Las lágrimas y el viento de otoño en la costa

Toto Castañeira dobla las expectativas en una puesta en escena desafiante, explosiva y frenética para su nueva obra »Las lágrimas de los animales marinos», presentada el pasado 15 de octubre en el Teatro Cervantes.

Junto a un gran equipo de actores, bailarines de danza interpretativa, extras, músicos y espectáculo, este drama familiar nos lleva a la costa argentina en otoño o en invierno. Un nieto debe enterrar a su abuelo, en un viaje de emociones junto a su mejor amiga y su posible enamorado, las heridas comenzarán a abrirse con la esperanza de que el salitre las sane.

“Un mar de lágrimas. Camino por la orilla, me acerco a su quejido, al de sus olas contra las rocas. Una cursilería. En este presente el tiempo parece suspendido. Como si esto fuese posible. Camino por la orilla, en un tiempo, por fuera del tiempo de la “temporada”. Es uno de esos días fríos en la costa, cuando los balcones también quedan suspendidos, vacíos. Y la ciudad es abandonada, arrojada a un clima que no es verano, no es otoño, ni ninguno de los demás climas. Estar solo en la ciudad costera puede ser, es, de una hermosa densidad». En palabras  del propio Castañeiras el cual dirige y escribe esta obra íntima y eléctrica.

El elenco juvenil es inmenso y todos merecen ser nombrados:Chacha Alvarado, Guillermo Angelelli, Gregorio Barrios, Gonzalo Carmona, Payuca, Ignacio Torres, Boris Bakst, Oliver Carl, Rocío García Loza, Lucía Gómez, Julieta Laso, Lucio Mantel, Marcelo David Martínez, Maximiliano Más, Damián Pleitto Castillo, Ezequiel Posse, Julieta Raponi, Consuelo Rodríguez Fierro y Jorge Thefs. Desde actuar, bailar, cantar y ser parte misma de la escenografía y su montaje; este grupo de  jóvenes promesas entrega todo para hacer el material de Toto físico y sentido.


Lucía Gómez, Julieta Laso, Lucio Mantel y  Maximiliano Más, son los músicos en escena. Mediante guitarras a ritmo de rock progresivo, sonidista y la potente voz de Lucía Gómez, el grupo encaja para dar el sonido y melodía exacta al momento y emoción.

No se puede dejar a un lado el gran trabajo de Gonzalo Córdoba Estévez; el escenógrafo no crea una puesta sino varias que se van armando y desarmando con ayuda de los extras. Una casa en la costa que surge de a poco hasta convertirse en la playa de la despedida.

Las lágrimas de los animales marinos está disponible de Jueves a Domingo en el Teatro Cervantes.

Escribió Sebastián Arismendi para La  Butaca Web.

Por Nancy Benegas 

Sinopsis

Un cumpleaños sorpresa reúne a un grupo selecto de invitados. Ante la espera del propio agasajado, una serie de situaciones lleva a interactuar a los presentes para descubrir en realidad que no se conocen entre ellos. Si bien esperan a la misma persona intuyen que algo extraño está sucediendo sin poder precisar que es. Será Danilo, el protagonista, quien a través de un sueño lucido nos sumerja en la verdadera razón e importancia de reunirlos en la búsqueda de respuestas que quedaron pendientes en el pasado.

Reseña 

Comedia dramática que desde el humor se atreve a hablar muy en serio de los vínculos femeninos más relevantes en la vida del protagonista; como las circunstancias y el crecimiento personal propio del paso del tiempo, lo llevan a buscar en el presente la forma de resolver aquellas cosas que quedaron pendientes en su pasado.

Un guion bien logrado con diálogos emotivos que se atreve a profundizar en la complejidad de las relaciones humanas, el poder de perdonar, la identidad y el auto descubrimiento. Una obra intensa y emotiva con actuaciones convincentes de cada uno de los artistas bajo la prolija y cuidada dirección de Pablo Bellocchio.

