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Una de espías de la vieja escuela, con un elenco de lujo y una vuelta de tuerca, más de una en realidad, para mantener actual este género que ha tenido su década dorada muchas décadas atrás. ¿Podrá la última peli del director Matthew Vaughn estar a la altura de su famosa franquicia Kingsman, o será un pobre intento por seguir explotando este género? Lo vemos más abajo.
La historia:
Argylle es un agente secreto interpretado por Henry Cavill, sorpresa sorpresa, que conocemos en medio de una peligrosa misión secreta donde descubre que la agencia para la que trabajaba fue corrompida y quieren eliminarlo. Esta trama, que parece calcada de todas las películas de misión imposible, en este mundo parece ser una gran revelación, lo que hace que la escritora de esta serie de libros, interpretada por Bryce Dallas Howard, y la verdadera protagonista de esta historia sea acechada por todos, incluyendo a su propia madre, para conocer la trama de su nuevo libro.
Pero, como todo escritor en una película, tiene un bloqueo y decide viajar en tren junto a su gato a ver a su madre e intentar solucionarlo. Pero su aburrida y monótona vida oculta detrás de una pantalla va a cambiar rápidamente, porque allí conoce a un verdadero espía, interpretado por Sam Rockwell, que no puede distar más del espía que creo en la ficción. Parece más un mochilero que un agente secreto, pero las sorpresas no terminan allí porque dice que vienen más a matarla.
A partir de allí emprenden un viaje de aventuras y misterios donde juntos intentaran develar donde está un archivo que puede desenmascarar a esta organización secreta del gobierno que se volvió corrupta, y de paso en el camino develar también quien es realmente esta escritora. ¿Podrán descubrir el secreto y sobrevivir al gran malón de espías maléficos que intentan asesinarlos? Seguro que sí, pero lo importante es el viaje.
¿Qué me gustó? El elenco es genial, lo que en la boca de un actor del montón sería un dialogo insípido y sin gracia, cualquiera de estos te lo transforman en magia o por lo menos algo divertido.
Los giros y giros y más giros de la historia la hacen entretenida y van avanzando la historia, aunque vale aclarar que algunos funcionan bien y otro claramente no.
¿Qué no me gusto? Por momentos es bastante lenta para ser una película de acción, tiene momentos en que los actores sólo parecen estar esperando que el otro diga su dialogo para dar la devolución. Especialmente en la primer parte donde conocemos a la escritora y su vida monótona, que queda claro es bastante aburrida y sólo resta sentarse a esperar que comience la acción.
Utiliza varios recursos que en Kingsman eran originales pero en esta película se los ve algo repetidos y faltos de originalidad. Para colmo, parte del elenco, Samuel L. Jackson por ejemplo, está en ambas películas, lo que hace imposible no compararlas y claramente esta no tiene la frescura ni la gracia de la original.
¿Aporta algo nuevo al género? Casualmente busca revivir las películas de agentes secretos de la época de oro de James Bond, igual que hace muy bien Kingsman, lo que más que aportar al género lo revindica frente a las películas de espías más actuales que buscan darle cierto realismo. La intención de esta es claramente lo contrario, hacerla lo más fantasiosa posible para pasar un buen rato, y no hay dudas que por momentos lo logra, pero en otros momentos parece una formula repetida.
¿A quién recomiendo ir a ver esta peli? A los fanáticos de la franquicia de Kingsman especialmente, y a todos los que disfruten de una buena comedia de acción. No se puede negar que es un entretenido viaje para dejar la realidad de lado y meterse en el mundo del “recontra” espionaje.
No se levanten enseguida cuando vean los títulos, hay una escena después de créditos que vale la pena.
Calificación: 7/10
Para otras opiniones sobre cine y algún que otro cuentito seguirme en Instagram @cronicadeunavidacualquiera.
Complicidad para callar y mirar hacia otro lado. La banalidad con la que se trata la crueldad y el egoísmo.
La familia de un general nazi naturaliza al holocausto como una rutina que se deba seguir, como un trabajo o tarea que se tenga que hacer. Donde no se lo cuestiona. Las cosas son como son, y como nosotros estamos bien no hay porqué hacerse más preguntas, siempre y cuando seamos nosotros los que estemos bien.
¿Es una película sobre un doloroso pasado o sobre el más asqueroso presente?
¿Qué es lo importante en una obra artística? En este caso cinematográfica. ¿El mensaje que quiere dar el autor? ¿El objetivo es entretener y gustar? ¿O buscar otro tipo de sentimientos como la incomodidad y el dolor? ¿La meta es que te replantees cosas? ¿Busca el aplauso? ¿Busca fama y explotar la taquilla? ¿O busca quedar grabado por mucho tiempo en tu cabeza? Yo creo que esta última cuestión sin duda logra cumplirla.
