una silla de ruedas mientras participa de una reunión de Alcohólicos anónimos y es un gran dibujante de caricaturas en donde demuestra la sin igual ironía de reírse de todo sin filtro, como quien hubiera encontrado cierta sabiduría en su vida -en donde- todo lo “grave” es sólo una búsqueda del ser humano con el fin de crearse problemas para vivir y relacionarse de algún modo prejuicioso y egoísta.

Para entender cómo llegó allí, Gus Van Sant (El indomable Will Hunting, Elephant, Mi mundo privado, El mar de árboles, y una veintena de películas más) dispara el relato en tres momentos a la vez y nos sumerge con maestría hacia el interior de este ser humano que encuentra la felicidad en todo lo que le rodea, luego de una infancia aguerrida, pero que no es excusa para no ser feliz en la adultez.

Una película necesaria, como fascinante; como una oportunidad más de disfrutar una de las mejores actuaciones de Joaquin Phoenix.

(Calificación: 8,5/10).

Crítica: Rebobinado: La Película

Por Daniel Alvarez

Cobertura del festival Buenos Aires Rojo Sangre

Antes de comenzar a desarrollar esta crítica, debo confesar que tengo cierta fascinación con las historias que incluye uno de los más atractivos elementos: El viaje en el tiempo. No por nada, una de mis películas favoritas es Back to the future , debido a la complejidad y a la responsabilidad que significa viajar a través del tiempo, más allá del tono de comedia que esta cinta posee. Sin ir más lejos, Rebobinado: La Película, usa este elemento como parte de un aprendizaje, donde el personaje principal utiliza una máquina del tiempo para corregir un error del pasado, pero que al fin y al cabo, el tiempo es sabio y siempre es necesario mirar hacia adelante.

Ale es uno de esos personajes de los cuales es imposible que el espectador no sienta simpatía por el, ya que es un reflejo de los fracasos amorosos que todos pasamos en algún momento de nuestras vidas. Él es casi un estereotipo de lo que definimos como un “Loser”, tiene dificultades para relacionarse con las mujeres, y obviamente, es es nerd y algo Freak. Al parecer todo se debe a un acontecimiento puntual, una fiesta con compañeros de la escuela en el año 98, en el que Ale iba a demostrar su amor a una niña, todo sale mal y parece que este acontecimiento es el responsable de su fracasada vida. Todo cambia cuando al utilizar un viejo grabador guardado sucede un hecho inexplicable, es capaz de volver en el tiempo, así que se le ocurre la idea de volver a esa fiesta para lograr besar a la chica y resolver todos sus problemas ¿Así será ?

Si bien el film está cargado de guiños sobre todo tipo de cine, existen referencias puntuales a la mencionada volver al futuro, como cuando encuentran al creador de la máquina del tiempo (o más bien transmutador codificado analógico), un hombre llamado Tito Brown , además del obvio chiste de los 1.21 Gigawatts. La diferencia de este film es que no te habla sobre la complejidad del viaje en el tiempo, ni tampoco sobre las consecuencias que esto implica, sino más bien lo utiliza para que el personaje principal tenga una oportunidad para encontrarse a sí mismo, reviviendo el pasado y cambiando el presente. No hay que olvidarse que también se trata de una historia de amor , que se desarrolla de forma ágil , y que corre a la par de este pequeño relato de ciencia ficción.

Toca destacar el trabajo actoral de todo el equipo, ya que se trata de una producción independiente que se ha esmerado por por darle un espacio a todos los personajes, que acompañan e intervienen efectivamente en la misión del protagonista. Su protagonista, Matías Dinardo, compone perfectamente ese personaje tímido y algo torpe, del cual todos queremos que al final todo le salga bien y bese a la chica. Si, existen personajes y apariciones muy acertadas, como el personaje de estrella de rock , quien protagoniza un elocuente final en referencia a las patillas de Carlitos (Amén) Saúl Menem.

