Toc toc: Buenas ideas, ejecución regular

El año pasado tuvimos grandes entregas en el género de terror, entre ellas rescato una: Barbarian. Este filme del joven director Zach Cregger no es lo que parece pero mientras menos sepamos la experiencia será mucho mejor. Su narrativa va por capas hasta darnos plot twists interesantes con dosis de comedia ácida. Se remite a Barbarian pues los productores de la misma son los encargados de Toc Toc (Cobweb), la reciente entrega de Lionsgate.

Samuel Bodin realiza su debut en la pantalla grande en Toc Toc, de este director francés se conoce poco pero se evidencia un uso de estilo tomado en referencias o inspiración, entre ellos Barbarian y una que capaz no esperábamos: La maldición (Ju-On), la saga de terror japonesa de los noventa; también los cuentos de Edgar Allan Poe.

La película está protagonizada por Lizzy Caplan, Woody Norman, Cleopatra Coleman y Antony Starr. De la trama solo se puede decir que cuenta la historia de un solitario niño de 10 años que vive en una tétrica casa con unos padres controladores y misteriosos. El protagonista comenzará a escuchar sonidos (un toc toc) que viene de la pared pero estos se volverán voces y luego algo aterrador.

No se puede revelar mucho sobre Toc Toc pero el mayor error fue su poster oficial, este spoilea el giro de trama más importante. Pudo haber sido un autosabotaje pero como se mencionó en Barbarian, es mejor ver el filme sin saber mucho.

Toc Toc es tensa y deprimente, la atmósfera es lúgubre y la banda sonora igual. Su duración es corta (82 minutos), lo cual permite disfrutarla sin que nos cause tedio, aunque el final es decepcionante y quedan muchas respuestas en el aire (capaz se esperan secuelas), se siente inconclusa.

Las referencias a Ju-On son geniales y esto suma a los fanáticos del terror. Anthony Starr hace un papel estupendo, muestra esa dualidad que hace en The Boys pero dentro de un papel paterno, causa incomodidad y nerviosismo.Woody Norman a sus cortos 14 años se muestra con talento y un gran porvenir luego de llevar el peso de un protagónico.

Toc Toc cumple su función, no se le puede exigir nada más y hay que conformarnos con eso.

Calificación: 6/10

Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

El terror y la adolescencia

Si una película lleva el sello de A24 se vuelve un sello de venta, sobre todo en terror, siendo esta distribuidora la responsable de traernos películas que refrescan el tan gastado género, con jóvenes directores y nuevas ideas, un abanico de nuevas posibilidades de explorar el horror.

Los gemelos australianos Danny y Michael Philippou son los creadores del canal de Youtube RackaRacka, este posee un total de 6.7 millones de suscriptores y se encarga de recrear batallas, peleas, escenas y escenarios que fusionan personajes de la cultura pop. El ingenio de los hermanos es único y esto les llevó a dirigir su primer filme titulado ‘Hablame’ (Talk to Me, 2023). Se logró la hazaña mediante donaciones y las regalías que ofrece Youtube, sin experiencia en cine realizaron una de las películas de terror más interesantes del año.

Escrita por Danny Philippou y Bill Hinzman a partir de un concepto de Daley Pearson, la película está protagonizada por Sophie Wilde, Alexandra Jensen, Joe Bird, Otis Dhanji y Miranda Otto.
La película se desarrolla en una comunidad sin nombre en Australia donde los jóvenes pasan su tiempo en fiestas, drogas y redes sociales.

Una chica llamada Mia enfrenta una depresión silenciosa y se refugia en sus amigos que considera su verdadera familia. En Tiktok se hace viral un challenge que consiste en tocar una mano de madera y decir ‘Hablame’, la persona que lo haga verá un espíritu en particular, si esta la deja entrar tendrá 90 segundos para hacer contacto y dejarla salir. La curiosidad de Mia la llevará a aceptar el desafío mientras todos la filman, sin esperar que esto sea un peligroso portal al más allá.

Los hermanos Phillppou saben cómo manejar la tensión y mantenerla en los 90 minutos de metraje. Esto es acompañado a su trama que si bien es cliché es más interesante de lo que aparenta, esconde alegorías sobre la depresión, las drogas y el manejo obsesivo de las redes sociales, todo esto en un ambiente juvenil e irresponsable.

Las actuaciones están excelentes ya que convence el terror que enfrentan los personajes, conmueve el trasfondo personal de los mismos y asusta el momento de posesión. Gracias a un buen maquillaje y efectos especiales, las escenas de máximo terror logran asustar sin la necesidad de jumpscares obvios.

El diseño y mezcla de sonido es inmersivo y terrorífico, sabe cómo helar los huesos desde la primera escena, esta es la muestra de lo que será la película. La trama es directa y no se toma el tiempo de explicarnos de dónde viene el mal o no hay un personaje que te diga toda la información que necesitas, va directo al grano y se agradece.