Que difícil es escribir acerca de Zona de interés y Jonathan Glazer, porque tanto la película como el director son tan excelentes como inteligentes pero a la vez son tan solemnes y pretenciosos que pueden llegar a alejar más de lo que acercan. Pero eso también puede ser la decisión más acertada por parte del autor, el exigir al espectador quien sea el que haga mérito por entrar en la obra y no que la obra sea quien se esfuerce por llegar al espectador. Considero que hay films o directores que quieren aplausos, otros quieren dejarte mudos; y otros quieren dejarte mudo y a la vez recibir los aplausos, creo que en esta categoría entra Glazer con The Zone of Interest. Tener esas semejantes intenciones es super valorable y está más que excelente, pero es muchísimo.
Apenas terminó la película, a los pocos segundos de que empiecen los créditos finales, hubo tres o cuatro personas que intentaron, muy tímidamente, iniciar un aplauso pero al notar que prácticamente nadie en la sala lo continuó dejaron de hacerlo. ¿Forman parte de una minoría capaz de identificar una obra maestra apenas la terminan de ver, o sin entenderla del todo quisieron aplaudir y al notar que el recibimiento general cambiaron su percepción? Con una duda como tal escribo mi reseña.
¿Cómo hablar de un exterminio sin hablar del exterminio en sí? El horror está retratado pero no en la realidad de los personajes, sino que el horror está en nuestra interpretación, y en alguna que otra pincelada un poco burda pero totalmente funcional por parte del director, que más que nunca afirma ser un fanático de Kubrick haciendo cine en el siglo XXI.
Clase magistral de estilo, Glazer demuestra que no hace falta ser aparatoso y descomunal para ser impecable. Puesta en escena, fuera de campo, composición de cada encuadre. Una dirección de 10. Lástima que si viste el tráiler prácticamente viste la película y podrías entender el mensaje que quiere dar durante 105 minutos, pero que esto no te saque las ganas de ir al cine, si dudás entre un sí o un no, la respuesta es claramente sí, vale la pena. Glazer encierra en cada frame a sus protagonistas, interpretados por los brillantes Christian Friedel y Sandra Hüller (que gran año tuvo ella) en el papel de Rudolf y Hedwig, que te hacen creer totalmente lo que podría estar pasando por la cabeza de un nazi y no es exactamente lo que, casi siempre, se plasmó en el cine y la literatura este último siglo.
El fuera de campo hecha película. Lo importante no es lo que vemos, no es lo que se habla. No es lo que les pasa a los protagonistas. La película realmente está más allá de esos muros que dividen el hogar de la familia Höss del campo de concentración más espeluznante del nazismo. Una gran obrapero que me genera contradicciones, si me parece que es tan buena… ¿Por qué no me gustó tanto como debería? ¿Las obras maestras pueden ser aburridas?
“Reconocer al matrimonio Höss como seres humanos fue una gran parte de lo terrible de todo este viaje de hacer la película, pero seguí creyendo que, si podíamos hacerlo, tal vez nos veríamos a nosotros mismos en ellos”, confesó el director en entrevista con The Guardian. “Para mí, esta no es una película sobre el pasado. Se trata, de tratar el ahora, de nosotros y de nuestra similitud con los perpetradores, no de nuestra similitud con las víctimas”.
Entiendo que a quienes no les guste digan que es de esas que «no pasa nada», cuando en realidad están pasando un montón de cosas. Entiendo que habrá quienes no les gustará del todo y la considerarán olvidable, otros la elogiarán sólo por meteterse con un tema tan jodido como el holocausto desde la perspectiva de una familia nazi privelegiada por serlo. Y antes de afirmar lo siguiente quiero aclarar que yo no me considero aún un espectador apto, ya que la vi una sola vez, pero creo que quienes puedan palpar e interpretar el mensaje que quiere dar Glazer con su obra realmente les va a encantar, los va a perturbar y puede que sea su film predilecto sobre las atrocidades causadas por el nazismo sobre el pueblo judío.
Por fuera de lo que es lo cinematográfico, el título y su póster son realmente espectaculares y son el moño ideal para cerrar la obra. Como película obviamente la recomiendo pero a pesar de ser excelente no estoy del todo seguro que me haya gustado, considero que algunas escenas ya habían cumplido su cometido y aún así se seguían estirando en un ritmo lento. No creo que gane el Oscar a mejor director, ni es mi favorito, pero Jonathan Glazer hace un trabajo formidable con la dirección del film. Me parece increíble y prácticamente única la forma con la que eligió retratar la historia, y hasta me da curiosidad cómo lo hubiera plasmado otra persona a cargo de la dirección.