El festival Buenos Aires Rojo Sangre se caracteriza por brindar un espacio a las producciones independientes, donde el cine de género se hace masivo y a la vez un encuentro íntimo con sus realizadores. Su director Juan Francisco Otaño estuvo presente en la función para hablar sobre su proyecto y también responder preguntas del público. Ahí nos enteramos sobre sobre el tiempo y el trabajo que implicó realizar la película, que fue un proceso que duró alrededor de tres años y que vió la luz gracias a Ideame, un proyecto crowdfunding que se financia a través de donaciones. El trabajo final está muy bien logrado , más allá de ágil y entretenido arco narrativo , también el film se destaca a nivel técnico, otorgando más que interesantes planos- secuencias tanto en interiores como exteriores.

Rebobinado: La Película es un cinta que utiliza como recurso el viaje en el tiempo, para contar una historia ágil y sumamente divertida. Se trata de un proyecto completamente independiente que logró realizarse gracias al esfuerzo colectivo, y que esto se vió reflejado en la respuesta del espectador. Esperemos que logre proyectarse más allá del festival, ya que es un tipo de producción que necesita del apoyo de la gente, y a su vez , si merece ser vista.

Calificación 9/10

Crítica: Algo celosa

Por Daniel Alvarez

Algo celosa no es una película muestra una historia sobre el problema de los celos, pero su título responde a una definición que la protagonista hace de ella misma. Esta mujer comienza a transitar un periodo de pre menopausia, y es ahí donde entran los celos sobre aquellas personas de su entorno, su carácter e inseguridades se potencian y empieza esa lucha para superar esta crisis de mediana edad. Se trata de una comedia que resulta algo exagerada en sus situaciones, todo en función del humor, pero que refleja una realidad sobre el envejecimiento y las relaciones amorosas después de los 50.

La historia es bastante sencilla, una mujer se descontrola en el momento que se da cuenta de todo lo que ha pasado en su vida y empieza a sentir la espina de la edad. Ella una mujer divorciada, docente y que se siente intimidada ante la llegada de una nueva profesora mucho más joven e idealista, a su vez también ve la felicidad de su ex esposo con una mujer quizá un poco ingenua, entre otras cosas. Esto provoca un cortocircuito en Natalie, que empieza a convertirse en una persona por sobre todo irritante, que busca lograr un cambio en su vida para mejor, pero que al no lograrlo desquita su bronca con todo aquel quien tiene a su alrededor. El film es bastante llevadero y su humor es efectivo, a pesar de los constantes clichés sobre la vida de una mujer que está llegando a la tercera edad. Quizá el problema del film, es que cuando el conflicto llega a su punto máximo , le cuesta mucho bajar de él para encontrar una solución al problema, y si resulta posible, un aprendizaje sobre lo vivido. Parece que Natalie nunca baja los decibeles, y la realidad es que en algunos momentos llega demasiado lejos, y se vuelve poco verosimil salir de ello.

Lo mejor que tiene el film es el carisma de su protagonista, Karim Viard logra hacernos reír en varias ocasiones y también nos refleja de una forma creíble la crisis de edad que está viviendo. Aunque la construcción del personaje es correcta, el guión no acompaña a la hora de buscar el momento para cambiar, centrándose en las locuras del personaje, haciendo que pierda fuerza su costado más dramático.

Algo celosa es una película ligera y entretenida, con una primera hora muy bien construida , que nos muestra la crisis de una mujer acercándose a la vejez. A pesar de la más que correcta actuación de Karim Viard ,la película no encuentra el equilibrio entre la comedia y el drama debido a que los guionistas no supieron bajar a esta mujer de su ataque de nervios en el momento indicado. Sin ir más lejos , es un film entretenido que de disfruta más allá de su ligereza.

Calificación 6/10

Crítica: Cadáver

CADÁVER (The Possession of Hannah Grace) Dirección: Diederik Van Rooijen; Guion: Brian Sieve. // Crítica: CJ COLANTONIO.

