Crítica: Frozen 2

Por Daniel Alvarez

Disney ha alcanzado su punto máximo en cuando a éxito comercial gracias al estreno de la primera cinta de Frozen, un cuento de princesas que cambia un poco los valores tradicionales a los que estamos acostumbrados, de ahí la clave del su éxito. Vamos a ser sinceros, Frozen no necesitaba ninguna continuación, esto fue producto de la inesperada popularidad que la primera entrega cosechó, y siguiendo las reglas de Hollywood, esto se veía venir. En este capítulo se intenta indagar un poco sobre los orígenes de Elsa, en una película que es sumamente entretenida, pero a su vez poco trascendental.

Quizá el problema de hacerle una continuación a un cuento, es que estos quedan mucho mejor atesorados con el misterio de lo que pasó luego del “Y fueron felices…”. Ya hace poco nos pasó con Maléfica, que de pasar una nueva visión de la bella durmiente, pasó a una guerra con criaturas antes escondidas y que denotaba un relato sin pies ni cabezas. Resulta que la historia de Elsa tiene un orígen, que tiene relación con un bosque, a través de una historia que vivió su padre antes de ser rey, y explica la existencia de la magia antes de tener a sus hijas. Aquí se hace la mención a un canto, que fue clave en esa historia, y que de repente Elsa empieza a escuchar, ahí mismo se desata un nuevo peligro para Arendelle, y los personajes deben iniciar un viaje para solucionarlo. Hasta ahí todo bien, pero la realidad es que no existía necesidad de buscar ese orígen, y que termina siendo algo forzoso solo para tener una nueva historia que contar.

Para compensar, el metraje resulta sumamente entretenido debido el desarrollo de la relación entre los personajes, el humor que maneja, y el código de musical al estilo Broadway que posee. Si, la relación de hermanas es a lo que mejor jugo le sacan, volviendo quizás un tanto secundaria la típica historia de romance entre un hombre y una mujer, en este caso Ana y Kristoff. Existe ese relato paralelo sobre la intención de Kristoff de pedir la mano de su amada, pero por suerte se maneja como un relajo para ofrecer momentos humorístico. Es el humor lo que también le sienta bien al film, y es el personaje de Olaf quien maneja esta parte para la diversión de los más chicos. Es una realidad que el personaje resulta un tanto insoportable, que es una versión mas inocente del burro de Shrek, pero aún así sus intervenciones funcionan y hacen reír a los más chicos, y también a los grandes.

En el apartado artístico reluce la calidad en su animación, aunque quizá en momentos hay cierta confusión en detalles como la distancia en los escenarios, los viajes y sobre el diseño del mismo Reino. No son cosas demasiado relevantes pero llegan a notarse ciertos vacíos. En cuanto a la música, aquí el film está montado con un código perteneciente al de la comedia musical , si, esto quiere decir que hay muchas más canciones, y que su repertorio varía con los climax que se presentan a lo largo de la historia. Puede que no tengamos un nuevo Let it go, pero las canciones son pegajosas y acompañan al relato, como si de una obra de Broadway se tratara.

Frozen 2 es una película innecesaria pero aún así se lo perdonamos por brindarnos una aventura que es sumamente entretenida y que mantiene el buen desarrollo de sus personajes. La realidad es que con algunos cuentos es mejor dejar el misterio luego de su final feliz, en vez de montar una historia rebuscada solo para tener una continuación. El éxito hacen a las secuelas y está no iba a ser la excepción, lo bueno es que a pesar de todo cumple con su función de entretener.

Calificación 7/10

Homenaje a Oscar Araiz y presentación del documental “Escribir en el aire”

Por Virginia Cattaneo
“La danza deja huellas emocionales”
Teatro San Martín, Hall Alfredo Alcón. Mucha gente sonriendo y nerviosa, caminando de acá para allá, saludándose con más gente. Una especie de gratitud y amor envuelve la sala. Es porque se encuentra el coreógrafo y director de Ballet Contemporáneo Oscar Araiz en ella y le van a hacer una entrevista.