Tiene alguna que otra secuencia donde busca ser disruptivo, y por un lado valoro la arriesgada decisión pero por otro siento que es más experimental de lo que me gustaría, hubiera preferido que lo que quiere decir lo diga con herramientas clásicas del cine y no busque tanto ser ese ‘director diferenciado’. Obviamente lo que hace está bien hecho, pero los directores en los que percibo un aire de «miren lo que hice, aplaudan lo inteligente y original que soy» me generan inquietudes.
No me emocionó tanto como debería pero realmente es una maestría de dirección cinematográfica y no una clase de historia o el drama de una biopic de un jerarca nazi reconocido. Voy a recordarla más de lo que me gustó realmente, y por eso siento también que es una gran pero gran película. Donde hoy todos parecen correr detrás de la novedad, donde una película que se estrenó hace 2 semanas ya fue devorada por la vorágine de la actualidad, del scrolleo, de actualizar el feed, y ni hablar de una que se haya estrenado hace un mes o dos, siento que The Zone of Interest puede llegar a ser recordada y revisionada para seguir encontrando detalles en esta cruel historia.
El director afirma que siempre buscó retratar a la familia nazi como personas ‘normales‘, no quería retratarlos como monstruos para que no le sea sencillo al espectador distanciarse, alejarse de los personajes, por más que creamos que jamás le haríamos algo así a otro ser humano, hace no tanto tiempo, humanos de carne y hueso con sentimientos como vos y yo, cometían estos crímenes atroces sobre otras personas y si eso ya ocurrió, aunque nosotros no nos creamos capaces, tal vez deberíamos estar menos seguros de eso.
Gran acierto el atreverse a poner el foco en los perpetradores y no en las víctimas. Pero el foco en unos perpetradores que no son retratados como monstruos sino simplemente como personas que naturalizan o ignoran lo que realmente están haciendo, ella cuida sus propios interés y los de su familia, intenta cuidar su futuro quedándose a vivir en esa villa de Auschwitz, pese a vivir pegado a un campo de concentración donde se escuchan los gritos de los judíos asesinados o como llegan los trenes que cada día traen más personas a ser masacradas. Ella cuida su lugar, su anhelado hogar, que le llevó tiempo hacer realidad y ahora no lo quiere perder, ya sea por poder, estatus o simplemente mantener el privilegio a costa de que tantos otros sufran en la masacre durante.
Lamentablemente siento que hay un momento donde empieza a decaer, donde esperaba que la trama vaya a peor y no fue a peor, sino simplemente el ritmo seguía su curso y una vez ya planteada la historia, situación y personajes era un eco de lo mismo, y parece que eso era exactamente lo que Glazer quería: la película trata de esto y sólo de esto, no de otra cosa ni de lo que vengas a buscar con tus expectativas. No vas a ver en mi película villanos nazis gritando demostrando los monstruos que son, los nazis que más daño hicieron también podrían ser personas promedio, que querían lo mismo que podrías querer vos, vivir bien, amar a tu familia e intentar darles lo mejor a tus hijos. Y eso es lo terrorífico. Cómo una persona que hace tales atrocidades tiene tanta semejanza con uno.
Una comedia romántica protagonizada por una pareja heterosexual, rubia, joven y hermosa, pero no de preocupen, casi todas las demás parejas en la peli son diversas para compensar. ¿Valdrá la pena verla en la pantalla grande, o mejor esperar a una aburrida tarde de streamming?
La historia:
Se aman, se odian y se vuelven a amar. No, no es un tema de Ricky Martin ni Montaner, es la trama clásica de este género. Bea, el personaje de Sydney Sweeney se encuentra de casualidad con Ben, el personaje de Glen Powell, cuando él la salva de no poder usar el baño en una cafetería. A partir de allí pasan el día y la noche juntos derrochando carisma. Pasan la noche juntos, pero cuando llega la madrugada ella se asusta y se va. Cuando está caminando por la calle hablando con su hermana sobre el lindo chico que conoció, se da cuenta de su error y vuelve, con tanta mala suerte que escucha la conversación de Ben con su hermanastro sobre como la chica que acaba de conocer no era nada para él.
Pasan los meses y de casualidad vuelven a encontrarse, porque sino no habría película, y se dan cuenta que sus hermanas están en pareja y quieren casarse en Australia, de donde son los padres adoptivos de Ben y su hermana.
Emprenden el viaje y las constantes peleas entre estos dos hacen que toda la familia, especialmente las novias, piense que van a arruinar la boda perfecta que habían planeado, por lo que pergeñan un intrincado plan para unirlos. ¿Podrán estos intentos hacer que esta pareja que circunstancialmente se odia termine amándose? Todos sabemos que sí, pero por el bien de la trama vamos a plantear esto como una gran incógnita
¿Qué me gustó?