Háblame no destaca entre las mejores películas de los últimos años, pero es un resultado favorable para unos directores que nunca han hecho cine. Es una muestra de que con talento, recursos adecuados e ingenio se puede lograr un buen producto sin la necesidad de recurrir a un remake o reboot.

Disponible en salas argentinas desde el 10 de agosto.

Escribiò Sebastián Arismendi para La Butaca Web

Por Jorge Marchisio

Por fin llega a nuestros cines una de las películas más esperadas del 2023, Oppenheimer. Y es que este proyecto de Christopher Nolan, prometía ser igual de grande e importante, que el evento que retractan en la historia ¿Valió la pena tanto hype? Veamos.

Por si no saben, la historia sigue al científico Oppenheimer, considerado como El padre de la bomba atómica. A lo largo de tres horas, veremos como dicha idea germinó debido a la Segunda Guerra Mundial, y luego los pesares internos de la persona detrás de la bomba, al ver lo que su creación causó.

Voy a serles honestos. Si hay una frase que odio es la de “no es una película para todo el mundo”. lamentablemente este es uno de los casos donde se debe aplicar ese (mal) dicho; ya que no solo la duración puede ser un lastre para muchos, sino la narrativa misma. Esto lo digo porque todo el metraje se centra en el dialogo, así que olvídense de ver alguna escena de acción de esas a las que Nolan nos tiene acostumbrados. Todo es teorías sobre como crear tan infame invento y luego; bueno, la tercera hora se las dejamos a ustedes para que descubran de que va.

Pero lo mejor de Oppenheimer radica en sus actuaciones. Tanto Cillian Murphy en el rol principal, como Emily Blunt y Robert Downey Jr. se encaminan a sendas nominaciones en sus respectivos puestos. No aseguramos victorias, pero si que seria una tremenda injusticia si no los vemos peleando por los Oscar el año que viene.

La música es otro punto a destacar, estando a cargo de Ludwig Göransson, pero en modo Hans Zimmer; ya que sus composiciones son igualitas a las del famoso musico alemán que siempre trabaja codo a codo con Nolan. Y acompañan muy bien tanto las escenas dramáticas, como las de tensión previos a lo que todos sabemos que va a pasar.

Como gran punto en contra, vamos a nombrar la duración. Si, las tres horas se sienten, y si hilamos fino, podríamos decir que sobre todo al inicio, se podría haber adelantado un poco la historia, para ahorrarnos unos veinte minutos mientras se pasaba información mediante dialogo, y no vía imagen. Pero es eso solo.

Oppenheimer es el retorno del mejor Nolan tras una irregular Tenet. Haciendo una película basada en hechos reales a la antigua, sin dudas toda la joda alrededor del Barbieheimer, estuvo bien fundamentada con ambas entregas.



Calificación: 9/10

Lo mejor: las actuaciones, la música, la dirección, la ultima hora.

Lo peor: la duración.

De esta cinta quiza sea un poco escueto, pero realmente, me dejo sin palabras. Como Spielberg le supo decir bien claro a Tom cuando decidió lanzar Top Gun: Maverick en cines: «Le salvaste el culo a Hollywood».
Es una película impresionante. Desde ya, no se la pierdan en el cine, y mas si son fans de la saga, ya que el sonido envolvente y las frenéticas escenas que posee no te van a dejar ni que parpadees.

El cast es genial, cada personaje tiene bien marcado sus razones y sus porque. Hacen y dicen lo que tienen que hacer para que la cinta y su entorno fluyan de manera tal que te quedes hipnotizado con la trama.
Por un lado, la cinematografia y los planos te transportan a donde sea y el soundtrack/sonido es excelente, por ej. la escena del salto en moto es tan épico con ese silencio acertado que hasta los que estabamos viendo la peli nos quedamos boquiabiertos sin siquiera poder respirar o emitir sonido alguno.

Calificación: 10/10

Patricio Muller

En el fondo del abismo, hay cine argentino innovador


Es de común conocimiento que el cine argentino se ha especializado en dramas muy locales. Sucesos históricos, comedias familiares y una impronta muy porteña difícil de desprender. Este reduccionismo narrativo no es único de Argentina, toda latinoamérica se reduce a lo mismo, salvo muchas excepciones donde deciden arriesgarse e ir por más.

La ciencia ficción y terror son géneros que causan discreción dentro de la literatura y cine, en el caso del último, se debe a los recursos económicos que se necesitan para crear historias alejadas a la realidad local del país y con una proyección más internacional. Hubo casos fallidos como el de Granizo (2021) y casos exitosos como Moebius (1996). Temer mucho presupuesto no significa éxito, ingeniarselas y hacer un buen producto si.