Ganador este año del Premio Konex de Platino en la categoría Danza y el Konex de Brillante por ser la personalidad más destacada de la década de la música clásica de la Argentina, cuenta con tono suave en una mini charla distendida con Laura Falcoff que a los 4 años escuchó “La consagración de la primavera” de Stravinski mientras miraba la película de Disney “Fantasía” y que fue ahí cuando su corazón supo que había encontrado su pasión, y sus dedos, que siempre estaban dibujando, en ese momento también trazaron muñequitos danzando pero esta vez con cosquillas en su estómago.
Años más tarde de aquel episodio Oscar se consagraría coreógrafo, luego director de distintas obras entre las que se destacan Symphonía, Magnificat, Romeo y Julieta, Boquitas pintadas, y La Consagración de la Primavera. Fue un viajante incansable con su Compañía para dirigir muchísimas obras por el mundo (Ópera de Paris, Berlín, Roma, Ballet Nice Mediterranée, Finnish Ballet, etc) de las cuales aprendería mucho y les dejaría marcas también. Además, a los 28 años creó el Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín y como si todo eso fuera poco hace días terminó de escribir su libro llamado “Escrito en el aire” donde, cuenta, trata sobre sus maestros, las influencias que tuvo a lo largo de su carrera, el contexto que envuelve a la danza sin el cual esta sería muy frágil; también sobre las herramientas compositivas en gral como la música, la pintura, el cine. Y lo resume al fin como una retrospectiva de su trabajo de tantos años.
Oriundo de Punta Alta, Oscar Araiz hizo de la danza algo memorable. Es por eso que los miembros del Teatro San Martín junto al Director Gral. del Complejo Teatral Buenos Aires Jorge Telerman, decidieron hacerle una especie de homenaje cuando finalizó la breve charla y el Ballet del Teatro bailó una pieza hermosa dedicada enteramente su maestro y hacedor Araiz. Él, emocionado y agradecido saludó muy amorosamente al conjunto de bailarinas.


Al homenaje se sumó Paula de Luque, exbailarina, coreógrafa y directora, regalándole una película llamada “Escribir en el aire”, escrita y dirigida por ella, con Marcelo Schapces como productor y bajo la vibrante música de Leo Sujatovich. Definida por Paula como “un viaje al universo creativo de Oscar Araiz, hecha a imagen y semejanza de su obra”, la misma dura 83 min y es una pequeña obra de arte. Sin ser muy entendida en el tema la verdad que igual me emocioné un poco al verla porque en definitiva muestra la pasión y el detrás de escena de las obras de este hombre tan genial, los detalles y los mecanismos que encuentra Oscar Araiz para hacer realidad sus piezas, la magia que destilan los movimientos, la danza, la música. Es una película/documental donde, entre otras cosas, se lo escucha decir a Araiz frases maravillosas como que la vida es un juego dramático, que trabaja con materia que no se ve pero que deja un rastro escrito en el tiempo, que todo es ejercicio y continuidad, que nada termina, menos la obra. También que el arte lo salvó de las desarmonías propias y del mundo y que mientras exista un ojo que perciba y una mochila cultural que interprete siempre va a haber un cuento para contar.
Y el de Oscar Araiz es sin dudas maravilloso. Cuando terminó la película estallaron los aplausos y la emoción siguió muy presente.

Me encantó haber conocido a Araiz, un personaje que pudo despuntar su pasión, con una vida fascinante y una carrera llena de éxitos que no lograron enceguecerlo, al contrario, es atrapante que sea alguien tan grande y TAN humilde al mismo tiempo, que se emociona e impresiona cuando la gente lo para por la calle para contarle que vieron tal o cual función hace años…siente que la danza deja huellas emocionales.
Calificación: 9/10

Crítica: Escribir en el aire

El viernes 13 de diciembre a las 18 hs, se inició el homenaje al prestigioso coreógrafo Oscar Araiz,  en el hall Alfredo Alcón del Teatro General San Martin, con la presencia de numeroso público, con la asistencia de Jorge Telerman, Director General del Complejo Teatral de Buenos Aires y  del homenajeado.  Lamentablemente,  nada puedo comentar del espectáculo de danza en vivo, porque no llegué puntual a la cita.

Me pude agregar a las actividades, a las 19 hs, donde pasamos a la Sala Lugones, para participar del estreno del film documental, de Paula de Luque, directora y guionista  como homenaje al coreógrafo,  bajo el título: Escribir en el aire.