Antes de que abras los ojos es una propuesta distinta con una dinámica particular para  reír y emocionarse, su trama tiene esos sutiles detalles que te sumergen en la historia y te permiten sorprenderte hasta el final. 

Detalle 

La obra se estrenó por primera vez en 2017, siete años después vuelve a escena con varios cambios generales  y una versión más extendida que la primera. 

Ficha Técnica

Dirección: Pablo Bellocchio

Reparto: Nicolás Acosta, Patricia Domínguez, Luli Duek, Jorge Gentile, Mariana Nobre y Monita Silva

Duración: 60 minutos

Puntaje: 8/10

Funciones: Domingos 17.30 h, en el Teatro Bar Nün, Juan Ramírez De Velasco 419 

Por Nancy Benegas

Sinopsis
La obra parte desde la conversación de dos amigas contando los inconvenientes de las que son parte en ese momento, y se traslada a las vivencias de las mujeres que marcaron su destino. Mujeres que convivieron con su propia censura, sus propias limitaciones, sus propios miedos. El relato mostrará el camino trazado en sus vidas para tratar de liberarse de los viejos mandatos impuestos.

Reseña
Se apagan la luces y empieza la obra, así a oscuras esos primeros segundos marcan de alguna manera el trayecto que se comienza a recorrer. A lo largo de 60 minutos varias historias de ayer, hoy y siempre con las mujeres como protagonistas, nos harán atravesar una amplia gama de emociones. Emociones para reflexionar y cuestionarse desde el humor y la emoción.

Con una puesta de escena simple y bien lograda, las historias se suceden ante un escenario que viste de rojo, un color nada casual ya que el mismo implica sensaciones de energía, emoción y, según algunas culturas, evoca la hipocresía, algo que no pasara por alto el relato y puede relacionarse perfectamente al presente donde vale el escándalo por sobre el verdadero discurso que quiere trasmitirse.
Enfocada desde un lugar donde los mandatos maternos, sociales, y todas aquellos cuestionamientos con los que moldearon ideas tiempo atrás, hoy, generación tras generación se insta a romper los moldes a no darlos por sentado y porque no, cambiar las reglas del juego. Una aventura con un desarrollo ágil, dinámico y bien contado, con buenas actuaciones generales, se destaca María Ángeles Messineo  por la misma impronta que su personaje requiere.
Excelente los pequeños momentos musicales que se crean y la buena elección de canciones para acompañar el relato. Interesante los recursos empleados para contar cada momento y el buen uso que le dan al espacio.

Hay un pequeño momento incomodo, voy a decir baño como pista, que en lo personal podría decir fue innecesario, quizás repensando la obra en este mismo momento fue una incomodidad perfectamente analizada para ponerla en aquel contexto pero, la hubiera evitado o transformado, algo que ante la situación representada le daría mayor importancia al dialogo logradísimo que mantenían los personajes.

Detalle
Conocí a la directora, Klau Anghilante, quien estaba presente en la función, y me encanto su genuina emoción. Algo que tiene que ver con el modo en que cuenta la historia desde esa bella sensación de “sentir” que llega a todos los que fuimos testigos de su obra desde la butaca.

Ficha Técnica
Dirección: Klau Anghilante
Reparto: Tatiana Conde, Lucia Díaz, Ce Foster, Luciana Guacci, Ana Masotta, María Ángeles Messineo
Duración: 60 minutos
Puntaje: 9/10
Funciones: Domingo 20.30 h en el Teatro Abasto Social Club en Yatay 666

El domingo pasado tuvimos el gusto de asistir al estreno, en Paraje Artesón, de “La catedral sumergida” escrita por Enrique Papatino y dirigida por Sandro Mlynkiewicz. Actúan Florencia Bartolacci, Gabriela Capurro y Ariel Ragusa.

