Por Jorge Marchisio

Los juegos del hambre: balada de pájaros cantores y serpientes

Siguiendo una nueva moda, esta vez llega a nuestros cines una secuela de una saga ya establecida en la cultura pop, como es Los juegos del hambre. Titulada como Los juegos del hambre: balada de pájaros cantores y serpientes, esta película viene con claras intenciones de empezar una nueva saga, pero situada en el pasado. Veamos cómo les resultó la adaptación del libro homónimo.

La trama sigue a un joven Coriolanus Snow, quien pasa de ser uno de los jóvenes políticos más ascendentes, a tener que preparar a uno de los tributos de la décima edición de Los juegos del hambre. Lo que ni él mismo esperaba, era que esa chica a la que tiene que apadrinar, le iba a cambiar la vida para siempre, y el curso de Panem.

La verdad que a la hora de ver Los juegos del hambre: balada de pájaros cantores y serpientes no sabía con qué me iba a encontrar en el cine. Si bien había leído la trilogía madre, este cuarto libro ya me agarró muy de grande, no siendo el público objetivo y por ende ya con falta de interés. Quizás sea eso, o quizás sea que de verdad con todo lo que tenían para contar, eligieron lo menos interesante.

Y es que hubiera sido interesante que se nos relate la dichosa guerra que dividió a los distritos, o la primera versión de Los juegos del hambre y que fue lo que llevó a tan aberrante creación. Pero en lugar de eso, se busca humanizar al villano de la saga original, a sabiendas que, en dicha tetralogía fílmica, el personaje era un completo cabrón con el que era imposible empatizar.

Aparte que, si son fanáticos del lore de dicho universo, Los juegos del hambre: balada de pájaros cantores y serpientes contradice bastante de los sucesos relatados en los eventos que ya conocemos. Pero esto no es culpa de la película, ya que me contaron que dicho problema viene desde el libro.

Para salvar un poco este desastre tenemos a parte del elenco, compuesto por actores veteranos como Peter Dinklage, Jason Schwartzman o Viola Davis. Y digo por suerte porque la verdad es que ni Rachel Zeggler (a la que fuerzan a cantar constantemente para mostrar los dotes de la actriz) como Tom Blyth no transmiten absolutamente nada como la pareja principal.

En conclusión, Los juegos del hambre: balada de pájaros cantores y serpientes se siente como una precuela desperdiciada. No solo porque cuenta algo que pocos pedían y que fuerza la historia ya establecida por mero capricho, sino que en ningún momento transmite ese aire a desesperanza y posterior esperanza que se mostraba en Los juegos del hambre.

Calificación 5/10

Lo mejor: las actuaciones de los actores veteranos, que se siente un paso atrás con respecto a la tecnología de ese mundo.

Lo malo: humanizar al villano de la saga, las contradicciones, se siente una oportunidad desperdiciada.

Por Jorge Marchisio

Y con bastante indiferencia por el público en general, llega a nuestras salas de cines The Marvels, secuela de Capitana Marvel, y que buscaba darle un poco de aire fresco al personaje, cruzándola con otras féminas que tienen poderes similares. Veamos que resultó de todo esto.

Ahora retomamos la vida de Carol Danvers, quien se encuentra patrullando el espacio. Un día tras ser contactada por Nick Fury y su “sobrina” Monica Rambau, se topa con que una fanática Kree quiere robarles los recursos naturales a varios planetas; fragmentado el espacio-tiempo en el proceso. Y en el medio de todo esto, tenemos a nuestra querida Kamala Khan.

Si, lo primero que salta a la vista es que para aquellos que no vieron ni WandaVision ni Ms Marvel, no van a entender de donde salieron Monica Rambou y Kamala Khan; y si bien se hace una mínima mención de su pasado en la película; tampoco es justo que el espectador promedio se sienta en la obligación de ver todo lo que produce el tándem Disney/Marvel. Pero este no es el mayor de los males de The Marvels.

Si algo se acusaba a la primera cinta en solitario de Carol Danvers, era que resultaba intrascendente para con el MCU, y que, si no se la veía, en nada iba a cambiar la historia magna que se estaba contando. Bueno, eso mismo aplica a The Marvels, que salvo su única escena post créditos, poco aporta; y queda como solo una película para los fans del personaje y ya.

Uno de los puntos que más se venía criticando en el sub género de los superhéroes, era que el CGI daba vergüenza ajena (me acuerdo de Flash y lloro), bueno, esto en The Marvels se corrige, y salvo algún que otro fondo, todo es bastante creíble, aunque tampoco vemos nada muy original.