«Me encontrarás en el fondo del abismo» es la tercera película del director argentino Matias Rispau, la cual escribe junto a Boris C.Q y es producida por su propia productora, Brainstorming films.

»Recorriendo edificios abandonados en busca de agua y alimento, Bannon remueve latas y cajas vacías, pero todo lo que encuentra son gritos desgarradores». Esta puede ser la premisa del filme pues la idea no es explicar de qué va sino sentirse en ella.

La fotografía de Rispau nos lleva a un lugar difícil de descifrar, puede ser en las afueras de Buenos Aires o en Detroit, lo que si se hace notar es que posee una esencia argentina. Los planos son cerrados pues vemos lo que el protagonista ve. Este punto de vista nos reduce pero también nos encierra, hace de la experiencia claustrofóbica y desesperante.

El rojo y el azul son los colores que más resaltan en la paleta, esto nos hace recordar a cualquier película de ciencia ficción que hayamos visto pero aun así la estética fotográfica es impecable, usando efectos prácticos y un CGI aceptable. Rispau sabe como ayudarse de la iluminación para optimizar recursos.

Martín Rispau es el protagonista de la historia, todo el peso lo lleva èl en sus hombros, nos transmite el miedo y la desesperación de su personaje, nos sentimos parte de la historia en este universo post apocalíptico donde los monstruos dominan el abismo.

Otro elemento bien atinado del filme es el diseño y mezcla de sonido. Es prolijo, creíble y sabe causar las sensaciones en aquellos sonidos y ruidos paranormales.

Me encontrarás en el fondo del abismo nos hace recordar a El eternauta, Alien, Stranger Things, La guerra de los mundos y A quiet Place. Son las mayores referencias que el espectador puede notar. Esto puede ser negativo o positivo dependiendo de donde se vea, pero cuenta con una ventaja; Es impredecible.

El mayor defecto son los huecos de la trama, hay muchas preguntas sin resolver y todo queda a la libre interpretación: ¿Qué acabamos de ver?, ¿De dónde viene?, ¿Por qué?

Como cortometraje hubiera sido un resultado estupendo pues estos no necesitan de tantas resoluciones pero al ser un largometraje, se nota la carencia de explicaciones. La incertidumbre flota en la sala.

Me encontrarás en el fondo del abismo es la muestra de que el cine argentino se puede reinventar y salir de su zona de confort. Una experiencia que tiene que verse en cine pues atrapa, atemoriza e inquieta.

Disponible en el cine Gaumont de Buenos Aires.

Calificación: 7/10

Escribiò Sebastian Arismendi para La Butaca Web.

Por Patricio Muller

Literal que es una linda aventura. Luego de mas de una decada , Indi junto con un Harrison Ford de 80 años, vuelve con otra última aventura.

Por un lado, la película no trae nada nuevo, si bien el personaje de Ford brilla como siempre a pesar de su edad, con esta cinta se busca mas la nostalgia para aquellos que aman o siguen la franquicia, sin embargo, es una pelicula muy disfrutable para todo publico y que ademas no hace falta haber visto las anteriores para ir al cine y desconectar un rato, el sentido de la aventura va a estar ahi.

Esta nueva entrega la dirige James Mangold, (el mismo de Logan) y no Spielberg, y creo que lo hace muy bien, tenemos también nuevas caras como Mads Mikkelsen haciendo del malo (cuano no…), Phoebe Waller-Bridge (que la rompió con Fleabag) y el queridísimo Antonio Banderas, dichos personajes le dan un aire nuevo al entorno del personaje, ya sea por sus formas de ser o sus ingeniosos trasfondos. Pero en resumidas cuentas, es un último baile; el último baile de Indiana Jones.

Calificación: 8/10

Por Patricio Muller


Como su predecesora lo supo hacer allá por el 2018 , revolucionar y sorprender con una dirección de arte y animación nunca antes vista. Across the Spider-Verse no es la excepción, en esta nueva aventura lo vuelve a hacer y con una historia que lejos de ser buena… es excelente.

Esta cinta es un popurrí de muchos hermosos factores que logran una perfecta armonia visual y sonora que no solo nos dejan entrever hasta donde ha llegado la animación sino que tambien el hecho de que si las cosas se las hace con amor, es muy probable que cosas como esta película florezcan.
Esos factores son: por un lado, la historia que ádemas de dejarnos la puerta abierta para otra entrega, nos aporta mas desarrollo y un excepcional arco narrativo de personaje no solo para Miles sino para todos aquellos seres queridos que lo rodean, y ádemas profundiza en la hermosa relación que nuestro querido personaje tiene con sus padres y en lo difícil que es ser Spider-man y en la responsabilidad que eso conlleva.