Es la historia de Waldo( Ariel Ragusa), un escritor y editor de textos que se encuentra en un bloqueo creativo en relación a una obra literaria propia que no puede resolver. Convive con su esposa Ana( Gabriela Capurro) y conoce en una cafetería a Julia(Florencia Bartolacci), una joven que lo moviliza. Hasta aquí, que son los dos primeros tercios de la obra, es una historia cotidiana más pero reflota un nudo sorprendente que yuxtapone todo con un nuevo sentido, fantasmal y mucho más profundo.

El texto de Enrique Papatino es muy bueno y es una obra que nos dice, nos invita a que confiemos y nos dejemos llevar y sorprender más seguido por la mirada y la propuesta de los artistas y del teatro. Es una obra totalmente sincera en cuanto a los deseos y las verdades más íntimas de un ser humano, trasciende por su autenticidad.

En la musicalización pudimos oír “Bombachitas rosas” de Las Pelotas y también oímos música celta en el relato que se hizo de la leyenda de la catedral sumergida.

La obra “La catedral sumergida” con una modesta producción y puesta, buenas actuaciones y con un buen manejo del espacio en los diferentes escenarios que la obra requirió nos sumergió, nos emergió y nos hizo reflexionar sobre la fragilidad de la realidad y su complejidad. Se disfrutó y se recomienda.
Las funciones son: domingos 20hs en Paraje Artesón, dirección Palestina 919 timbre 2 Barrio de Almagro.



Matías Vanacor para La Butaca Web

El campo argentino como el campo de la batalla de clases

Se dice que ocho personas son los dueños de todo el campo, más allá de la discusión política, es claro que todo el poder de Argentina radica en el campo. Soja. trigo, maíz, girasol, vacas.

¿Quién es el dueño?, ¿Quiénes son ellos?, los que están al otro lado de la cerca, aquellos que no forman parte de la topografía delimitada.»Dos hombres. Ellos y el campo, se enfrentan sobre un ruido dialéctico. Una sátira sobre el deseo de “pertenecer” de formar parte de una tribu a cualquier precio».  Es la sinopsis de  Yunta, la versión libre de Adriana Roffi de »Opa La La» de Joaquín Daniel.

El campo es recreado por Gustavo Acevedo; el artista construye hasta el mínimo detalle del exterior de una chacra en el medio de la pampa argentina. Al fondo, un cuadro abstracto que produce temor y poder, en el medio, dos personajes que creen ser uno pero en realidad son dos.
La dupla de esta obra está conformada por Matías Broglia y Pedro Risi; ambos representan las dos clases sociales más marcadas de la pampa argentina: el terrateniente y el gaucho.

Matías Broglia es onomatopéyico y explosivo en su papel, sabe cómo enmascarar cuestionamientos y la verdad dentro de la inocencia e ignorancia de un simple gaucho, en realidad este personaje va a sorprender pues nada es lo que parece. Transmite emociones que van desde la risa y empatía, su perfomance se enmarca entre los mejores de su carrera. Pedro Risi es su contraparte, representa muy bien al »garca» de campo, ese que marca la diferencia de clases; un personaje despreciable, perverso pero en el fondo muy solitario; el actor sabe cómo dar las capas para hacer de un villano, un humano más.

Yunta va más allá de una presunta comedia, es una crítica muy directa a la eterna batalla de clases que se da en la chacra, más allá de Buenos Aires, en lugares donde no llega la justicia y sobrevive el más fuerte.

Disponible los domingos a las 20:30 en el Teatro El Grito.

Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

Por Nancy Benegas

Sinopsis
Sergio, vive encerrado en su departamento contemplando su amor por el cine. A partir de los recuerdos que se desprende de lo que se refleja en la pantalla del televisor, se desataran  vivencias de las diferentes etapas de su vida, entre ellas, algunas no tan gratas que debe enfrentar para avanzar en su  presente.