 

 

Si me preguntan, acerca de que pareció la  película,  la respuesta es  profunda. Tiene un alto contenido poético, hay buen nivel artístico, es excelente las escenas fílmicas, excelente la tarea de Marcelo Iaccarino a cargo de la fotografía, Fernando Soldevila como diseñador de sonido, la edición de César Custodio y también la dirección de Paula de Luque. 

A la función de cine, me acompañó una profesora de baile clásico, que me hizo una acotación, que vale la pena compartir. Es excelente  la calidad de la película, como logra mostrar el esfuerzo del bailarín/a,   el movimiento del múscula, esa previa, en el proceso interno y externo, del profesional del baile, en lograr esa imagen que el ojo del espectador, generalmente, en un teatro,  ve a lo lejos, sentado en una butaca.

Sobre el guión, es excelente, con algunas imágenes, que pueden resultar algo fuertes,  a  la  sensibilidad de ciertas personas, pero acá me quiero detener. La película, me es difícil conceptuar como documental. Es posible que esta polémica abierta sobre el concepto de los elementos con los cuales se debe construir un documental, sea transversal a esta reseña, pero me veo en la necesidad de hacer hincapié en mi opinión,  de en el  género  para pretender ser documental,  debe darnos más información  sobre la vida y obra del coreógrafo. Si se la carátula como película testimonial, les doy la derecha, fundamentado en que noto  oscuros,  sobre la vida de Oscar Araiz, que me imagino, que seguramente es un  ejemplo de vida y para los jóvenes un referente a emular. Me emocionó, cuando cuenta que en España, durmió en los camarines de un teatro, que el dueño le dejó las llaves. El elenco, utilizó naranjas, como herramienta coreográfica, las tiraban al suelo,  para conformar el espectáculo mientras  el elenco aprovechaban para  alimentarse con ellas por ser lo  más barato.  Tal vez, el espectador, diga que caigo en un contrasentido, si Araiz es confidente, de algo tan profundo. No la oscuridad no es sobre lo que piensa, o su life motiv, lo que adolece es de información, sobre cuando comenzó,  premios ganados,  sus hitos en la profesión.

En el film, además de Oscar Araiz, participan en cenas de profesionales de la danza, donde se charla de todo, en la que participan Renata Schussehim, Ana María Stekelman, María Julia Bertotto.

Una película, que no pasará inadvertida por el ojo y el alma del espectador, que tal vez se quede con ganas de más, pero en buena hora, darle el lugar que se merecen esos maestros que han logrado que el Teatro General San Martín, tenga uno de los mejores cuerpos de baile de Argentina y reconocimiento con premios internacionales.


Calificación 9/10


Reseña Diana Decunto – inboxmatutino@gmail.com

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Crítica: Jugando Con Fuego

Por Guillermo Benites
Película dirigida por Andy Fickman y protagonizada por John Cena, nos cuenta una historia del superintendente Jake Carson y su escuadrón de bomberos que luego de rescatar a un grupo de 3 niños de un incendio forestal debe cuidar de ellos hasta que lleguen sus padres.

Tener a John Cena, un hombre recordado como peleador de la WWE, estando al cuidado de 3 niños, nos hace pensar quizás un poco a The Pacifier (“Una niñera a prueba de balas” o como difícilmente podríamos adivinar el título de la película en España “Un canguro superduro”). Teniendo en consideración esto, uno espera que pase algo parecido, planteando a un hombre preparado para grandes peligros, pero no para el cuidado de unos niños.
Si bien la historia se desarrolla de forma algo entretenida, me parece que manejan una comedia algo burda, buscando generar muchos intentos risa de los cuales pocos son exitosos (fórmula que quizás nos recuerde un poco a las películas cómicas que veíamos en la década de los 90, donde vemos golpes y accidentes, estilo “Tonto y retonto” o “Mi pobre angelito” que resultaban cómicas y bastante entretenidas) y también sin mencionar las sobreactuaciones por parte de los personajes en algunas de las escenas no generan tanta al público adulto que la vea pero si a los niños.
Lo que podemos rescatar de esta historia es que los niños siempre serán niños y no podemos culparlos por ciertas actitudes que puedan tomar ante ciertas circunstancias de la vida o las cosas que puedan hacer, es importante velar por que tengan la mejor infancia posible. Concluyo esto como el mensaje de la película la cual creo que está para verla en familia.