La química entre la pareja protagónica está ahí, esto es fundamental en este género. Si la pareja no te engancha y no parecen tener nada entre ellos el resto de la peli no va a funcionar por más bueno que sea el guion. Aparte ambos son muy agradables a la vista y el viaje a la soleada Australia parece ser la excusa perfecta para verlos todo el tiempo en malla e incluso a veces directamente sin ella, no es que me esté quejando de eso desde ya.
También destacó dos recursos bien utilizados: la música, que ponen para acompañar determinadas situaciones graciosas y las frases que arman como capítulos a lo largo de la peli. Me parece un lindo diferencial para algo que de otra manera seria muy genérico.
¿Qué no me gusto?
Algunas conveniencias son demasiado exageradas, lo que te saca un poco de la trama, y parece que todas las conversaciones son o escuchadas por todo el mundo o no escuchadas por nadie más que los protagonistas que están a dos pasos de los demás, todo a disposición de avanzar con la trama. Por momentos termina siendo como una suerte de gran reality donde hay un director que sube y baja micrófonos según le parezca.
Por otro lado, pese a que la, en mi opinión, exagerada corrección política no hace demasiado ruido en general, hay momentos que algunos diálogos quedan demasiado forzados y resultan innecesarios en una película así.
Incluso tienen un personaje que parece exclusivamente puesto para decir lo políticamente correcto y que no todo se sienta como ricos privilegiados que invitan a toda la familia al otro lado del mundo (Australia) solamente para celebrar su boda.
¿Aporta algo nuevo al género?
No demasiado en realidad, todo es bastante genérico y esperable en este tipo de films, pero a su vez está bien realizado y en su punto, por lo que resulta agradable de ver. Seguramente es una película que a futuro tendrá muchas reproducciones en el streaming pero no quedará en la historia como un gran referente, sino simplemente como una buena peli que cumple lo que promete.
¿A quién recomiendo ir a ver esta peli?
A los amantes de las comedias románticas, ideal para primeras citas o para parejas que ya llevan un tiempo y quieren pasar un lindo rato e identificarse, al menos un poco, con los protagonistas.
Calificación: 7/10
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Una nueva de Jackie Chan, después de un tiempo en que no aparece delante de cámara, donde vuelve a su esencia, las escenas de acción con un toque de humor y bastante emotividad. ¿Estará bueno verla en la pantalla grande o mejor esperar para el cine del sábado a la tarde de telefe? Lo averiguaremos más abajo.
La historia: Es simple y complicada al mismo tiempo, un verdadero logro. El personaje de Jackie, Lao Luo, es un doble de riesgo en el ocaso de su vida cuyo único amigo, casi como su hijo en realidad, es su caballo “Red Hare”. Pero esa relación se ve amenazada no sólo por una deuda con un acreedor sino por dos de ellos, que por antiguas deudas le reclaman que entregue al caballo.
El primero de los acreedores, más parecido a un matoncito de barrio con su pandilla, intenta llevarse al caballo en medio de un concurrido restaurante y por supuesto tenemos una divertida escena de acción que mezcla las acrobacias con el humor, como todos esperamos de este gran maestro que está impecable.
Logra escapar de estos violentos pero para su desgracia otros brabucones, esta vez de saco y corbata, le dejan una orden judicial para que entregue el caballo ya que no está claro que él lo haya comprado. Sus amigos le recomiendan conseguir un abogado pero no puede pagarlo, lo que debe hacer es volver a conectarse con su hija, a la que no ve hace años desde que murió su ex mujer, para que la ayude con el juicio ya que es estudiante de derecho y está de novia con un abogado.
Pero no todo son pálidas para Jackie, ya que un video tomado de la pelea que tuvo al principio se virilizo y esto hizo que lo vuelvan a llamar para ser doble de acción en el cine, y no sólo a él sino también a su caballo. Por primera vez podrá compartir esta profesión con su hija que le llevará los contratos. ¿Podrá este experimentado doble de riesgo recuperar a su hija y mantener a su caballo o los viejos fantasmas del pasado volverán para separarlo de su familia?
¿Qué me gustó? La carga emotiva es más de lo que esperaba y está muy bien, realmente te llega y conectas con el sufrimiento y la emoción de su personaje. Por supuesto que las escenas de acción bien coreografiadas que es lo que nos enamoró hace tantos años de este gran actor, y que la excusa de que es un doble de riesgo viene como anillo al dedo para ponerlo a él y su caballo en varias escenas de acción en escenarios muy diversos homenajeando también a algunas películas clásicas del cine Chino. Es también un gran homenaje, no sólo a la gran carrera de Jackie Chan sino a todos los dobles de riesgo que normalmente son invisibilizados en las películas de acción, incluso muchos actores dicen hacer sus propias escenas de riesgo cuando no siempre es cierto, y que realmente corren riesgo y en muchas ocasiones se lastiman gravemente, esto lo vemos no sólo a través de la historia ficticia del protagonista, sino también mostrando viejos backstage de películas de Jackie.