Pero lo que no se termina de corregir en el MCU es el tema de los villanos. Dar-Benn se va al numeroso grupo de malos olvidables que nos presentó la casa de las ideas, y encima que la actuación de Zawe Ashton es pésima; mal vamos. En este sentido la única que se salva es Iman Vellani como Kamala Khan.

En conclusión, The Marvels es una película solo para los fans más acérrimos de la franquicia, o de los personajes de Capitana Marvel o Ms. Marvel. En caso que no lo sean, no sé qué tanto les aconsejo ir a ver esto al cine.



Lo mejor: Iman Vellani, el dinamismo de las escenas de acción, el CGI no es tan malo.

Lo peor: lo intrascendente que es para el MCU y como película en si (salvo los posts créditos), el poco interés que genera el personaje.



Calificación: 6/10

El terror en habla hispana está conquistando la atención de los críticos en los festivales de alto renombre. España siempre fue reconocida por sus producciones en el género, pero Argentina tuvo su oportunidad este año al llevarse el SITGES, siendo la primera película Latinoamérica en alcanzar este premio enfocado en el horror y fantasía. Se puede hablar de una primavera de ideas en el país, conocido por sus dramas históricos o enfocados en Buenos Aires y su gente.
Demián Rugna comprendió la necesidad de abrir el abanico de ideas y sacar el cine de CABA y del drama, para ello nos trajo Aterrados (2018) y este año su gran estreno: Cuando acecha la maldad.

Escrita y dirigida por Rugna, Cuando acecha la maldad es un filme de terror puro que roza las categorías de Gore, fantasía, aventura y western. Dos hermanos que viven en una finca en el interior de Argentina (posiblemente del norte o la provincia profunda) se encuentran con un ‘’embichado’’, un hombre que pasa por un proceso de infección o posesión, al intentar deshacerse de él para que no perjudique al pueblo se desatará un mal incontrolable.
Ezequiel Rodríguez, Luis Ziembrowski, Demián Salomón, Marcelo Michinaux, Federico Liss, Sabina Sabater; encabezan el elenco de esta historia, siendo Ezequiel Rodriguez el antihéroe protagonista, un hombre que no es correcto ni ético pero que intenta salvar a su familia y a sí mismo.
Cuando acecha la maldad es una película que no da respiro pues desde el minuto uno somos lanzados a esta tierra maldita, somos testigos de su destrucción y vamos siguiendo la huida de los protagonistas, el escape contra el mal. Esta presencia difícil de clasificar afecta tanto animales como humanos sin discriminar. Rugna se apoya en los subgéneros de posesión e infección para mostrarnos su lado creativo, no repara en darnos planos sin cortes totalmente explícitos que causarán un impacto desmedido a la audiencia

Hay tripas, jumspacares imprevistos, gritos e histeria, caos. Una vez que arranca la acción el espectador tiene dos opciones: dejarse llevar o taparse los ojos. Rugna escogió a un talentoso equipo para realizar el maquillaje que permite hacer el gore real, también su fotógrafo Mariano Suárez sabe cómo entender las tinieblas de este campo. Por la parte de sonido, la banda sonora de Pablo Fuu es inmersiva y trepidante.
Cuando acecha la maldad refresca y enturbia el género de terror y logra lo que muchas producciones hollywoodenses no pueden lograr con sus constantes remakes o secuelas. Es talento argentino para el mundo.
Una experiencia aterradora, vomitiva, violenta y muy macabra.

Calificación 8.5/10

Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

El exorcista Creyentes se estrena siendo una secuela directa del clásico de 1973, pero se queda muy corta en lo que entrega al espectador.

Una de las mayores fallas de la película es su lentitud en la narrativa. Durante los primeros 40 minutos, prácticamente no sucede nada relevante, lo que hace que la historia se vuelva tediosa y pierda el interés del público. Incluso la incorporación del nombre de Regan, quien fue el personaje principal de la película original, parece ser un intento forzado de mantener la conexión con la historia original sin realmente aportar nada a la trama en sí.

Además, las actuaciones en general dejan mucho que desear. Aunque las niñas poseídas logran destacarse con sus interpretaciones, el resto del elenco no logra transmitir la intensidad y desesperación necesarias para hacer creíble la situación. Esto es especialmente decepcionante considerando la calidad del elenco de la película original, que elevó el cine de terror a otro nivel.

Quizás la única escena que se destaca técnicamente es la del exorcismo. Sin embargo, incluso aquí, las actuaciones de los personajes secundarios y la falta de química entre ellos hacen que la escena pierda impacto emocional.