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Un thriller psicológico de terror con aires a “Alien, el octavo pasajero” pero con menos pretensiones e inferior a “La autopsia de Jane Doe” o “La Morgue”.

Su estructura justamente es una especie de homenaje a este tipo de películas que construyen el terror en un espacio físico delimitado, en este caso, en una morgue que como locación parece una nave, además de construir un personaje femenino que lucha con recuperarse de miedos del pasado que lo paralizaron y que hoy debe hacer frente como una manera de redimirse.  Interesante que el protagonista no sea el demonio, eso gracias a esta construcción del personaje principal, los secundarios dejan bastante que desear.

Traducido como “Cadáver”, su título original es “La posesión de Hannah Grace”, este film nos habla -en específico-  de cómo el mal se introduce en nuestro organismo e infecta todo lo que nos rodea a tal punto de tomar control. Una propuesta perturbadora que al salir de la sala continúa helando nuestra mente, más que nada porque no hay explicación lógica para irnos tranquilos o con un final obvio.

Una de sus curiosidades es que es la primera película con presupuesto hollywoodense que se ha grabada completamente con varias cámaras Sony A7S II (Alpha 7S Mark II).

La decisión principal del uso de las mirrorless de Sony fue la ventaja que daba para tener múltiples cámaras durante grabación. Esto permitió grabar más cantidad en un proyecto que estaba muy ajustado de tiempos; además de permitir reducir el presupuesto en gran cantidad. Las cámaras fueron emparejadas con ópticas anamórficas Vantage Hawk 65.

(Calificación 6/10).

Crítica: La princesa encantada

Por Sebastian Sabio

Una pelicula llena de magia, amor y aventura medieval.

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“La princesa encantada” es una clásica historia en la que una princesa es secuestrada y solo su verdadero amor es capaz de salvarla. En esta oportunidad sucede en una ciudad medieval que no cree en la magia hasta que la ve con sus propios ojos.

Si bien la trama del film es algo que ya hemos visto muchas veces en el pasado, esta película cuenta con algunos aspectos verdaderamente innovadores como planos en los que tenemos la posibilidad de ver a traves de los ojos del protagonista, algo similar a la vision de realidad virtual.

En cuanto a la animacion, hay que reconocer que a pesar de no ser una pelicula hecha por pixar o universal est]a a la altura de las grandes producciones animadas.

calificacion: 6/10

Crítica: Cadáver

Crítica por Douglas Poito

Instagram: @douglaspoito Twitter: @dpTalento Facebook: Douglas Poito

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Un exorcismo se sale de control y causa la muerte de una adolescente. Meses después, la ex-policía Megan Reed (Shay Mitchell) intenta recuperar su propia vida después de haber sido incapaz de impedir el asesinato de su compañero y de haberse vuelto alcohólica y drogadicta a causa del dolor. Mientras trabaja en el turno nocturno de la morgue del hospital Boston, en el cual ha logrado mantenerse sobria, Megan descubre una paz inusual en la soledad extrema de las instalaciones cavernosas. Sin embargo, una noche, después de recibir un cuerpo horriblemente desfigurado, su vida cambia. Sola y encerrada en los corredores del sótano de la morgue en compañía de ese cadáver, Megan experimenta visiones espeluznantes. Mientras pone en entredicho su propia cordura, teme que el cadáver esté posesionado por una fuerza demoníaca despiadada y que pueda resucitar… para matar. Este 6 de diciembre estará en  la cartelera cinematográfica argentina este filme que tiene el objetivo de aterrorizar a los espectadores. La pregunta es ¿Lo logrará? Desde mi visión considero que “Cadáver” es una película que comienza con buen pie pero que a medida que transcurre los 35 min de proyección se desploma por su mala postproducción o montaje, deficiente guion y lo repetitivo de las secuencias y acciones del personaje de Hannah Grace. El género del terror tiene la gran complicación y dificultad que pareciera que las formulas preestablecidas para un filme de este estilo están desgastadas. El público se conoce los trucos hasta el cansancio. Por algo “El Exorcismo” sigue siendo la máxima referencia en cuanto a filme con posesiones diabólicas. “Cadáver” Es una cinta que a pesar de tener una buena atmósfera cinematográfica en su arte para causar miedo, se vuelve monótona y hace que en vez de provocar gritos te cause risas. Totalmente olvidable. Pienso que no causa el terror que debería. Una buena idea que se va perdiendo a medida que vamos descubriendo la historia.