Con las recurrentes llamadas telefónicas de su psicoanalista emprenderá un camino de encuentro con su propio pasado. Una comedia dramática contada en tono de humor, donde el protagonista nos sumergirá en su narrativa para hablarnos sobre temas como aquel primer amor, las relaciones familiares, el hostigamiento en la escuela y su propia rebeldía.

Reseña
En el fondo todos somos un pedacito de él. Él, es Sergio, que atravesado por su amor al cine buscara en un viaje profundo y alocado sanar las viejas heridas del pasado que siempre repercuten en su presente. A modo de protagonista de su propio film, hablara de los villanos que marcaron su propia vida y será capaz de hacernos un poco parte de ese universo.

V.H.S. tiene un camino simple de humor e identificación a lo cotidiano, es un recorrido bizarro y profundo que interpela aquellas cosas que nos marcan para siempre. Infancia, familia, amores contados  en un recorrido amoroso  e interesante de su historia.
Un unipersonal en donde a  Nicolás Capristo en su rol de Sergio, se lo ve cómodo y comprometido, pasa algo muy lindo en ese encontrar complicidad con el público que cambia bellamente la dinámica de la obra y genera una frescura especial al momento.
Muy buen detalle de la puesta en escena, desde las luces hasta cada objeto con los que el personaje se relaciona, incluido el  vestuario.

Detalle 
Disculpas, pequeño spoiler!!! la trama comienza con el final de la película Forrest Gump y un planteo para la vida misma muy interesante… a partir de ahí es dejarse llevar por este fantástico universo de locura.

Ficha Técnica
Dirección: Tomás Soko
Intérprete: Nicolás Capristo
Año/País: 2024 – Argentina
Duración: 65 minutos
Puntaje: 8/10
Funciones: Sábados 21 h, en el Teatro Beckett, Guardia Vieja 3556.

POR MARÍA FLORENCIA GORINI.

Una mujer, Juana es su nombre : ella se conecta entre las diversas Juanas del pasado, no quiere ocultarlo, quiere mostrar quiénes fueron y la importancia de comprenderlas. Vivir y entender un poco las experiencias de cada una de estas poderosas mujeres.

Papisa Juana: mujer que se disfrazó como un hombre y logró así convertirse en Papa.
 Juana de Arco: una de las grandes heroínas de la historia quien participó de la Guerra de los Cien Años.
Juana la Loca:  reina legítima de España según algunos víctima de una conspiración; según otros, a causa de una innegable enfermedad mental.
 Juana Inès : escritora y poeta  más importante de la época colonial y una pionera del feminismo.
Juana Doña: Escritora, feminista y dirigente comunista

Deslumbrante es la palabra indicada para esta obra , brillante puesta en escena donde se construye un clima tenso y poético entre coreografías, la voz de los  personajes  y el paso de una «reencarnación» a otra.Es notable la dedicación y el ensayo de parte de los artistas en escena, poder luego de tanto movimiento y ejercicio coreográfico,  postular la voz, requiere de mucha práctica. 
El nivel fotográfico, el ritmo a la par de la música y el trauma que genera es lo más detallado de esta obra, con una pizca de delicadeza y de incertidumbre , tan bien lograda y organizada. Como conclusión: una obra muy trabajada y definida ante todo su aspecto.

A mi parecer uno la puede valorar màs ya habiendo investigado sobre el tema , sobre las distintas «Juanas» y sus vidas, para así poder meterse màs en la historia y quién es cada quién en ella. Dejando en claro ese consejo, la super recomiendo .

Las funciones serán de jueves a sábados a las 20 horas, y los domingos a las 19 horas.

Duración: 80 minutos



Juana es una coproducción entre Club Media y el Complejo Teatral de Buenos Aires, dependiente del Ministerio de Cultura de la Ciudad.