¿Qué no me gusto? La historia como ya mencionamos antes es demasiada intrincada y simplemente está en función de forzar situaciones que generen emoción, risas o escenas de acción sin preocuparse demasiado por mantener una coherencia argumental clara.
¿Aporta algo nuevo al género? Más que aportar, rescata las escenas de acción con buenas coreografiadas con muchos dobles, el uso de elementos comunes del escenario y algo de gracia, que es un poco de aire fresco en medio de tantos efectos especiales que se parecen más a dos niños chocando muñequitos entre sí que a una escena de acción.
¿A quién recomiendo ir a ver esta peli? Por supuesto a todos los que disfrutamos del cine de Jackie Chan que es un sub género en sí mismo. Para llevar a toda la familia y disfrutar este verdadero reencuentro con aquel viejo amigo del oriente.
Calificación: 7/10
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Los coreanos se destacan por sus buenas series y algunas que otras películas de acción. Pero.
¿Cómo poder desglosar esta película sin hundirla?
La película se divide en tres capítulos que se dividen en saltos de tiempos que componen la trama de la historia.
La historia comienza con una pareja compuesta por un actor famoso y premiado y su mujer que trabaja en una empresa donde es jefa operaria y está embarazada. Viven en un block de departamentos dónde tuvieron una serie de problemas con un vecino que vive en el piso de abajo. Hasta ahí todo normal, hasta que una noche Hyeon.soo, el protagonista de la película se despierta de la nada y se queda mirando hacia la puerta de entrada del departamento y, es ahí donde comienza la vorágine y el tema central de esta historia. Todas las noches se despierta y cada vez sus actos son más erráticos, raros y fuera de lo normal y a base de estos problemas, lleva a su esposa Soo-jin a la locura y tensión sobre sus actos y sobre su vida junto a él.
Para los momentos de tensión y suspense la historia se apoya de una música típica para estas películas que te mantiene atento a lo que pueda suceder, al igual que el juego de las cámaras y las expresiones corporales de los actores, pero de ahí, nada más.
La trama se va desenredando tan predecible y fácil que al espectador no le deja nada a pensar o asimilar. Las transiciones son flacas para no decir débiles y el desenlace es tan flojo que uno queda preguntándose “¿en serio, todo esto para eso?”
Lo rescatable –por así decirlo- es la lucha de la pareja/familia protagonista, sus toques (que son poco) de humor, el drama y las expresiones corporales de los personajes en los momentos de tensión y de “terror”.
Por cierto. Esta película es una mezcla de drama, suspense y terror psicológico. Aunque tiene más de las dos primeras que de la última.
Las actuaciones son normales, no hay una que se destaque o sobresalga por los demás.
No la recomiendo para verla en el cine, pero su funcionaria bien si llega a alguna plataforma streaming para verla un fin de semana en que no haya un panorama mejor.
Contradicciones humanas en relaciones humanas. Matrimonio y roles de género. Maternidad, paternidad e infancia. Pérdida, justicia y arte. (Pará un poco Justine, me vas a matar!)
Las cosas no son lo que parecen. Y no lo digo como un cliché, lo digo de la forma más alejada de Hollywood posible. Justine Triet no quiere mostrarte algo para que un plot twist te deje con la boca abierta tras el impacto. Las cosas no son lo que parecen porque lo que percibimos de la realidad es tan sólo una parte de la misma, una pequeña e imparcial pieza de una fragmentada verdad, la cual puede ser, y seguramente sea, tendenciosa y sesgada.
Anatomía de una caída. Sí, pero también anatomía de un matrimonio. Sí, pero además la caída de un matrimonio. Porque para la directora, aunque haciendo un thriller judicial siempre tuvo claro lo importante que era el vínculo entre Sandra y Samuel.
“Había una vez un erizo que se sacó todas sus púas para no herir a su pareja que no era un erizo. Ahora al mirar su reflejo, no puede reconocerse a sí mismo.”
Justine Triet, nos trae con su cuarto largometraje, Anatomy of a fall, su mejor película hasta el momento, y digo que es la mejor de su filmografía hasta el momento no porque no me hayan gustado sus anteriores películas, que sí me gustaron y mucho, sino porque confío en que esta aún joven autora nos dará grandes obras en los próximos años y décadas. Luego de La Batalla de Solférino de 2013, Victoria de 2016 y Sibyl de 2019, Anatomía de una caída no es solamente un thriller judicial, es EL thriller judicial, y aunque no soy un especialista en el subgénero, no recuerdo ninguno mejor en lo que llevamos de siglo.