Puntuación: 4/10

 

Dirección: Diederik van Rooijen

Producción: Todd Garner, Sean Robins

Guion: Brian Sieve

Música    : John Frizzell

Fotografía: Lennert Hillege

Montaje: Stanley Kolk y Jake York

País: Estados Unidos

Año: 2018

Género    : Thriller y terror sobrenatural

Duración: 86 minutos

Compañías Productora: Broken Road Productions

Distribución: Screen Gems

Protagonistas: Shay Mitchell, Grey Damon, Kirby Johnson, Stana Katic

 

Crítica: Aragne: Sing of Vermillion

ARAGNE: Sign of Vermillion de Saku Sakamoto (Japón, 2018) Crítica: CJ COLANTONIO. // “Buenos Aires Rojo Sangre” (Hasta el 9/12 en los Multiplex Belgrano y Lavalle con entradas a $70) Cartelera: http://rojosangre.quintadimension.com

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Cuando hablamos de animé seguramente se te vendrá a la cabeza películas como “El castillo ambulante”, “La princesa Mononoke”, “El jardín de las palabras” hasta “Dragon Ball”, como tantos otros títulos de animación japonesa, que adoptaron esta palabra en su lenguaje para referirse exclusivamente a los dibujos animados de ese país.

El animé es sinónimo de exageración, desde sus personajes, como de las acciones, o sea, un animé romántico sería excesivamente tierno y dulce, una animé gore tendría un exceso de sangre y violencia.  Además, de su singular estilo artístico, se destaca por lo profundo y emocional de sus historias.

Acá no es una excepción, lo que al parecer parece una historia simple, el relato tiene innumerables capas que descubren el verdadero imaginario de este guionista, director y que se ocupó hasta de la música , es más, se hizo de una cuenta de kickstarter para poder producirla.  Aquí, la lucha de la protagonista tiene que ver justamente en cómo uno crea un mundo para hacer frente a sus propios demonios, que en este caso, emergen en enormes polillas; por lo que el espectador que no tiene noción sobre éste tipo de género, tendrá que esperar y disfrutar hasta el final para entender de qué se trató todo esto, y valorar no sólo el resultado de lo que cree haber visto desde el principio.

¿Algo más sobre el Animé?

El animé ha perfeccionado técnicas para utilizar la menor cantidad de cuadros de animación por segundo que sea posible (8 cuadros por segundo), tales como mover o repetir escenarios, imágenes de los personajes que se deslizan por la pantalla, y diálogos que impliquen animar únicamente las bocas mientras que el resto de la pantalla permanece estática.  Otros argumentan que el mejor anime debe acentuar la dirección sofisticada sobre la animación actual (movimiento del personaje), proporcionando una ilusión de movimiento cuando en realidad no lo hay.

(Calificación: 7/10).

Crítica: Reborn, de Julian Richards

REBORN (2018 – Estados Unidos) – 80 min – Director: Julian Richards / Elenco: Bob Bancroft, Chaz Bono, Barbara Crampton // Crítica: CJ COLANTONIO.

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Ésta película de terror clase B con diálogos torpes, repetitivos, y con actuaciones para nada plaucibles, no es otra cosa que una idea malograda de Carrie o Llamas de venganza (Firestarter), aquella película con una pequeña Drew Barrymore, y ambas adaptaciones de Stephen King.

Aquí, la historia se centra en una actriz que sueña con ser dirigida por Peter Bogdanovich, pero que arrastra una especie de depresión hace dieciséis (16) años cuando tuvo un parto donde su hija nació muerta y que pareciera que para lograr ése papel, como también encaminar su carrera, tiene que reconciliarse con ése pasado justo ahora.