Calificación: 3.5

Pantallazo festivalero: Vistazo iberoamericano (BARS XX)

Por: Gonzalo Esteban Borzino

Cobertura del Buenos Aires Rojo Sangre XX

Carroña (Argentina) || Dirigido por: Luciana Garraza, Eric Fleitas
“En un futuro devastado por la crisis económica, la corrupción, la desigualdad social y la enfermedad, Tisha, una traficante de órganos humanos y asesina a sueldo, se topará con sus propios demonios.” Ganadora de las menciones Internacionales a Mejor identidad estética (Arte, Vestuario, Maquillaje) y Mejor Banda Sonora (Pablo Fuu).
Una planicie de sal que se extiende hasta donde alcanza la vista, junto a un puestito de carne en medio de la nada, es la primera imagen y la más representativa de este largometraje que capitaliza sublimemente la decadencia como mercadería audiovisual. La crudeza de un mundo donde rige la ley del más fuerte, donde todos de polvo salen y del polvo vuelven, consecuencia de una perpetua recesión económica y una sobredosis de Mad Max. Con una protagonista callada ante un mundo que chilla por la sangre del prójimo, la película se luce por su creatividad y dinamismo para trabajar con un reducido presupuesto, tanto monetario como de recursos. Merecedora de alabanzas, está en camino a volverse un clásico nacional, y referente latinoamericano.

Diablo Rojo PTY (Panamá) || Dirigido por: Sol Moreno
“Narra la vicisitudes de un chofer del popular transporte público panameño Diablo Rojo que es acechado por una maldición que arrastra del pasado. Primera película de terror panameña.”
Arrimandose con una curiosa temática, como colectivo del fin del mundo, el film se cae a pedazos por incompetencias que lo delatan como el primer largometraje de género del país. Su apartado sonoro resulta disonante, patéticamente telenovelesco y melódico, haciendo que la película falle en la construcción de un tono adecuado. Se presencia una carencia de búsqueda, o incluso una pérdida absoluta del criterio a la hora de fabricar tamaña necedad. Ricardo Risco no tiene criterio para componer para el terror, o su directora pretendía algo claramente no alcanzado. Asimismo, y a pesar de tener alucinantes efectos prácticos para los monstruos corporizados, los rostros derretidos y las heridas, es aberrante el uso de efectos especiales sin técnica, visibles desde la primera escena en una lluvia que evidencia demasiado su ausencia. En lo personal, me hiere ser tan duro con la cinta, no porque no se lo merezca, sino que he de reconocer que se han esforzado por apartarse de los tropos más obvios, forzando parte de la mitología popular local, presente en la criatura fantasmal que atormenta a los protagonistas. Hay un sabor casi folklórico, característico del fuerte aderezo centroamericano, que acompaña la experiencia y, por momentos, hace olvidar los errores cometidos.

Luz (Colombia) || Dirigido por: Juan Diego Escobar Alzate
“En la espesura de las montañas, en una comunidad aislada liderada por un predicador conocido como El Señor, un presunto nuevo Mesías llega al pueblo, pero con su llegada los males comienzan y no solo para la aldea, sino también en la casa del predicador, en donde sus 3 hijas, Laila, Uma y Zion comenzarán a cuestionar el verdadero significado de Dios, del Diablo, y la verdadera naturaleza del amor, del placer, de la feminidad y de la libertad. Dios vive ahora allí pero también el Diablo y deberán aprender a convivir en esas tierras el uno con el otro. ¿o son la misma persona?” Ganadora de los premios Iberoamericanos a mejor largometraje, mejor actriz (Yuri Vargas), mejor dirección de fotografía (Nicolás Caballero) y premio EDA por mejor montaje (Juan Diego Escobar Álzate).
Desoladora y de prolongadas pausas. Esta película, estrenada en el festival Stiges, nos habla de la crisis teológica disparada en una comunidad aislada, intensamente adoctrinada bajo los comandos de un Señor. Entintada con folk horror, con fuertes reminiscencias de The Witch (2015), los horrores que los habitantes enfrentan son fruto de su propia humanidad, y de los pecados que no supieron controlar. Deja una clara línea divisoria entre lo dedico y lo mundano, manteniendo esa separación ante lo blasfemo de un predicador que usurpa uno de los apodos de su propia deidad. Un tanto extensa, pero así es la espera por la salvación.