SE PRESENTARÁ EL PROXIMO 7 DE OCTUBRE CON ENTRADA LIBRE Y GRATUITA

Por Nancy Benegas

Sinopsis
Cuatro historias muy diferentes, o quizás no tanto, unidas por un punto en común… la emergencia que impone vivir en una sociedad que parece ir demasiado rápido. La obra habla sin tapujos de temas como encontrar el trabajo que nos posicione en la vida para probar a otros que somos suficientes, quedarnos enmarcados dentro los condicionamientos sociales impuestos, la constante comparación con el espejo ajeno y siempre bastantes más perfecto que el nuestro, el forzarnos a copiar el modelo que nuestra familia pretende que seamos. 45 minutos de vértigo para inspeccionar en que lugar de la carrera de la vida estamos parados mientras nos reímos un rato.

Reseña
Una obra provocadora e incómoda. De esas que no pasan desapercibidas y te obligan a cuestionarte. Sea cual sea el momento en que seas espectador de la obra, es imposible no sentirse identificado por alguno de sus personajes.
La sala tiene las luces tenues y cuatros personajes no paran de moverse al compás del inquietante sonido de un violonchelo. De fondo, un reloj marca exactamente 45 minutos. Bajo esta premisa bastara que el reloj comience la cuenta regresiva para que dentro de un cuadro muy bien delineado cuatro personajes interactúen frenéticamente logrando de manera provocadora cumplir con su objetivo. Incomodidad… esa es la primera palabra que viene a mi mente. Incomodidad que te saca de la zona de confort y te invita a cuestionar los tiempos actuales. Incomodidad que sin dudas te va a identificar con alguno de los personajes. Incomodidad porque si bien la obra ya lleva cuatros años en cartelera podría parecer recién escrita. Incomodidad que invita a que no te distraigas y estés siendo parte de la propuesta. Maravillosa incomodidad.
Excelente puesta en escena, el aporte de cada detalle tan sutil e intimidante, como las luces, la música, los sonidos, el reloj, etc, logran que en su totalidad se brinde una gran obra.

Detalle
Que maravillosas propuestas logra llevar a escena el teatro independiente. Contando historias breves, bien contadas y realizadas. Muy buenos actores que aún no son tan reconocidos popularmente y sin embargo, muchos son mejores que los que se vislumbran en las grandes carteleras.

Ficha Técnica
Dirección: Federico Nanyo
Reparto: Eugenia Fernández, Ezequiel Esteban Martínez, Bruno Rondini y Jowy Sztryk
Año/País: 2024 – Argentina
Duración: 45 minutos
Puntaje: 10/10
Función especial: El próximo Lunes 7 de octubre a las 20 hs la obra se presentara en la Fundación Sagai, ubicada en 25 de Mayo 586, por única vez con entrada libre y gratuita

Tuvimos el gusto de asistir, en el cálido Tadrón Teatro, al estreno de “El crímen de San Patricio” escrita y dirigida por Elba Degrossi, actúan Dolores Cano, Guillermo Flores, Melody Llarens y Julián Pardo. Es una obra ficcionada y basada en el asesinato de tres curas y dos seminaristas palotinos en la iglesia de San Patricio del barrio de Belgrano de la Ciudad de Buenos Aires, Padre Pedro Duffau, Padre Alfredo Leaden y el Padre Alfredo Kelly y los seminaristas Salvador Barbeito y Emilio Beire, hecho real que sucedió el 4 de Julio de 1976 durante la última dictadura militar.

La obra inicia y se desarrolla alrededor de una escena en que el organista de la iglesia regresa después de muchos años a despedirse de su órgano( qué maravilla sonaba Bach recuerda), tal vez en busca de nuevas respuestas y sentidos al re-encontrarse allí pero el atroz recuerdo lo invade. Se reencuentra allí con una sirvienta y con la madre de uno de los seminaristas, entre ellos vuelven a recordar cuán buenos eran los sacerdotes y seminaristas con los más necesitados y cuán injusto fue todo.