Excepto por eso, la historia es comparable a Bárbara Crampton, quien dejó de ser llamada luego de protagonizar un extensa lista de películas de terror, principalmente en la década de los años ochenta (80) y noventa (90).  Es más es muy posible que haya querido ser otro tipo de actriz donde su director sea alguien como Bogdanovich. Participó en la película “Doble de cuerpo” de Brian de Palma.

Paralelamente, la supuesta hija muerta aparece a buscarla.  Sí, es algo que sucede al inicio de la película. En la morgue cae un rayo de una tormenta eléctrica, que llega al caño de un mueble metálico y chispea la cuna del bebé muerto que RENACE, de ahí el título.  En fin, en vez de llamar a la madre o avisar a alguien, un enfermero que le gusta sacar fotos a cuerpos cocidos de mujeres, una especie de prestador de cuerpos para necrofilia, se lleva a la niña a su casa para que le haga la comida y termina abusando de ella.

Lo que sigue, es obvio.  Dieciséis años después, escapa, comete crímenes porque tiene poderes telequinésicos, en específico, puede controlar la electricidad con su mente y de ahí entra Michael Paré que es el detective que se ve involucrado.

Éste tipo de películas forman parte de “Buenos Aires Rojo Sangre”, el único festival especializado en cine fantástico y bizarro que se hace en Argentina, que se centra en producciones independientes y de bajo presupuesto, y que se comenzó a desarrollar hace 19 años.  Una oportunidad para salir de lo habitual y que no se verá en otro momento.

Se extiende hasta el nueve (9) de diciembre en los Multiplex Belgrano y Lavalle con entradas.  Mayor información en: http://rojosangre.quintadimension.com

Crítica: La vida misma

COMO LA VIDA MISMA (Life Itself) escrita y dirigida por Dan Fogelman. Distribuidora “bf-Distribution” // Crítica CJ COLANTONIO.

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Dos generaciones de familias unidas por la tragedia, y cómo más allá del entendimiento de ésa fragilidad, la búsqueda del ser humano sigue siendo el amor que puede coincidir en la existencia de nuestros progenitores.  Un relato un tanto antojadizo –a menos que se piense en que la autenticidad del pasado no pueda sino llevarnos de nuevo al germen de ese sentimiento tan puro.

En el comienzo cuenta con actuaciones de medio pelo de Oscar Issac, Olivia Wilde o Annette Bening que desarrollan unos de los cinco capítulos que arman la película, pero que más tiene que ver en una fallida estructura de los primeros diálogos donde se abusa de la información, como también del ritmo o los pulsos dramáticos (beats) que retrasan lo importante.

Sin embargo, a partir de la segunda historia todo mejora considerablemente.  El guión se arma de una manera coherente y juega con diferentes enfoques del relato, como los que alguna vez nos regaló la maravillosa película de Tim Burton “El gran pez”, algo así como que la vida es como la contamos, importa poco cómo sucedió.

Los diálogos parecen escritos por otra persona y aunque algunos pueden parecer un poco golpe bajo, están sustentados por enormes actuaciones, como un desafiante monólogo de Antonio Banderas quien demuestra que los años en esta profesión no son en vano; y que se complementa con la talentosa actriz –también española- Laia Costa, la de la famosa película alemana “Victoria”.  

La película tiene una intervención de Samuel L Jackson.

Si te interesa este tipo de estructura en las películas, te recomiendo CRASH del años 2005 que dirigió Paul Haggis y que fuera ganadora del Óscar a mejor película y que trata de las tensiones raciales que involucran a varios residentes de Los Ángeles.  Otra es Magnolia de Paul Thomas Anderson, quien ganó el Oso de Oro en Berlín en el año 2000. La última y menos conocida es “Short Cuts” de 1993 de Robert Altman.

(Calificación 7/10)