De la animación no hay mucho para decir, es mas de lo que vimos, una explocion visual de colores y texturas que es realmente impresionante. En lo sonoro se puede dividir en dos partes, la primera es el soundtrack que esta acertadisimo, y por el otro la edicion de sonido, que junto con lo visual te meten de lleno en la trama.

Y por último, lo bien utilizado que esta el humor y lo fantástico de los personajes a la hora de ser en medio de esos momentos, sin duda, una maravillosa aventura.

Calificación: 10/10

Beau Tiene Miedo, es una película, extraña, grotesca y arriesgada; pero dentro de todo lo que la engloba y en especial su locura, es una muy linda experiencia, aunque al menos yo, esperaba mas. Ari Aster nos arrastra de nuevo a su mundo, director que anteriormente había estado al mando de Hereditary (2018) y Midsommar (2019).

Voy a empezar por el porque esperaba mas y con un dato no menor, la película originalmente iba a durar unas tres horas y media, es decir, media hora mas de lo que pudimos ver, (a eso agreguenle que el guion original daba para unas 4 horas) y al menos de primera no se notan los cortes, pero una vez pasadas las escenas, un sentimiento de querer mas me inundaba la mente, no digo que esto sea un punto totalmente negativo, Midsommar tambien tuvo que ser recortada y es una maravilla. Por lo que tendremos que esperar a alguna edición Blu-Ray sin cortes para poder ver el material en todo su esplendor. Eso por una parte, por la otra, debo decir que la película empieza de una manera espectacular, con ese humor tan certero y peculiar que si no te hace largar una carcajada te saca una sonrisa seguro, pero a mitad del film un poco se cae el ímpetu de querer seguirle el hilo a la historia, porque basicamente se empieza a ir todo al extremo, demasiado al extremo diria, y este sentimiento de cara al final se va yendo, y un poco las cosas se ponen de nuevo en su lugar en la última media hora y que de hecho, te deja con ganas de mas.

Pero mas alla de esto, lo demas es todo excelente. Joaquin Phoenix hace un papel brutal. El humor es un punto fuertísimo a lo largo de toda la película y es lo que mantiene viva la esencia de la misma, y además, hay rupturas en el viaje del personaje, como casi todas las escenas del apartamento y los viajes al pasado y futuro, que junto con la puesta en escena hacen especial el extravagante y triste viaje de nuestro querido amigo que solo busca la verdad.

Puntaje 8/10

Por Romina Robledo

DESCUBRIENDO AL CHE: Hipótesis desordenada sobre quién fue el Che Guevara

Descubriendo al Che, se presenta en El Cultural San Martín, narra la hipótesis de cómo enfrentó Ernesto Guevara los momentos previos a su ejecución en Bolivia. La obra es dirigida por Matías Puricelli con libro de Miguel Lozupone, desarrolla los últimos días del Che y cómo se convierte de persona a mito. 

Desde una perspectiva innovadora sobre la vida del revolucionario argentino, se toman los momentos previos a su muerte y el vínculo con sus captores, este es el punto de partida para imaginar quiénes fueron las personas que pasaron por la cabeza del Che antes de morir. 

Esta obra nos deja ser testigos de los últimos encuentros que tuvo con las personas más relevantes en la vida de Guevara: Aleida, su esposa y compañera de lucha; Celia De La Serna, su madre; Fidel Castro su gran aliado, y Alberto Granado, su amigo incondicional.

La puesta en escena utiliza imágenes de archivo, filmaciones en vivo, música original, ambiente tenue y doce actores en escena. Sin embargo, la magia de la obra está dada mediante el relato de Matias Puricelli , quien narra, presenta a los distintos personajes y guía a los espectadores con sus palabras, logrando una dinámica con características de bio-pic. El relato es acompañado por dos cámaras en vivo que registran los momentos más íntimos de las escenas, además de proyecciones que brindan información documental para complementar la historia.  La obra tiene una continuidad narrativa que se centra en cuando el Che comienza a despedirse de su entorno cercano.

El objetivo de la obra es mostrar a Ernesto Guevara como humano más allá de la revolución o del líder político. Existen momentos en donde el humor se hace presente y hasta suenan cumbias y se arma el baile. La idea es descubrir al hombre detrás del mito en situaciones cotidianas e imaginarlo como un hombre de convicciones fuertes, a nivel político, pero también mostrar lo que no sabemos de él.

Descubriendo al Che, tiene la graduación justa entre teatro formal y teatro independiente, una obra atrapante, dinámica, entretenida y lograda hasta en los más mínimos detalles. Los doce actores en escena realizan un trabajo excepcional entrado, saliendo y participando en diferentes momentos. La obra se puede ver en la Sala B de El Cultural San Martín, las funciones son los sábados, a las 21; y domingos, a las 20.