En la música, que es en vivo, pudimos oír gratamente al músico Mariano Schneier con una serie de instrumentos e instrumentación bien interesantes, piano eléctrico, bongos tocados con baquetas como timbal, xilofón tocado con arco, platos y pezuñas y un instrumento de viento africano que logró protagonismo. El músico que denota experiencia llevó muy bien los momentos y los climas, todo con un criterio de pequeña orquesta.
También pudimos oír musicalización desde los controles técnicos de sonido, como ser el aria “Lascia ch’io pianga” de Handël.

La obra “El crímen de San Patricio” es una propuesta interesante, emotiva y bien lograda. Con buenas actuaciones y con un texto que cuenta y revisa nuestra compleja historia, desde una parte no tan conocida, pensada y divulgada. Se disfrutó y se recomienda! Las funciones son Viernes 21:30 en Tadrón Teatro, Niceto Vega 4802(CABA).



Matías Vanacor para La Butaca Web

Por Nancy Benegas

Sinopsis
Cuenta la leyenda que en 1934 un ya reconocido Carlos Gardel, mientras filmaba en Nueva York, más precisamente cantando para la cadena NBC, recibió la visita de dos admiradores, quienes luego de escuchar al artista argentino quedaron muy impresionados con su música y no dudaron en acercarse a saludarlo.

Él, un joven de solo 18 años, se presentó ante el Zorzal criollo como Francesco Albertino Sinatra Agravantes; llegó hasta el lugar acompañado por su novia Nancy Barbato. Mesclando un poco de inglés, español y algo de italiano en su conversación, fue Nancy quien le expresó a Gardel que su novio dejaba pasar el tiempo desperdiciando su talento vocal.

Tal fue la empatía que el artista argentino sintió por el joven Francesco, que no dudo en comparar su propia experiencia de juventud con la vida que llevaba el recién conocido; Frank ya por aquel entonces no solo había perdido varios trabajos, sino que también había visitado la cárcel por rodearse de malas compañías.

Sin dudarlo, Carlos le recomendó que aprovechara la oportunidad de estar, visitando la radio, y se anotara al concurso de cantantes conocido como Major Bowes Amateur, programa conocido por descubrir y promover nuevos talenteos. No tenía nada que perder probando suerte ante aquella oportunidad. El purrete no solo se presentó, sino que ganó aquella convocatoria lo que le permitió hacer una gira financiada por el empresario y productor del evento. El mundo lo recordará siempre como La Voz, Frank Sinatra.

Reseña
Basado en esta popular historia que alimentada por los años sigue manteniendo vigencia, el Teatro Astral lleva a su imponente escenario una obra que no solo evoca a estos dos emblemáticos artistas, sino que, de principio a fin, al igual que el buen tango, emociona, apasiona y claro… enamora.
Aplauso de pie no solo a las actuaciones muy bien caracterizadas de Oscar Lajad y Ala Madanes como los mismísimos Carlos Gardel y Frank Sinatra, sino a la interpretación sentida y emocional de la orquesta ejecutando tangos memorables como Caminito, Cambalache y Volver entre mucho otros. Muy buena recreación del vestuario y la escenografía de los años 40.
Cuando Carlos conoció a Gardel es de esas obras donde nada debe envidiarse de los grandes espectáculos del mundo, sino que nos deja sentir un profundo orgullo del talento que ilumina la calle Corrientes.

Detalle
Hay controversia por el gusto de escuchar tango en inglés. Cuando las letras y melodías de las canciones son tan bellas y están tan bien interpretadas el idioma nunca es un límite para disfrutar de un gran show.

Ficha Técnica
Dirección: Natalia Del Castillo
Reparto: Oscar Lajad, Alan Madanes y Antonella Misenti
Año/País: 2024 – Argentina
Duración: 80 minutos
Puntaje: 10/10
Funciones: Miércoles, Jueves, Viernes y Sábados a las 20 hs y Domingos a las 18.30 hs. En el Teatro Astral, Avenida Corrientes 1639.