Lo que hace Justine Triet tanto en dirección como en el guion (escrito junto a Arthur Harari) es realmente excelso, no hay una sola escena que no aporte al crecimiento de la obra, no hay una línea de diálogo de más, ni de menos. Crea personajes realmente brillantes, excelentemente pensados con diferentes matices y aristas. Para ponerse de pie y aplaudir.
Si quieren cine con mujeres protagonistas, reales, complejas y de varias dimensiones sólo dejen que las mujeres sean quienes escriban y dirijan las películas. Ya tuvimos suficientes femmes fatales e indefensas mujeres que necesitan ser rescatadas. La directora escribe un personaje que Sandra Hüller, dándole su impronta, potencia interpretándolo a la perfección. En especial porque al enfrentarse al caos que está atravesando (como suelen ser los personajes femeninos en los guiones de Triet) no lo hace sumisamente, se da el lujo de no ser una víctima más, no es la víctima perfecta, no se la pasa llorando para que le crean pero tampoco es la heroína ideal, tiene bien ganado el derecho a ser una mujer imperfecta a los ojos de la sociedad.
«En un juicio, cuando hay una mujer y no hay evidencias, inmediatamente sacan su vida privada, su vida sexual, sus hábitos, y lo hacen desde una aproximación que no es neutral.» Responde la directora. «Fue provocativo hacer a Sandra una mujer dominante. Pensé que era interesante mostrar que cuando las mujeres están en esa posición, son mucho más criticadas por la sociedad. Al mismo tiempo, como es una novelista de éxito, todos podrían verla como una presencia amenazante.» Afirma Justine.
El cast creo que no podría ser mejor para cada personaje, Sandra Hüller digna de Oscar en el papel de Sandra Voyter; Milo Machado Graner es el hijo, Daniel; Swann Arlaud es el abogado defensor, Antoine Reinartz ocupa espléndidamente la figura de un odioso fiscal; Samuel Theis es el difunto marido Samuel. Y no quiero dejar afuera a Jehnny Beth, Camille Rutherford y a Messi. Así es, la película es tan buena que hasta Messi da una brillante actuación, dándonos una de las mejores y más tensas escenas, pero ese Messi no, estoy hablando del perro que interpreta a Snoop y que su nombre real es por nuestro 10. No es un chiste, el perro Snoop tiene escenas impactantes y relevantes para la historia, me parece increíble.
Volviendo con la autora, es necesario un párrafo aparte para lo tremendamente bien utilizado que está el fuera de campo y aunque lo implementa en más de una ocasión hay una escena clave donde Triet decide mostrarte lo que creemos que ocurre pero hasta cierto punto y deja a tu criterio, y el de los personajes el resto. Sublime. La puesta de cámara es tan sobria como admirable; al igual que el montaje, cada corte está realmente donde tiene que estar.
¿Ritmo lento? No, para nada. RITMO PERFECTO. Que la película no se apresure en avanzar a donde tu ansiedad quiere que llegue para que te escupa una explicación ya masticada de lo que pasa no significa que sea lenta. Justamente de eso trata, de que el espectador vea cual juicio las evidencias que hay, y también tenga en cuenta las que no; pero puede suponerlas, aunque nunca sepa si son verdad o no. Y repito, justamente de eso trata la película. No quiero hacer citas textuales para no spoilear pero uno no debe ‘fingir’ su posición antes de estar seguro de algo, ni demostrar seguridad cuando tal vez no la tenga completamente; pero sí tiene que decidir inicialmente de qué lado está en lo que cree, aunque viva con la duda de si es o no su creencia factiblemente una verdad absoluta, probablemente no. En palabras de la directora, «Esta película trata sobre la verdad, la imposibilidad de capturarla y de que es una construcción”. ¿El último plano de la película? CINE. Así como lo hace el tribunal con el juicio, la autora con la obra y el espectador con su opinión; la realidad es una construcción (social).
Y aunque podría seguir analizando esta obra, también podemos comentar por fuera de lo que es, el porqué Anatomy of a fall como drama judicial es un rotundo sí y Oppenheimer es un decadente no. Podríamos citar a la directora por lo menos 10 veces más. Con dichos como, “Soy bastante tímida, y cuando sos tímida y hablás, tenés que hacerlo con fuerza. Respaldo mis palabras, pude triunfar gracias a un sistema de financiación cinematográfica que es la envidia del mundo. Quiero decir, protejamos eso y pensemos en las futuras generaciones de cineastas”. Y también hilarlo con la incógnita sobre la presunta disputa que tiene Triet con el ambiente de cine francés que cometió el, para mí, grave error de no elegirla como representante de su país para la nómina de Mejor Película Internacional para los Premios Oscar.