Hous3 (España) || Dirigido por: Manolo Munguía
“Un grupo de antiguos compañeros informáticos de la Universidad y sus parejas quedan para cenar y verse después de varios años. Durante la cena uno de ellos les confiesa haber descifrado uno de los archivos más secretos de Internet y les enseña una aplicación de realidad aumentada que ha encontrado dentro. Al intentar modificarla entre todos, desencadenarán una serie de conflictos con consecuencias totalmente inesperadas.” Ganadora del premio Iberoamericano a mejor director.
La trama de la cena de un grupo íntimo donde alguien es más de lo que aparenta es una línea argumental hecha hasta el hartazgo en años recientes. Esto se debe a lo económico que resulta en materia de producción, teniendo una puesta casi teatral, que depende de un refinamiento en el guión que no puede permitirse agujeros ni carencias en su disposición rítmica.

Lamentablemente, Hous3 no cumple con su única obligación: Entretener con una charla realista. Los temas y la forma de tratarlos son torpemente ejecutados, subrayando demasiado la importancia de la tecnología en la aparente conversación que más bien parece que funcionan como bloques de un discurso más grande. En lugar de disponerse como un eje temático unificador, la informática es revoleada hasta niveles ridículos para que cuando aparezca el gadget que cambiará el curso de la historia, lo recibamos como a un viejo conocido. No obstante, su temática me dejó inquieto, por lo que no recomiendo investigar sobre nuevas tecnologías antes de verla.

Crítica: El Recordador

El lunes 16 de diciembre se estrena en cines “El Recordador”, documental preseleccionada para los Premios Óscar, protagonizado por Matías De Stéfano, narrador, en voz e imagen, de esta ópera prima de Ariel Guntern y producido por Antarctica Films.

Una película que emprende un viaje, en el espacio, en diversos lugares que sea posible recorrer de este planeta y simultáneamente, transportarnos, en el tiempo, en el pasado, dar teoría sobre como todas las civilizaciones responder a un patrón de conducta “conciencia planetaria”.

Matías De Stefano, es el caminante universal, un joven con apariencia igual al de cualquier otro, pero con un hecho peculiar, “un descendiente” que tiene la capacidad de recordar los mensajes de sus generaciones anteriores. Este narrador errante recorre pirámides, cavernas, civilizaciones antiguas y en el papel de educador, de pensante, nos habla de lo que pensaban sus ancestros.

Un protagonista que puede remontarse al recuerdo de 10,000 años atrás, en los orígenes de su familia, y con la capacidad de hacerlos contrastar con este siglo XXI. ¿Quién de nosotros pudiera? Llevar en nuestra memoria, esas vidas pasadas, lo cual nos permitiría seguramente ser más benevolos y tolerantes, a la hora de revisar nuestro presente.

Una película de replanteos y compartirlos con un público que tenga inquietudes filosóficas, existenciales o religiosas. Como preguntarse, “si uno es más feliz recordando u olvidando” , intentar dar una respuesta, “¿cuál es el sentido de la vida?”. Proyectará sus teorías como cuando cuenta que las cavernas son úteros energéticos, donde la energía se concentra.

La apuesta es penetrar en la profundidad, con un profuso análisis, donde no se despoja del presente, intenta explicar como “llegamos al hoy” y es una apuesta importante, porque ante el vértigo de la ciencia y de la técnica agregado a eso, el desapego al pasado, hace que nos impida encontrar una justificación, que en realidad las respuestas están sobre cómo llegamos a vivir actualmente y plantea cuán errados estamos, dando propuestas orientativas sobre incorporar el concepto de “pensamiento planetario” y abrir el libro de la historia, para encontrar respuestas.

Una película, que tal vez, los destinatarios, no sean todos, pero como sucede con toda expresión creativa, apunta a un espectador cuestionador, que esté abierto a las documentales o que admire el trabajo de fotografía, que tan redondamente ha sido logrado por Mariano Cuneo y Rodrigo Dietrich.