En resumen, El exorcista: creyentes es una película que prometía mucho más de lo que en realidad entregó. Aunque el marketing fue llamativo, tanto el póster como la promesa de conexión con la película original, la falta de una trama intrigante, las actuaciones poco creíbles y el ritmo lento la convierten en una gran decepción. Si eres fanático de la película original, es probable que esta secuela no cumpla con tus expectativas y dejará un mal sabor de boca.

Calificación 4/10

«La Monja II» es la secuela directa de la película que trajo al personaje introducido en la segunda entrega de «El Conjuro». La trama nos lleva a un colegio católico luego de los eventos del primer film, donde el demonio sigue causando estragos.

En cuanto a la calidad técnica de la película, es más que aceptable y ofrece escenas de terror que pueden asustar al espectador. Sin embargo, a pesar de esto, la trama no aporta nada nuevo y llega a ser un tanto aburrida. Aunque el universo de «El Conjuro» ha sido exitoso, no ha logrado sobresalir más allá de las películas dirigidas por James Wan.

Un ejemplo de ello es «Annabelle», que en una de sus entregas logró acercarse al impacto de las películas originales del universo, aunque en menor medida. Por otro lado, el personaje de la monja, a pesar de su apariencia aterradora, no logra destacar en sus propias películas.

Si te gustó la primera película, «La Monja II» sigue en la misma línea, sin ofrecer muchas sorpresas. Es entretenida y no teme mostrar escenas en las que el demonio ataca a niños, pero le falta algo para destacar.

En resumen, «La Monja II» es una película de terror ligero que puede disfrutarse como una película pochoclera, pero no tiene muchas emociones y no logra superar las expectativas.

Calificación: 5.5/10.

Toc toc: Buenas ideas, ejecución regular

El año pasado tuvimos grandes entregas en el género de terror, entre ellas rescato una: Barbarian. Este filme del joven director Zach Cregger no es lo que parece pero mientras menos sepamos la experiencia será mucho mejor. Su narrativa va por capas hasta darnos plot twists interesantes con dosis de comedia ácida. Se remite a Barbarian pues los productores de la misma son los encargados de Toc Toc (Cobweb), la reciente entrega de Lionsgate.

Samuel Bodin realiza su debut en la pantalla grande en Toc Toc, de este director francés se conoce poco pero se evidencia un uso de estilo tomado en referencias o inspiración, entre ellos Barbarian y una que capaz no esperábamos: La maldición (Ju-On), la saga de terror japonesa de los noventa; también los cuentos de Edgar Allan Poe.

La película está protagonizada por Lizzy Caplan, Woody Norman, Cleopatra Coleman y Antony Starr. De la trama solo se puede decir que cuenta la historia de un solitario niño de 10 años que vive en una tétrica casa con unos padres controladores y misteriosos. El protagonista comenzará a escuchar sonidos (un toc toc) que viene de la pared pero estos se volverán voces y luego algo aterrador.

No se puede revelar mucho sobre Toc Toc pero el mayor error fue su poster oficial, este spoilea el giro de trama más importante. Pudo haber sido un autosabotaje pero como se mencionó en Barbarian, es mejor ver el filme sin saber mucho.

Toc Toc es tensa y deprimente, la atmósfera es lúgubre y la banda sonora igual. Su duración es corta (82 minutos), lo cual permite disfrutarla sin que nos cause tedio, aunque el final es decepcionante y quedan muchas respuestas en el aire (capaz se esperan secuelas), se siente inconclusa.

Las referencias a Ju-On son geniales y esto suma a los fanáticos del terror. Anthony Starr hace un papel estupendo, muestra esa dualidad que hace en The Boys pero dentro de un papel paterno, causa incomodidad y nerviosismo.Woody Norman a sus cortos 14 años se muestra con talento y un gran porvenir luego de llevar el peso de un protagónico.

Toc Toc cumple su función, no se le puede exigir nada más y hay que conformarnos con eso.

Calificación: 6/10

Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

El terror y la adolescencia

Si una película lleva el sello de A24 se vuelve un sello de venta, sobre todo en terror, siendo esta distribuidora la responsable de traernos películas que refrescan el tan gastado género, con jóvenes directores y nuevas ideas, un abanico de nuevas posibilidades de explorar el horror.

Los gemelos australianos Danny y Michael Philippou son los creadores del canal de Youtube RackaRacka, este posee un total de 6.7 millones de suscriptores y se encarga de recrear batallas, peleas, escenas y escenarios que fusionan personajes de la cultura pop. El ingenio de los hermanos es único y esto les llevó a dirigir su primer filme titulado ‘Hablame’ (Talk to Me, 2023). Se logró la hazaña mediante donaciones y las regalías que ofrece Youtube, sin experiencia en cine realizaron una de las películas de terror más interesantes del año.