Ahora sí, para finalizar volvamos a lo importante. Lo mejor de la obra, donde cada apartado podría tranquilamente ser lo mejor de casi cualquier otro film del 2023, es que el lúdico debate, interno o con otros, de la pregunta ¿Fue un accidente, fue un asesinato o fue un suicidio? No es lo más importante de la película. Y con una historia tan atrapante, que la respuesta a la pregunta del detonante no sea lo principal, no sea con lo que nos quedemos solamente, hace a Anatomy of a fall aún más brillante. Pero para quienes quieren saber un poco más, aunque insisto que no es necesario, la directora dijo que decidió precisamente que pasó con Samuel, pero ese es su secreto y que tal vez revele su versión dentro de 10 años, aunque remarcó que cualquiera sea la respuesta, Anatomía de una caída trata acerca de aceptar y poder vivir con la duda.
¿Qué pensarías, si una noche al dormir, te aparece un hombre fuera de todo contexto del sueño y no hace nada… Absolutamente nada? Y que este hombre se aparezca a varias personas más en distintos lugares y países y haga exactamente lo mismo.
Esto es Dream Scenario, la nueva película de Nicolas Cage, que aparte de actuar es productor de esta misma. La película se centra en un hombre común y corriente, un simple profesor de colegio que lleva una vida ordinaria y cotidiana como todos. Pero de un momento a otro y sin explicación alguna comienza a aparecer en los sueños de las personas.
Lo raro. Es que no hace nada en los sueños, absolutamente nada, solo aparece y nada más y ahí comienza una vertiginosa historia que te atrapa y te mantiene atento a las situaciones que pasan.Mientras pasan los minutos, la película te sube en un vaivén de emociones; te ríes, te hace pensar, te emociona y por, sobre todo te hace sentir extraño por momentos.
Nicolas Cage se come la película; su personaje es sublime, memorable y épico. La fotografía es buena al igual que soundtrack y el resto de las actuaciones son excelentes.
Está película promete ser clásico en todo su esplendor. Y Nicolas Cage vuelve a demostrar que está a la altura de interpretar cualquier personaje y hacer que las situaciones vividas sean tan cómicas y sublimes como únicas. En 101 minutos que dura este drama cómico queda demostrado que quedará entre las películas de culto y favoritas del público.
La obra del griego es un caso aparte dentro del cine. Su forma de contar historias no es algo a lo que el espectador promedio está acostumbrado. Sin embargo, la industria hollywoodense le ha dado un lugar de lujo ya que no se ve tan cohibido (como otros realizadores). Dentro de sus films, hemos visto comedia negra pero esta vez parece ir más allá de todo. Ya en los trailers y afiches podemos percibir que estamos un estilo cine muy clásico. ¿Estamos ante otro gran tabajo?
Bella es una joven revivida por un científico ambicioso: el doctor Godwin Baxter. Para ella todo es nuevo y constantemente siente curiosidad por aprender de lo que la rodea. Cuando conoce a Duncan, un perverso abogado, ambos hacen un recorrido por varios continentes por lo que la muchacha empezará a comprender su sentido de la vida.
Aunque la sinopsis parezca no ofrecer sorpresas, les aseguro que las hay. El enfoque que el realizador le da nos hará, no sólo ser parte de la aventura de Emma Stone, sino también nos dará una caricia a las almas cinéfilas. Nos encontraremos con un surrealismo extravagante en el que podemos sentir estilos y aspectos de otros trabajos y autores como: «El Barón de Munchausen» de Terry Gilliam, algo de lo clásico de Tim Burton; encuadres coloridos y casi irreales como los de Wes Anderson, con cierto dejo del sucio ‘gore’ estético de cintas de la «Hammer».
El trabajo de Stone es colosal. Se sabe que es una gran actriz. Muchos lo pudimos notar desde sus inicios en largometrajes como «Easy-A» o «Supercool». Se entrega de lleno a esa experimentación que necesita para el rol. La temporada de premios ya arrancó y arrasa por donde pasa. Basada en el libro de Alasdair Gray y con guión de Tony McNamara, la fusión de este guionista con la intérprete nos da grandes cosas. Más si sumamos el talento del autor que nos trajo «The lobster». Todos fueron parte de «La favorita» (donde hay algo de ese tono y humor).
Un párrafo aparte también son Willem y Mark, cumplen de sobra con una increíble labor. La contención y el conflicto que requiere la protagonista. Visualmente es soberbia; hasta lo más artificial se siente más real que casi todos los efectos digitales de las grandes producciones de Hollywood. La ganadora del «Léon de Oro» en el Festival de Venecia es un obra difícil de digerir en una primer cita. Pero cuando reflexionas sobre ella notás la maravilla del séptimo arte que es.