En resumen, un intento por querer cubrir la necesidad de explicar “¿quien soy yo?” Con sólidos argumentos como “Un árbol es una neurona, pensante, a través de la cultura concientizamos”. “La tierra es un ser pensante y somos parte de su pensamiento”.


Calificación: 7/10

Film, preseleccionado para los Premios Óscar, llegará a salas de Capital Federal, Nequén, Córdoba, Rosario y Mendoza.


Protagonizado por: Matías De Stéfano

Dirección: Ariel Guntern.

Productores: Ricardo Freixá, Danilo Quispe y Fernando Carranza.

Dirección de Fotografía: Mariano Cuneo y Rodrigo Dietrich.

Edición: Diego De San Martin.

Prensa y comunicación: TP Agencia.

Premios del documental: RTF Film Festival (Mejor Documental y mejor edición).

Sobre Matías De Stéfano

Nació en la ciudad de Venado Tuerto, Argentina, el 4 de agosto de 1987. Vivió la infancia en su barrio natal y pasó su adolescencia entre Argentina y España, donde vivió entre sus 15 y 19 años. Desde el año 2009, con 21 años, comenzó a transmitir en charlas, talleres y conferencias su visión particular de entender la realidad, ayudando a miles de personas a tener una perspectiva diferente de nuestro entorno y nosotros mismos. Llamó Ater Tumti a toda su cosmovisión filosófica, lo que podemos traducir como: “Traer el Cielo a la Tierra”, concepto que trata de explicar que nosotros somos creadores de nuestra propia realidad, así como las herramientas y objetivos que nos dejamos en ella para poder trascenderla.

Sobre Ariel Guntern

Se desempeña como Director en Saladofilms y en Crufilms. Fue Vice presidente de Producción y Servicios creativos para Turner International, Regional Senior Creative Director para TNT and TCM, se desempeñó en Atlanta, Georgia para TBS International Latin America, Regional Creative Director: TNT and TCM, entre otros cargos. Algunos de las series y documentales realizados son Proyecto 48, Directores Latinos, Fronteras, El héroe del Monte Dos Hermanas, Huellas, 26 Personas para salvar el mundo, Bric, Confesiones de un Sicario, Paredes que hablan. “El Recordador” es su ópera prima.

Sobre Antarctica Films

Es una productora especializada en la producción de contenidos audiovisuales de ficción y documental. Contamos con un equipo multidisciplinario de profesionales, con amplia trayectoria y reconocimiento internacional, especializados en contenidos de del ámbito de la televisión y la cinematografía. Fundada en el año 2003 en Miami, con oficina central en Atlanta, USA. Hoy cuenta con oficinas en México, Argentina y España.


Reseña Diana Decunto – inboxmatutino@gmail.com

Rebobinado: La Película en Argentina Cómic Con

El sábado 7 de diciembre, en el marco del evento Argentina Cómic con, se presentaron en el auditorio del predio de Costa Salguero Juan Francisco Otaño (Director) , Leonardo Centeno (Guionista) y Matías Dinardo (Actor), responsables de la película de comedia y ciencia ficción Rebobinado La Película. Con gran asistencia del público, los anfitriones dieron una charla sobre cómo fue hacer la película, la experiencia que tuvieron en su estreno en el Buenos Aires Rojo Sangre y una distendida conversación sobre cómo es hacer cine independiente a pulmón.

Esta película que tuvo financiamiento a través de ideame, a través de un proyecto crowdfunding, cuenta la historia de Alejandro, un joven que, lleva el peso de un trauma infantil, ya que desperdicia la oportunidad de entregarle una carta de amor a la chica de la cual estaba enamorado cuando apenas era un adolescente. Luego de encontrar un reproductor de cassette que te otorga la oportunidad de viajar en el tiempo, intenta a toda cosas arreglar ese tormento del pasado.Dejamos adjunto un fragmento de la charla que se llevó a cabo en cómic con, junto al trailer de la película. Pueden seguir a Rebobinado la película por Instagram en https://instagram.com/rebobinadolapeli?igshid=ckoal66obyqf o a través de Facebook.