Escrita por Danny Philippou y Bill Hinzman a partir de un concepto de Daley Pearson, la película está protagonizada por Sophie Wilde, Alexandra Jensen, Joe Bird, Otis Dhanji y Miranda Otto.
La película se desarrolla en una comunidad sin nombre en Australia donde los jóvenes pasan su tiempo en fiestas, drogas y redes sociales.

Una chica llamada Mia enfrenta una depresión silenciosa y se refugia en sus amigos que considera su verdadera familia. En Tiktok se hace viral un challenge que consiste en tocar una mano de madera y decir ‘Hablame’, la persona que lo haga verá un espíritu en particular, si esta la deja entrar tendrá 90 segundos para hacer contacto y dejarla salir. La curiosidad de Mia la llevará a aceptar el desafío mientras todos la filman, sin esperar que esto sea un peligroso portal al más allá.

Los hermanos Phillppou saben cómo manejar la tensión y mantenerla en los 90 minutos de metraje. Esto es acompañado a su trama que si bien es cliché es más interesante de lo que aparenta, esconde alegorías sobre la depresión, las drogas y el manejo obsesivo de las redes sociales, todo esto en un ambiente juvenil e irresponsable.

Las actuaciones están excelentes ya que convence el terror que enfrentan los personajes, conmueve el trasfondo personal de los mismos y asusta el momento de posesión. Gracias a un buen maquillaje y efectos especiales, las escenas de máximo terror logran asustar sin la necesidad de jumpscares obvios.

El diseño y mezcla de sonido es inmersivo y terrorífico, sabe cómo helar los huesos desde la primera escena, esta es la muestra de lo que será la película. La trama es directa y no se toma el tiempo de explicarnos de dónde viene el mal o no hay un personaje que te diga toda la información que necesitas, va directo al grano y se agradece.

Háblame no destaca entre las mejores películas de los últimos años, pero es un resultado favorable para unos directores que nunca han hecho cine. Es una muestra de que con talento, recursos adecuados e ingenio se puede lograr un buen producto sin la necesidad de recurrir a un remake o reboot.

Disponible en salas argentinas desde el 10 de agosto.

Escribiò Sebastián Arismendi para La Butaca Web

Por Jorge Marchisio

Por fin llega a nuestros cines una de las películas más esperadas del 2023, Oppenheimer. Y es que este proyecto de Christopher Nolan, prometía ser igual de grande e importante, que el evento que retractan en la historia ¿Valió la pena tanto hype? Veamos.

Por si no saben, la historia sigue al científico Oppenheimer, considerado como El padre de la bomba atómica. A lo largo de tres horas, veremos como dicha idea germinó debido a la Segunda Guerra Mundial, y luego los pesares internos de la persona detrás de la bomba, al ver lo que su creación causó.

Voy a serles honestos. Si hay una frase que odio es la de “no es una película para todo el mundo”. lamentablemente este es uno de los casos donde se debe aplicar ese (mal) dicho; ya que no solo la duración puede ser un lastre para muchos, sino la narrativa misma. Esto lo digo porque todo el metraje se centra en el dialogo, así que olvídense de ver alguna escena de acción de esas a las que Nolan nos tiene acostumbrados. Todo es teorías sobre como crear tan infame invento y luego; bueno, la tercera hora se las dejamos a ustedes para que descubran de que va.

Pero lo mejor de Oppenheimer radica en sus actuaciones. Tanto Cillian Murphy en el rol principal, como Emily Blunt y Robert Downey Jr. se encaminan a sendas nominaciones en sus respectivos puestos. No aseguramos victorias, pero si que seria una tremenda injusticia si no los vemos peleando por los Oscar el año que viene.

La música es otro punto a destacar, estando a cargo de Ludwig Göransson, pero en modo Hans Zimmer; ya que sus composiciones son igualitas a las del famoso musico alemán que siempre trabaja codo a codo con Nolan. Y acompañan muy bien tanto las escenas dramáticas, como las de tensión previos a lo que todos sabemos que va a pasar.

Como gran punto en contra, vamos a nombrar la duración. Si, las tres horas se sienten, y si hilamos fino, podríamos decir que sobre todo al inicio, se podría haber adelantado un poco la historia, para ahorrarnos unos veinte minutos mientras se pasaba información mediante dialogo, y no vía imagen. Pero es eso solo.

Oppenheimer es el retorno del mejor Nolan tras una irregular Tenet. Haciendo una película basada en hechos reales a la antigua, sin dudas toda la joda alrededor del Barbieheimer, estuvo bien fundamentada con ambas entregas.