Ni la misma Mary Shelley pudo representar a esta bella Frankestein, dotada de las mejores partes de una industria que parece podrida pero aún queda una gran inteligencia y amor por lo que esos retazos le da vida a este valioso espécimen.
Basada en el corto homónimo (Night Swim) del mismo director de este largometraje, Bryce McGuire. Una peli que hace agua cuando tiene que justificar su existencia pero con algunas cositas para destacar.
Una de terror en el agua, ya sé, estás pensando que ya la viste, pero no, esta es nueva. Es que el terror se lleva casi tan bien con el agua que como con los niños y los juguetes poseídos.
En este caso tenemos dos y medio de tres, ya que tenemos agua y niños en la película, y en lugar de un juguete poseído tenemos una piscina poseída.
La historia:
Una familia está buscando un nuevo hogar, ya que el padre de la familia está atravesando una recuperación lo que no le permite seguir con su ascendente carrera de beisbolista. Nada les llamaba la atención hasta que ven una casa algo abandonada pero si con una importante piscina en el patio trasero.
Deciden que esa opción sería la mejor ya que podría hacer allí su terapia acuática, rápidamente la familia se adapta a su nueva realidad, el padre se recupera rápidamente y los chicos y su madre disfrutan la pileta buscando cosas bajo el agua.
Pero tanta felicidad no puede ser para siempre, y comienzan a ver cosas oscuras debajo del agua cristalina, quizás la misma oscuridad de sus propias almas.
¿Qué me gustó?
Lo mejor son las actuaciones, son actores que están emergiendo. El protagonista Wyatt Russell, conocido por ser el fallido nuevo capitán américa en el universo marvel. Y Kerry Kondon, casualmente también participó del universo marvel como la voz de Friday (la que escucha ironman en su traje).
Los más jóvenes de esta familia ficticia no tienen tanta trayectoria pero se nota que pueden tener futuro, especialmente la chica más grande interpretada por Amélie Hoeferle.
El sonido también se destaca, fundamental para este tipo de pelis y ayuda con alguno de esos sustitos que le gustan a los amantes del género, aunque a veces se abusan un poco de ese recurso.
¿Qué no me gusto?
La peli hace agua (cuac) en la explicación que da del fenómeno, y cuando quiere sacar al peligro, que casi toda la peli está contenido dentro de la pileta, fuera de ese ámbito, todo se cae a pedazos.
¿Aporta algo nuevo al género?
Nada nuevo, puros clichés del género de terror que ya vimos en otras películas, incluso de algunas escenas icónicas toma demasiado prestado, estamos hablando por ejemplo de que el payaso Pennywise sacó la temporada de pileta.
¿Para quién recomiendo ir a ver esta peli?
Fanáticos del género que siempre están a la espera de algún nuevo elemento de la vida cotidiana que les dé un buen susto.
Calificación: 6/10
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Uno de los grandes pecados que cometo como persona que ama el cine es no estar al día con la filmografía de este genio de la animación. No por un problema puntual con él sino que el animé no es lo que más suelo ver. Después de 10 años el dibujante japonés nos trae un nuevo largometraje para seguir dejando otra marca en la historia del cine. Su última dirección fue el corto: «Boro the caterpillar» del 2018. ¿Se puede dar por sentado que es bueno este nuevo trabajo?
Mahito es un adolescente intentando superar la muerte de un ser querido. Cuando una garza que habla le informa que su mamá sigue viva. Ambos se embarcarán en una gran aventura.
Las cintas del creador de «El viaje de Chihiro» siempre tienen determinadas características que se convierten en su estilo identificable. Como los personajes caricaturescos que suelen ser los «alivios cómicos». La historia dura que se transforma en aprendizaje; seres simpáticos que después desearás tener en tu repisa si sos coleccionista, y demás. Es posible que no esté en su «top 3» porque, honestamente, la vara está altísima. Sin embargo, sin dudas está entre lo mejor del año que acabamos de dejar. Será más querida y duradera que sus ultimos trabajos.
El camino que recorre este niño es el que debemos pasar todos aquellos que transitamos una pérdida semejante. Imposible no sentir que caminas a la par de esa criatura. Hay frases del anciano con el que se cruza durante su recorrido que funcionan como «mantras sociales» que debemos tener en cuenta. La animación, el sonido y las voces que se les da a las personas y demás especímenes son geniales (Aclaro que vi en su idioma original). La música de Joe Hisaishi es maravillosa, el talento de este asiduo colaborador se mantiene firme.
Lo que le criticaría es que se me hizo un poco pesada aunque sin llegar a molestarme. Aunque no tengas un corazón de niño la vas a disfrutar (y mucho) porque es un largometraje pensado para todos y sin subestimar al espectador.
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