Calificación: 9/10

Lo mejor: las actuaciones, la música, la dirección, la ultima hora.

Lo peor: la duración.

De esta cinta quiza sea un poco escueto, pero realmente, me dejo sin palabras. Como Spielberg le supo decir bien claro a Tom cuando decidió lanzar Top Gun: Maverick en cines: «Le salvaste el culo a Hollywood».
Es una película impresionante. Desde ya, no se la pierdan en el cine, y mas si son fans de la saga, ya que el sonido envolvente y las frenéticas escenas que posee no te van a dejar ni que parpadees.

El cast es genial, cada personaje tiene bien marcado sus razones y sus porque. Hacen y dicen lo que tienen que hacer para que la cinta y su entorno fluyan de manera tal que te quedes hipnotizado con la trama.
Por un lado, la cinematografia y los planos te transportan a donde sea y el soundtrack/sonido es excelente, por ej. la escena del salto en moto es tan épico con ese silencio acertado que hasta los que estabamos viendo la peli nos quedamos boquiabiertos sin siquiera poder respirar o emitir sonido alguno.

Calificación: 10/10

Patricio Muller

En el fondo del abismo, hay cine argentino innovador


Es de común conocimiento que el cine argentino se ha especializado en dramas muy locales. Sucesos históricos, comedias familiares y una impronta muy porteña difícil de desprender. Este reduccionismo narrativo no es único de Argentina, toda latinoamérica se reduce a lo mismo, salvo muchas excepciones donde deciden arriesgarse e ir por más.

La ciencia ficción y terror son géneros que causan discreción dentro de la literatura y cine, en el caso del último, se debe a los recursos económicos que se necesitan para crear historias alejadas a la realidad local del país y con una proyección más internacional. Hubo casos fallidos como el de Granizo (2021) y casos exitosos como Moebius (1996). Temer mucho presupuesto no significa éxito, ingeniarselas y hacer un buen producto si.

«Me encontrarás en el fondo del abismo» es la tercera película del director argentino Matias Rispau, la cual escribe junto a Boris C.Q y es producida por su propia productora, Brainstorming films.

»Recorriendo edificios abandonados en busca de agua y alimento, Bannon remueve latas y cajas vacías, pero todo lo que encuentra son gritos desgarradores». Esta puede ser la premisa del filme pues la idea no es explicar de qué va sino sentirse en ella.

La fotografía de Rispau nos lleva a un lugar difícil de descifrar, puede ser en las afueras de Buenos Aires o en Detroit, lo que si se hace notar es que posee una esencia argentina. Los planos son cerrados pues vemos lo que el protagonista ve. Este punto de vista nos reduce pero también nos encierra, hace de la experiencia claustrofóbica y desesperante.

El rojo y el azul son los colores que más resaltan en la paleta, esto nos hace recordar a cualquier película de ciencia ficción que hayamos visto pero aun así la estética fotográfica es impecable, usando efectos prácticos y un CGI aceptable. Rispau sabe como ayudarse de la iluminación para optimizar recursos.

Martín Rispau es el protagonista de la historia, todo el peso lo lleva èl en sus hombros, nos transmite el miedo y la desesperación de su personaje, nos sentimos parte de la historia en este universo post apocalíptico donde los monstruos dominan el abismo.

Otro elemento bien atinado del filme es el diseño y mezcla de sonido. Es prolijo, creíble y sabe causar las sensaciones en aquellos sonidos y ruidos paranormales.

Me encontrarás en el fondo del abismo nos hace recordar a El eternauta, Alien, Stranger Things, La guerra de los mundos y A quiet Place. Son las mayores referencias que el espectador puede notar. Esto puede ser negativo o positivo dependiendo de donde se vea, pero cuenta con una ventaja; Es impredecible.

El mayor defecto son los huecos de la trama, hay muchas preguntas sin resolver y todo queda a la libre interpretación: ¿Qué acabamos de ver?, ¿De dónde viene?, ¿Por qué?

Como cortometraje hubiera sido un resultado estupendo pues estos no necesitan de tantas resoluciones pero al ser un largometraje, se nota la carencia de explicaciones. La incertidumbre flota en la sala.

Me encontrarás en el fondo del abismo es la muestra de que el cine argentino se puede reinventar y salir de su zona de confort. Una experiencia que tiene que verse en cine pues atrapa, atemoriza e inquieta.

Disponible en el cine Gaumont de Buenos Aires.

Calificación: 7/10

Escribiò Sebastian Arismendi para La Butaca Web.